“La emperatriz rebelde” de Marie Kreutzer, una versión moderna y feminista de Sissi

Lejos de la grandilocuencia de las películas de nuestra infancia sobre una Sissi emperatriz salida de un cuento de hadas, “La emperatriz rebelde”, quinto film realizado por la austriaca Marie Kreutzer (“El suelo bajo mis pies”), es el retrato extraño y nada convencional de una mujer, aristócrata por matrimonio, obsesionada con el ideal de belleza de la época (finales del siglo XIX),  lo que explica  el título original, “Corsage”, el corsé símbolo de las normas del patriarcado en un ambiente donde todo “es representación”.

Tras su participación en el Festival de Munich y en el Festival de Jerusalem, “la emperatriz rebelde” (1) participó en la sección Un Certain Regard del Festival de Cannes, donde la actriz luxemburguesa Vicky Krieps (“El hilo invisible”, “Bergman Island”, “Abrázame fuerte”)  consiguió  el Premio a la Mejor Actriz. También fue premiada en el Festival de Sarajevo, donde el filme recibió además el Premio a la Mejor Película.

En la Navidad de 1877, Sissi, emperatriz de Austria,  celebra su 40 cumpleaños y no se siente nada feliz, sometida a un estricto régimen de ayuno, ejercicios, peluquería y toma diaria de peso y medidas. Juzgada por sus hijos y por la prensa, prácticamente aislada en una relación tóxica con un marido que ha perdido el deseo, asfixiada por las rígidas normas de la corte y convencida de que ha empezado su decadencia, se marcha de Viena para visitar Inglaterra y Hungría, donde encuentra recuerdos de su juventud y antiguos amigos y amantes

En palabras de la directora: “Sissi, está en un punto de cambio en su vida, y eso es lo que quería retratar. Ya está muy harta de esa imagen tan pesada que tiene que mantener todo el tiempo y, por otro lado, no está segura de si sigue interesada en cumplir el papel de monarca, así que empieza a preguntarse qué más puede hacer. Para mí, las imágenes dentro de la película representan el hecho de que quizás hay otra versión de sí misma que es posible. Me pareció muy interesante que sus hijos representaran la monarquía mucho más que ella”. 

« La emperatriz rebelde » es el atrevido retrato contemporáneo de una figura histórica desencantada, víctima de la opresión y de las costumbres patriarcales, encerrada en la jaula dorada de las normas que se dictan en los salones de la nobleza de la época,  y una crítica abierta de la cultura que gira en torno al canon de belleza y los sacrificios y dietas que exige tener la obligación de conservar una imagen; un tabú que sigue dominando en nuestros días.  Pero es también el retrato de una Sissi revisitada que se emancipa, una mujer moderna y feminista que, a su manera,  se sacude el polvo acumulado por una historia que, a 150 años de distancia, sin duda se ha distorsionado y le hace escasa justicia.

 

Muy hermosas las secuencias –en blanco y negro mudo- que le filma un francés que ha inventado algo parecido a una cámara de cine, y muy importante la música que subraya los momentos más intensos de este relato que no tiene nada que ver con la versión de aquella Sissi envuelta en celofán que protagonizó Romy Schneider.

 

 

 (¡) “La emperatriz rebelde” se estrena en la cartelera madrileña el viernes 2 de diciembre de 2022.

 

 

"Tequila, sexo, drogas y rock and roll”, con nostalgia y sin remordimiento

 

“Rock’n’roll en la plaza del pueblo’ era puro goce expansivo…una suerte de orgasmo libertar cantado” (Jordi Sierra i Fabra, Revista SuperPop)     Cuando todos pensábamos que era imposible cantar rock and roll en castellano, desde Argentina llegaron ellos y nos cambiaron la realidad. “Tequila, sexo, drogas y rock and roll”, documental sobre la banda de rock más famosa de finales de los años 1970, dirigido por el productor y realizador cántabro  Alvaro Longoria (“Ni distintos ni diferentes, Campeones”,  “Santuario”) y narrado por la actriz Cecilia Roth, cuenta con la participación de los tres supervivientes de Tequila –Alejo Stivel, Ariel Roth y Felipe Lipe: los otros dos, Manolo Iglesias y Julián Infante, fallecieron en 1994 y 2000 respectivamente.

 

 

Documental sobre la historia –corta- del legendario grupo que fue la banda sonora de gran parte de la transición española, cinco jóvenes recién salidos de la adolescencia que alcanzaron de golpe su sueño de triunfo, y terminaron siendo  víctimas de ese mismo éxito.  Aunque han dejado una impronta imborrable en el panorama musical español: sus canciones perduran en el tiempo como clásicos indestructibles.

