“Algún día nos lo contaremos todo” de Emily Atef: el paso a la edad adulta en el momento de la reunificación alemana

Adaptación de una novela de la escritora alemana Daniela Krien (Premio Junger Liteartur), la película “Algún día nos lo contaremos todo”, de la cineasta franco-iraní Emily Atef (“3 Días en Quiberón”, “Molly’s Way”),  está ambientada en la frontera entre las dos alemanias en los años 1990, justamente en el momento de la caída del Muro, y protagonizada por Marlen Burow (“Belleza”, “Albträumer”), Cedric Eich (“Hansel y Gretel. Cazadores de brujas”, “Tres”) y Felix Kramer (“Dark”, serie), junto a Jördis Triebel (quien también tiene un papel en la serie “Dark”). El centro de la trama es el amor prohibido entre la estudiante María y el solitario granjero Henner, veinte años mayor.

En un pequeño pueblo de la antigua República Democrática Alemana (RDA), donde la vida transcurre al ritmo de las estaciones y las cosechas, en el verano de 1990 María está a punto de cumplir 19 años y vive en la granja de los padres de su novio Johannes. Sus padres se han separado; a causa de la reunificación su madre acaba de perder el trabajo y su padre se ha desentendido de las dos mujeres que un día fueron su familia. En el momento en que las dos mitades del país piensan en un futuro mejor, María ha perdido todo interés por los estudios y le gusta perderse por los rincones de la granja en compañía de un libro. A esto se le añade el inicio de una pasión secreta y un nuevo amor con Henner, el carismático granjero de al lado que le dobla la edad, mientras los cambios políticos están dejando su impronta en la vida de los ciudadanos, en especial los que se movieron en la órbita de la URSS, condenada también la desaparición  

Drama rural romántico e intenso, “Algún  día nos lo contaremos todo”  se sitúa en el punto de vista de la chica que está transitando de la juventud a la edad adulta en un país que se desplaza del comunismo al capitalismo. La llegada de una carta del hermanastro del novio, que huyó hace años al Oeste, anunciando una próxima visita, provoca una serie de alteraciones en toda la familia.

“Algún día nos lo contaremos todo” (1) es como una foto fija entre dos tiempos, el ayer y el mañana donde todo parece posible. La realizadora Emily Atef se quedó muy impresionada tras leer la nvela de Daniela Krien: “Lo que me fascinó es el retrato que hace del deseo femenino, del deseo de una mujer joven que no tiene miedo de destrozar los límites morales y sociales.  Un retrato que rompe tabúes”.

“Algún día nos lo contaremos todo” es una película sobre un tiempo de transición, cuando se abandonan muchas rutinas y los personajes se interrogan, con miedo, sobre lo que va a depararles el destino, y  con esperanza acerca de las posibilidades de un nuevo amor. En el verano de 1990, cuando sucede la historia, el Muro ya había caído pero la reunificación estaba por llegar. Las consecuencias de ambas situaciones se dejaban sentir en todo el país, también en las zonas más próximas a la antigua frontera: muchas empresas desaparecieron y  aumentó considerablemente el paro, lo que tuvo como consecuencia una extensión del rechazo al régimen y un aumento en el consumo de alcohol

Ganadora del premio Literatura Joven en 2013, la primera novela de Daniela Krien,  que está en la base de esta película,  se publicó en 2011 y está traducida a quince idiomas (en castellano en la editorial Salamandra y en catalán en la editorial Empuries).  En 2015 la autora recibió el premio Nicolas Born Debütpreis por su libro de relatos “Muldental”, y en 2020 fue galardonada por toda su obra con el Sächsischer Literaturpreis.

(1) “Algún día nos lo contaremos todo” se estrena en los cines de Madrid el viernes 4 de agosto de 2023.

”Don Juan” de Serge Bozon, otra vuelta de tuerca al mito del seductor

«  Un film moderno que propone una delicada y perturbadora relectura del mito del seductor » (Elle)  

 

 

“Don Juan” es una nueva revisión del clásico “Don Juan” de Molière. El realizador Serge Bozon (“La France”, “Madame Hyde”) ofrece una modernizada mirada del drama, llevando al mítico “casanova” al presente y rompiendo el molde clásico para convertir al personaje, interpretado por Tahar Rahim (“Un profeta”), en un nuevo tipo de hombre, condicionado por la era Post-MeToo y de rodillas ante la presencia de su gran amor perdido, encarnado por Virginie Efira (“Benedetta”, “Los hijos de otros”).

 

Abandonado el día de su boda, Laurent, un actor de teatro que estáe ensayando el papel del famoso seductor Don Juan de Moliére, reconoce en otras mujeres a la que le ha abandonado. Medio cantando intenta seducirlas a todas pero ninguna parece dispuesta a caer rendida ante sus tácticas. Mientras tanto, en el teatro, la actriz principal ha renunciado y los productores buscan a la novia desaparecida para darle la réplica.

