“To Leslie”, melodía triste de una perdedora

 

 

“To Leslie” es una canción country triste y dulce (The Guardian)… To Leslie oscila entre la rabia y la devastación, con la imprevisibilidad  de alguien que no se puede controlarse pero quiere desesperadamente hacerlo ».

 

 

“To Leslie”  (Para Leslie), dirigida por Michael Morris (veterano realizador de series televisivas, “Better Call Saul”, “Hermanos, hermanas”, “El Reino”, “Castillo de naipes”) quien con esta película debuta en la realización de largometrajes, y protagonizada por la actriz inglesa Andrea Riseborough (“Mr. Wain”, "Mandy", "Birdman o La inesperada virtud de la ignorancia", "Ámsterdam", “Oblivion”), nominada a los Premios Oscar de este 2023 en la categoría de Mejor Actriz protagonista., junto a Marc Maron ("Joker"),  Allison Janney ("Yo, Tonya") y Owen Teague ("It", "Cada día").     La nominación de la protagonista de este drama de una familia trabajadora del sur estadunidense, para competir en los Oscar del próximo 12 de marzo, en contra del resultado de las votaciones de los académicos, se ha debido a una campaña de correos, mensajes e intervenciones en las redes sociales, llevada a cabo por destacadas estrellas del fimamento hollywoodiense (Cate Blanchet, Jane Fonda, Kate Winslet, Jennifer Ariston,  Amy Adams, Gwyneth Paltrow, Edward Norton, Mira Sorvino, Charlize Theron, Judd Apatow…y otras muchas), que ha terminado por inclinar la balanza en su favor.   Basada en hechos reales, la película “To Leslie” (1) cuenta la historia de Leslie, una madre soltera, que hace seis años ganó doscientos mil dólares en la lotería del estado de Texa con los números del aniversario de su hijo James, y rápidamente despilfarró el premio, gastándolo todo en fiestas y alcohol. Desahuciada, acude a su hijo en un intento de recuperar el rumbo de su vida. Tras un desafortunado intento de vivir en el apartamento que su hijo comparte con un colega albañil, Leslie regresa a su casa para enfrentarse con los antiguos amigos, con los que compartió buenos momentos pero ahora sienten rabia, por ella y por ello mismos.   Un poco artificial, este drama en estado puro, aplaudido por la crítica estadounidense y prácticamente ignorado por el público,  se salva gracias a la excepcional interpretación de Andrea Riseborough en el papel de una afortunada ganadora de la lotería, lo que le ha proporcionado unos cuantos meses de celebridad, a la que el destino ha vuelto la espalda, no le ha proporcionado  la felicidad que esperaba, y tiene que aceptar que ha perdido en la vida, que solo le quedan los remordimientos de una ocasión malgastada.   (¡) “To Leslie” se estrena en Madrid el viernes 3 de marzo de 2023

 

“The quiet girl”, Alicia en el país…de la campiña irlandesa

 

En la Irlanda rural de 1981, Cáit, una tímida y silenciosa niña de nueve años, vive retraída en el condado de Waterford, en una familia numerosa, desfavorecida y hostil. Tranquila y siempre vigilante, su actitud irrita a la madre (Kate Nic Chonaonaigh), de nuevo embarazada, lo mismo que al padre (Michael Patric) violento, matón y siempre con resaca. Sin tener en cuenta su opinión, los padres envían a Cáit a pasar el verano en la granja  de unos parientes más adinerados, donde el misterioso silencio de Cáit se encontrará con el calor de un hogar en medio de paisajes idílicos. Allí, la pequeña se hará eco del secreto que esa familia adoptiva calla. Adaptación en irlandés del relato de Claire Keegan  “Foster” (traducido al castellano como “Tres luces” y publicado por Eterna Cadencia, y al catalán como “Tres llums” y editado por Minúscula), originalmente publicado en la revista  estadounidense The Neww Yorker, “Te quiet girl” (An Cailín Ciúin en gaélico)es el debut en la realización de largometrajes, a los 41 años, del irlandés Colm Bairéad. Protagonizada por la pequeña Catherine Clinch (con 13 años elegida mejor actriz en los premios anuales de la cinematografía irlandesa), nos enseña la mirada de una niña sobre el mundo consumista y desnaturalizado de la segunda mitad del siglo veinte. Doblemente premiada a su paso por la Berlinale y ganadora de la Espiga de Plata, el Premio del Público y el Premio de la Crítica en el Festival de Cine de Valladolid, “The Quiet Gir”l,  la película de habla irlandesa más taquillera de la historia, es candidata al Oscar como Mejor Película Internacional. En palabras de su director, “The Quiet Girl” (1) reflexiona sobre sus prioridades: “la complejidad de los lazos familiares, la cuestión del crecimiento emocional y psicológico y, de forma crucial, el fenómeno del duelo y su capacidad para moldearnos, contado a través de los ojos de la preadolescente” quien, desde una enigmática ingenuidad probablemente real, nos va contando lo que ve y lo que siente. “Me atrae mucho la idea de que en los lugares pequeños, en una especie de humildad narrativa, pueden suceder cosas muy profundas emocionalmente”.  El marco de este relato sobre la infinitud de la infancia es un mundo mágicamente mejorado en el que la pequeña Cáit –una encantadora niña que parece confundirse con el paisaje y no encontrar nunca suficientes motivos para expresarse-  descubre la ambivalencia de sentirse  a la vez celebrada y amenazada