Coincidiendo con la despedida y el último concierto, tras una breve vuelta a los escenarios, los tres músicos  de Tequila,  junto a un puñado de músicos, compositores, críticos musicales, organizadores de conciertos, managers y letristas, repasan la historia del grupo que se convirtió en un auténtico fenómeno de fans gracias a un sonido completamente nuevo y a una imagen provocativa y rompedora.  Un relato de juventud y éxito, y del posterior descenso a los infiernos. Ganaron mucho dinero pero gastaron mucho, -“ahorrar era un concepto que no existía para nosotros” (Alejo)-, gastaron mucho y a veces mal .

“La historia de  Tequila se resume en  una suma de demasiados… eran demasiado jóvenes, con demasiado éxito, y había demasiadas drogas y demasiadas mujere (…) podían haber durado in aeternum porque el talento lo tenían y lo tienen…digamos que no los cuidaron lo suficiente, ni los arroparon…”  (Gay Mercader, promotor musical).

No estaban preparados para el éxito, no supieron gestionarlo… Lo vivieron todo como un juego: “la música era un juego, los contratos eran un juego… estuvieron jugando a ser estrellas de rock and roll…Aquello que fue maravilloso durante un tiempo, no terminó bien” (Cecilia Roth)

 

(1) “Tequila, sexo, drogas y rock and roll” está en la cartelera madrileña desde e viernes 25 de noviembre de 2022.

“Ramona”, una historia de amor sobre las oportunidades perdidas

“La elegancia en las composiciones de un cielo de Madrid detenido entre las azoteas de varios edificios emblemáticos. De hace siglos. De ahora mismo. Tantas personas ausentes, sugeridas por la calma de una ciudad que supuestamente acoge a todos sus habitantes de la misma forma que los engulle y olvida”. (Pablo Vázquez Pérez, cinemaldito.com). 

”Ramona”, ópera prima escrita y dirigida por Andrea Bagney,  es una comedia de estilo clásico norteamericano, y un homenaje a la ciudad de Madrid a través del retrato de Ramona – “Ona”- joven treintañera interpretada por Lourdes Hernández (“Russian Red”), a la que acompañan Bruno Lastra (“Los simuladores”) y Francesco Carril (“Tenéis que venir a verla”, “Los ilusos”).  La promoción dice que “Ramona” es una mumblecore (subgénero del cine independiente, fenómeno que se da principalmente en Estados Unidos, caracterizado  por ser de bajo presupuesto y por la improvisación de al menos parte de los diálogos).

“Ramona” (1) se rodó en  16mm durante la primavera de 2021, cuando había toque de queda a causa de las restricciones por la pandemia, en un Madrid vacío, de aspecto apocalíptico.

“Ramona” participó  como proyecto en el WIP del Festival REC de Tarragona en 2021 y en el WIP del MAFIZ del Festival de Málaga en 2022, consiguiendo premios en ambos. Su estreno internacional fue en el Festival Karlovy Vary, más tarde inauguró el Atlántida Mallorca Film Festival, obtuvo el premio Jurado Joven - Abycine Indie y los premios a mejor actriz y mejor película en el Brasilia international Film Festival. 

Ramona, que lleva ese nombre por la canción “To Ramona” de Bob Dylan,  y su novio Nico han regresado de Londres y viven en Madrid, en Lavapiés. Ramona quiere ser actriz. Cuando, en la barra de un bar, encuentra a Bruno, con quien se entiende muy bien charlando un rato, se asusta por la intensidad de la conexión que acaba de establecer,  y sale corriendo del local. Lo último que puede pensar es que volverá a encontrar a Bruno al día siguiente, participando en un casting apara seleccionar a la actriz de la película que va a empezar a rodar. Después de muchas dudas, y animada por Nico,  Ramona decide aceptar el papel.

Comedia romántica sobre la que sobrevuela el drama,  rodada en blanco y negro y en color, presentada en capítulos que se van componiendo como un rompecabezas, “Ramona” es una historia sencilla y entretenida que nos recuerda que es mucho más fácil enamorarse que encontrar “el amor de tu vida”.

“Ramona” participó  como proyecto en el WIP del Festival REC de Tarragona en 2021 y en el WIP del MAFIZ del Festival de Málaga en 2022, consiguiendo premios en ambos. Su estreno internacional fue en el Festival Karlovy Vary, más tarde inauguró el Atlántida Mallorca Film Festival, obtuvo el premio Jurado Joven - Abycine Indie y los premios a mejor actriz y mejor película en el Brasilia international Film Festival. 

