“En nombre de la tierra”, una obra de arte sobre las pasiones de un pueblo polaco en los albores del siglo veinte

 

 

 

Candidata al Oscar al mejor film extranjero en representación de Polonia y basada en la novela “The Peasants” del polaco Wladyslaw.S. Reymont, Premio Nobel de Literatura, la película “En nombre de la tierra”, segundo largometraje del dúo que forman D.K. Weichman y Hugh Welchman, creadores de “Loving Vincent” -película de animación sobre la vida del pintor Vincent Van Gogh- es una historia de deseo, venganza y odio situada en un pueblo polaco, a finales del siglo XIX, sobre un fondo de seductores campos, huertos y lagos.   Para su realización, la pareja de directores ha rodado la totalidad de la escenas con sus correspondientes actores en 35 milímetros para, después, ir pintando a mano los fotogramas uno a uno, tarea en la que han intervenido hasta un centenar de artistas polacos, lituanos serbios y ucranianos.   La historia recorre, del otoño al verano, la vida de los habitantes de un pueblo donde la joven Jagna (Kamila Urzedowska, “25 años de inocencia”), de familia humilde y dispuesta a elegir su propia vida en los reducidos límites de una pequeña localidad polaca,  es forzada por su madre (la veterana actriz Ewa Kasprzyk, “The Apple Tree of Paradose”,  “Polityka”, “Bellissima”) a casarse con el hombre más rico, el viudo Boryna (Miroslaw Baka, “No matarás”, “Reich”, “Primavera 1941”), mientras que ella está enamorada de su hijo Antek (Robert Gularczyk, “Loving Vincent”, “Una simple historia de asesinato”), con el que mantiene un romance secreto, quien a su vez está casado con Hanka (Sonia Mietelica,  “Los supervivientes”, “La fuerza del viento”) y padre de varios niños. Jagna explota su belleza, y a veces se aprovecha de ella. Su rebeldía e independencia despierta los celos de las demás mujeres, sobre todo porque al principio no depende de un hombre. La película se apoya en una gran cantidad de tradiciones y costumbres locales-como el que cuando un hombre pretende en matrimonio a una mujer envía una botella de vodka a los padres de la chica-, y un arraigado patriarcado.  Cada imagen de esta película única es una obra de arte pictórico al óleo, en la que se han invertido más de dos años, que reúne la esencia de medio siglo de pintura europea, en el paso del siglo XIX al XX, con especial dedicación al movimiento conocido como de la “Joven Polonia”. Los artistas pintaban sobre tela y el grupo encargado de la animación creaba imágenes intermedias para facilitar la transición al celuloide.

« En nombre de la tierra » (1) ha sido, para Hugh Welchman, uno de sus realizadores y productor -en declaraciones efectuadas cuando el estreno mundial en el Festival Internacional del Film de Torono- “un viaje de descubrimiento que nos ha permitido profundizar en las posibilidades emocionales y la belleza estética que nuestra técnica de animación por pintura al óleo puede aportar al relato cinematográfico. También nos ha permitido dar a conocer al mundo la potente historia de la vida campesina contada por  Wladyslaw.S. Reymont quien, a pesar de su Premio Nobel, es prácticamente desconocido fuera de Polonia”.

(1) « En nombre de la tierra » se estrena en los cines madrileños el viernes 1 de diciembre de 2023.

“Noche de paz” de John Woo, historia de una venganza silenciosa

Sin diálogos pero llena de ruidos. El protagonista es mudo y el resto de los personajes no hablan. No sabría decir si me ha parecido más violenta o más confusa. “Noche de paz (“Silent Night”), película que a los 77 años firma el aclamado cineasta chino, de Hong Kong,  John Woo (“A Better Tomorrow”, “The Killer”, “Misión imposible II”), uno de los grandes del cine de acción que ha regresado a trabajar en Hollywood tras veinte años de de ausencia (la anterior fue “Paycheck” con Ben Affleck), es el relato de una venganza.

 

Acompaña a John Woo en la aventura de contar esta historia Joel Kinnaman (“El escuadrón suicida”, “Una noche para sobrevivir”, “Robocop”), actor con una larga carrera en el cine de acción, al que secundan, sin hacer sombra, Catalina Sandino Moreno (“El año más violento”) como la esposa del protagonista,  y Kid Cudi (“No mires arriba”) en el sanguinario jefe de una de las bandas locales, un personaje impresionante tatuado de pies a cabeza (sic).

 

Todo sucede en Nochebuena y, para que no lo olvidemos, la película lleva el mismo título que el más famoso de los villancicos.  Un niño murió cuando le alcanzó una bala en un fuego cruzado entre dos bandas criminales. Brian, el padre, destrozado por el dolor de la pérdida y sin voz, debido a un disparo que le destrozó las cuerdas vocales,  se somete a un entrenamiento riguroso para poder llevar a cabo la venganza que ha planificado al milímetro, y que tendrá lugar en la siguiente Nochebuena. Aunque al final las cosas resultarán mucho peor de lo que pensaba, y acabará dejando un reguero de muertos.