Sobre su relectura del mito tragicómico de Don Juan, Bozon ha dicho: “Con este Don Juan, queríamos presentar una figura de seducción no-conquistadora. La película cuestiona la idea del abandono. En pocas palabras, un Don Juan clásico se acuesta con todas las mujeres y ése es su triunfo. El nuestro no engaña y no triunfa. Su “Donjuanismo” reside únicamente en la forma de mirar a las mujeres, sin traiciones, conclusiones ni engaños. Todo se juega en la mirada".

Ni comedia musical ni película histórica, ni tampoco romance a pesar del amor que preside todo el relato, en “Don Juan” (1) hay un propósito feminista, como si toda la película fuera una coreografía en torno al no es no, y un escenificación del miedo al abandono que el protagonista vive como un duelo.

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(1) « Don Juan » se estrena en las pantallas madrileñas este viernes 28 de julio de 2023

Detective Conan: Black Iron Submarine” de Yuzuru Tachikawa

Tras su paso por el Festival de Annecy, el legendario detective Shinichi Kudo (conocido por Conan Edogawa tras haber sido transformado en un niño) vive una nueva aventura en la película número 26 de la saga del manga de culto creada por el japonés Gosho Aoyama en 1994. Una longeva y detectivesca historia de asesinatos en la que el detective se involucra de forma accidental para acabar encontrando siempre al culpable gracias a su astucia y su memoria fotográfica.

 

Con más de 100 tomos publicados en la actualidad, la inagotable serie de Gosho Aoyama continúa publicándose, y se mantiene como el tercer manga más vendido de la historia de Japón.

 

El realizador Yuzuru Tachikawa regresa a la franquicia después de haber dirigido en 2018 “Detective Conan: El caso Cero”. Tachikawa debe su reputación como director de anime a miniseries de gran éxito como “Shigurui”, “Deca-Dence” y “Death Parade”, así como su colaboración como director principal en la serie “Mob Psycho 100”.

Facilito toda esta información en la seguridad de que los seguidores del manga me lo agradecerán y no tendrán en cuenta que yo no he visto ninguno de los 25 episodios anteriores y quizá esa sea la causa de que este no me haya entusiasmado. En todo caso, se trata de animación para adolescentes y adultos siempre que sean fans del género.

Este episodio de acción y espionaje nos sitúa  en la isla de Hachijojima, Tokio, donde un equipo internacional de ingenieros se ha reunido para un operativo a gran escala en  « La boya del Pacífico », una enorme  instalación en el mar que conecta las cámaras de seguridad de las policías de todo el mundo y permite el reconocimiento facial. Conan, que visita la isla con los Detectives Juniors para ver las ballenas, recibe una llamada telefónica de Subaru, un estudiante y agente del FBI, quien le informa del asesinato de una empleada de Europol en Alemania por la Organización de los Hombres de Negro.

 

(1) “Detective Conan: Black iron Submarine” se estrena en los cines madrileños el viernes 28 de julio de 2023.

 

 

 

“Más que nunca”, una película para reflexionar, marcada por la muerte de su protagonista

« Oda al amor y a la vida que plantea con pudor la cuestión del derecho de todos a decidir sobre el final de la vida”. (aVoir-aLire.com)

 

Drama francés dirigido por la cineasta franco-alemana Emily Atief ( “Molly´s way”, “ Tres días en Quiberón”) y protagonizada por Vicky Krieps (“El hilo invisible”; “La isla de Bergman”, “La emperatriz rebelde”, Premio a la Mejor Actriz en el Festival de Cannes 2022, y a la Mejor Actriz Europea en los European Film Awards), Gaspard Ulliel (“Saint Laurent”, “Solo el fin del mundo”, “El reflejo de Sibyl”) y el noruego Bjorn Floberg, “Más que nunca (Plus que jamais) plantea una de las posibles manera de reaccionar a la noticia de que la muerte es inminente.

 

Aquejada de una enfermedad incurable la treintañera Helène –quien lleva varios años de feliz relación de pareja con Mathieu- decide viajar a Noruega para conocer a Bent, un bloguero que escribe, con comicidad y sin dramatismo,  sobre su día a día luchando con una situación similar. Abrumada por la solidaridad y las torpezas de sus familiares y amigos, Helène abandona la vida que intuye va a ser la suya en el futuro, organizada en torno a la enfermedad, para aislarse, y en cierta manera refugiarse, en Noruega donde, atrapada por la belleza y grandiosidad del norte europeo, descubrirá que es allí, junto a la naturaleza y en silencio,  donde quiere vivir su último verano. Algo que para Mathieu, siempre a su lado y apoyándola,  es difícil de entender y aceptar.