 

 

“Abrázame fuerte” de Mathieu Amalric, una mujer que se va

“Pensad en las rupturas amorosas, donde todo se mezcla, el espacio, el tiempo, la ausencia, la pena, los recuerdos modificados, los celos imaginando al otro, el onanismo, la resurrección... En esos momentos no ponemos ni un tono sepia ni filtros para disociar lo verdadero de lo falso. Todo se acumula y se fragmenta”. (Mathieu Amalric)

 

Esta  película, en la que “todo parece que es”, en la que no podemos estar seguros de nada de lo que vemos, cuenta la historia de una mujer que se va. “Abrázame fuerte” (“Serre-moi fort”), del actor y director Mathieu Amalric (“Bárbara”, “La habitación azul”) es  “una melancólica obra de sonrisas y lágrimas”. Estrenada en Cannes, en el último Festival de Sevilla obtuvo el premio a la Mejor Película en la sección Las Nuevas Olas.

Intensa y emotiva, “Abrázame fuerte” (1), protagonizada por la actriz austriaca  Vicky Krieps (“El hilo invisible”,  “La emperatriz rebelde”) –“mezcla de road-trip y crónica familiar”- es una reflexión sobre la pérdida, el duelo y el dolor, encarnados en una mujer que, en pleno caos emocional,  pasa por distintos y violentos estados psicológicos.

Parece que Clarisse (Vicky Krieps) se marcha de casa dejando a su marido Marc (Arieh Worthalter) y a los dos niños. Parece que tras su huida, la vida continúa: su marido prepara los desayunos, Lucie se dedica a machacar el piano con el “Para Elisa” de todos los principiantes y el pequeño Paul no deja de hacerse preguntas. Pero  resulta que en un funesto día invernal, durante un paseo por la montaña, Marc  y los niños han sido víctimas de una avalancha y habrá       que esperar al deshielo primaveral para encontrar los cuerpos.  Sin tener nada en lo que condensar su pena, Clarisse huye en coche hacia el mar y sigue dialogando con su familia inventando una historia, mezcla de recuerdos y quimeras,  en la que los niños crecen y Marc envejece sin ella.  Todo es y no es lo que parece.

« Tan intensamente cerebral como poderosamente emocional, « Abrázame fuerte » se apoya en una actriz impresionante en su manera de atravesar y compartir esta montaña rusa de sensaciones contradictorias » (Première).

Melodrama complejo, misterioso  y difícil, “en forma de vertiginoso laberinto”, adaptación de la obra de teatro “Je reviens de loin”, de Claudine Galéa –Gran Premio de Literatura dramática en 2011 y Gran Premio de Literatura Dramática infantil en 2019-, “Abrázame fuerte” es una película intelectual y ambigua, metáfora de casi todo,  que mezcla pasado y futuro, recuerdos y fantasías, realidad e imaginario, vida y muerte-

.(1) « Abrázame fuerte » llega a los cines madrileños el viernes  25 de noviembre de 2022.

 

 

 

 

“Los constructores de la Alhambra”, una fortaleza de palabras con alma de poeta

“La Alhambra era un centro de poder…Dicen que es el canto del cisne de Al Andalus…Tiene mucho peso simbólico”

Docudrama histórico, “Los constructores de la Alhambra”, es una película a caballo entre el documental y la ficción cuyo rodaje ha durado seis años con un coste superior al millón y medio de euros lo que –en palabras de su directora, Isabel Fernández  (“El fill de son pare”, “Corredors de Fons”)- lo convierte en un documental “muy caro” que gira en torno a Ibn al-Jatib, un sabio y  personaje clave en la edificación de los palacios nazaríes (siglo XV) y del Reino de Granada.

Con guion de la realizadora y la escritora Margarita Melgar – y el apoyo científico de los mejores expertos del Patronato de la Alhambra, la Universidad de Granada y la Escuela de Estudios Árabes del CSIC- la película  se inspira en las cónicas escritas por el visir y poeta Ibn al-Jatif, “el arquitecto del estado nazarí”, al que presta rostro y voz el actor egipcio-francés Amr Waked (“Syriana”, “La pesca del salmón en Yemen”) y parte de la convicción de que el Renacimiento empezó en el Sur de España antes de la fecha oficial. Tres actores de origen magrebí  -Sofiane Benaissati (“La Hija”, “Gigantes”), Farah Hamed Ali (“Élite”, “Los últimos días”) y Adil Koukouh (“Entrevías”, “El Cid”)- completan el reparto de “este fresco de una época en la que Andalucía fue uno de los centros de conocimiento más avanzados de Europa”.

