Festival de Sundance : realizador@s ucranianos e iraníes homenajeados en la edición de 2023

Este domingo, 29 de enero de 2023, se ha clausurado el Festival de Cine Independiente de Sundance –un encuentro que anualmente se celebra en lo localidad de Park City, en las montañas de Utah, en el oeste de Estados Unidos-.  comprometido con la realidad del tiempo que vivimos creado por Robert Redford en agosto de 1978- que durante la semana ha estado exhibiendo las mejores producciones independientes de todo el mundo. En esta ocasión, el Festival ha reservado un espacio muy destacado a un par de producciones documentales  ucranianas, además de un film de ficción de la misma nacionalidad, que contradicen la propaganda rusa que pretende justificar la invasión y ofrecen otro relato de la guerra.

El Festival de Sundance también  ha rendido homenaje a dos realizadoras iraníes que son una prueba palpable de la durísima realidad que viven las mujeres en un país donde cada vez tienen más restricciones y donde pueden ser asesinadas en una comisaría, tras detenerlas por llevar el velo mal puesto.

Testimonios

« 20 Días en Mariupol » describe le llegada de los invasores rusos, el año pasado,  a la ciudad que fue escenario de  una de las batallas mas cruentas de esta guerra.  Se trata de imágenes recogidas en los meses de febrero y marzo de 2021 por diversos periodistas durante el asedio de Mariupol, ordenadas por uno de ellos,  el realizador  Mstyslav Chernov, quien espera que su documental afecte más profundamente a los espectadores que las que vemos habitualmente en los informativos.  Mstyslav Chernov arriegó su vida para grabar el ataque ruso a una maternidad, un hecho que indignó en todo el mundo. “Mariupol –ha explicado- fue la primera vez que se apreciaron las diferencias entre el relato que hace Rusia de la guerra y la cruda realidad”.

 

https://youtu.be/GHSEDXgspQM

 

 

El uso que, desde hace casi dos años, están haciendo Putin y otras autoridades rusas de la desinformación es también el tema central del documental « Iron Butterflies » (Mariposas de acero), que cuenta la historia del vuelo MH17 de la compañía Malaysia Airlines, abatido en 2014 por un grupo separatista del este de Ucrania, y hasta qué punto eñ conflicto de entonces ya presagiaba lo que ahora está pasando. El título hace referencia a la metralla que contenían los misiles BUK de fabricación rusa que alcanzaron al vuelo comercial que hacía la ruta Amsterdam-Kuala Lumpur, en el que perdieron la vida 298 personas.  « Iron Butterflies » co niene imágenes de vídeos de actualidad y otras procedentes de redes sociales, con extractos de audio de comunicaciones militares interceptadas, para demostrar cómo la versión del Kremlin pasó de acusar a los separatistas de abatir un avión militar ucraniano  a acusar al gobierno de Kiev de ser responsable de la muerte de civiles. El realizador, Roman Liubyi explicó que se ha esforzado en hacer un relato lo más científico posible Para evitar « ceder a la rabia en el montaje, porque la propaganda rusa se contruyó sobre un impacto emocional ».  Liubyi espera utilizar la publicidad conseguida con su participación en el Festival de Sundance para recaudar fondos suficientes para comprar un dron de reconocimiento, que será entregado a los directores de cine que actualmente están combatiendo en el ejército ucraniano

 

https://youtu.be/F0oxLf8zcnE

 

La tercera película ucraniana presentada en Sundance, « Klondike » es una ficción que cuenta la historia de una familia que vivía en la frontera entre Rusia y Ucrania cuando estalló el conflicto de 2014. Es la segunda vez que esta película se proyecta en el festival después de ganar el año pasado el Premio a la realización. 

 

Un documental de Sean Penn en la Berlinale

 

El 14 de febrero de 2022, el actor y realizador estadounidense Sean Penn se encontraba  en Kiev, preparando el rodaje de un documental, cuando las tropas rusas invadieron Ucrania, iniciando una guerra que se anuncia prolongada. El resultado, una película sobre los días de la invasión en la que participa el presidente ucraniano Volodymyr Zelenski (no olvidemos que antes de lanzarse a la política fue un famoso humorista), se va a estrenar en el Festival de Cine de Berlín, que celebrará su edición número 73 del 16 al 26 de este mes de febrero de 2023.

A los 62 años y con dos premios Oscar de interpretación –por las películas “Harvey Milk” y “Mystic River”- Sean Penn se encuentra siempre en el centro de la controversia tanto por sus compromisos políticos marcadamente a la izquierda como por la entrevista que hizo al capo de la droga mexicana, “el Chapo” Guzmán, cuando se encontraba huído.

El Festival de Berlín, popularmente conocido como “la Berlinale”, tiene programados varios  documentales y largometrajes de realizadores ucranianos, así como de realizadores iraníes disidentes, “como muestra de solidaridad” según el codirector del Festival, Carlo Chatrian.

