Premios Oscar 2021 : un rompecabezas internacional

La 93 ceremonia de entrega de los Premios Oscar, los más prestigiosos de la cinematografía mundial, tendrá lugar el próximo 25 de abril de 2021. Para los candidatos que ese día se encuentren confinados a causa de la pandemia, y no puedan o no quieran desplazarse hasta Los Angeles –donde tradicionalmente se celebra la gala de los Oscar’s-  los organizadores han declarado a la Agencia France Presse que van a poner a su disposiciones sitios de Internet vía satélite en París y en Gran Bretaña, desde los que podrán seguir el evento e incluso, en caso de resultar premiados,  recoger su estatuilla y pronunciar las consabidas frases de agradecimiento, en forma virtual.

Está previsto que los presentadores de la ceremonia se encuentren en la Union Station, la principal terminal ferroviaria  de Los Angeles –que cuenta con 14 vías y ocho andenes centrales-, a la que irán accediendo los nominados categoría por categoría, pero “los productores quieren preparar algo especial para el sitio británico”, cuyo emplazamiento no ha sido desvelado, lo mismo que para el “sitio satélite” de París, según informa hoy el boletín digital de cultura del canal público France Télévisions. La parte de espectáculo de la ceremonia –actuaciones de humoristas, bailarines y cantantes, principalmente- tendrá lugar en el Dolby Theatre, el tradicional escenario de la ceremonia de entrega de los Premios Oscar.

Inicialmente, los organizadores de los Oscar’s se habían negado a considerar a candidatos que no pudieran desplazarse lo que, en el mejor de los casos, iba a suponer que para no perderse el festejo  muchos artistas extranjeros tuvieran que burlar  los confinamientos en sus respectivos países, y efectuar una cuarentena en Estados Unidos. Ante las críticas, los organizadores han encontrado esta solución aunque advierten que van a limitar la máximo las intervenciones vía internet “que han despertado tantas decepciones y críticas en anteriores ceremonias”, como la de los recientes Golden Globes a finales de febrero.

Por ello, los organizadores piden a los nominados que hagan todo lo posible por desplazarse a Los Angeles, donde habrá una alfombra roja “reducida”, e invitan a todos los asistentes a “auto-aislarse” durante los diez días anteriores y a que eviten frecuentar gimnasios y restaurantes.

Entre los nominados de este año se encuentran  ocho actores y una realizadora británica, el guionista francés Florian Zeller (por “El padre”), el realizador danés Thomas Vinterberg, la actriz búlgara Maria Bakalova y la surcoreana Youn Yuh-Jung (por “Minari”).

 

“Los Estados Unidos contra Billie Holiday

 

Dirigida, coescrita y producida por Lee Daniels (“Precious”, “El mayordomo”), “Los Estados Unidos contra Billie Holiday”  es un biopic de una de las mayores cantantes de jazz de todos los tiempos, y su tormentosa relación con la fama, la adicción a las drogas y el amor. La cantante Andra Day, ganadora del Globo de Oro 2020 a la mejor actriz, en su primer papel protagonista para la pantalla grande es la encargada de dar vida y voz a la gran estrella del jazz Billie Holiday. Le acompañan en el reparto, entre otros,  Trevante Rhodes (“12 valientes”,” Moonlight”), Natasha Lyonne (“ Orange is the New Black “ serie TV]) y Garrett Hedlund (“Mudbound: el color de la guerra”, “ Tron: el legado”). Inspirada en el éxito de 2015 publicado por el  New York Times “Chasing the Scream: The First and Last Days of the War on Drugs”, escrito por el periodista Johann Har, este drama musical pone el acento en los años 1940 cuando la legendaria Billie Holiday era el objetivo del Departamento Federal de Narcóticos en una operación de infiltración dirigida por el agente Jimmy Fletcher -con el que supuestamente tuvo una relación tumultuosa- que llegó hasta el punto de convencer a uno de los ex maridos de la cantante para que introdujera heroína en su lecho de muerte. Billie Holiday fue una cantante electrizante, La película, que a pesar de su innegable interés no responde a las expectativas, se salva por la brillantísima interpretación de Andra Day, y sobre todo por la calidad sublime de la música que acompaña todo el relato. A pesar de contar con muchos elementos para conseguir una excelente película  -la infancia de Billie en la que fue víctima de abusos, la madre en un burdel, las adicciones, los sucesivos maridos, el agente encargado de su vigilancia y la emblemática canción “Strange Fruit” que denunciaba los linchamientos de negros en el racista Sur (considerada el primer canto de reivindicación de los derechos civiles y resucitada en los últimos meses a raíz del asesinato de George Floyd por un policía que le asfixió, y cuyo juicio acaba de comenzar)- el director Daniels, en mi opinión no los ha barajado bien. En una historia llena de agujeros negros, faltan evidencias del contexto segregacionista que, por ejemplo, obligó a Billie Holiday a abandonar el grupo de Artie Shaw porque no podía hacer una gira con artistas blancos. La condena en 1947 de Billie Holiday de un año y un día por posesión de estupefacientes fue el primer capítulo del acoso de las autoridades contra la cantante por su empeño en seguir interpretando “Strange Fruit”. Sin embargo, ese acoso en la película se tiñe de romanticismo al mezclarla con su relación con el agente encargado de seguirla y espiarla. Esta es solamente una de las muchas tóxicas relaciones de Billie con los hombres que la acompañaron en su corta vida (falleció con 44 años): sus compañeros, maridos e incluso managers, con frecuencia más parecidos a proxenetas. La película comienza con el rechazo en 1937, en el Congreso de Estados Unidos, de la Ley contra el linchamiento, y termina recordando que esa ley, presentada de nuevo en febrero de 2020, todavía no ha sido aprobada. No es esta la primera vez que el cine cuenta la historia de Billie Holiday:  en 2019, el realizador James Erskine presentó el documental “Billie”, basado en decenas de entrevistas realizadas por la periodista fallecida en 1978 Linda Lipnack Keuhl, biógrafa de la cantante. Y en 1972, la cantante Diana Ross se metió en la piel de Billie en la película “The Lady Sings  the Blues”, de Sidney J. Furie. “Los Estados Unidos contra Billie Holiday” se estrena este miércoles santo, 31 de marzo de 2021.