1340. Sabiendo que su asediado Reino de Granada está condenado a desaparecer por el avance de los reinos vecinos, el sultán Yusuf I se embarca en la construcción de un edificio que refleje el esplendor de su civilización y desafíe al olvido: los palacios de la Alhambra, los únicos palacios-poema del mundo.

En el colosal desafió participa su visir, Ibn al-Jatib, “el arquitecto del estado nazarí”, autor de la “Crónica de los Reyes de  Granada”, poeta y genio adelantado a su época que dominaba todas las disciplinas, de las matemáticas a la medicina, de la teología y la filosofía y a la poesía; también la caligrafía, que es uno de los pilares de la cultura islámica.

Cuando el hijo del sultán, Muhammad V, hereda el trono tras la Batalla del Salado (para los árabes la Batalla de la Calamidad), y lo involucra en las nuevas políticas de su reinado, el visir se debate entre las ideas de su antiguo mundo y el nuevo que está surgiendo. El dilema se resuelve con el asesinato de al-Jatib ordenado por el monarca granadino.  Sus crónicas cuentan la historia de la Granada del siglo. XIV, el canto del cisne de la Europa musulmana.

Viaje filosófico y poético, en el espacio y en el tiempo, acompañando a los responsables de la construcción de los palacios de la Alhambra, su historia y los motivos que les impulsaron a realizar esta obra de arte única que es uno de los monumentos más visitados del mundo. “Los constructores de la Alhambra” (1) son los últimos supervivientes de las corrientes intelectuales y filosóficas que dominaron el último tramo de la presencia islámica en la península ibérica.  

 “Nuestro objetivo era descubrir la historia humana que rodea a la Alhambra –asegura Isabel Fernández-. Conocer a quiénes la crearon y cuáles son las razones que les impulsaron a realizar esta obra que sigue fascinándonos. Es la primera vez que se habla de la gente de Al-Ándalus, porque siempre nos acercamos a la Alhambra desde el punto de vista de la historia del arte, estudiando los edificios, la estética… nosotros intentamos acercarnos a los seres humanos que crearon ese fascinante universo. También queríamos destacar que hay una parte de historia de Europa, que transcurre entre el siglo VII y el siglo XV en el sur de la Península Ibérica, que es prácticamente desconocida, a pesar de que tiene una huella trascendente a nivel cultural, artístico, económico, gastronómico, paisajístico… no solo para España, sino para toda Europa. En el documental descubrimos cómo era la vida diaria en la Alhambra, las intrigas de la corte, el papel de la mujer en la cultura nazarí, y cuáles fueron los principales avances culturales, médicos, artísticos, paisajísticos… que hicieron de la Alhambra la ciudad más avanzada de su época. Incluyendo la historia de sus famosas cúpulas y la de la fabulosa decoración caligráfica que cubre sus paredes”.

 

 

(1) El documental “Los constructores de la Alhambra” se estrena en Madrid el viernes 25 de noviembre de 2022.

“Mad Heidi”, una locura made in Swiss

Las cabras felices hacen queso feliz (Peter el cabrero)

 

Vuelve Heidi, y esta vez lo hace para vengarse. La niña de los Alpes ha crecido y ahora es una joven que, en una Suiza totalitaria, lucha contra un oligarca del queso gruyère en una película enloquecida rodada gracias a una campaña mundial de crowdfunding, que consiguió recaudar más de tres millones de euros.

En una Suiza distópica que ha caído en el caos,  donde impera el dictador fascista Meili ( el actor holandés Caspar van Dien), heredero multimillonario de los fabricantes  de un queso que se distingue porque ostenta la inicial “M” del autócrata, la policía persigue, para eliminarlos, a todos los intolerantes a la lactosa. En medio de este régimen de terror, donde se tortura a la oposición con trozos de queso fundido y  se la apuñala con Toblerrones modelo XXL, la joven Heidi (Alice Lucy)  lleva una vida bucólica junto a su abuelo en un chalet de los Alpes. Cuando asesinan a su amor, el cabrero Peter (Kei Matsena), la inocente Heidi se transforma en la feroz  “Heidi cabreada” que da lugar al título de la película, quien llena de ansias de venganza persigue a los odiosos bastardos de la maquinaria del queso, cortando cabezas y salpicando con su sangre todo el país. En el reparto figuran también la la actriz española Almar G. Sato (que interpreta a una Klara, la amiga de infancia de Heidi, que ya no necesita la silla de ruedas), y los veteranos David Schofield ("Piratas del Caribe", "Gladiator") y Max Rüdlingler.