Cuando se cumplen cuatro meses de la muerte de la joven estudiante kurda Massa Amini, asesinada a los 22 años en una comisaria de Teherán después que la detuviera la “policía de la moral” por llevar mal puesto el velo, en la Berlinale se van a proyectar “Joonam”, de la realizadora Sierra Urich,  un documental sobre tres generaciones de una familia iraní que ahora vive en el estado de Vermont (Estados Unidos), y “The Persian Version”, una comedia dramática que transcurre en Nueva York a lo largo de varias décadas, firmada por la realizadora Maryam Keshavarz, quien asegura que “incluso antes de este régimen, las mujeres iraníes han tenido que luchar con la sociedad para conseguir lo que querían. Han cambiado algunas normas y han encontrado una manera de ser libres”. Maryam Keshavarz no ha podido regresar a Irán desde que presentó su primera película, titulada “en secreto”, una historia de amor de dos adolescentes iraníes. Por su parte, Sierra Urich, espera que su película sea “una pequeña parte de la lucha por la libertad” que en este momento se lleva a cabo en el país..

 

Recordemos que los ayatolás han matado ya a cerca de 500 personas que participaban en las manifestaciones y que en este momento otras 109 están condenadas a la pena capital. Según la organización Iran Human Rights ya se han producido cuatro ejecuciones. Desde hace seis meses se encuentra detenido el célebre realizador Jafar Panahi, condenado por “propaganda contra el régimen”, sin que hasta el momento se conozcan los términos exactos ni la duración de la condena.

 

 

“Lobo feroz”, una venganza sin matices

“Como ocurre a menudo con los remakes, las adiciones para destacar la nueva versión pasan a ratos por hacerla irreconocible” (Manuel Mañero, aullidos.com)

Un thriller de venganza y crímenes sin resolver,   “oscuro y turbador”, remake de la película israelí “Big bad wolves”,  dirigido por Gustavo Hernández Ibáñez (“La casa muda”, “No dormirás”) que protagonizan  Adriana Ugarte (“Palmeras en la nieve”, “Julieta”), Javier Gutiérrez (“La isla mínima”, “La hija”)  y Rubén Ochandiano (“Vulcania”, “Incidencias”), al frente de un reparto que incluye también a Antonio Dechent (“El Lute”, “El refugio”), Juana Acosta (“Perfectos desconocidos”, “Acantilado”), Manu Vega (“Un retrato de familia”) y Fernando Tejero (“Días de fútbol”, “Modelo 77”).  

 

Un policía al borde de la ley y una mujer en busca de venganza, cruzan sus caminos obsesionados con descubrir al asesino que se esconde tras los brutales crímenes de varias niñas. Ambos están dispuestos a hacer lo que sea necesario para lograr su confesión, aunque para ello tengan que tomarse la justicia por su mano. Una modélica detective luchará contrarreloj para evitar que se cometan errores irreparables y que esa desesperada búsqueda de la verdad se convierta en el más feroz de los lobos.

No puedo comparar porque no he visto la película “Big Bad Wolves”, triunfadora en el Festival de Sitges (de cine fantástico y de terror) de 2013, escrita y dirigida por los israelíes Aharon Keshales y Navot Papushado, inspiradora de este “Lobo feroz”(1)  que recrea el juego del ratón y el gato entre el detective con maneras poco ortodoxas, la madre de una de la víctimas –una mujer que parece una fiera enjaulada intentando escapar de sus demonios- y el principal sospechoso de una serie de infanticidios, torturado por los otros dos hasta el límite de su resistencia.  Lo que sí puedo decir es que esta película me ha parecido particularmente sórdida.  

(1) “Lobo feroz” se estrena en Madrid el viernes 27 de enero de 2023

“The Offering”, de familias y demonios

Esta es una de miedo. De miedo y rabinos, y una casa que es también una funeraria con una morgue en el sótano, y de posesivos espíritus malignos. Una película de horror que transcurre en un edificio de Brooklyn, en el que un espíritu maléfico se dedica a molestar –por usar una expresión correcta- no solo a los habitantes, también a los invitados y a los visitantes ocasionales.

Reconozco que me falta cultura para entender bien de qué trata  “The Offering” (La ofrenda), del realizador Oliver Park (“A Night of Horror. Nightmare Radio”); cultura jasídica acerca de los demonios del universo judío. Además, ninguno de los personajes de la película se toma la molestia de explicar el significado de muchas de las cosas que vemos, pertenecientes al judaísmo más ortodoxo.  Pero, por lo que he entendido, la historia es que cuando Arthur “Art”  (Nick Blood, “Euphoria”), hijo de Saúl , dueño de una funeraria, visita a su padre junto con su mujer embarazada (Emily Wiseman, “Winchester. La casa que construyeron los espíritus”), acaba de llegar el cuerpo de un anciano que por lo visto se ha suicidado durante un exorcismo para expulsar a un demonio.

Art tiene problemas económicos y quiere intentar convencer a su padre para que le avale con el edificio que posee. Cuando el padre pide ayuda a Art para preparar al difunto para el entierro, por lo que sea se activa el demonio – llamado Abyzu, que puede cambiar de forma e incluso transformarse en personas vivas, conocido por robar niños y llevar siglos atormentando a la humanidad-, un demonio que empieza a causar problemas a todo el mundo, y especialmente a la embarazada, haciendo que resulte difícil entender cómo puede sobrevivir a tanto sobresalto y tanto ataque que, por lo que he leído, pertenece al guión que firman Hank Hoffman y Jonathan Yunger, basado en la leyenda popular judía  del demonio Abyzu.