Sugiriendo más que denunciado abiertamente, en “The Quite Girl” asistimos al paso a la edad adulta de la niña quien, lejos de sus padres, encuentra el cariño y la atención que necesita para crecer como persona. La aparente simplicidad de la película la convierte en un conmovedor alegato a favor de una infancia desatendida e ignorada en un mundo de adultos egoístas y frustrados, incapaces de asumir sus responsabilidades.

 

(1) “Te Quiet Girl” se estrena en la cartelera madrileña el próximo viernes 24 de febrero de 2023.

 

 

 

"Irati": todo lo que tiene nombre existe

“Irati, segundo largometraje del alavés Paul Urkijo (“Errementari, el herrero y el diablo, 2017)” con cinco nominaciones en los recientes Premios Goya y habiendo conseguido los  Premios del Público en  la Semana del Cine Fantástico y de Terror de Donostia y en el Festival de Cine de Sitges, es una historia de realismo mágico inspirada en una leyenda navarra que, a su manera, da un giro a la “Canción de Roldán” de los manuales de Literatura de nuestros años escolares.

Con una producción realmente espectacular, "nunca antes se habían visto con tanta majestuosidad los paisajes de Euskadi. El juego con la luz es excelso, brilla el diseño del vestuario y los  efectos visuales son apabullantes" (Borja Crespo, El Correo), hablada en euskera antiguo y con  una emocionante interpretación de un puñado de actores vascos encabezada por Eneko Sagardoy (“Handia”) y Edurne Azkarate (“Gutuberrak”), “Irati” (1) está ambientada en la oscura etapa histórica del medievo, a la que se han añadido elementos mágicos de la mitología vasca. En palabras de su director  “me fascina la Mitología Vasca e Irati es un homenaje épico a ese oscuro y fascinante mundo de leyenda. Para hacerla me he inspirado libremente en personajes de la novela gráfica "El ciclo de Irati" de J. L. Landa y J. Muñoz " y en otras leyendas vascas y sucesos históricos como la batalla de Roncesvalles (…) Está repleta de símbolos que han representado los sueños y los miedos de los seres humanos, y que se mantienen vigentes (…) ” he retratado la mitología vasca siendo fiel a los cuentos que me contaban de pequeño”

En el siglo VIII el cristianismo se extiende por Europa mientras las creencias paganas desaparecen. Ante el avance del ejército de Carlomagno al atravesar los Pirineos, el líder del valle pide ayuda a una diosa ancestral. Mediante un pacto de sangre, derrota al enemigo dando su vida a cambio, pero antes, hace prometer a su hijo Eneko que protegerá y liderará a su pueblo en la nueva era. Años más tarde, Eneko, adulto y ferviente católico,  cumple la promesa en una misión para  recuperar el cuerpo de su padre, enterrado de forma pagana junto al tesoro de Carlomagno. Pese a su fe, tendrá que recurrir a  la ayuda de Irati, hija de la diosa Mari, una enigmática lamia (lamiak, especie de bruja que habita en los ríos) con patas de ave. Los dos jóvenes se adentrarán en un extraño e inhóspito bosque donde “todo lo que tiene nombre existe”.

 

Cine fantástico, telúrico, épico y de aventuras con guerreros, cuevas, tesoros, brujas a veces buenas y otras menos, montañas y un bosque maravilloso que hay que preservar para las generaciones futuras. Al protagonista, Eneko Sagardoy, Premio Goya Revelacion en 2017 por “Handia”, le encantaría “que la gente que no ve riesgo en el maltrato a la tierra (…) viendo ‘Irati’ de una oportunidad a la ciencia y al activismo” ecologista. “Nuestro entorno nos ha salvado y ha sido cobijo desde hace muchos siglos. Tenemos que convivir y hacer como Eneko Aritza (su personaje), que pese a tener una convicción muy cristiana escucha, convive, aprende y asume, que creo que son unos verbos buenísimos que nos vendrían muy bien hoy en día".