No sé si es cierto, pero un rumor asegura que existe un refrán suizo que dice: “Todo está en el Emmental”. La película “Mad Heidi”(1), relectura casera de un personaje emblemático que forma parte del mundo mágico de la infancia europea, dirigida por los colegas Johannes Hartmann y Sandro Klopfstein, mezcla todos los géneros habituales del cine fantástico y  de terror con el resultado de una comedia gore que ha conseguido el Premio del Público en el Festival Internacional de Cine Fantástico de Bruselas y el Antonio Margheriti Award en el TOHorror Fantastic Film Fest de Torino. Al fondo, los extraordinarios paisajes de los Alpes suizos y muchos litros de un líquido color de sangre.

Aunque no es una película “para todo el mundo” (según la crítica local) “Mad Heidi” es una comedia de horror absurda, enloquecida y muy divertida, “La historia -dice el productor Valentin Greuter- sobrepasa totalmente los límites y es políticamente incorrecta. Pero este tipo de renovación es exactamente lo que esperaban muchos aficionados al cine”.

Escritas por Johanna Spyri y publicada en 1880, las aventuras de Heidi son con mucho el libro más popular de la literatura suiza. Publicado originalmente en dos partes, en alemán, se ha traducido a 50 lenguas, ha vendido más de 50 millones de copias y se ha llevado al cine en más de una docena de ocasiones, entre ellas la más popular, en 1937, interpretada  por Shirley Temple.

(1) “Mad Heidi” se estrena en Madrid, al mismo tiempo que en otras capitales europeas, el jueves 24 de noviembre de 2022.

15 Festival del Cine Italiano de Madrid

Del 23 al 30 de noviembre de 2022 se celebra en Madrid la edición 15 del Festival de Cine Italiano, que tendrá ñugar en el Cine Paz MK2, en el Instituto Italiano de Cultura y también On Line.

El Festival, cuya inauguración tendrá lugar el día 23 en una sesión de gala en el cine Paz,  se compone de unas cuantas películas retrospectivas, el estreno de varios largometrajes, cortos y documentales, cine juvenil y Sección Grandes Actrices Italianas, la entrega de varios premios  (Premio Especial, Mejor Documental, Mejor Cortometraje, Premio del Público y Premio Solinas Italia-España) y la gala de clausura en el Instituto Italiano de Cultura.

La entrada a todas las proyecciones es gratuita, pero como el cupo es limitado, hay que hacer una solicitud de reserva para cada sesión en www.entrads.com.  El proceso es muy sencillo: en https://www.festivaldecineitalianodemadrid.com/es/programa/sede/3/ está todo el programa del festival. Basta elegir la película deseada y hacer clic en el botón para reservar un máximo de dos entradas.  Después de rellenar el formulario recibirá una confirmación en el correo electrónico con el enlace para ver la película. En el correo se indica también el día y la hora de la proyección.

Otra posibilidad es disfrutar de las proyecciones On Line desde el domicilio. En https://www.festivaldecineitalianodemadrid.com/es/programa/sede/4/, se encuentra el programa del Festival On Line. Elige el título de la película elegida y sigue el proceso para hacer la reserva

 

 

 

“Las mejores familias”, culebrón peruano de denuncia social

Pretendida metáfora de la sociedad peruana, “Las mejores familias”, un culebrón viejuno que el país latinoamericano presenta como candidato al mejor largometraje extranjero en los próximos  Premio Goya 2023, es una historia muy teatral  de familia con cadáver en el armario; es decir, más o menos como todas.

La revelación de un secreto guardado durante tres décadas convulsiona el día a día de dos familias de clase alta en  Lima, la capital peruana. Dos familias que en realidad son una, ya que se trata de las formadas por dos hermanas –que la promoción define como “dos damas aristocráticas” y que en la realidad carecen de  la más mínima elegancia, su apariencia es bastante hortera- que habitan en sendas mansiones del mismo condominio comunicadas por el jardín. La celebración de un cumpleaños reúne a todos los miembros de ambos clanes, incluidas las empleadas domésticas de las dos casas, también hermanas, y el hijo de una de las “damas” que se presenta como “un escritor peruano que vive en Madrid”, quien ha volado desde la capital de España con su novia y que piensa aprovechar el festejo para pedirle matrimonio.