 

Para el veterano realizador John Woo la acción es más elocuente que las palabras: “Estaba superexcitado cuando recibí el guión de ‘Silent Night –ha declarado- No hay ningún diálogo en toda la película. Y me dije que me serviría para poder utilizar mis aptitudes, y contar una historia visualmente”.

 

Por “necesidades del guión”, el actor Joel Kinnaman, de 43 años, se entrenó para el papel de padre vengativo intentando guardar silencio durante las  seis semanas que duró el rodaje, para experimentar lo que se conoce como “method acting”, una técnica que consiste en colocarse en idéntica situación que el personaje a interpretar. Aunque –ha confesado- no fue capaz de llevarlo hasta sus últimas consecuencias. Al llegar a México, el lugar de rodaje, se sintió muy solo en una ciudad donde no conocía a nadie y acabó llamando por teléfono a su novia.

 

(1) “Noche de paz” se estrena en las salas madrileñas el viernes 1 de diciembre de 2023

Mijail Kassianov, ex Primer ministro de Putin exiliado, ha entrado en la lista de “agentes d4el extranjero”

Mijail Kassianov (Foto Wikipedia)

Exiliado desde junio de 2022,  Mikhaïl Kassianov,ex Primer ministro de Vladimir Putin entre 2000 y 2004, ha entrado en la lista de « agentes del extranjero », calificativo que, según Euronews, es infamante y recuerda al de « enemigo del pueblo » de la época soviética.

La calificación de « agente del extranjero » obliga a las personas así definidas a hacerlo constar en cualquier tipo de publicación, incluidas las redes sociales, así como a pasar por un control de sus ingresos y fuentes de financiación.

La justicia rusa acusa a Mijail Kassianov de haberse opuesto a la « operación militar especial en Ucrania », haber abandonado el país y « ser miembro del Comité anti-guerra de Rusia, una asociación cuyas actividades tienen como objetivo desacreditar la política interior y exterior rusa ». Este Comité fue creado en el extranjero, en 2022, por un grupo de opositores rusos entre los que se encuentra el oligarca exiliado Mijail Khodorkovski.

Antes de la ofensiva contra Ucrania y su exilio voluntario, Mijail Kassianov dirigía en Rusia el Partido de la Libertad del Pueblo (PARNAS), de ideología liberal. .

Tras ser una persona muy cercana a Vladimir Putin, en sus primeros años en el poder, Mijail Kassianov se fue volviendo cada vez más crítico con el presidente ruso; en unas declaraciones a la Agencia France-Presse, efectuadas en junio de 2022, manifestó no reconocer el poder de Putin y esperar que Rusia pueda reemprender algún día el “camino democrático”.

En su información, Euronews recuerda que, desde el comienzo de la ofensiva contra Ucrania en febrero de 2022, « el poder ruso ha reforzado la represión de cualquier voz disidente. Mientras que en el país se esperan elecciones en marzo de 2024, la práctica totalidad de opositores de envergadura a Vladimir Putin se encuentran en la cárcel o exiliados en el extranjero ».

"Napoléon", la última película de Ridley Scott : aplaudida en el mercado anglosajón, acusada en Francia de falta de rigor histórico

Coincidiendo –es un decir, en este caso no creo en las coincidencias sino en los especialistas del marketing- con que un coleccionista seguramente nostálgico y, conditio sine qua non, tan rico que le sobran 1932 millones de euros para comprarse el bicornio de Napoleón, esta semana se estrena en Francia y en España la película que ha realizado el cineasta británico Ridley Scott (“Alien”, “Blade Runner”, “Thelma y Louise”, “Gladiator”, “Todo el dinero del mundo”)  con Joaquin Phoenix (“Todo por un sueño”,  “Gladiator”, “Joker” Oscar 2020 al Mejor Actor) de protagonista, sobre el celebérrimo militar corso quien, tras  ganar batallas y autocoronarse emperador, terminó sus días perdiendo batallas, fracasando en el intento de colocarnos a los españoles, en calidad de rey, a su dipsomaníaco hermano, y exiliado en una minúscula isla mediterránea.  

 

Esta enésima intención de contar algo sobre la vida de “Napoleón” es una producción de la plataforma de Apple, que lo recuperará para sus abonados una vez explotado en la gran pantalla, donde le han “cortado demasiado”, según la crítica de Jacky Bornet, de la sección Cultura de France Télévisions: “de 4h30 lo han dejado en 2h40”.  

 

Para el estreno oficial en Madrid el pasado 21 de noviembre, la distribuidora echó el resto alquilando el Museo del Prado para exhibir “Napoleón” (1) ante trescientos selectos invitados que pudieron dialogar con director y protagonista delante de “Los fusilamientos del 2 de mayo”, una de las obras maestras de Goya que está ahí para recordarnos las consecuencias del nefasto  paso de “Pepe Botella” por estas latitudes.