 

Cine también político y reivindicativo de la cultura y la historia, con ideales que parecen haber impregnado no solo al director, también a sus actores. Itziar Ituño, actriz que da vida al personaje de la diosa Mari, la matriarca por excelencia, explica en declaraciones a la agencia Efe  que es “la diosa vasca, el culto a la energía creadora, al útero materno que son las cuevas donde se llevaban a cabo los rituales, es amalur, la pachamama, un personaje que no sólo es una mujer, puede ser una tormenta, una niebla: es todo lo creador y femenin0 (…) llega hasta nuestros días (...) Creemos en Mari, hay que darle un giro al heteropatriarcado que nos consume, al planeta entero”.  

 

En el corazón de Navarra, existe un paraíso natural y salvaje llamado La selva de Irati. Una inmensa geografía montañosa y vegetal por la que discurren ríos cristalinos y en los que el color ocre, amarillo y rojizo de los cientos de hayas que descansan en sus orillas dan una luz mágica. Las leyendas –que incluyen enseñanzas cuyo objetivo es cuidar la naturaleza y proteger los bosques, auténticos pulmones sociales-  cuentan que allí habitan seres mitológicos que han sobrevivido en el folclore y la tradición desde tiempos inmemorables. Igual que en otras películas del género –como “La historia interminable” o “Excalibur”- los mitos fantásticos de “Irati” aparecen “están destinados a desaparecer, porque ya nadie piensa en ellos. La figura del bosque aparece como una criatura con vida propia (…) sangra cuando talan sus árboles para venderlos (…)”. En esta película dicen mucho las mujeres, resumidas en la figura de la lamia, “criaturas de costumbres nocturnas que vivían cerca de los ríos, cuevas y manantiales, protectoras del bosque que mediante silbidos, avisan de las tormentas” (página web de TVE). 

 

Actualmente, La selva de Irati está considerado uno de los mayores hayedos de Europa, con una extensión de 17.000 hectáreas de bosque, gestionado por cuatro comunidades históricas, en la zona norte las de Cize y Zuberoa, y en la zona más meridional las de los valles de Aezkola y Sañazar. (…) una Selva Mágica llena de sitios magníficos…

 

(1) El estreno de “Irati” en los cines de Madrid tendrá lugar el viernes 24 de febrero de 2023.

 

“Asuntos familiares”: de vidas marcadas por el odio

« Todo el cine de Arnaud Desplechin está contenido en esta única película (la familia, la muerte, la enfermedad, el peso de las herencias, las cosas no dichas, la ambivalencia de los sentimientos, Roubaix, la literatura, etc), que resuena, quizá, como un relato autobiográfico » (aVoir-aLire, com).

 

 

“Asuntos familiares” (Frére et Soeur), dirigida por Arnaud Desplechin (“Un cuento de Navidad”, “Tres recuerdos de mi juventud”, “Reyes y Reina”, “Los fantasmas de Ismael”), es la historia de dos hermanos que tras años de separación vuelven a encontrarse debido a la muerte de sus padres.

Se trata de un duelo interpretativo de gran intensidad en el que se enfrentan Marion Cotillard (“La Môme”, “Contagoin”, “Midnight in Paris”, “Dos días, una noche”, “Hasta el fin del mundo”, “Assassin’s Creed”) y Melvin Poupaud (famoso por haber protagonizado en 1996, con poco más de veinte  años, el “Cuento de verano” del director de culto  Eric Rohmer, “Gracias a Dios”, “En la cama con Victoria”, “Verano 85”), en una tragedia familiar aplastante y casi incomprensible.

Los hermanos Alice (Marion Cotillard), actriz,y Louis (Melvin Poupaud), poeta maldito y ex profesor que ahora vive con su mujer en una especie de cueva en la otra punta del país, se odian. Llevan más de veinte años sin hablarse cuando la muerte de sus padres les obliga a volver a encontrarse. La historia nos habla de la necesidad de perdonar, incluso cuando es imposible olvidar.

En este melodrama, la distancia que el tiempo ha marcado entre los dos hermanos, es infinita. No es infrecuente que existan incompatibilidades entre las personas de una misma familia. En  estos casos, lo habitual es que los enemistados se eviten y procuren no tener que enfrentar situaciones como las fiestas familiares, o la cena de Navidad.

Pero aquí no se trata de incompatibilidad sino de un odio visceral, casi inhumano (Alice pierde el sentido y se desvanece cuando ve a Louis en el pasillo del hospital donde se encuentran los padres víctimas de un accidente de circulación). Como telón de fondo,  secretos, mentiras,  traiciones, amenazas de suicidio, heridas profundas que no han dejado de sangrar… el hijo de Louis que murió siendo niño. Duelos imposibles y arreglos de cuentas familiares en una película con exceso de literatura, y no precisamente de la mejor,  con la que resulta difícil empatizar.

 (1) “Asuntos familiares” se estrena en Madrid el viernes 24 de febrero de 2023.