 

 

 

 

«La última primavera»: La Cañada Real se cuela en la gran pantalla

La realizadora hispano-alemana Isabel Lamberti, con experiencia en el cortometraje y conocida como directora de la versión holandesa de la serie juvenil “Skam”, se asoma por primera vez al largometraje con “La última primavera”, película real como la vida misma sobre una familia que vive en el barrio chabolista madrileño de La Cañada Real con la que obtuvo el Premio Nuevos Directores en el último Festival de San Sebastián, y que posteriormente ha presentado en los certámenes de Reykjavik, la Seminici de Valladolid y el Festival de Cine por Mujeres de Madrid, celebrado virtualmente el pasado mes de noviembre 2020.

Considerada “docu-ficción”, “La última primavera” narra los últimos meses de la muy numerosa familia Gabarre Mendoza –hasta cuatro generaciones en un recinto que ha ido creciendo a medida que surgía la necesidad de hacer sitio a nuevos miembros; el padre lo explica muy bien: “De cada veinte euros ganados, diez para los hijos y diez para la casa”- que va a ser desalojada porque la burocracia administrativa les ha adjudicado el realojo en un piso de un bloque de viviendas.

La familia Gabarre-Mendoza celebra el cumpleaños de su nieto cuando una inspección policial interrumpe el festejo. En la Cañada Real, un barrio de chabolas a las afueras de Madrid, surgen tensiones entre las autoridades y los vecinos, ya que los terrenos han sido vendidos y las familias son obligadas a abandonar las casas que ellos mismos han construido. Mientras, la madre, Agustina, pasa de ser una mujer muy alegre a vivir atormentada por el miedo, el padre, David, un chatarrero muy trabajador, intenta encontrar una solución junto con otros chabolistas de la zona. Entretanto, los miembros más jóvenes de la familia -David hijo, la nuera y madre adolescente María y el joven Alejandro- luchan a su manera por sacar adelante sus vidas.

Ninguno de los miembros de esta familia “muy clan”–que interpretan sus propios personajes, si bien siguiendo el guión escrito por la realización, con un acierto considerable- quiere abandonar lo que ha sido su hogar, para algunos el único: allí nacieron, allí han crecido, han ido a la escuela, han aprendido a montar en bicicleta, se han buscado la vida recogiendo chatarra o hurgando en los vertederos, allí están sus amigos, algunos se han casado, otros se han buscado una salida profesional estudiando…Es notorio que La Cañada Real es uno de los reductos madrileños donde se vende todo tipo de drogas, pero ese es un problema que no afecta a esta familia ni de lejos.

Yendo de uno a otro de los personajes “La última primavera” aborda multitud de temas candentes como la maternidad, el amor, la amistad, la búsqueda de una salida laboral, los trabajos para ir tirando… y la siempre latente amenaza de una expulsión del lugar.

Película muy coral y en mi opinión retrato un tanto ilusorio y falto de profundidad de una realidad más compleja que la presentada, se estrena en Madrid el miércoles 31 de marzo de 2021, y el 2 de abril en el resto de las ciudades españolas.

 

 

 

“Traidores”, el noveno círculo del Infierno de Dante

“Hay que mantener siempre la dignidad por encima del miedo…los artistas tenemos la obligación de no ser esclavos de nuestros contextos sino testigos de nuestros tiempos”. (José Mari Calleja, periodista y escritor)

Cuando apenas era un niño, Jon Viar, el director del documental “Traidores” –que se estrena en los cines este 26 de marzo de 2021-,  descubrió el pasado de su padre, Inñaki Viar, vinculado a ETA en su juventud . Hijo, nieto y bisnieto de nacionalistas vascos, Iñaki – psiquiatra en la actualidad-, de 20 años,  fue detenido en 1969 por la brigada político social, por la colocación de una bomba  que no estalló en la Bolsa de Bilbao,  y juzgado junto a Teo Uriarte y Mario Onaindía en el Proceso de Burgos., un Consejo de Guerra que le condenó a 20 años tras dictar nueve penas de muerte, que el régimen franquista retiró ante las presiones internacionales.