 

“Del asedio de Toulon (1793) a Waterloo (1815), la película cuenta el ascenso y la caída de Napoléon Bonaparte: su encarnizada conquista del poder; sus muchas campañas guerreras y su defección transcurren en paralelo a sus pasionales y atormentadas relaciones con Josefina (que interpreta Vanessa Kirby, “Misión imposible”, “Los cuatro fantásticos”), el gran amor de su vida. En el amor, como en la guerra, todo es un combate”.

 

En la prensa francesa las críticas han sido malas. “Ni revolucionario ni imperial” ha titulado el conservador  Le Figaro, asegurando después que los historiadores nunca hubieran pensado que el destino de Napoléon tuviera como única causa su amor, “absoluto y posesivo”, por Josefina. Para la revista masculina CQ, Ridley Scott “se ha apoderado de una historia francesa despojándola de su lengua” y menciona una escena en la que los soldados gritan “Viva Francia” con acento americano. Entre las calificaciones que ha recibido están las de “profundamente torpe, poco natural e involuntariamente divertido”,  Otras cabeceras “han destacado las inexactitudes” de la película, y entre ellas el hecho de que el emperador “no asistió a la decapitación” de su amada.  “Película de amor, largometraje sobre una figura política, film épico de guerra, Ridley Scott ha querido hacer todo al mismo tiempo (…) Como Napoleón en Waterloo, la ambición era demasiado grande » (huffingtonpost.fr).

 

No han faltado las voces de historiadores defendiendo que el realizador, de 86 años,  no se haya ceñido al aspecto académico del relato: “Hay que aceptar también los detalles que no son históricos”, asegura Lorris Chevalier, doctor  en historia  de 29 años, que aboga porque el espectador ponga también algo de su propia imaginación.

 

Para Scott, “Napoleón” –que hace el número 28 de sus largometrajes-  fue  “líder, diplomático, guerrero, político, burócrata y, sin duda inevitablemente, un  dictador (..). En los créditos de la película he precisado que bajo su mando murieron dos millones de soldados, sin contar las víctimas civiles. Nadie gana nunca una guerra, incluso los vencedores pierden”. Un personaje sobre el que se han escrito más de 10.400 libros, “alrededor de uno por semana desde su muerte en 1821”.

 

Scott no esconde el disgusto que le han causado las críticas en la prensa francesa. En una entrevista en la BBC, el pasado 19 de noviembre, confesaba no querer responder para no resultar grosero, y resumía diciendo:  “a los franceses no les ha gustado la película, los franceses ni siquiera se gustan a sí mismos”.

 

(1) “Napoleón” se estrena en la cartelera madrileña este viernes 24 de noviembre de 2023.

 

Rusia: condenada a siete años de colonia penitenciaria la artista Alexandra Skotchilenko

Alexandra Skotchilenko

El tribunal Vassileostrovski de San Peterburgo ha condenado a siete años de colonia penitenciaria a la artista pictórica y música  rusa Alexandra Skotchilenko,de 33 años, detenida en abril de 2022 por protetar contra la guerra en Ucrania.

Alexandra Skotchilenko fue detenida en marzo de 2022 cuando un cliente de un supermercado de San Petersburgo la denunció por sustituir las etiquetas de los preciosa de los productos por carteles contra la guerra como “Putin lleva 20 años mintiéndonos”, “A consecuencia de sus mentiras justificamos una guerra y unas muertes insensatas”. Oficialmente, la condena ha sido por « difundir informaciones falsas », un cargo habitualmente usado contra los opositores al régimen ulraconservador y dictatorial de Vladimir Putin.  

Según informaciones difundidas por la Agencia France-Presse que hoy publica la totalidad de la prensa francesa, Alexandra Skotchilenko padece una enfermedad intestinal crónica y un problema cardiaco congénito. Durante las muchas horas que ha durado el juicio ni siquiera le han permitido disponer de una botella de agua, que podría aliviar sus molestias. “Si la envían a la cárcel será una catástro”, declaró la madre de la condenada hace unas semanas.

Alexandra Skotchilenko se suma así a las decenas de personas, más o menos conocidas, a las que los jueces rusos envían a la cárcel por denunciar la invasión de Ucrania, un acontecimiento que ha estado seguido de un incremento de la represión en el país. El mismo día, el antiguo ministro de Energía Vladimir Milov, quien se encuentra exiliado, fue condenado en ausencia a ocho años de cárcel por acusar al ejército ruso de cometer crímenes de guerra en Ucrania.

Apoyando a la condenada, una trentena de personas han asistido a la vista, y entre ellas el realizador Alexandre Sokurov, de 72 años, un clásico del cine soviético autor de películas tan conocidas como “Fausto” o “El Arca rusa”, quien ha declarado que estaba “apoyando a una persona pura”.