En la tradición judía no existe el infierno y los demonios son espíritus maléficos independientes que se dedican a perturbar haciendo el mal. La historia se refuerza porque hace poco ha desaparecido una niña judía de la comunidad, y todo el mundo está nervioso y sospechando de los demás.

« Profundizando en la Kabala, la geometría sagrada y el mito del aborto del demonio Abyzu », el realizador Oliver Park ha compuesto una historia de acontecimientos que lo mismo podrían haber sucedido hace varios siglos, en un escenario extrañamente gótico en el que se suceden las habitaciones, los espejos deformantes  y las escaleras, sin que sea posible ubicar nada exactamente.

 

“Transformar un sistema de creencias esotéricas que únicamente entienden los rabinos más disciplinados (y Madonna) en una película que pueda gustar al público en general, sería una tarea hercúlea que ‘The Offering’ evita sabiamente. En lugar de eso, la película utiliza las partes más conocidas de la Kabala como vitrina estilística para una historia más universal sobre el papel que juegan las religiones familiares en nuestras vidas”. En este sentido, lo que expone “The Offering” (1) –un drama familiar que transcurre en la oscuridad- son las tensiones que, en determinados ambientes,  existen entre las tradiciones antiguas y el mundo actual que se niega a tenerlas en cuenta.

 

(1) “The Offering” se estrena en los cines madrileños el viernes 27 de enero de 2023.

“La vida sin ti” de Laurent Larivière: sobre nosotros y nuestra memoria

“El guionista y realizador Laurent Larivière firma en este segundo largometraje singular y sensible un hermoso retrato de una mujer luchando con sus recuerdos, al tiempo que hace una reflexión muy sutil acerca de la manera en que la ficción nos ayuda a vivir » (bande-a-part.fr)

Presentada en el Festival de Berlín 2022, donde la actriz Isabelle Hupert  (“La pianista”, “Elle”, “Greta”) recibió el Oso de Oro por toda su carrera, “La vida sin ti” (“A propos de Joan”), dirigida por Laurent Larivière (“Je suis un soldat”), es un enigmática drama sobre la vida de una mujer que rememora los mejores y los peores recuerdos de su vida, transcurrida entre Francia, Irlanda y Alemania.

 

Junto a ella, en el reparto, el actor alemán Lars Eidinger (“El espía honesto”, “El profesor de persa”, “La sombra del pasado”), y el francés Swann Arlaud (ganador de dos Premios César por “Un héroe singular” y “Gracias a Dios”, en 2018 y 2020 respectivamente),  interpretando al hijo de Huppert, y Florence Loiret-Caille (“El efecto acuático”, “La dama de trébol” y la exitosa serie “Oficina de infiltrados”).

En una calle de París, Joan Verra intenta esquivar a un hombre que le sigue y que, al volver una esquina, se presenta como su primer amor, al que ha perdido la pista tras años de ausencia. Abrumada por el inesperado encuentro huye a su casa de campo donde rememora los últimos cuarenta años de su vida: familia, juventud, amor, éxito profesional…Un cuadro fragmentado y novelesco de lo que ha sido su existencia -desde la joven aupair en Irlanda que en los años 60 tiene un hijo con un simpático carterista, al que educa sola; la que asiste al momento en que su madre abandona el hogar para seguir a Japón a un hombre del que se ha enamorado; la que, adulta y convertida en editora, comparte la tragedia de un autor alcohólico- y un viaje liberador sobre la manera en que aceptamos las historias que nos contamos a nosotros mismos.

Mezclando pasado y presente, Irlanda y Francia, la ciudad y el campo, yendo y viniendo hasta el punto de que a veces desorienta al espectador, « La vida sin ti » (1) es una interesante película imperfecta llena de meandros laberínticos y de diálogos imposibles, con una estética muy cuidada, que viene a recordarnos los pactos que hacemos con nosotros mismos para aceptar la existencia tal y como va llegando,  pero sobre todo las decepciones, la adversidad y las penas… y el importante lugar que ocupan el imaginario y la ficción en nuestras vidas, naturalmente imperfectas. Entre melodrama y comedia, “La vida sin ti” es una reflexión melancólica sobre la memoria, en este caso selectiva, muy selectiva.

Especialmente indicada para los incondicionales de Isabelle Huppert, una actriz de dilatada carrera y a punto de cumplir 70 años, ganadora entre otros  de una docena de Premios César (equivalentes galos a los Goya), una nominación al Oscar y un  Globo de Oro en Estados Unidos, un Bafta en el Reino Unido , dos David de Donatello (Italia), dos Premios a la Mejor Actriz en el Festival de Cannes, en la Berlinale, el Festival de Montreal y el Festival del Cine de Moscú, tres veces  premiada en la Mostra de Venecia y  tres veces nombrada Mejor actriz del Cine Europeo.

(1) “La vida sin ti” llega a la cartelera madrileña el viernes 27 de enero de 2023.