 Años después organizó la fuga de Segovia y, finalmente, en 1977, recuperó la libertad. Iñaki, como otros presos, renegó del nacionalismo y condenó la violencia terrorista que protagonizó. Iñaki fue un “traidor” para la organización en la que había militado y a la que había sacrificado sus mejores años. Lo que, ya en plena democracia, quedaba de ETA , asesinó a algunos de aquellos “traidores”.

Un Jon adolescente aficionado al cine, trata de entender el pasado de su padre mientras convive con atentados, secuestros y muchos silencios. Ahora Jon Viar, presenta el documental  “Traidores”, en el que se adentra en las raíces sociales y familiares del fenómeno terrorista vasco, con imágenes de producción familiar, de archivo y grabadas en la actualidad, tanto en suelo vasco como en el penal de Segovia.

“Traidores“ es la película de los etarras que renegaron de ETA. “Este documental –dice el autor de esta especie de reportaje filmado sobre acontecimientos muy reales- se puede encuadrar dentro del género casi de la auto ficción, un mecanismo narrativo que nos permite deslizarnos por un trauma, una herida dramática insoportable, para hacerla soportable. Yo era un niño, como tantos otros en el País Vasco en los años 90, que vivió el terrorismo, la violencia y los discursos de odio que formaban parte del paisaje cotidiano”.

El cineasta cuenta cómo le sorprendió especialmente descubrir que su padre en el franquismo, en un contexto diferente de dictadura militar, había participado en ETA junto a otros jóvenes de esa burguesía nacionalista católica, sobre todo de Vizcaya. “Yo era un niño y por lo tanto no muy capaz de comprender del todo lo que era una dictadura o una democracia, lo único que veía es que había una banda de asesinos que mataba a gente…Con “Traidores” cierro un ciclo de una historia muy triste, que también es la historia de mi familia, la historia del País Vasco y la historia de ETA”.

 

"Un efecto óptico”, película de realidad distorsionada

“ Una obra gratamente inclasificable de un cineasta imprescindible” (E. Parra, El blog del cine español)

 

Película rodada justo antes de la pandemia, “Un efecto óptico”, dirigida por Juan Cavestany (“Gente en sitios”,  series “Vota Juan” y “Vergüenza”) y protagonizada por dos buenos actores, Carmen Machi y Pepón Nieto, llega a las pantallas este viernes, 26 de marzo de 2021, tras pasar por  los festivales de San Sebastían y Sitges.  Como anécdota, se trata de una película de Filmin que la plataforma ha decidido estrenar en salas antes de ofrecerla “bajo demanda” (por cierto, aprovecho para preguntar en voz alta porque se ha impuesto la expresión “bajo demanda”, evidente traducción literal del francés que no me parece que tenga sentido en castellano, aunque de momento, no he oído quejarse a ningún académico).

 

Sigamos con “Un efecto óptico”, película desconcertante en bucle que toca varios géneros, oscilando  de la comedia al drama pasando por la fantasía, el suspense, y el añadido de unas gotas de surrealismo,  que puede sorprender a  más de un espectador que tenga catalogada a la pareja protagonista en la comedia divertida sin más. No solo los protagonistas, también el espectador tiene la sensación de haber caído en la trampa tendida por algún ser diabólico que ha cambiado las cosas de sitio. Nada, por otra parte, muy distinto de lo que nos ocurre a casi todos cuando nuestros viajes (nuestras vacaciones o incluso nuestras noches…) acaban por no parecerse a lo que habíamos planeado. Y no digamos en este tiempo, cuando ni siquiera está permitido hacer planes. Me identifico con el realizador, Juan Cavestany, cuando dice que “la realidad se ha puesto a la altura” de sus películas.

 

Alfredo y Teresa, un matrimonio de Burgos, viajan a Nueva York con intención de desconectar y dispuestos a visitar todo lo que aparece en su guía. Si embargo, desde el mismo momento en que aterrizan empiezan a tener vivencias que les hacen preguntarse acerca de dónde están en realidad, la Nueva York que ven no se parece a la que han visto en el cine, ni tampoco a la que les vendieron en la agencia-

 

 En los límites de la realidad, “Un efecto óptico” nos habla de la rutina, los miedos, la incomunicación. Como dijo Carmen Machi en una entrevista en la radio, esta película “no hay que empeñarse en entenderla, hay que disfrutarla”.

 

Una obra de Banksy subastada a beneficio del servicio de salud británico

 

« Game Changer », una tela pintada por el artista callejero Banksy, se ha subastado en Londres este martes, 23 de marzo de 2021, alcanzando la cifra de  16,75 millones de libras (cerca de 20 millones de euros), todo un record para este artista, que van a ir destinados a los servicios de sanidad británicos que están luchando contra la pandemia de Covid-19-

En la tela, un niño que ha tirado al cubo de la basura los muñecos de Batman y Supermán  juego con una muñeca vestida de enfermera, todo en blanco y negro salvo la cruz roja que la muñeca lleva estampada en el uniforme.