Antes de la lectura de la sentencia, Skotchilenko se dirigió al tribunal diciendo: “Todo el muno sabe que no estáis juzgando a una terrorista. Tampoco juzgáis a una extremista, ni a una activista política. Juzgáis a una pacifista”. Abiertamente homosexual en un país que persigue “la propagamda LGTBI”, la condenada dijo al tribunal que la severidad de la pena se debe al odio que siente la fiscalía por las minorías.

En un comunicado, Amnistía Internacional ha denunciado “un simulacro de proceso” considerando que el caso de Alexandra Skotchilenko “se ha convertido en sinónimo de la opresión absurda y cruel que sufren los rusos que se oponen abiertamente a la guerra”.

Amanece”, una historia de familia y reencuentros

En “Amanece”, ópera prima del realizador almeriense Juan Francisco Viruega, dos hermanas, Alba y Candela, se reencuentran para acompañar los últimos días de Aurora, su madre enferma.

Las actrices Aura Garrido (El Ministerio del Tiempo, El inocente, Stockholm), Iría del Río (El increíble finde menguante, Infiesto, Visitante) e Isabel Ampudia (15 días contigo, La primera cita) dan vida a las tres mujeres que conforman una familia complicada y protagonizan esta película “de luz” (un matiz que se entiende enseguida, basta ver los nombres elegidos para los personajes).

Alba vive en Madrid, hace mucho tiempo que no se relaciona con su madre  y llega al pueblo tras una ruptura sentimental para reencontrarse con la casa frente al mar de su infancia; Candela, sigue viviendo en el lugar donde creció y, aunque visita regularmente a su madre, mantiene con ella una relación distante. Además, sentimentalmente se encuentra dividida entre un hombre con el que vive y una mujer de la que parece estar enamorada. Mientras Alba se prepara emocionalmente para enfrentarse con su madre, las dos hermanas recorren lugares por los que transitó su infancia y comparten sensaciones y recuerdos. Aurora no se ha movido de la casa familiar donde está sufriendo las últimas manifestaciones de una enfermedad terminal que, sin embargo, no le impide hacer una vida relativamente normal.

El reparto de esta película intimista, bastante elíptica  y previsible, de sentimientos a flor de piel y paisajes inequívocamente almerienses que conjugan el desierto y el mar,  se completa con la actriz Rebeca Sala y los actores Antonio Araque, Sebastián Haro, Antonio Gómiz y Rafa Jiménez. Todos ellos bosquejan  un fresco sobre las relaciones humanas, sobre dos generaciones que se sobreponen con sus aspiraciones, sus contradicciones  y sus sueños; sobre el amor, la ruptura y la infinidad de veces que decimos adiós en cada vida.

Para Juan Francisco Viruega, el director, “Amanece” es “un viaje físico y también emocional hacia el amor propio, hacia la reconciliación y el perdón. Un filme que explora temas tan íntimos como la búsqueda de la identidad y lo efímero del amor a través de la conexión emocional con el entorno”.

 

(1) “Amanece” puede verse en los cines madrileños a partir del viernes 17 de noviembre de 2023.

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“La imatge permanent” de Laura Ferrés, Espiga de Oro de la Seminci: una propuesta diferente

Empiezo por confesar que “La imatge permanenT, primer largometraje de la realizadora catalana Laura Ferrés, me ha parecido una película cuando menos extraña, que seguramente no he entendido visto que ha sido premiada con la Espiga de Oro, máximo galardón de la Semana del Cine de Valladolid (Seminci). También puede ser que hoy no tuviera yo mi mejor día para digerir propuestas innovadoras.

En “La imatge permanent” se cuenta la historia de una joven que, tras dar a luz en un pueblo andaluz, huye del agobio local y desaparece en plena noche. Pasados cincuenta ños, en un pueblo de las afueras de Barcelona donde vive vendiendo perfumes por  la calle, se encuentra con otra mujer, una fotógrafa que se dedica a buscar gente “normal” dispuesta a contar su historia y experiencias,  para trabajos publicitarios. Las dos mujeres, en la vida real se llaman Rosario Ortega y María Luego, no son actrices profesionales pero son las intérpretes de esta propuesta de un cine diferente que no estoy segura pueda pasar la prueba del público en una sala convencional. Hace medio siglo yo habría dicho que se trataba de la historia de dos soledades que habría llenado cumplidamente una sala de las llamadas de arte y ensayo, seguida del correspondiente coloquio durante el cual los espectadores habrían competido limpiamente para tratar de encontrar todas las explicaciones posibles a la  trama.   Por aportar algo, y sin ningún ánimo de rivalizar, digamos que la película de Laura Ferrés, rodada en catalán y castellano,  es un drama que reflexiona sobre la realidad, las vidas reales y el valor de la imagen.    (1) “La imatge permanent” se estrena en los cines de Madrid el viernes 17 de noviembre de 2023