“Devotion. Una historia de héroes”, los amigos siempre lo primero

Hacía mucho tiempo que no veía una película como “Devotion. Una historia de héroes”, más propia del ecuador del siglo veinte; una película de guerra y solo de guerra, una película de hombres y solo de hombres (las única mujeres que aparecen son la esposa y la hija de uno de los pilotos protagonistas, y lo hacen con carácter episódico, si bien su presencia sirve para acentuar el aspecto familiar). Una película épica dirigida por J.D. Dillard (“Sweetheart”, “Juegos de manos”) que narra la amistad de dos pilotos de caza de la marina estadounidense –uno de ellos el primer aviador afroamericano- que combatieron en  la primera fase de la Guerra de Corea.

Basada enla novela de Adam Makos « Devotion: An Epic Story of Heroism, Friendship, and Sacrifice »,  es una película espectacular por la cantidad de secuencias de aviones evolucionando en el aire y combatiendo -escenas de una intensidad nunca  vista anteriormente en el cine-, así como de aterrizajes en la cubierta del portaviones, protagonizada por Glen Powell (“Top Gun: Maverick”, “Figuras ocultas”, “Castillo de arena”, “The Bad Guys”) y Jonathan Majors (“Da 5 Bloods: Hermanos de armas”, “White Boy Rick”, “The Last Black Man in San Francisco”, “Nación cautiva”).

 

Relato de hechos reales, “Devotion. Una historia de héroes” (1) es un drama histórico ocurrido en 1950, en plena Guerra Fría, con dos protagonistas procedentes de ambientes sociales muy diferentes,que coincidieron en el escuadrón de élite VF-32 –Tom Hudner (Glen Powell en el filme), un oficial de carrera,  y Jesse Brown (Jonathan Majors), un talentoso piloto y primer hombre negro en la Air Force, un universo dominado por jóvenes WASP (blancos, de origen anglosajón y de religión protestante)-  y se convirtieron en unos de los mejores pilotos de combate de la US Navy al tiempo que consolidaron una sólida amistad, que se vio puesta a prueba cuando Jesse Brown resultó abatido en territorio enemigo.

 

Película muy “clásica” y convencional, pero sin duda eficaz, sobre la amistad y los derechos civiles, no olvida apuntar el racismo dominante en aquel tiempo y en lugares como el ejército: según algunos historiadores, el piloto Brown fue objeto de lesiones corporales y varios intentos de asesinato por parte de “compañeros” segregacionistas en los comienzos de su carrera.

 

Confieso haberme sentido confusa con los créditos finales de la película, que aseguran que el piloto Hudner ha estado durante años intentando regresar a Corea para recuperar el cuerpo de su compañero caído en combate, cuando en la película se dice que hay orden del mando de destruir los aparatos de ambos, estacionados en un claro del bosque helado, donde tuvo que hacer un aterrizaje de emergencia el piloto Brown cuando empezó a arder el depósito de aceite de su caza.

(1) « Devotion. Una historia de héroes » se estrena en los cines de Madrid el viernes 27 de enero de 2023.

 

“Decision to leave” de Park Chan-Wook: cuando se ama hay que saber decir adios

“Falso policiaco, auténtica historia de amor y agobiante radiografía de los sentimientos humanos, ‘Decision to leave’ nos prueba, de un avez por todas, que Park Chan-wook sigue en la cumbre de su arte y queno parece que vaya a descender pronto » (Mathieu Jaborska, Ecran large)

 

«Decision to leave » (La decisión de partir), del coreano Park Chan-wook, Premio al Mejor Director en el Festival de Cannes 2022 (Premio del Jurado en 2004 por « Old Boy » y en 2009 por « Thirst »), es una vuelta de tuerca al mito del mujer fatal con la actriz china Tang Wei (“Deseo, peligro”) como protagonista, junto al surcoreano Park Hae-il (“The host”, “Memorias de un asesino”), en una película que lleva inevitablemente a pensar en “Vertigo”, una de las obras maestras de Alfred Hitchcock, en la que un investigador se enamora de la mujer que tiene el encargo de vigilar. Completan el reparto los actores Lee Jung-hyun y Go Kyung-pyo.

El cine surcoreano está de moda y películas como “Old Boy o “La doncella”, y esta “Decisión to leave” (1) –que conjuga intriga y melodrama  en una investigación policial-sitúan a Park Chan-wook entre los grandes. 

Investigando la muerte de un hombre que parece haberse suicidado arrojándose al vacío desde lo alto de una remota montaña, en las afueras de la ciudad de Busan, el detective hae-Joon empieza a sentirse  atraído por la china Seo-rae, esposa de la víctima  que trabaja como cuidadora de ancianas enfermas, a quien considera la principal sospechosa.Un año más tarde, Seo-rae y Hae-joonse encuentran de nuevo, en otro lugar –un pueblo pequeño y brumoso al borde del mar-  y en unas circunstancias que pueden parecer una repetición de las anteriores. Atrapado entre el deber y el deseo, “Decision to leave” es la historia de un amor sublime,  trágico y devastador –esa es exactamente la palabra con que lo define el personaje protagonista- un amor que acaba (como ya anuncia el título) en una playa y sobre el fondo de una sinfonía de Mahler, que conduce a la locura y la muerte, insertada en un relato policiaco lleno de secretos que explora los conceptos de culpabilidad e inocencia y en el que la verdad se resiste a aparecer. ¿Estamos ante el caso de una viuda negra, una mujer ambivalente y esquiva, capaz de repetir la jugada?