Con un valor inicial estimado entre 2,5 y 3 millones de libras (entre 3 y 4 millones de euros), finalmente ha alcanzado en la subasta de Christie’s cuatro veces esa cantidad, batiendo el record de las obras subastadas de Banksy, establecido en 2019 en 9,9 millones de libras (algo más de 11 millones de euros) por la obra titulada  “El parlamento de los monos”.

 

Banksy ofreció su pintura al hospital  acompañada de un mensaje : « Gracias por todo lo que hacéis, espero que ésto ilumine un poco el lugar ». El lugar, dice la información de Radio France, es el hospital de Southampton, en la costa sur de Inglaterra.

 

La pintura se dio a conocer en mayo de 2020, justo durante la primera ola de la pandemia.

 

La publicación francesa añade una declaración del doctor John Puntis, copresidente del movimiento Keep our NHS public ( « Mantengamos nuestro servicio de salud público ») : « Es un hermoso cuadro y Banksy expresa la admiración del público por el trabajo que hace el NHS. Lo han sacado a subasta los organismos caritativos del NHS, que reúnen a 240 organismos caritativos de distinta índole, que financian así la investigación y ayudan a los pacientes a acceder a los mejores tratamientos posibles. La auténtica razón por la que estos organismos buscan financiación es por la carencia de financiación pública. En este momento, el NHS tiene un déficit de 35.000 millones de libras, que sin duda aumentará con los costes derivados de la gestión de la pandemia. Me disgusta la idea de que los cuidados esenciales de salud no sean dispensados por el gobierno, sino a través de organismos de caridad”.

 

Por su parte, Mark Farmer, miembro de la dirección del principal sindicato de enfermeros ha agradecido el gesto de Banksy, aunque lamenta que tenga que ser un artista quien responda a las esperanzas de la gente : « La gente no debe creer que la subasta de este cuadro va a resolver nuestros problemas, porque no servirá para contratar más personal ni aumentar los salarios. Eso son decisiones políticas que debe tomar el gobierno ».

 A principios de este mes de marzo, el gobierno de Boris Johnson anunció una subida salarial del 1% para los trabajadores del NHS, que la rechazan y amenazan con ir a la huelga.

 

El comprador del collage digital “Everydays: The First 5.000 Days” por 69,3 millones de dólares es un empresario indio

Imagen de Twitter

El multimillonario indio Vignesh Sundaresan, empresario de las nuevas tecnologías que reside en Singapur, ha revelado en una entrada de blog ser Metakovan, el pseudónimo utilizado por el misterioso comprador de la obra de arte digital subastada  la semana pasada en Christie’s  por la que pagó 69,3 millones de dólares (58,2 millones de euros).

Tras dos semanas de subasta on line y con el aliciente de que ha sido la primera vez que Christie’s ha subastado una obra totalmente virtual, el collage digital « Everydays : The first 5.000 Days », del artista estadounidense que firma Beeple –Mike Winkelmann en el documento de identidad-, que salió a subasta por 100 dólares, finalmente fue adquirido por casi setenta millones de dólares por el coleccionista que ha situado a  Winkelmann  a la altura de David Hockney o Jeff Koons, los dos pintores vivos cuyas obras habían alcanzado hasta ahora los precios más altos en las subastas.

 « Everydys : The First 5.000 Days » es un collage formado por cinco mil imágenes virtuales de dibujos y animaciones  que el empresario Sundaresan ha comprado para « demostrar a los indios y a las personas de color que también ellos pueden ser mecenas ». Según la información de la web de France Télévisions, Sundaresan atribuye su ascenso social « de simple estudiante de ingeniería  a millonario, a su descubrimiento de las criptomonedas en 2013 ».

 

En cuanto al artista Beeple, « un padre de familia de Charleston, Carolina del Sur, creador de páginas de internet, quien hace seis meses no había vendido ni una de sus obras, se ha convertido en objeto de deseo de los coleccionistas de arte virtual, un mercado que crece exponencialmente.  Durante catorce años ha conseguido cerca de dos millones de abonados en Instagram y ha colaborado con grandes marcas y músicos que se sintieron atraídos por su universo gráfico, sin haber vendido ninguna de sus creaciones. Ahora, la aparición de una nueva tecnología “que permite comercializar obras, y prácticamente todo lo imaginable en Internet, denominada ‘NFT’ (Non Fungible Token, Los tokens son objetos similares a las monedas, pero a diferencia de estas últimas, los tokens carecen de valor de curso legal), una apelación creada en 2017 para cualquier objeto virtual cuya identidad, autenticidad y trazabilidad son en teoría incontestables gracias a la tecnología de la  ‘blockchain’, utilizada para las criptomonedas como el bitcoin”.  

 

A finales de febrero, otra de las obras de Beeple, “Crossroads”, se vendió por 6,6 millones de dólares, de los que él solo recibió el 10%,  en la plataforma Nifty Gateway, especialista en ese tipo de arte, “y una animación que había vendido por un dólar simbólico en octubre 2020, acaba de revenderse por 150.000 dólares”.