 

 

“El indomable Modigliani”, documental sobre un gran artista fallecido prematuramente

 

Con motivo del centenario de la muerte del pintor Amedeo Modigliani (1884-1920), esta interesante  película documental explora la vida y obra de un pintor de vanguardia que el tiempo ha convertido en un artista contemporáneo clásico, amado e imitado en todo el mundo.   “El indomable Modigliani” (Maledetto Modigliani), es una producción de la serie “Arte en pantalla”, dirigida por Valeria Parisi y coescrita con Ariana Marelli, que nos acerca a la figura de un prometedor artista con  una vida corta y atormentada.   La acción de la película se desarrolla a través de las salas de museos, yb se enriquece con las obras de la Albertina de Viena y la espléndida exposición dedicada al artista en el Museo de la Ciudad de Livorno, así como las obras de la Galería Nacional de Arte de Washington y los grandes museos y colecciones de arte de París. La película está contada desde el punto de vista de la estudiante de arte francesa Jeanne Hébuterne, junto con la aspirante a poetisa rusa Anna Achmatova y la periodista feminista inglesa Beatrice Hastings, que fueron las mujeres de las que pintó retratos y cuyos rostros, casi como cariátides, se convirtieron en los íconos de su arte; mujeres que formaron parte de su vida cuando, pobre y con hambre, se trasladaba de un albergue a otro de París, y que contribuyeron activamente a dar forma a su pintura.   Con sus palabras, Jeanne Hêbuterne, última compañera y musa del artista, consigue que aparezcan todas las facetas de Modigliani –apodado “Dedo” o “Modi”- , desde el aspecto más estrictamente artístico al más íntimo y personal, alternando momento vividos en primera persona incluso antes de su primer encuentro en 1917, y después de su muerto ocurrida el 26 de enero de 192, a los 35 años, en el parisino Hospital de la Caridad, a consecuencia de una tuberculosis arrastrada desde la adolescencia. Jeanne se reunió con él solo dos días más tarde, arrojándose desde una ventana de la buhardilla que compartieron, embarazada de ocho meses.   Livorno, ciudad donde Modigliani nació y donde se inició su amor por el arte, y París, el centro de la modernidad, a donde se trasladó muy joven y donde descubrió el surrealismo y la bohemia existencial, son los dos escenarios de una vida excesivamente corta que ayudan a describir el estilo claro e inmediato de su pintura: los cuellos largos, los rostros ovalados y los ojos vacíos son el resultado “de la unión del arte renacentista italiano y la pintura primitiva africana” descubierta por Picasso y admirada por todo el grupo de pintores de la “Escuela de París, los de los talleres de Montparnasse y Montmatre en los primeros años del siglo XX: Cocteau, Max Jacob, André Salmon, Brancusi, Soutine,.. “Soy italiano y judío”. Así se presentaba Amedeo Modigliani cuando llegó a París en 1906, con 21 años. Antes había viajado a Florencia y Venecia. Procedente de una familia burguesa “económicamente en crisis”, amante del arte desde la infancia cuando visitaba la Casa de Giovanni Fattori, hoy sede de los Museos Cívicos de Livrono, donde se conserva una imagen del niño Amedeo dibujando con el maestro Guglielmo Micheli. El documental recorre las huellas del artista en las calles, las plazas y los barrios de Livorno, en la sinagoga, el mercado central, las montañas cercanas…Le encontramos después en las terrazas de los cafés parisinos, en los paseos en torno al Pantheon y el  Jardín de Luxemburgo…Y están también sus modelos y coleccionistas: el médico mecenas Paul Alexandre, el dandy al que retrató varias veces Paul Guillaume y Léopold Zborowski, un poeta aventurero que le puso en contacto con el coleccionista Jonas Netter, quien le pasaba un pequeño estipendio mensual. Modigliani tuvo que morir para convertirse en uno de los artistas más cotizados, y también en uno de los más copiados. En Londres, un falsificador declarado firma hoy las imitaciones de los cuadros más conocidos, como la célebre “Niña de azul.” En “El indomable Modigliani” (1) escuchamos las voces del historiador y especialista en la obra del pintor Marc Restellini, la profesora de la George Mason University Ann L. Ardis, la escritora Chloe Aridjis, el periodista y crítico de arte de Le Monde Harry Bellet, el especialista de Arte Moderno de Christie’s Giovanni Bertazzoni, la responsable del Museo Cívico de Livorno Laura Dinelli, el especialista judío Paolo Edoardo Fornaciai, el escritor Simone Lenzi, asesor de Cultura en el Ayuntamiento de Livorno; el galerista David Lévy, la pintora Mira Maodus, el estilista y diseñador Antonio Marras, la pintora Isabel  Muller, la curadora del Museo de Arte Moderno de París Jacqueline Munck, el coleccionista Gérard Netter, el artista Jan Olsson, , la curadora del Museo Picasso de París Emilia Philippot, el Director General del Albertina de Viena Klaus Albrecht Schröder, el vicepresidente de la comunidad judía de Livorno Guido Sorvi, el realizador y productor cinematográfico Paolo  Virzi y el artista John Myatt  que, gracias a su talento haciendo imitaciones, entre los años 1986 y1995 colocó en el mercado, junto con su cómplice John Drewe, alrededor de 200 obras de maestros modernos, entre ellas varias de Modigliani.