 

 

 

“El viejo roble”: el incombustible Ken Loach situa la crisis de los refugiados en un caótico pueblo inglés

“Una película no puede cambiar el mundo. Lo que si puede cambiarlo es lo que hagas tu al salir de ver la película” (Ken Loach)

'El Viejo Roble (The Old Oak)', la última película del realizador británico Ken Loach  (dos veces ganador de la Palma de Oro del Festival de Cannes con 'El Viento que Agita la Cebada', 2006, y 'Yo, Daniel Blake', 2016), es un emotivo relato de la crisis de los refugiados, con final (moderadamente) feliz.

Cumplidos 87 años, Loach repite colaboración con Paul Laverty, el guionista de algunas de sus obras maestras para -convencidos de los poderes del cine para traspasar las pantallas y llegar a influir en la realidad-  contar un drama moderno: la historia sentimental y solidaria a la postre de un pueblo con pasado minero y un pub, “El Viejo Roble”, que conoció días mejores y por el que, en un momento u otro,  pasa la vida de todos los habitantes. En el reciente Festival de Cine de Valladolid (Seminci), “El viejo roble”  logró el Premio del Público y el de Mejor Actor para su protagonista, Dave Turner, el dueño de esa taberna que conoció días mejores.

T J  Ballantyne, el personaje que interpreta Dave Turner en “El Viejo Roble” con una bondad contagiosa, es como la consecuencia lógica de –como explica el propio Loach- dos películas anteriores rodadas en el noreste de Inglaterra (“Yo, Daniel Blake” y Sorry We Missed You”), “historias de personas atrapadas en esta sociedad fracturada. Inevitablemente, ambas terminaron mal. Aún así, conocimos a muchas personas fuertes y generosas, que responden a estos tiempos oscuros con valentía y determinación. Sentíamos que teníamos que hace una tercera película que reflejase eso, pero que no minimizara las dificultades que la gente tiene que afrontar, y lo que ha sufrido esta zona en las últimas décadas. Había otra historia, más larga, ahí para contar, y pensamos que podíamos encontrarla”.

Protagonizada junto a Dave Turner (“Yo, Daniel Blale”, “Sorry We Missed You”) por Debbie Honeywood (“Sorry We Missed You”, “Un niño culpable”) y la actriz siria de 25 años Ebla Mari –hasta ahora profesora de teatro en el pueblo de Majal Shams, una parte del Golan ocupado militarmente por Israel desde la Guerra de los Seis Días de 1967, y sin ninguna experiencia en el cine, quien confesaba no tener antes ni idea de quién es Ken Loach, ni de su vasta obra cinematográfica- en el papel de Yara, una refugiada siria recientemente llegada al Reino Unido y expedida con su familia al antiguo pueblo minero, donde sobrevive una comunidad desgarrada por décadas de negligencias administrativas; una comunidad que, en ocasiones como la presentada en la película, no se siente solidaria con las víctimas extranjeras que llegan y las considera parte de sus  problemas.

La película aborda con inteligencia y lucidez la crisis de los refugiados sirios desplazados al pueblo británico donde, el propietario de un pub amenazado por las deudas que se ha convertido en refugio de los desheredados, entabla amistad con la joven Yara,  quien conserva como un tesoro la cámara que le regaló su padre –preso y desaparecido en algún rincón de Siria, desgarrada por una guerra civil que no tiene visos de acabar nunca- y tiene puestas sus esperanzas en la posibilidad de llegar en algún momento a convertirse en profesional de la fotografía. Los refugiados alteran la vida cotidiana del pueblo llegando incluso a incitar a sus habitantes a rebelarse contra un sistema –ultraconservador, eran los días de Margareth Thatcher- que ignora a los más desfavorecidos. Y la película se convierte en el relato de una concienciación que impulsa  a la acción.

Ken Loach ha hecho de  la crisis de los refugiados, un tema tristemente universal, un reivindicativo retrato social y racial plagado de consideraciones humanistas que toca la fibra del espectador. “El viejo roble” (1) no es solo una taberna decrépita;  es también el símbolo de una sociedad atascada en sus miedos y sus angustias, que apenas dejan lugar a la esperanza. Y, sobre todo, una mirada cómplice sobre el final del proletariado británico y la desaparición de la solidaridad de clase.

Como de costumbre, esta última –por el momento- película de Ken Loach es otra vuelta de tuerca a la historia y la sociedad inglesa que consigue retratar mejor que nadie. Toda su cinematografía –de “Riff-Raff” en 1991 a Sweet Sixteen en 2002, como de “La parte de los ángeles” de 2012 a “Sorry We Missed You” de 2019- es el fresco de un sorprendente y comprometido artesano cinematográfico, una llamada de atención que obliga al espectador a fijarse en lo que ocurre alrededor.