Con frecuencia me planteo si algunos realizadores no creen que la que acaban de hacer será su última película, y que esa sensación les lleva a situar en ella todas sus preocupaciones, y todos los mensajes que quieren enviar al mundo. Este es uno de esos casos. El realizador de “Las mejores familias” (1), Javier Fuentes-León (“Contracorriente”, “El elefante desaparecido”), reflexiona sobre la homosexualidad y la bisexualidad y también sobre las clases sociales y las varias formas – incluido el abuso sexual- que pueda adoptar la explotación del servicio doméstico en los ambientes que, además, presumen de que tratarles “como si fueran de la familia”; una frase que, en este caso,  como mínimo tiene una doble lectura.

“Las mejores familias”, estrenada en el último Festival de Málaga, opone a dos parejas de hermanas, una de señoras y otra de criadas que, con motivo del festejo familiar, participan casi involuntariamente de la revelación del secreto mantenido durante varias décadas: unos hechos que colocan al bando de los señores en una situación difícil de explicar, y a las domésticas en una vergüenza que los años no han borrado. Al mismo tiempo, al otro lado del jardín que protege la vida de todos los personajes de esta historia, en la calle se están produciendo violentas manifestaciones de protesta que no alcanzan a perturbar al clan familiar.

El reparto, muy coral y un tanto confuso, de “Las mejores familias” lo componen  Gabriela Velásquez. Tatiana Astengo, Gracia Olayo, Grapa Paola, César Ritter, Jely Reátegui y Giovanni Ciccia.

 

(1) “Las mejores familias se pude ver a partir del martes, 22 de noviembre de 2022, en la plataforma Movistar +.

 

 

“Ultrainocencia”, complicada comedia surrealista

El proyecto “Fe en el futuro” es el eje de “Ultrainocencia”,  primer largometraje de Manuel Arija (músico de la banda independiente madrileña Rosvita y reconocido  director de cortometrajes),  protagonizado por Sergi López (“El laberinto del fauno”, “Pa Negre”), Pablo Molinero ( “La peste”, “El verano que vivimos”) y David Climent. Basada en una obra teatral homónima de la compañía de culto loscorderos.sc.  Una producción independiente que ha sido posible gracias a una campaña de crowdfunding,  los ahorros del director y de su productora y al trabajo casi desinteresado del equipo técnico y artístico.

 Comedia surrealista de ciencia ficción sobre la fe, los sacrificios inútiles y la condición humana, “Ultrainocencia” (1), basada en la obra teatral del mismo título llega al Festival Rizoma de Madrid donde compite en la Sección Oficial, con una Mención de Honor del Slamdance Film Festival de Estados Unidos, y tras participar en los festivales Black Nights Film Festival de Estonia, TIFF Transilvania Film Festival e Indy Film Festival (Estados Unidos).

Orión y Adán, dos tipos iluminados que ven señales por todas partes,  han sido seleccionados por una organización religiosa para tomar parte en el experimento científico  “Fe en el Futuro”, destinado a probar la existencia de Dios. Encerrados en una cápsula y aislados del mundo exterior, intentan establecer algún contacto divino mediante una serie de rituales. Todo cambia cuando Orión descubre el secreto de Adán.

Rodada en Madrid, Cataluña, Almería y Aragón varios años antes de la pandemia, en localizaciones como un secadero de jamón, un palacio episcopal o una mina abandonada, curnta también con varios cientos de planos generados a base de efectos digitales.

El director afirma que "Ultrainocencia es una película que trata la religión, la creencia en lo desconocido y lo inexplicable pero, para mí, enlaza con la búsqueda de cualquier objetivo inalcanzable en la música, la literatura, la fotografía o cualquier forma artística. He tardado casi cuatro años de duro trabajo en materializarla y por momentos he sentido que la misma premisa en la que se basaba la película, de un camino inalcanzable, se extendía a mi propia vida. Afortunadamente no estaba solo y eso me ha demostrado que incluso las mayores adversidades pueden superarse”. 
 

(1) “Ultrainocencia” se puede ver en la Cineteca madrileña desde el jueves 17 de noviembre de 2022.

"BOSCO" de Alicia Cano Menoni, un emocionante regreso a las raíces

Entre imaginario y memoria, entre los dos extremos del océano Atlántico, « Bosco », documental de la uruguaya Alicia Cano Menoni (“El Bella Vista”, “Locura al tiempo”), « es a la vez una fábula sobre el tiempo y el intento de construir la imagen de un lugar que existe más allá de la cartografía y de la realidad” (Festival Internacional de Cine de Santiago, SANFIC17).