 

"La Gomera": el silbo gomero atraviesa siglos y fronteras

« La película es sobre todo una declaración de amor a la ficción cinematográfica : un extracto de ‘Centauros del desierto’ de John Ford, una secuencia que recuerda explícitamente ’Vértigo‘ de Alfred Hitchcock, un personaje que emula a Anthony Perkins en ‘Psicosis’, la femme fatale que se llama Gilda, una escena en la televisión de una película rumana que imita las de gansters de Hollywood y la escena del enfrentamiento entre policías y bandidos en el decorado de unos estudios de cine abandonados ».

 

Interesante relato de cine negro, “La Gomera”, séptima película en la carrera del rumano Corneliu Porumboiu ( “12h08 al este de Bucarest » Cámara de Oro en el Festival de Cannes 2006, “El tesoro”) – quien junto con Cristian Mungiu y Cristi Puiu fue una de las principales figuras del Nuevo Cine Rumano de los años 2000- nos habla del lenguaje y su relación con la realidad. “La Gomera se estrena este viernes, 19 de marzo de 2021.

 Cristi  (Vlad Ivanov, “Police, Adjetive”,  “En la niebla”, “Atardecer”)), un inspector de policía corrupto llega a La Gomera donde una banda de delincuentes le enseña el Silbo, la lengua silbada  de los Guanches que ha llegado hasta nuestros días y que evidentemente no pueden descifrar los no iniciados, con la que los gomeros llevan siglos comunicándose a larga distancia, incluso de montaña a montaña. El objetivo de Cristi, una vez que consiga dominarla, es usarla en el desarrollo de la evasión del mafioso  Zsolt (Sabin Tambrea, « El niño de Bunchenwald », « Marie Curie »), que oculta los treinta millones de euros procedentes de un tráfico de droga. La intermediaria es una morena explosiva y sin escrúpulos llamada Gilda (Catrinel Marlon, « La città ideale », « L’errore »). El problema es que  del caso de Zsolt se ocupa la superior jerárquica de Cristi, Magda (Rodica Lazar, “The Aniversary”). Además, Cristi y Gilda acabarán enamorándose y nada saldrá como estaba previsto.

En una escena muy explicativa, al comienzo de la película la vampiresa Gilda visita al poli corrupto para hablar de la evasión del criminal detenido. Sabiéndose vigilados, tanto fuera como en el piso, la pareja establece una comunicación de dos maneras diferentes: por una parte, y ante las cámaras ocultas, representan una cita de carácter sexual; por otra, y mediante juegos de palabras, interpretan lo que podría ser el comienzo de una relación sentimental. Hasta que la mujer propone al policía que viaje a La Gomera y aprenda el Silbo.

Inclasificable, ambiciosa y divertida, “La Gomera” tiene un guión muy original con el silbo como protagonista y ese personaje ambiguo, a la vez policía y delincuente que, curiosamente, es el único de la película que no hace uso de armas.

Con todos los ingredientes del género, gansters, policías corruptos, femme fatale, traiciones, persecuciones disparos…todos vigilan a todos, hay micrófonos y cámaras en todas partes, incluso en los despachos policiales lo que les obliga a salir al pasillo para hablar de las cosas importantes, la narración en cambio escapa a las normas clásicas al centrarse en el aprendizaje de la lengua silbada en un escenario grandioso de paisajes que recuerdan la suntuosidad de las películas de James Bond, que contrastan con los urbanos de la capital rumana..

 

 

 

Grammy Awards 2021: Beyoncé, Taylor Swift y Megan Thee Stalion, tres mujeres en lo alto del palmarés

Con veintiséis trofeos acumulados a lo largo de su carrera, la cantante estadounidense Beyoncé, «la reina B», ha batido el record de premios Grammy en la categoría de artista femenina en la edición número 63 de los premios más famosos de la música, celebrada de forma virtual a causa de la pandemia,  en la noche del pasado domingo 14 de marzo.

La rapera tejana Megan Thee Stallion ha recibido el gramófono de artista revelación del año y Taylor Swift también ha batido un record al convertirse en la primera mujer cantante que ha ganado en tres ocasiones el trofeo del álbum del año, lo que la sitúa a la misma altura que Stevie Wonder, Frank Sinatra y Paul Simon.

Gabriela Wilson, de nombre artístico H.E.R., cantante y compositora de veinticuatro años, ha recibido un Grammy por la canción «I Can’t Breathe», inspirada en las manifestaciones antirracistas del año pasado tras el asesinato de George Floyd por un policía que le presionó la garganta con su rodilla durante más de ocho minutos; y la joven Billie Ellish, revelación del año anterior, se ha llevado el premio de la grabación del año, por segunda vez consecutiva.