 (1) “El viejo roble” se puede encontrar en la cartelera madrileña a partir del viernes 17 de noviembre de 2023

 

“La importancia de llamarse Ernesto y la gilipollez de llamarse Eric”, documental sobre el baterista de los Planetas y de los Lagartijas Nick

“Mamá, el niño va por la Gran Vía haciendo el ridículo con los que mataron a Lorca”

 

 

Eric Jiménez, el baterista de Los Planetas y Lagartijas Nick, nació en Granada, la única ciudad del mundo con nombre de explosivo. Hijo de un padre que pasó la vida mintiendo y a los diez años le encañonó con una pistola, y de una madre que regentaba una pensión –donde el pequeño pasaba las noches con los huéspedes, oyendo la radio y aprendiendo la vida- pasó su infancia en los “tranquillos” (ese reborde que sobresale de los portales) observando el mundo que se movía a su alrededor, y del que guarda recuerdos como el de una mujer borracha, que pedía limosna y orinaba de pie. 

Con diez años ingresó en la OJE, organización juvenil de la Falange fascista, porque quería tocar el tambor, pero como no podía con el peso del instrumento, le dieron un cornetín y le llevaban de mascota. Sus mayores influencias musicales han sido la Semana Santa y su primera hostia, la que le dieron al nacer, quizá la más artística y la menos dolorosa. Se casó con dieciséis años, poco después comenzó a consumir drogas para evadirse. Dice que debería haber muerto antes de los treinta. Durante cuarenta años ha golpeado la batería como la vida le ha golpeado a él, con todas sus fuerzas.

 

“La importancia de llamarse Ernesto y la gilipollez de llamarse Eric”, interesante documental sobre la vida y milagros de uno de los mejores “tocadores” de batería de nuestro tiempo, realizado por el madrileño César Martínez Herrada (largometrajes “Manos de seda”, “Cuando todo esté en orden”, “Arena en los bolsillos”; documentales “Fiel a lo incierto”,  “Ruibal por libre”, “Objeto encontrado”, “apuntes de realidad”), cuenta con testimonios de, entre otros, el propio Eric Jiménez y su hermano Carlos, Antonio Arias, Juan Codorniú, Jota, Florent, Soleá Morente, Miguel Ríos, José Ignacio lapido, Juan Alberto Martínez, Noni, JJ Machuca…  

 Integrante de Los Planetas y Lagartijas Nick, Eric Jiménez fue también uno de los fundadores de Los Evangelistas, un grupo formado para rendir homenaje a Enrique Morente, cuya herencia reivindicaban después de grabar con él un disco poco antes de su muerte.

 Los nombres de los discos y las canciones de los planetas –“El ejército rojo”, “zona temporalmente autónoma”, “Espíritu olímpico”, “Los campanilleros”, “Santo Dios”, “Una, grande y libre”, “La canción de los gitanos”, “Canción para los obreros de Seat”, “El novio de la muerte”, “Fuerza nueva”, “La nueva normalidad”, “Navidad de reserva”, “El rey de España”… Cuarenta años haciendo música no son ninguna tontería- dan una idea de por dónde va esta banda tan peculiar. En 2021, en plena pandemia, Los planetas publican “El negacionista”: “música popular contra la propaganda, la incompetencia, el conformismo y la pereza para decir no. Al estúpido, no. Al malvado, no. Al estado, no, A las corporaciones, no, A la incertidumbre, no, A la desinformación, no (…) Los Planetas se ofrecen a dar al César lo que es del César, a Dios lo que es de Dios, a la comunidad lo que es de la comunidad y al capitalismo, que es uno y trino, lo que es del capitalismo: la idea de un mundo plano, arrogancia, fiereza de ánimo y ausencia de compasión. Y, aunque no se lo merezca, un poquito de humor”.

 

(¡) “La importancia de llamarse Ernesto y la gilipollez de llamarse Eric” se puede ver en los cines de Madrid desde el viernes 10 de noviembre de 2023.

 

  

 

“Palacio Estilistas” , muy rosa y con mucha laca

 

No son cameos, son auténticas protagonistas -con intervenciones de diferente importancia y duración-  las muchas caras conocidas, especialmente por las(los) lectoras  de la llamada prensa del corazón (también conocida como “prensa de las entrañas, y “prensa de las vísceras), de “Palacio estilistas”, debut en el largometraje del director Moisés Martín, que presume de reparto coral: Goya Toledo (“Amores perros”, “Maktub”), Álex Peral (“Quan no acaba la nit”), Julia Fernández, Carlos Hipólito (“El Ministerio del Tiempo”, “1898. Los últimos de Filipinas”), Lolita Flores (“Rencor”, “Las Invisibles”), Pastora Vega (“Demasiado corazón”, “Todos los hombres sois iguales”), Nicolás Mota (“El pueblo” y “Madres. Amor y vida”), Diana de María (“No lo llames amor… llámalo X”, “El hombre de tu vida”), Sandra Martín Gómez (teatro “La lucha por la vida”), Juanma Lara (“El Príncipe”, “La Peste”,  “La casa de papel”), y Ramiro Blas (“La pasajera”, series “Vis a vis”, “La fuga”).