En cualquier caso, estamos ante una película impresionante, “de emociones fuertes” (Fotogramas), un auténtico ejercicio de estilo en el que los personajes se atraen y se separan, y en el que los lenguajes importan –las cosas que se dicen no se entienden enseguida, hay malentendidos…- en una historia terriblemente moderna, donde juegan un papel estelar los teléfonos móviles, los relojes conectados, y las muchas aplicaciones donde se escriben, se escuchan y se traducen mensajes, voces superpuestas, susurros, frases archivadas… “Una obra endiabladamente sexy que en ningún momento traspasa la frontera del erotismo” (Adrien Gombeaud, Les Echos).

 

(1) “Dcision to leave” se estrena en Madrid el viernes 20 de enero de 2023

 

“Babylon”, entre magia y excesos, erase una vez en el Hollywood de los años 20/30

“Una historia de ambición y excesos desmesurados que recorre la ascensión y caída de múltiples personajes durante una época de desenfrenada decadencia y depravación en los albores de Hollywood”

 

 

Como en un saco sin fondo, en el que cabe todo,  « lo sublime y lo grotesco, la farsa y el drama (…) y hasta el mal gusto y el horror” (lapresse.ca) « Babylon » , un relato épico ambientado en Los Angeles en los años 20,   es una mirada excesiva al revés del decorado del Hollywood recién nacido, el que da el salto del cine mudo al sonoro y condena al olvido a muchas de la anteriores estrellas que brillaban en el firmamento californiano. Un relato que contradice la historia oficial y una declaración de amor sin fisuras de su realizador, Damien Chazelle (“La, La, Land”, “First Man: el primer hombre sobre la luna”), al séptimo arte: “Los primeros años en Hollywood –ha comentado- son brutales, ilógicos, extraños”.

No me cabe la menor duda de que estamos ante una película de las que se aman o se odian, sin matices, ni de que serán muchos  más quienes encuentren en ella suficientes motivos para descartarla, empezando por las más de tres horas que dura  su proyección, lo que ya ha ocurrido con la crítica estadounidense que le ha dedicado un gélido recibimiento.

A mí me ha gustado, me ha divertido,  he disfrutado con la enorme cantidad de personajes –y no digamos de figurantes- que colman  la pantalla, y he sentido debilidad por los tres protagonistas centrales encarnados por Brad Pitt (“Thelma & Louise”, “Bastardos sin gloria”, “El árbol de la vida”, “Sr y Sra Smith”), a quien los años y la profesión han cambiado de “guapo de la película” y marido de estrellas  en un  actor casi de culto, el mexicano Diego Calva, conocido internacionalmente por su papel en la serie Policíaca “Narcos”, y la guapísima  australiana Margot Robbie, protagonista de éxitos como “El lobo de Wall Street”, “Erase una vez en Hollywood”, “Barbie” o “Amsterdam”.  Les acompaña un reparto interminable en el que destacan Jean Smart, Jovan Adepo, Li Jun Li, P.J. Byrne, Lukas Haas, Olivia Hamilton, Tobey Maguire, Max Minghel, Rory Scovel, Katherine Waterston, Flea, Jeff Garlin, Eric Roberts, Ethan Suplee, Samara Weaving, Olivia Wilde…

 

Fiestas, drogas y dinero fácil fueron señas de identidad de la edad de oro de un arte que despegaba “entre grandeza y decadencia” en 1926, en una época en que Los Angeles no era la megalopolis actual, en una historia que  comienza presentando a Manuel “Manny” Torres (Diego Calva), un joven mexicano dispuesto a todo para conseguir un trabajo en la ciudad de los sueños: contratado para encargarse de que un elefante llegue en buenas condiciones al domicilio de un productor influyente, en el momento en que aparece por la mansión la aspirante a actriz Nellie LaRoy (Margot Robbie), dispuesta a conseguir que se fijen en ella y la conviertan en una estrella de la gran pantalla. Durante la velada –  una orgía “completamente borracha de jazz, baile, droga, alcohol y sexo”- Manny y Nellie simpatizan y forman una especie de equipo, el azar les hará reencontrarse en los años siguientes, durante todo el resto del relato. En el otro lado del espectro,  Jack Conrad (Brad Pitt), la estrella mejor pagada del cine mudo, a quien espera un futuro cuanto menos incierto: sus cinco minutos de gloria han terminado, se habla de la nueva industria y de la nueva realidad a la que todos deberán adaptarse.

 

Tres personajes brillantes, atractivos, cautivadores, en una película de “cine en el cine”, un viaje alucinante por los rodajes, las virtudes y los vicios de la creación de Hollywood, un momento de decadencia que conoció el ascenso y la decadencia de diferentes personajes. “Babylon” (1)  es una película caótica que alterna momentos  de belleza y vulgaridad y en la que se citan –o se intuyen- Méliès, Buñuel, Cantando bajo la lluvia, el Gran Gatsby, Erase una vez en Hollywood, La condesa de los pies descalzos, Ha nacido una estrella, La noche americana, The Artist…tantos géneros, tantos sueños, tantas emociones compartidas en la oscuridad de una sala.