Beyoncé, quien iguala el record masculino que desde hace años ostenta Quincy Jones, ha sido premiada por el mejor vídeo musical, correspondiente a la canción «Brown Skin Girl», y la mejor «performance» de Rhytm & Blues por el título «Black Parade», publicado también durante las manifestaciones del verano 2020 tras el asesinato de Floyd: «Como artista, dijo al recoger los trofeos, considero que mi trabajo, el trabajo de todos nosotros, es reflejar nuestra época. Quiero apoyar, animar y celebrar a todas las reinas y los reyes negros que continúan inspirándome, e inspirando al mundo entero».

En una ceremonia en que las mujeres han acaparado la  mayoría de los premios, el trofeo para el mejor álbum pop vocal ha sido para «Future Nostalgia» de Dua Lipa, el de la mejor canción pop en solitario para «Watermelon Sugar» de Harry Styles, y el de mejor dúo pop para «Rain On Me» de Lady Gaga y Ariana Grande.

Otros premios han  sido para:

• Mejor álbum de R&B «Bigger Love», de John Legend.
• Mejor álbum de rock «The New Abnormal», del grupo The Strokes.
• Mejor álbum de rap «King’s Disease» de Nas.
• Mejor canción de Rap «Savage», interpretada por Beyoncé, Shawn Carter, Brittany Hazzard, Derrick Milano, Terius Nash, Megan Pete, Bobby Session Jr., Jordan Kyle Lanier Thorpe y Anthony White.
• Mejor álbum de Country «Wilcard» de Miranda Lambert.
• Mejor álbum latino urbano «YHLQMDLG» del portorriqueño Bad Bunny.
• Mejor álbum latino alternativo «La conquista del espacio» de Fito Páez.
• Mejor álbum de jazz vocal «Secrets Are The Best Stories» de Kurt Elling & Danilo Pérez.
• Mejor álbum de Blues contemporáneo «Have You Lost Your Mind Yet?» de Fantastic Negrito.
• Mejor película musical «Linda Rondstad: The Sound of my voice», documental sobre la intérprete de 74 años que lleva retirada desde 2011.
• Mejor álbum vocal de pop tradicional «American Standard» de James Taylor.
• Mejor álbum instrumental contemporáneo «Live at the Royal Albert Hall» de Snarky Puppy.
• Mejor álbum de música alternativa «Fetch the Bolt Cutters» de Fiona Apple.
• Mejor álbum New Age «More Guitar Stories» de  Jim Kimo West.

Pese a que Beyoncé alcanza en esta edición la categoría de cantante más premiada en la historia de los Grammy, el record absoluto de galardones sigue ostentándolo Georg Solti, pianista y director de orquesta de origen húngaro, fallecido en 1997 con 84 años, quien a lo largo de su carrera consiguió 31 Grammy’s .

Nacido como Gyorgy Stem, Solti fue una figura musical del panorama clásico europeo de los años 1930. Descendiente de judíos, se refugió en Suiza cuando el nazismo se instaló en Alemania y durante varios años no pudo trabajar. Recobrada la libertad, dirigió óperas de Mozart, Verdi, Wagner y Strauss y grabó 250 álbumes con la compañía DECCA, entre ellos todas las sinfonías de Beethoven y Schumann. Dirigió la Orquesta Sinfónica de Chicago durante más de veinte años y la orquesta de París en la década de 1970.

Entre los premios de jazz dos se han concedido a título póstumo al legendario pianista Chick Corea, fallecido a los 79 años en febrero pasado, que hacen los números veinticuatro y veinticinco de los conseguidos a lo largo de su dilatada carrera: el de mejor álbum de jazz instrumental para su última producción, «Trilogy 2», interpretada como de costumbre junto al contrabajo Christian McBride y el batería Brian Blade, y el de mejor solo de improvisación para su interpretación  del tema «All Blues», de Miles Davis.

Adieu les cons que invaden Madrid

“Adieu les cons”, el título de la película de Albert Dupontel que ha conseguido este año el mayor número de premios Cesar de la Academia francesa–que yo traduzco como  “Adiós gilipollas”, con el sinónimo que sin ninguna duda eligió George Brassens para la estrofa en que se sentaba en un banco a verlos pasar, y que además está en el diccionario de la RAE, es malsonante pero existe- me viene que ni hecho a propósito para pedir que se vayan los que están  y no vengan los siguientes, que bastante teníamos ya con los aborígenes.

Que se vayan los cons franceses, mayormente jóvenes burgueses del tipo del “cayetano” nacional, que en el último mes han aumentado en un 74% la compra de billetes de avión (cifra facilitada en el informativo matinal de La 1 de TVE) para pasar entre un finde y una semana en Madrid y que, con bastantes cervezas de más en el cuerpo y sentados en alguna terraza –sin vacunar, sin mascarilla por supuesto y pasándose un porro a la luz de las farolas, que por cierto fueron una de las grandes bellezas de la capital del reino- confiesan sin tapujos a los micrófonos de todos los canales de televisión que les acercan aguerridos colegas, mal pagados y coleccionistas de horas extras que no aparecen en sus CV, que han venido aquí para hacer lo que no les deja hacer Macron allí.

Lo que significa montar la bronca al aire libre y la fiesta  (Oh, la,la, la fête) en un piso castizo –que con suerte ha sido escenario del desahucio de una mujer  sin pareja y con hijo- alquilado a 70 euros la noche, donde van a dormir  hasta una docena.