(1) “El indomable Modigliani” se estrena en los cines madrileños el viernes 27 de febrero de 2023.

El actor Sean Penn presenta en Berlín "Superpower", un documental dedicado a la causa de Ucrania

« En Ucrania hay agresores y agredidio0s, nosotros estamos con los agredidos » (Pedro Sánchez, presidente de España)

 

Una imagen del documental "Superpower"

“Sean Penn en las trincheras, Sean Penn con el presidente Zelensky, Sean Penn en el lugar donde se ha producido un bombardeo : omnipresente en  ‘Superpower’, el documental que ha presentado en el Festival de Berlín, el actor estadounidense ha puesto su notoriedad al servicio de la causa ucraniana” (franceinfo Culture).

 

El actor Sean Penn, de 62 años,  se encontraba en Ucrania cuando, en febrero de 2022, se produjo la invasión rusa en el país. Con el documental “Superpower”, un proyecto anterior al que cogió la guerra por sorpresa, que se estrena este sábado 18 de febrero de 2023 en el Festival Internacional de Cine de Berlín, el actor y realizador estadounidense ha escrito todo un himno al valor de loa ucranianos.   

 

Cuando, en el invierno de 2022, el actor Sean Penn (realizador de “Into the Wild”, Oscar al Mejor Actor por “Harvey Milk” y “Mystic River”) viajó a la antigua república soviética de Ucrania con un equipo para rodar un documental sobre “la metamorfosis” de Volodymyr Zelenski, el actor convertido en presidente, lo último que podía pensar es que la Rusia del autócrata Vladimir Putin iba a invadir Ucrania el 24 de febrero. Cuando ocurrió, el actor y su equipo llevaban varios días en Kiev, rodando mientras esperaban ser recibidos por Zelensky.  Continuaron filmando en el país durante un tiempo, después pasaron la frontera polaca y desde allí efectuaron varias idas y venidas a Ucrania durante casi un año.  

 

El resultado es “un documental filmado en modo gonzo (un estilo periodístico escandalosamente personal, opuesto a los dogmas de neutralidad subjetiva de la profesión, según www.lalanguefrancaise.com), con una imagen desorganizada”, concebido como un himno al valor de los ucranianos y un grito de alarma para que los países occidentales se comprometan más en la guerra, proporcionando armas”. 

“Si se piensa que es propaganda mostrar la verdad sobre la unidad absoluta de Ucrania para defender todas las cosas que hacen que valga la pena vivir la vida –ha dicho Sean Penn en conferencia de prensa en Berlín- entonces me siento orgulloso de que se me considere un agente de propaganda. Hemos hecho un documental muy parcial porque allí nos hemos encontrado con la verdadera historia”.

El momento más importante de la película, que dura dos horas, es la primera y breve entrevista con el presidente Zelensky, en una esquina del palacio presidencial, la misma noche de la invasión.

El relato de la guerra mezcla imágenes de canales de televisión y vídeos de redes sociales, “montados de manera a veces caótica”. En posteriores entrevistas, el actor no esconde su complicidad con el presidente Zelensky, quien le explica como él, y su familia, están viviendo el estrés de la guerra,  para acabar bromeando y prometiéndole que cuando acabe el conflicto “irá a visitarle a Santa Monica”. 

En el documental hay también entrevistas con otros responsables, como el alcalde de Kiev, Vitali Klitschko, algunos soldados en el frente y miembros de la sociedad civil ucraniana. Sean Penn ha reconocido que antes de meterse en este proyecto  “no sabía nada sobre Ucrania, como la mayoría de los estadounidenses”, y que con el documental pretende “hacer pedagogía con sus compatriotas”.  

A punto de cumplirse un año de la invasión rusa de Ucrania, la 73 edición del Festival de Cine de Berlín – “la Berlinale”-  se inauguró el jueves, 16 de febreo de 2023, con un discurso del presidente ucraniano, Volodymyr Zelenski, quien se dirigió al auditorio desde una pantalla de plasma situada en el escenario: “El cine –dijo- puede inspirar e influir en las personas que podrán cambiar el mundo (…) La cultura y el cine no pueden estar al margen de la política cuando se trata de una política de agresión, de asesinatos, de terror (…) una política de guerra total como es la de Rusia”. 

Zelensky ya pidió el apoyo del mundo del cine en la sesión de apertura del pasado Festival de Cannes (17-28 de mayo de 2022). La actriz Kristen Stewart, la presidenta más joven del jurado de la Berlinale, de 32 años, agradeció “la oportunidad que tenemos de amplificar el mensaje de Ucrania, que es el deseo casi universal de paz (…) en respuesta a un mundo  que colapsa a nuestro alrededor”. 