 

“Espectacular, excesivo, extravagante, efervescente y melancólico (…) una parábola del cine con su movimiento perpetuo” (Sandra Mézière, In the mood for cinema).

 

(1) « Babylon » se estrena en los cines madrileños el viernes 20 de enero de 2023.

 

 

””Una herencia de muerte”, demasiados parientes en liza por los millones de la tía

 

“Incluso a pesar de la riqueza del reparto, The Estate" se ahoga en su propia falta d de aire» (RogerEbert.com)

 

Entretenida comedia coral dirigida por Dean Craig (“Un funeral de muerte”) y protagonizada por Toni Collette (“Puñales por la espalda”, “pequeña miss sunhine”), Anna Faris (“Dime con cuantos”, “Una conejita en el campus”), Rosemarie De Witt (“El amigo de mi hermana”, Ron Livingston (“Tully”), y la pareja de veteranos rescatados del olvido Kathleen Turner (“La guerra de los Rse”, “Tras el corazón verde”) y David Duchovny (inolvidable en “Expediente X”, “Californication”) , “Una herencia de muerte (The Estate”) trata sobre un grupo de sobrinos sin escrúpulos dispuestos a hacer hasta lo imposible para conseguir heredar a la tía Hilda, aquejada de un cáncer múltiple en fase terminal.  

 

A las hermanas Macey (Toni Collette) y Savanna (Anna Faris), propietarias de una destartalada cafetería familiar que tiene los días contados , los bancos se niegan a seguir financiándoles. Entonces se enteran de que su acaudalada tía Hilda (Kathleen Turner), una mujer permanentemente enfadada con quienes la rodean y con el mundo,  está a punto de morir, y deciden acudir a cuidarla con el objetivo de hacerse con la herencia. Al llegar a la imponente mansión donde vive Hilda, se enteran de que hay otra prima, Beatrice (Rosemarie DeWitt), que se ha trasladado con su marido para hacerse cargo de la enferma, con idéntico propósito. Mientras las tres mujeres discuten acerca de quien tiene más derecho a hacer de enfermera y convertirse en heredera, aparece un cuarto pariente, el primo Richard (David Duchovny), un tipo grotesco pasado de rosca que, en un día especialmente caluroso, se presenta conduciendo un viejo porsche y vestido de terciopelo. La historia es la de  la guerra que se establece entre los primos para hacerse con la herencia; todos ellos ignoran si figuran, o no, en el testamento de la tía.

 

Un guión desenfadado y un desfile de actores con talento como los de “Una herencia de muerte” (1) no son suficientes para garantizar el resultado óptimo de una comedia que promete más de lo que da. A esta le sobran lugares comunes y le falta ritmo y algo de originalidad.  La recurrente historia del pariente rico en el lecho de muerte, y los parientes pobres destrozándose para conseguir los millones, es una fórmula intemporal que no siempre funciona como estaba previsto. Ni siquiera cuando la moribunda es una actriz de la categoría de Kathleen Turner, con sus señas de identidad, incluida la voz ronca, que nos remiten a un pasado feliz que tiene más de treinta años.

 

 

 (1) « Una herencia de muerte » se estrena en la cartelera madrileña el viernes 20 de enero de 2023

 

 

 

"El Suplente" de Diego Lerman, homenaje al maestro

“Con el encuentro feliz entre la poesía que lleva en su mochila intelectual y emocional el profesor y el trap (1) que crean los alumnos cada día, la película se plantea preguntas esenciales. ¿Para qué sirven el arte, la literatura, la poesía? ¿Para quiénes crean los artistas? ¿Hacia dónde van el arte y la cultura hoy? Diego Lerman reconoce que él se hace estas preguntas constantemente y especialmente desde la pandemia” (público.es).

En plena crisis de creatividad tras una separación reciente, Lucio, un escritor que está haciendo una suplencia de Literatura en un instituto situado en el barrio periférico de Buenos Aires donde  creció, con problemas para relacionarse con su hija adolescente y enfrentado a la enfermedad de su padre, poco a poco va descubriendo las muchas dificultades que rodean el día a día de sus alumnos que están creciendo en un medio dominado por la violencia y los traficantes de droga. Con paciencia, consigue que los chicos le escuchen y en su clase se imponga el respeto mutuo.    

“El suplente” (2), sexto largometraje de ficción del argentino Diego Lerman (“Refugiado”, “La mirada invisible”, “Una especie de familia”, “Mientras tanto”, “Tan de repente”), cuyo reparto - Juan Minujín (“El marginal”), Alfredo Castro (“El Club”, “Neruda”), Bárbara Lennie (“Una especie de familia”), Rita Cortese (“Viudas”, “Un crimen argentino”), Renata Lerman (12 años, hija del ralizador), María Merlino (“Mientras tanto”, “Tan de repente”)- consiguió una Concha de Plata colectiva en el último Festival de San Sebastián, es un canto a la figura del maestro cuando, en situaciones medioambientales conflictivas como la que cuenta esta historia, se adjudica la misión de proponer alternativas a los jóvenes que se educan en situaciones peligrosas.