Adieu les Cons franceses que vienen porque la presidenta en funciones de esta Comunidad, a la que no le están yendo bien las cosas y además es de lo peor en materia de pandemia, les da la bienvenida para que sigan “ayudando a mantener la  economía” de todos sus amigos  “fascistas, que están en el lado bueno de la historia”, lo que evidentemente le preocupa infinitamente más que nuestra salud.

Y no digamos que nuestra Sanidad desmantelada, con los Centros de Salud cerrados desde hace un año y , en el mejor de los casos, los médicos llamados de familia dando citas a una semana vista para consultas telefónicas, que menos mal que la última vez que lo  intenté solo quería una receta y no me había dado un infarto.

«The Dissident», el documental sobre el asesinato de Jamal Khashoggi que acusa al príncipe Ben Salmane

“The Dissident”, el documental del actor y director estadounidense  Bryan Fogel (« Jewtopia », « Icarus ») sobre el asesinato del periodista Jamal Khashoggi, el 2 de octubre de 2018 en los locales del consulado de Arabia Saudí en Estambul, es una acusación “sin equívoco del príncipe Mohamed Ben Salmane” y se estrena este lunes, 15 de marzo de 2021, en todas las plataformas de pago, según información de la página web de la emisora pública Radio France.

En el documental, testimonios e imágenes dan fe de que el periodista saudí Jamal Khashoggi fue durante  un tiempo una persona cercana a la familia real de Arabia Saudí, director general de la cadena Al-Arab News y redactor jefe del periódico Al Watan, “que transformó en una plataforma progresista”. Según su biografía en Google, desde 1980 hasta 2000 trabajó para el príncipe Turki ben Fayçal, ex director de los servicios de inteligencia saudíes.   Tras el nombramiento de Mohamed Ben Salmane como príncipe heredero  se declaró disidente y huyó del país, exiliándose en 2017 en Estados Unidos, donde escribió numerosos artículos críticos con el régimen de su país y oponiéndose a la intervención en Yemen.

En « The Dissident » se demuestra que Khashoggi, quien se había aliado con el joven también saudí Omar Abdulaziz, exiliado en Canadá, para llevar a cabo en Twitter un contraataque continuo de la propaganda del régimen saudí,  fue de hecho condenado a muerte y ejecutado por orden de Ben Salmane.

 

« Mohamed Ben Salmane dispone de un arma temible: el programa israelí de ciberespionaje Pegasus, de la sociedad NSO,   que le permite enviar un comando al consulado saudí para asesinar a Khashoggi cuando iba a retirar un documento para casarse con su novia turca ». Según el realizador Fogel, NSO « es cómplice ya que se trata de un caso de cibercriminalidad. Su negocio es vender herramientas digitales de espionaje y, al hacerlo, pone en peligro a  muchas personas: periodistas, activistas, disidentes…Al vender sus programas a países como Arabia Saudí, con conocimiento de causa, provoca situaciones muy peligrosas. Se puede decir que tiene un comportamiento criminal”. ”

 

En el documental se escuchan las conversaciones de los espías que « ironizan sobre el arte de cortar un cuerpo en pedazos” y se ve a Donald Trump desinteresarse del asunto “porque la venta de armas a Arabia Saudí es una prioridad ».  

 

En cuanto al nuevo presidente de Estados Unidos, Joe Biden, el realiuzador Fogel dice que le ha « decepcionado »: « Ha desclasificado el informe de la CIA que prueba que Jamal Khashoggi fue asesinado, pero no ha ido más lejos.   Con lo que envía, a los dirigentes del mundo como Mohamed Ben Salmane, el mensaje de que Estados Unidos tolerará ese tipo de actuaciones”.

 

« El grito », de Edvard Munch, lleva más de un siglo escondiendo un secreto

 «Kan kun være malet af en gal Mand!» («Solo puede haberlo pintado un loco). Esta es la inscripción, casi imperceptible a simple vista, que el artista noruego Edvard Munch (1863-1944) dejó escrita en su celebérrima obra “El grito”, que tanto juego ha dado, para expresar nuestras angustias y miedos,  durante el año que llevamos conviviendo con el virus.

                                                                                       Imagen Wikimedia Common

Las palabras escritas por Munch, confirmadas mediante imágenes obtenidas con rayos infrarrojos el pasado 22 de febrero, cierran el interrogante planteado desde hace años acerca de la autoría de ese texto, tal y como explica un artículo de la revista “Scientific American” y confirma Mai Britt Guleng, conservadora del Museo Nacional de Oslo: “La fotografía de infrarrojos ha proporcionado una imagen nítida de la frase, lo que ha permitido compararla con la escritura de Munch. Además, el tamaño de la letra es demasiado pequeño como para suponer que pudiera ser obra de un vándalo”.

 Escrita a lápiz, la frase se encuentra arriba, a la izquierda de la emblemática tela expresionista convertida en símbolo de la angustia existencial, que ya en su día llevó a los científicos a plantearse varias preguntas acerca de la salud mental del autor.