 

Biznaga de Plata al mejor Documental en el Festival de Málaga 2021, Premio especial del Jurado en el Festival dei Popoli 2020, Mejor dirección, edición y música original en el Festival Ibero-americano de Cinema y candidata al Goya 2022 en la categoría de Mejor película Iberoamericana, “Bosco” (1), en realidad Bosco di Rossano, es un pueblo de la Italia vaciada, situado en el fondo de un valle entre colinas que un día estuvieron rebosantes de castaños, junto a la frontera entre la Toscana y la Liguria y a 10.800 kilómetros de Montevideo donde el abuelo de 102 años de la realizadora, que nunca estuvo en El Bosco, recuerda que fue su abuelo quien en 1925 “fundó el pueblo” llevando una fuente hasta ese rincón sin agua perdido en el mapa, y los primeros caramelos que probaron los paisanos.

 El abuelo Orlando, que vive en Salto, en Uruguay, ,tiene un ojo “perdido” y cataratas en el otro,  nunca estuvo en El Bosco pero más de la mitad de las lápidas del cementerio llevan su apellido: Menoni, el mismo que lleva Alicia, quien durante trece años saltó varias veces el charco para filmar la cotidianidad de ese pueblo que hoy es una tarjeta postal y que, entre otras cosas, se define también en números.

 123 casas, 12  casas habitadas por animales, 9 casas ocupadas por alimentos, 7 casas habitadas por personas, 1 almacén ambulante, especie de supermercado,  que llega cada siete días, 2 fuentes, 1 pista de baile, 1 iglesia, 639 lápidas, 13 habitantes y entre ellos 1 curandera, 1 cantinero retirado, 1 pastora, 1 partisano, 1 cazador, 1 romano, 1 obrera ferroviaria y una vecina que pierde el hilo contando cuando llega a trescientos…

Pero detrás de la tarjeta postal en El Bosco existen también vestigios de otro tiempo-esclusas, ruedas de molienda, la silla de un tractor,  una canción que conocen todos “Mamma, dami cento lire che in America voglio andà”…- residuos de vidas vividas por los que campan a sus anchas lagartos, moscas, renacuajos, un rebaño de cabras, un par de gallinas y un gato mimoso que comparte la comida de su dueña. Todo es, en la imagen, de una belleza irresistible.

Es un documental pero también podría ser una sinfonía; es una fábula pero podría ser un poema inacabado. Es emocionante, bucólico, mágico. Es una vuelta a las raíces para poder configurar un mapa personal. Para su directora, “Bosco” es una película  “que mueve emociones desde el humor hasta la ternura, y que nos hace mirar a un estilo de vida que se está yendo en muchas partes del mundo. En España también, en estos pueblos de pocos habitantes que apenas sobreviven, y que son lugares casi atrapados en un tiempo, en una ensoñación…”.

 

(1) “Bosco” llega a los cines madrileños el viernes 18 de noviembre de 2022

 

“El gran Maurice”, a mayor gloria del peor golfista de todos los tiempos

« Es una película sobre un tipo que se pone seis azucarillos en el té (…) Es un ‘Britfilm’ amablemente idiota y sentimental … »

 

“El gran Maurice” ("The phantom of the Open"), película dirigida por Craig Roberts (“Belleza eterna”) y protagonizada por Mark Rylance (Oscar 2016 por su papel en “El puente de los espías”, “Dunkerke”, “El juicio de los 7 de Chicago”), junto a Sally Hawkins (“La forma del agua”), Rhys Ifans (“Notting Hill”) y Ian Porter (“Salvarc al soldado Ryan”), está basada en la novela homónima del periodista  Scott Murray, autor del guión junto al escritor Scott Murray.  

 

 La película cuenta la extraña y verdadera historia de Maurice Flitcroft, un padre de familia y operador de grúa en un pequeño pueblo inglés, que ve peligrar su puesto de trabajo debido a la inestabilidad económica del país. Tras ver un partido de golf televisado, Maurice se enamora del juego y decide participar en el torneo más importante del mundo, el Open Británico de 1976. Un plan maestro que tiene un único problema: Maurice no ha jugado al golf en su vida pero está persuadido de que “un campeonato abierto debería estar abierto a todo el mundo”.

 

En esta película, representante más que meritoria de la típica  comedia británica, con su correspondiente dosis de humor, el protagonista, Maurice, es un poco ridículo; pero esa característica no afecta en absoluto a la historia, que es más bien un homenaje a esos  personajes también típicamente ingleses  que vienen a recordarnos que a veces se puede hacer de la incompetencia virtud.  Y “El gran Maurice” es algo así pero con el golf impregnándolo todo.