El realizador Giego Lerman, empeñado desde hace más de veinte años en presentar distintos aspectos de la realidad social argentina, utiliza en este drama con suspense, que es una loa al profesorado y una defensa de la escuela pública, la literatura como un pretexto para hablar del encuentro de dos generaciones, para ofrecer una alternativa a la cruda realidad cotidiana de sus alumnos y una posibilidad de modificar las perspectivas vitales de una clase de adolescentes, procedentes  de esos barrios que  nunca aparecen en la publicidad de cosas apetecibles.

(1) El trap es un subgénero musical del rap que se originó en la década de los 90 en el sur de los Estados Unidos.

(2) “El suplente” se estrena en Madrid este viernes 13 de enero de 2023

 

“Entre las olas”, un canto a la amistad inquebrantable

Soñar, caer, volver a empezar. Margot y Alma (Souheila Yacoub, Déborah Lukumuena) son dos mejores amigas que se aferran a la energía de su juventud y a su ardiente deseo de conquistar el mundo, Inseparables, llevan una vida un poco mediocre, quieren ser actrices, asisten a los mismos castings, a las mismas pruebas, fracasan una y otra vez hasta que la suerte les sonríe y ambas son elegidas para interpretar una función de teatro contemporáneo de una dramaturga italiana: Alama será la protagonista y Margot la doblará… Todo muy feliz hasta que la vida se interpone entre ellas, poniendo a prueba la amistad  inquebrantable….

Deborah Lukumuena, premiada con el César 2017 a la Mejor a actriz secundaria por su papel en “Divine”, es una de las dos protagonistas de esta película que es un canto a la amistad, una tragicomedia melodramática divertida y sensible, segundo largometraje dirigido  por Anaïs Volpe. El otro personaje  es Souheila Yacoub (“Climax”, “Le sel des larmes”),  y el argumento la complicidad que existe entre las dos jóvenes que quieren comerse el mundo. No es una gran película, pero es una obra estimulante.

Emocionalmente, la película “reposa en el progresivo hundimiento de las esperanzas » de las chicas (culturepong.com) y el escenario París, una ciudad “modesta y atmosférica”, en la que las dos amigas viven “los últimos  días de inocencia… el tema y las actrices dominan la historia que respira el aire de los tiempos…” (France Culture). No hay padres, no hay escuela, solo están ellas en un relato que la crítica francesa ha entendido en la línea de “los cuatrocientos golpes” de un Truffaut que rompía tabúes en los años ’60.

(1) “Entre las olas” se estrena en los cines madrileños este viernes, 13 de enero de 2023.

 

“El falsificador de pasaportes” de Maggie Peren: drama sobre uno de los aspectos menos conocidos del Holocausto

Basada en la novela del mismo título de Cioma Schönhaus, la película “El falsificador de pasaportes” es un relato autobiográfico publicado en 2004 y traducido al inglés como “The Forgen” (título original del filme)  que narra la historia de este personaje judío cuando, durante la Segunda Guerra mundial, tenía 21 años y  una gran maestría como dibujante y grafista, y se dedicó a salvar vidas –incluyendo la suya- falsificando pasaportes en el Berlín de las deportaciones y los bombardeos.  

Escrita y dirigida por Maggie Peren (“Boda sin fin”), “El falsificador de pasaportes” (1) es un thriller dramático clásico,  interpretada por el joven actor Louis Hofmann (“Dark”, “La lección de alemán”).

1942. Cioma Schönhaus, un judío rubio, guapo y encantador,  tiene la desgracia de haber nacido en la Alemania nazi. Sus padres y su abuela han sido deportados y enviados al este, mientras que él permanece en la casa familiar de Berlín gracias a una “excepción” temporal debida a su trabajo en una industria “esencial” para la fabricación de armamento.  Cuando se queda sin trabajo, porque llega tarde, se esconde tras la identidad de un oficial de marina, acude a locales nocturnos y conoce a una joven de la que se enamora.  Finalmente acude a una oferta de trabajo alternativo, que en realidad consiste en falsificar cientos de pasaportes lo que por una parte le resulta un desafío, incluso divertido, y por otra colma sus aspiraciones, tanto éticas como estéticas, en un Berlín donde se mezclan decadencia y depresión. A cambio, recibe vales de racionamiento con los que sobreviven él, sus amigos e  incluso una vecina chantajista que acaba vendiendo todo lo que había en el apartamento de la familia Schönhaus.

En realidad, el caso de Cioma Schönhaus no es  una excepción. Están documentados hasta 7.000 casos de judíos que consiguieron salvarse de  la deportación y el Holocausto escondiéndose tras falsas identidades arias, en muchos casos utilizando pasaportes de personas fallecidas: de ellos, solamente sobrevivieron 1.700. En el caso que nos ocupa, cuando la Gestapo le andaba pisando los talones en el invierno de 1943, el protagonista de esta historia huyó de Berlín a Suiza, en bicicleta y con el pasaporte que él mismo había fabricado. 