 

A sus cuarenta y tantos, Juana está cansada de trabajar de peluquera. Por casualidad, en el bolso de una clienta descubre in delito en el que está incriminado el marido de la señora  como responsable de un delito ecológico,  y decide chantajearles, con la ayuda de una esteticista y una pitonisa, pidiendo la entrega de tres millones de euros a cambio de no hacer público el escándalo. . Pero kis delincuentes tienen otros planes, que incluyen casar a su hija con un infeliz  que acabará siendo el culpable de todo el embrollo, aunque el chico no parece dispuesto a creer que su nueva familia le esté utilizando. Todo se complica cuando entra en juego un esquizofrénico con licencia de armas.

“Palacio estilistas” (1)  es una comedia de enredo sin pretensiones ambientada en una peluquería, y según su realizador “una de esas historias…(que) dibujan las relaciones entre padres e hijos de un modo venenoso y grotesco, a veces incluso caricaturesco…en un universo lleno de secadores de pelo, rulos y laca… mucha laca”.

Moisés Principio del formulario

 Moisés MartínMartín ha visto el salón de belleza “como un confesonario, como una terapia de grupo, como un auténtico campo de batalla”. Confiesa haber pasado, de pequeño, muchas tardes de sábado en la peluquería acompañando a su madre y escuchando las charlas de las clientas, mientras las peinaban y tomaban un café. “Recuerdo las risas, y los cuchicheos… También recuerdo a alguna de esas mujeres llorando…”. Lo que confirma las impresiones que le quedaron grabadas.

 

(1) “Palacio estilistas” se podrá ver en los cines de Madrid a partir del vienes 10 de noviembre de 2023.

“Rioja. La tierra de los mil vinos”: un recorrido por el paisaje y el paisanaje de una región peculiar

“El vino es la única manera de mantener el tiempo”, dice el personaje que da comienzo al documental “Rioja. La tierra de los mil vinos”, escrito y dirigido  por José Luis López Linares, experimentado documentalista español ganador de dos Goya al Mejor Documental (“Un instante en la vida ajena”, 2004, y “El Bosco. El jardín de los sueños”, 2016), uno a la Mejor dirección de Fotografía por “Iberia” en 2006,   y un Premio Ondas en 1997 por “Asaltar los cielos”.

Presentado en el reciente Festival de Cine de Valladolid (Seminci) y realizado a partir de una treintena de entrevistas xon enólogos, bodegueros e historiadores, “Rioja. La tierra de los mil vinos” es un relato que, con espíritu muy didáctico, sin duda interesará a los cada vez más adeptos con que cuenta el vino en nuestro país, y “celebra la diversidad que esconde la sorprendente región vitivinícola de Rioja, madurado tras pasar meses recorriendo bodegas centenarias y hablando con las nuevas generaciones de productores, proporciona algunas de las claves para entender la fama, tanto nacional como internacional, de esa bebida tan apreciada que es el vino de La Rioja, y para llegar a distinguir los caldos de las tres subzonas que conforman  la Denominación de Origen Calificada (Rioja Alta, Rioja Alavesa y Rioja Oriental)”.

A través de las historias humanas detrás de toda la cadena de valor que da vida al vino español con más proyección internacional, “Rioja, la tierra de los mil vinos” (1) da a conocer el momento de eclosión que está viviendo esta región vitícola, con el talento y la aportación de las nuevas generaciones que conviven con las grandes bodegas históricas. La equivalencia entre territorio y producto, entre sabiduría y tradición, trazando un puente entre los orígenes del Rioja y su futuro. 

El documental  cuenta con el testimonio de más de treinta profesionales del sector, entre los que se encuentran Abel Mendoza, Agustín Santolaya, Alvaro Palacios, Arturo de Miguel, Benjamín Romeo, Berta Valgañón, Carlos Fernández, Carlos Mazo, Carmen Pérez Villota, Eduardo Hernáiz, Francisco Hurtado de Amézaga, Javier Arizcuren, Juan Carlos Sancha, Marcos Eguren, Miguel Eguiluz o Santiago Vivanco. Y junto a ellos, otros destacados enamorados del vino Rioja como los actores Pepe Viyuela y Mabel del Pozo, los cocineros Francis Paniego y Carlos Echapresto, los Premio Nacional de Gastronomía Gemma Vela, Chefe Paniego y Andrés Conde Laya o el prescriptor  (según el diccionario “Persona que puede convencer a una gran cantidad de personas para que compren un determinado producto comercial) Tim Atkin.