Junto a ella, en el escenario, otras dos mujeres del jurado: la actriz iraní exiliada en Francia Golshifteh Farahani (“Paterson”) y la española Carla Simón, ganadora del máximo galardón del certamen, el Oso de Oro, en 2022, con la película “Alcarrás”. 

 

 

 

 

 

"Project Wolf Hunting”, toneladas de hemoglobina en pantalla

“Una penosa película que confunde  puesta en escena con superación, y transgresión con

 

Dirigida por el surcoreano Kim Hong-sun (“Metamorphosis”, “Criminal Designer”), protagonizada por Seo in-guk, Jang Dong-yoon, Choi Guyhwa y Sung Dong-il, y Premio Especial del Jurado en el último Festival de Sitges –la muestra de todos los horrores imaginables- “Project Wolf Hunting” es la historia de un carguero que traslada peligrosos presos coreanos de Manila a Busán, acompañados de un capitán de la policía y 22 experimentados detectives. El caos se instala en la nave cuando los más psicópatas de los reos encabezan un motín, se hacen con el mando y descubren que también viaja, clandestinamente, un tipo que parece hecho de retales, una especie de Frankenstein sanguinario que dará mucho juego cortando gargantas.

Película para amantes del género, incondicionales de las pantallas bañadas en sangre -se promociona asegurando  que los productores compraron dos toneladas y media de sangre falsa- “Project Wolf Hunting” (1)  son dos horas de masacres sin solución de continuidad, que ni siquiera dan al espectador la opción de elegir entre tomárselo en serio o considerarlo una broma pesada. Resumiendo: una brutal carnicería muy difícil de soportar.

 

(1) “Project Wolf Hunting” se estrena en la cartelera madrileña este viernes 17 de febrero de 2023.

 

“El triángulo de la tristeza” de Ruben Östlund”: comedia negra y cínica sobre la sociedad de las apariencias

 

« Ante nuestros ojos desconcertados, ‘El triángulo de la tristeza’ regurgita las tripas de los famosos. Ya no es un barco sino un monstruo que apesta, eructa y gorgotea los intestinos de la economía mundial…” (Les Echos)

Premiada con la Palma de Oro en el Festival de Cannes 2022 y aspirante a tres Oscar -Mejor Película, Mejor Dirección y Mejor Guion Original- “El triángulo de la tristeza” (Triangle of Sadness), precioso título para una interesantísima película dirigida por el iconoclasta realizador sueco Ruben Östlund (“Fuerza Mayor”, “The Square”, también Palma de Oro en Cannes 2017), es una sátira muy actual que no deja títere con cabeza en su repaso del mundo de la moda, los influencers de las redes sociales, los fabricantes de armas (una pareja que ha hecho fortuna vendiendo granadas y minas antipersona)  y  los nuevos multimillonarios rusos que hicieron fortuna durante la perestroika vendiendo fertilizantes a medio mundo, así como otras especies de los que habitualmente figuran en los listados anuales  de los más ricos que publica la revista estadounidense Forbes.

Comedia muy negra protagonizada por Harris Dickinson (“Beats Rats”), Charibi Dean (modelo sudafricana fallecida en agosto pasado, a los 32 años, de una repentina septicemia bacteriana), Dolly De Leon (“Veredicto”, “Halte”)  y el veterano y estupendo Woody Harrelson ( “Insaciables”, “El hombre de Toronto”, “Tres anuncios en las afueras”), “El triángulo de la tristeza” nos cuenta de una pareja de modelos e influencers preocupadas por su imagen –Yaya y Carl-,  invitados a un crucero de lujo en un yate. Los chicos están enamorados pero son también una especie de sociedad limitada en la que Yaya posa continuamente ante el teléfono de Carl, y este se encarga de que las fotografías circulen sin cesar por las redes sociales. Yaya, que ya pasa de la treintena y ve como su carrera en las pasarelas se va apagando, asegura que terminará siendo “la esposa trofeo de algún millonario ruso”.

 Mientras que la tripulación se encarga de los pasajeros, el capitán, marxista y alcohólico,  se resiste a abandonar su camarote para la cena de gala. Los acontecimientos dan un vuelco inesperado cuando una tempestad hace naufragar el barco y un grupo de viajeros van a parar a una isla aparentemente desierta, donde la relación de fuerzas se invierte y todos se ponen a la órdenes de la señora asiática que en el barco se ocupaba de la limpieza de los lavabos, y que es la única que sabe coger peces con las manos….

No se puede negar que Östlund es uno de los cineastas más inteligentes y personales  del panorama actual. Con la crítica internacional escindida en Cannes entre incondicionales y detractores, con tan solo tres largometrajes hasta la fecha ha logrado interesarnos a todos con sus amargas comedias dramáticas  en las que ha saltado de la crítica a la familia en “Fuerza mayor” (Snow  Therapy) a la del capitalismo más amoral y salvaje, el del dinero obsceno y los horrores económicos que en cada vuelta de tuerca actualizan la lucha de clases en este “Triángulo de la tristeza” (1), pasando por la especulación artística de “The Square”.