La realizadora Maggie Peren -que  « se ha propuesto hacer algo poco visto en las pelkículas que hablan de los supervivientes del Holocausto:  celebrar la fuerza vital exuberante de un ingenioso camaleón que se niega a convertirse en víctima”- explica que “La historia de Cioma Schönhaus es la historia de una persona que se rebela contra la estigmatización. El régimen del terror está presente, pero, lo vemos a través de los ojos de Cioma como vemos todo lo que sucede a través de sus ojos. Lo más difícil como director fue hacer justicia a la ligereza de la novela y al mismo tiempo contar cómo la gente odiaba a los judíos como algo natural, pensando que, después de todo, eran personas amables y agradables. Era importante para mí crear conciencia de que el racismo no surge de la nada. Las raíces son profundas en nuestra sociedad y la historia de Cioma en su enorme ligereza tiene, sin embargo, o simplemente por eso, el poder de rastrear la profundidad de esas raíces”.

La vida y trayectoria del judío  Cioma Schönhaus, fallecido en 2015, a los 92 años en Suiza,    formó parte del docudrama “Los invisibles”, realizado en 2017 por Claus Rafle, basado en los relatos entrelazados de cuatro adolescentes berlineses que sobrevivieron a la guerra.

(1) “El falsificador de pasaportes se estrena en las pantallas de Madrid el viernes 13 de enero de 2023

« Living » : Bill Nighy magnifico en un remake de Kurosawa

“Desde que era pequeño, lo que quería era ser funcionario. Supongo que se me olvidó vivir, un día detrás de otro, sin ser feliz ni infeliz…”

 

 

Auténtico monumento de la cinematografía británica, el actor Bill Nighy protagoniza « Living » (1) -película dramática dirigida por  Oliver Hermanus a partir de un guión del novelista  Kazuo Ishiguro (“Los vestigios del día”, Premio Nobel de Literatura 2017)  -adaptación del filme japonés « Ikiru » realizado en 1952 por el maestro Akira Kurosawa, quien a su vez se inspiró en la novela rusa “La muerte de Ivan Ilych” de León Tolstoi-, una historia situada en el Londres de 1953 sobre un burócrata de  un departamento ministerial de obras públicas, enfrentado a la noticia de que padece una enfermedad terminal y apenas le quedan unos meses de vida.

El veterano actor -quien debutó en las pantallas en los años ’80 y al que reciéntemente hemos aplaudido en comedias como « Love Actually », « El exótico Hotel Marigold » o « The Bookshop »-  puede presumir de una espléndida carrera con intervenciones en más de medio centenar de películas y en tres decenas de series y episodios televisivos. En su interpretación del jefe del departamento que, al conocer la noticia de su enfermedad incurable sale de la aburrida rutina que ha practicado durante años para terminar con el papeleo y la desgana que hasta entonces habían impedido la construcción de un parque infantil, solicitado sin respuesta por un grupo de mujeres de un barrio de gente trabajadora, Bill Nighy consigue dar al personaje una profundidad realmente encomiable. Viéndole tomar, por primera vez, la iniciativa para dar respuesta a una necesidad social, me resulta muy fácil imaginar al japonés de Kurosawa que, en la película de idéntico título, “Vivir”, que a su vez era una crítica de la desmemoriada sociedad japonesa de la época, y haciendo alarde de una paciencia solo imaginable en alguien de su procedencia, hacia antesala en los polvorientos despachos ministeriales hasta conseguir los toboganes y los columpios  que iban a disfrutar los niños de un barrio miserable de Tokio.

Esta revisión de la obra de Kurosawa traslada la acción al Londres de la posguerra, con el estilo de la época, un technicolor cargado de recuerdos (tantos domingos de sesiones dobles en los cines del  barrio), y un acento especial en la dimensión moral de la historia, donde Bill Nighy es un encantador “gentleman de voz apagada, confrontado con el vacío de su existencia” (Nicholas Schaller, L’Obs).

Estamos en 1953. Londres se lame todavía las heridas de la Segunda Guerra mundial. Mister Williams, un veterano funcionario, es un engranaje impotente en el sistema administrativo de la ciudad que tiene que reconstruirse. Lleva una vida aburrida y carente de interés, pero todo cambia cuando le diagnostican una enfermedad grave. Obligado a reflexionar sobre su existencia, reacciona rechazando su rutinaria cotidianidad, saca la mitad de sus ahorros decide experimentar y vivir plenamente lo que le queda de vida, y se da cuenta de que no sabe cómo hacerlo. Serán un desconocido y una joven compañera de trabajo quienes le ayudarán a decidir poner un broche de oro a su anodina existencia, cumpliendo las esperanzas de un grupo de mujeres que han recorrido todos los departamentos pidiendo la construcción de un parque infantil en su barrio. 

Con esta historia de enorme simplicidad, el dúo Oliver Hermanus-Bill Nighy (director-actor), ha conseguido una película que es todo un acierto formal, una catarsis emocional para” expresar la apatía existencial de un personaje alejado de todos, incluso de sí mismo” (Band á part). 

 

(1) “Living” llega a la cartelera de Madrid el miércoles 4 de enero de 2023.