   El director José Luis López Linares –quien en la pasada edición del Festival de Cannes presentó su último documental, “Goya, el ojo que escucha”, en el que explora los vínculos entre el pintor aragonés, el realizador, también aragonés, Luis Buñuel, y la sordera que aquejaba a ambos-  ha destacado que el objetivo del proyecto es que “el espectador pueda descubrir con qué cariño están hechos los vinos de Rioja, conocer a la gente que los hace. Hemos rodado en un montón de bodegas y la aproximación ha sido la de una conversación cercana, con una copa de vino en la mano, tanto el bodeguero como yo. Cada bodeguero es un mundo y el vino es el reflejo no solo de la tierra, sino también de la personalidad del que lo hace”.

(1) “Rioja. La tierra de los mil vinos” se estrena en los cines madrileños el próximo viernes, 10 de noviembre de 2023.

Irán: Narges Mohammadi, Premio Nobel de la Paz 2023, inicia una huelga de hambre en la cárcel

Narges Mohammadi

Narges Mohammadi, de 51 años, Premio Nobel de la Paz 2023 , ha iniciado una huelga de hambre en la cárcel de Evin, donde se encuentra internada desde 2021, en señal de protesta por la falta de atención médica de los detenidos y la obligación de que las mujeres vayan cubiertas por el velo, según publica hoy Euronews citando informaciones de la familia.: “La familia de Narges Mohmmadi ha informado de que hace varias horas comenzó una huelga de hambre. Estamos preocupados por su salud

El jueves pasado, las mismas fuentes informaron de que, a pesar de que la salud de Narges Mohammadi se ha debilitado, las autoridades penitenciarias se negaban a llevarla al hospital “porque no quería cubrirse la cabeza”.. La familia asegura también que, según un electrocardiograma realizado por un médico de la cárcel, necesita ser hospitalizada urgentemente: “La República Islámica es responsable de lo que pueda suceder a nuestra querida Narges”. .

Nages Mohammadi, uno de los más conocidos rostros de la campaña de  movilización iraní “Mujer, Vida, Libertad”, quien lleva muchos años militando contra la pena de muerte y a favor de los derechos de las mujeres, ha sido galardonada con el Premio Nobel de la Paz por su « combate contra la presión de las mujeres en Irán y su lucha en pro de los derechos humanos y la libertad de todos ». ,

El movimiento « Mujer, Vida, Libertad », cuyas militantes son severamente reprimidas por mostrarse  sin velo por la calle, cortarse los cabellos en público y manifestarse regularmente, se desencadenó hace poco más de un año cuando fue asesinada en una comisaría de Teherán la joven kurda Mahsa Amini, de 22 años, detenida por una agente de la policía de la moral por “no respetar el estricto código islámico” en materia de vestimenta.  

 

“Un largo viaje”… y sin salir de la M-30

“¿Qué te queda cuando no te queda nada?”

 

 

Flamante triunfadora en la 32 edición del Festival de Cine de Madrid, Plataforma Nuevos Realizadores –celebrado el pasado mes de septiembre-, donde se alzó con  los premios al Mejor Largometraje y a la Mejor dirección, la película “Un largo viaje, del debutante madrileño (de Móstoles) Víctor Nores, director y guionista con un exitoso pasado en la realización de cortos, para quien “el aplauso del público es el verdadero premio”, nos habla de un conflicto generacional que normalmente el tiempo se encarga de solucionar.

 

Violeta está harta de la vida. El único interés que todavía le mueve a levantarse  cada mañana es su hijo Samuel, con el que tiene una relación tan complicada como las que (casi) todos los adolescentes mantienen con sus padres. Pese a las diferencias que existen ambos mantienen una especie de equilibrio que, en el fondo, es su razón de existir.

Aquejados de problemas económicos y expulsados del piso madrileño que comparten, se ven obligados a convivir en el reducido espacio de una autocaravana, que mueven por el entorno de un gran centro comercial, donde acabarán acercándose y tratando de reconducir la maltrecha relación mantenida hasta entonces. Un viaje al Sur de la capital marcará el cambio de rumbo que necesitaban sus vidas.

“Un largo viaje” es una comedia dramática sobre “dos personalidades imperfectas”, como todas en realidad,  interpretada por Elisabet Gelabert (“Las furias”, “Magical Girl”, “Te doy mis ojos”) y Christian Checa (“75 días”, “En los márgenes”). Completan el reparto Alba Ferrara (“Viral”, Daniel Chamorro (“El buen patrón”) y Vicente Vergara (“La trinchera infinita”). De su ópera prima, el realizador Víctor Nores ha dicho que “estrenar la película en mi ciudad, la ciudad de la película, es como terminar un puzle sabiendo que la pieza que falta es la única que puede encajar”.

 

(1) “Un largo viaje” se estrena en Madrid el viernes 3 de noviembre de 2023