 

Entrenándose en las peores condiciones durante un año, Maurice Flitcroft compitió y logró el par más alto en el prestigioso y elitista  British Open de 1976, en el que lleno de optimismo participó, charló con Severiano Ballesteros  y esperó ingenuamente ganar y romper con la fatalidad de la precaria economía de su hogar de obrero –marido amante de una Sally Hawkins en esposa devota que sigue con ingenuidad las peripecias del golfista, a la que ha prometido diamantes, caviar y champagne,  y padre de dos gemelos  adolescentes (Jonah y Christian Lees) que esperan triunfar bailando música disco- en una ciudad industrial del norte de Inglaterra. Una aspiración absurda que lleva al límite rellenando el boletín de inscripción, presentándose como profesional cuando ni siquiera conoce los nombres de los hierros, mientras se repite un mantra: “La práctica es el camino de la perfección”.

 

Tras jugar el peor torneo en 116 años, desenmascarado  y ridiculizado por los guardianes de la ortodoxia del deporte pero sin desanimarse, Filtcroft siguió jugando en otros torneos a pesar de tenerlo prohibido, e incluso repitió en el Open, utilizando nombres falsos y presentándose con curiosos disfraces. La consagración le llegó de Estados Unidos donde persiguió la gloria  y se ganó las simpatías de esa parte de la sociedad donde se refugian quienes, a pesar de los esfuerzos,  nunca consiguen subir un tramo en la escala social.

 

Emocionante, enternecedora y divertida comedia social, el retrato del perdedor que fue  Flitcroft nos llega puntuado con toques de humor y fantasía, que recuerdan los filmes de otros realizadores británicos excéntricos, como Tim Burton, y que bebe de fuentes con tradición y pedigree, como los surrealistas Monthy Python .

 

(1) “El gran Maurice” se e3strena en Madrid el viernes 18 de noviembre de 2022.

 

 

 

“Cariño cuanto te odio”, otra película sin la que podemos pasarnos

“Comedia romántica inofensiva, olvidable y previsible”  (Dennis Schwartz, Movie Reviews)

Ningún encanto, más sexista que sexy, la comedia romántica “Cariño cuanto te odio” (“The Hating Game”),  escrita y dirigida por Peter Hutchings (Cuando apareciste tú, No te lo vas a creer, Marginados), está basada en el best seller homónimo de Sally Thorne. (Del libro no puedo opinar, no lo he leído). Y dicho lo anterior, me pregunto si puede llevar el adjetivo de romántica la cara de satisfactoria alegría de la protagonista contemplando el pene de su contrario (que el espectador no ve), y  donde  reside el secreto que convierte a algunos libros en best-sellers.

Protagonizada por Lucy Hale (Fantasy Island, Pequeñas mentirosas, Verdad o reto), Austin Stowell (La batalla de los sexos, El puente de los espías, Whiplash) y Damon Daunno (Blue Bloods, The Following), “Cariño cuanto te odio” (1), película “odiosamente errática” (Matt Pais.com), cuenta la historia de la ambiciosa Lucy Hutton, asistente de una editorial de la vieja escuela, y su conflictiva relación con Joshua Templeman, empleado de otra editorial con la que se acaban de fusionar. Decididos a competir por un ascenso, Lucy y Joshua se embarcarán en el desagradable juego de intercambiar gestos e  insultos. Moraleja: del odio al amor sólo hay un paso, en caso contrario lo que no habría es película.

 

Personalmente lo que más he apreciado de este largometraje machista ha sido la banda sonora, compuesta mayoritariamente por artistas femeninas entre las que destacan Of Monsters and Men, Chelsea Cutler, Astrid S., Jeremy Zucker, Benee, Dagny, y una nueva versión del hit de Duffy "Mercy", cantada por la adolescente Angelina Jordan.

Más fácilmente soportable de ver en una plataforma y en un rato de aburrimiento (hurgando en internet se puede ver gratis), entre los montones de comedietas tan amables como rápidas de olvidar, y “tan fácil de consumir como un cucurucho de helado en una día caluroso” (Leslie Felperin, Gardien), no hay duda de que está ideada por personas que conocen como funciona un género, en este caso falto de interés (2).

 

(1) “Cariño cuanto te odio” llega a la cartelera madrileña el viernes 18 de noviembre de 2022.

(2) He llenado el texto con tantas citas de otros críticos con más pedigree que yo para que el lector tenga claro que no es que haya cogido manía al realizador, a quien considero el único culpable de esta producción tan vulgar.