 El texto del cuadro se ha cotejado con algunas cartas personales que se conservan de Munch y  que, palabra de grafólogos médicos, le describen como un provocador vulnerable que temía heredar la depresión que padecieron su abuelo y su padre, o los síntomas de su hermana Laura, paciente de los servicios de psiquiatría.

“En su familia –dice la señora Guleng- había enfermedades hereditarias, desde algunas mentales hasta la tuberculosis. Pero la inscripción que dice que solo ha podido pintarla un loco, precisamente porque es suya hay que considerarla como una ironía”.

 “El grito” (Skrik en noruego) son cuatro lienzos pintados en 1983 por el genial artista noruego Edvard Munch, que  se expusieron  por primera vez en 1895 en Dinamarca,  en una galería de arte privada de Christiania.

 La versión más famosa de “El grito”, una de las obras más importantes del expresionismo, se encuentra en el Museo Nacional de Noruega; hay otras dos en el Museo Munch, también en Oslo, y la cuarta pertenece a una colección particular. Todas las versiones muestran una figura andrógina en primer plano, símbolo del hombre moderno en plena crisis de angustia y desesperación existencial. El fondo es la ciudad de Oslo vista desde la colina de Ekeberg.

 En los últimos años dos de las versiones han sido objeto de sendos robos. La del Museo Nacional fue robada en febrero de 1994 y recuperada tres meses después por la policía. Rn agosto de 2004 robaron uno de los cuadros del Museo Munch, que también recuperó la policía dos años después, En cuanto al cuarto, que llevaba más de 70 años en la casa del noruego Petter Olsen, vecino, amigo y mecenas de Munch, la vendieron en 2012 sus herederos, por 119,9 millones de dólares, en una subasta celebrada en la casa Sotheby’s de Nueva York.

 

La cassette, esos cachitos de hierro y cromo que nos hicieron tan felices

Lou Ottens, imagen Wikipedia Common

Tomo prestado el título de un interesante programa semanal de La 2 de TVE para lamentar la desaparición, el pasado 6 de marzo de 2021, de Lou Ottens, el holandés que inventó ese ingenio que tanto servicio nos ha hecho a los periodistas y a los melómanos: la cassette, ese pequeño rectángulo en el que cabía una entrevista de dos horas o un LP completo, esa banda magnética que borrábamos o regrabábamos hasta que se hacía pedazos; que, cuando se enganchaba –porque tenía también sus imperfecciones- y se salía, recolocábamos con ayuda de un Bic.  Repaso estas líneas y no hay duda de que estoy hablando de otros tiempos.

En la historia de las grabaciones musicales solemos cometer  un olvido: se supone que lo primero fue el rodillo perforado, después los discos de 78 revoluciones por minuto, luego el 33 revoluciones en la modalidad de single (con dos canciones, cara A y cara B), y desdoblado en el mismo formato pero con cuatro cortes, dos por cada cara, y LP (larga duración, no menos de 10/12 melodías). Después ya entramos en la era del CD, en sus sucesivas mejoras al compás de la evolución tecnológica, hasta la Alta Fidelidad (HF) de nuestros días.

El hueco que olvidamos rellenar es de la cassette, instrumento reproductor no solo de música (también de palabras), que tuvo sus años de gloria en la década de los ’80 y que, en lo tocante a reproducción musical, fue desplazado poco a poco por el walkan, el mp3, y así sucesivamente.

Aunque todavía andamos sobre la tierra un nada despreciable puñado de fieles al cassette, que tomamos la parte por el todo y denominamos así tanto a la banda magnética como al aparato donde hay que introducirla para escuchar su contenido..

Fieles que hemos sentido un pellizco en el alma  al enterarnos de la desaparición del ingeniero holandés Lou Ottens, quien en 1964 dirigía el equipo de Philips que inventó y fabricó la primera cassette (y que años después también formó parte del equipo que inventó el CD, pero esa es otra historia). Como han definido en las páginas culturales del diario francés Libération, “la cassette fue el soporte contracultural por excelencia, un objeto democrático, sólido, versátil, interactivo desde 1968 –año en que mejoró con un micrófono, lo que permitía también grabar y pasó a llamarse magnetófono-cassette (…) que hizo temblar a la industria musical con su capacidad para duplicar hasta el infinito sus producciones (…).. La invención revolucionó el acceso a la música. Se estima que en el mundo se han vendido no menos de cien mil millones de cassettes…”.

La nostalgia se siente  particularmente con la muerte de su inventor. Lou Ottens –el chico holandés que durante la Segunda Guerra mundial, todavía adolescente, se dedicaba a arreglar los aparatos de radio de sus familiares y vecinos- se ha marchado con 94 años. Eligió el tamaño de la cassette inspirándose en el bloc de notas que siempre llevaba en el bolsillo, y en un paquete de cigarrillos. Como dijo en el documental de 2016 “Cassette: A Documentary Mixtape”: “Esperábamos que fuera un éxito pero no una revolución. Y lo mejor es que no ha terminado. Sé que muchas personas la utilizan todavía”