(He leído en algún sitio que en su próxima película – “The Entertainment System is Down”- Östlund sigue en la misma línea, centrándose en los pasajeros de un vuelo que protestan por la supresión del servicio de vídeo en streaming a bordo).

Una improbable y cínica pesadilla social, con  protagonistas bastardos y ridículos, producto de una época y un ambiente en los que priman las apariencias, realizada por un artista excesivo e insolente que es también un moralista. “Su humor, tendencia Wolinski, a veces confunde, pero el talento del cineasta estalla en cada escena…”  (François Forester, L’Obs).

 

(1) « El triángulo de la tristeza » se estrena en los cines madrileños el viernes  17 de febrero de 2023.

“Rheingold, Oro puro”, la historia del rapero Xatar: de la cárcel en Irak al negocio musical en Alemania

 

“Rheingold - Oro puro”, del realizador alemán de origen turco Fatih Akin (“Contra la pared, Oso de Oro en Berlín, “En la sombra”, Globo de Oro a la mejor película extranjera, “Goodbye Berlín”, “Soul Kitchen”), cuenta la vida del rapero Xatar  (cuyo nombre real es Giwar Hajabi, interpretado por Emilio Sakraya), de origen iraní, involucrado en el robo de un transporte de oro, por el que tuvo que cumplir una condena de cárcel, que actualmente es un conocido empresario musical.  “Rheingold – Oro puro” es un drama, adaptación cargada de humor de la novela autobiográfica “Alles oder Nix” (Todo o nada), publicada en 2015 por el propio Hajabi, quien también ha colaborado en la elaboración del guión. El protagonista comienza diciendo que sus primeros recuerdos son de la cárcel. El régimen de Sadam Hussein detuvo a Giwar Hajabi, nacido en Irán en 1981, junto con sus padres, por pertenecer a la minoría kurda. Según esta historia, su madre dio a luz en una gruta en plena guerra, y le puso el nombre que significa “nacido en sufrimiento”.  Una vez que abandonaron la cárcel, donde la madre fue torturada, escaparon del país llegando a Bonn con ayuda de la Cruz Roja, donde pidieron asilo político. El padre de Hajabi era compositor y profesor de música,  el niño aprendió a tocar el piano,  intentó hacer carrera en el hip-hop y se implicó en el trapicheo de droga, viviendo con la ley de la calle. Como los héroes de sus canciones, el joven Giwar ansíaba dinero y gloria y para conseguirlo aprendió boxeo  y se convirtió en el rapero Xatar. En 2009 fue condenado a ocho años de cárcel porque con su banda, haciéndose pasar por inspectores fiscales, robaron a un transporte de Nuremberg joyas y cerca de 100 kilos de oro dental, por valor de casi dos millones de euros.  En la cárcel comenzó a grabar canciones gangsta rap (subgénero del hip-hop surgido en la costa oeste de Estados Unidos, cuyos temas recurrentes son el dinero y el éxito social, las mujeres, la droga y otras actividades ilegales) en un dictáfono. En libertad al cabo de cinco años, Hajabi se ha convertido en el rapero más conocido de Alemania, donde ha fundado la compañía Alles oder Nix Record, que tiene contratados a los mejores del género.  “Rheingold – Oro puro” (1), un relato sin entusiasmo de la vida y milagros de un personaje con una vida rica en altos y bajos, no es una película memorable.  Comienza, con Hajabi como narrador,  en una cárcel iraquí y, mediante idas y venidas en el tiempo, reconstruye el trayecto del joven delincuente hasta su reconversión en el próspero empresario que es actualmente. El actor alemán Emilio Sakraya (“Rock my heart”, “El manicomio: la cuna del terror”), cumple con la tarea encomendada. La falta de autenticidad durante las dos horas y media que dura es atribuible al realizador.   (1) « Rheingold – Oro puro » se estrena en los cines madrileños el viernes 10 de febrero de 2023.

 

 

 

 

La canción « Baraye », del iraní Shervin Hajipour, premiada al margen de los Grammy 2023

 

https://www.youtube.com/watch?v=OPqgGNa6FSU

 

Shevin Hajipour

Convertida en el himno oficioso de la protesta en Irán, la canción « Baraye », creada por el artista pop de 25 años Shevin Hajipour con una letra a base de comentarios vistos en las redes sociales, ha recibido en Estados Unidos el Premio a la mejor canción para el cambio social (Best song for social change), un galardón concedido por un comité especial que ha entregado la esposa del presidente, Jill Biden, al mismo tiempo que se celebraba la 65 ceremonia de los Premios Grammy 2023.

 

Según Harvey Mason, Jr, director de la Recording Academy que otorga el premio, tiene por objetivo distinguir a los creadores musicales cuyas obras encierran “un mensaje que responde a los problemas sociales de nuestra época y que tiene potencial para impactar positivamente en el mundo”.

 

« Una canción puede unir, inspirar y finalmente cambiar el mundo » -ha dicho la señora Biden en el escenario- “Baraye” es un llamamiento potente y poético a la libertad y a los derechos de las mujeres”. El autor, que no se encontraba en la gala, ha dejado escrito un mensaje en twitter: “Hemos ganado”, en persa.

Desde mediados de septiembre de 2022, cuando su intérprete fue detenido por difundir  la canción en las redes sociales, « Baraye », que en persa significa « por », se ha convertido en el himno del movimiento de protesta ciudadana. Su letra habla de la movilización suscitada por el asesinato en una comisaria de la joven Mahsa Amini, detenida por llevar mal puesto  el velo obligatorio a todas las muejres iraníes,  y subraya las preocupaciones de la población frente a las autoridades y las penurias del país.

No es la primera vez que una Primera Dama sube al escenario de los Premios anuales de la música. En 2019, Michel Obama apareció por sorpresa en el escenario de loa Grammy junto  Lady Gaga, Jada Pinkett Smith y Jennifer Lopez.

 

 

“Joyland”, amores malditos en el Pakistán patriarcal

« La fuerza de Saim Saquid consiste en sondear las zonas fronterizas entre lo femenino y lo masculino, el dia y la noche, y la libertad y la obligación…con matices y delicadeza. El resultado es una experiencia inquietante e hipnotizante. Una experiencia de puro cine » (Band-à-part.com)

 

« Joyland », que en el pasado mes de mayo ganó en el Festival de Cannes el Premio del Jurado en la sección Un certain regard, y el premio "Queer Palm", una recompensa para películas LGBT+, y que representará a Pakistán en los próximos Oscar, estuvo durante unos meses prohibida en su país, a causa de las protestas de diversos grupos islamistas.  

“Joyland”, del realizador paquistaí Saim Sadiq, cuenta la historia de Haider (Alí Junejo), el hijo menor de los Rana, una clásica familia patriarcal de Lahore, queestá esperando el nacimiento de su hijo cuando se une en secreto a una compañía teatral de danza erótica y se enamora de una joven y ambiciosa estrella trans. Su imposible historia de amor da rienda suelta a la rebeldía sexual en toda la familia.  

En el paro desde hace mucho tiempo, La familia rebaja a Haider a hacer trabajo doméstico. La única que le apoya es su esposa Muntaz (Rasti Farooq), muy enamorada. Hasta que encuentra trabajo como bailarín en un cabaret, en el barrio de Joyland, donde se enamora de Biba, una estrella de la canción que nació hombre (Alina Khan), y donde ambos inician una relación secreta que tiene repercusiones en el matrimonio.

Homosexualidad, patriarcado, personas trans…”Joyland”, película primeriza de Saim Saquid, recibió los mejores calificativos en el Festival de Cannes, donde la crítica aplaudió la audacia del realizador al enfrentarse a muchos de los tabúes que arrastra la sociedad paquistaní. Aunque la ley protege los derechos de las personas trans, la mayoría de ellas se ven obligadas a vivir al margen de la sociedad; con frecuencia tienen que mendigar, bailar en las bodas o prostituirse, para sobrevivir. En 2009, Pakistán aprobó una ley reconociendo un tercer sexo, y en 2018 otra que concedía a las personas el derecho a determinar el sexo que debe figuarar en todos los documentos oficiales, e incluso a optar por la mezcla de dos. Los islamistas fundamentalistas denuncian estas leyes como “injerencia de los valores occidentales”.

 “Las personas trans –explicó Saim Saquid en Cannes- no viven con tanta libertad como lo harían en Francia, pero su forma de vida está muy lejos de lo que imagina Occidente cuando piensa en el mundo musulmán (…) Pakistán es muy esquizofrénico, bipolar o casi, en la medida en que existe cierta violencia hacia una comunidad particular, pero también hay una ley muy progresiva, adoptada en 2018, que autoriza a que todos se identifiquen por el género, incluido el tercer género”.  

La película “Joyland” (1), en la que destaca el trabajo de todos sus personajes  denuncia, con una mezcla de humor y drama,  los valores patriarcales, especialmente con el personaje de Mumtaz, la mujer del protagonista, a la que obligan a dejar su trabajo para quedarse en la casa y ayudar a su cuñada, que tiene cuatro hijos. Sin duda, el mayor acierto del director  es haber reservado una parte importante del relato a esta  figura de la esposa, bajo el yugo de la dominación masculina y las normas sociales y religiosas del país.

 

( 1) « Joyland » se estrena en los cines de Madrid el viernes 10 de febrero de 2023