Estamos hablando nada menos que del destino, esa coordenada vital que tiene sus propias e ininteligibles reglas y que, en el caso de la película “Más que nunca” se manifestó con una pirueta cruel: mientras que en la ficción la condenada a muerte es ella (Helène), en la vida real, él (Mathieu) jamás habría imaginado que estaba rodando su último papel y que poco después (el 19 de enero de 2022), con tan solo 37 años, iba a encontrar la muerte en un terrible accidente de ski en una estación de La Rosière.

 

La realizadora de esta película, Emily Alef, vuelve aquí sobre  el tema de la muerte, que ya trató en su anterior film, “Tres días en Quiberon”, en el que evocaba a la actriz alemana Romy Schneider quien a los 43 años -obsesionada por sus “demonios interiores”, el fallecimiento de su único hijo  y la proximidad de un final decidido de antemano- fue encontrada sin vida en su apartamento parisino el 29 de mayo de 1982. Un tema oscuro que Alef ha tratado con enorme delicadeza, huyendo del melodrama y el sensacionalismo; las mismas virtudes  que imprime  a su personaje la actriz Vicky Krieps. Entre las dos han conseguido una hermosa película sobre la enfermedad y la aceptación de la muerte, tratadas como experiencias positivas. A pesar de hablar de la muerte, “Más que nunca” (1) es un canto a la vida.

 

“Entre París y lo fiordos tiene lugar una lenta y luminosa agonía desarrollada con gracia y dulzura. La película padece de la brutal desaparición de su actor. La que muere es ella, pero tenemos la impresión de estar presenciando los últimos instantes de él” (Le Figaro).

(1) “Más que nunca se estrena en Madrid el viernes 28 de julio de 2023.

 

“La jauría” de Andrés Ramírez Pulido, sobre los jóvenes delincuentes colombianos víctimas de una violencia heredada

“Con una película oscura, por momentos inquietante,  Andrés Ramírez Pulido se afirma como uno de los realizadores esenciales de la América del Sur y firma una obra que, sin embargo, proclama poderosamente las fuerzas de una vida y una esperanza siempre abiertas. Un mensaje saludable, estemos donde estemos actualmente en el planeta”. (Anne Schneider, senscritique.com).

 

Ganadora del Premio a la Mejor Película en la Semana de la Crítica del último Festival de Cannes (un premio concebido para estimular a los jóvenes talentos del séptimo arte), su realizador Andrés Ramírez Pulido nos explica en pocas líneas el contenido de “La Jauría”, una película sobre un segmento muy específico de la adolescencia colombiana: “Es la continuación de mis dos cortometrajes ‘El Edén’ y ‘Damiana’. Las tres tratan de una preocupación personal (…) la importancia de la figura paterna durante la infancia y la adolescencia y cómo el amor, el cuidado de un padre, o por el contrario su abandono, ausencia o violencia, pueden afectar a toda una vida (…) es la historia de una generación abandonada que sin saberlo forma parte de un ciclo de violencia heredada”.

Para introducirnos en su primer largometraje, el director colombiano Andrés Ramírez Pulido, también autor del guión y de la elección de los protagonistas (jóvenes voluntarios reclutados en la zona),  ha elegido un escenario nada agradable: una especie de cuenca cubierta de detritus de vegetales en la que crecen nenúfares, un hormiguero sonoro en pleno bosque tropical donde tiene lugar una emboscada, seguida de una ejecución sumaria.

 

 

En Colombia, en un extraño centro de acogida para menores situado en mitad de la jungla tropical, Eliú (Jhojan Estiven Jimenez) –quien ha matado a un hombre equivocándose de objetivo-  se encuentra detenido, junto a otros adolescentes culpables como él, de cometer actos de enorme violencia. Todos, inmersos en una atmósfera asfixiante participan en terapias de grupo de “recuperación”, algo muy parecido a unos ejercicios espirituales que dirige el educador Alvaro (Miguel Viera) y que intentan darles una segunda oportunidad, lejos de las miradas de un mundo  que no quiere tenerlos entre sus habitantes, vigilados continuamente por la mirada, armada y autoritaria, de Godoy (Diego Rincón).

Mientras Eliú parece realmente comprometido en su reconstrucción, centrado en los trabajos en una hacienda abandonada, llega al grupo su antiguo cómplice, El Mono (Maicol Andrés Jiménez), lo que es una ocasión para recordar el delito que provocó el encarcelamiento de los dos jóvenes, “exacerbar las tensiones entre ellos y  catapultarles hacia sus propios destinos”: el de Eliú incluirá dejar atrás la jauría y recuperar  la alegría de vivir.

 

(1) “La jauría” se estrena en los cines de Madrid el viernes 21 de julio de 2023.

 

 

“El regreso de las golondrinas”, la china rural en todo su esplendo

Ganadora de la Espiga de Oro en la última Seminci (Festival de cine de Valladolid), “El regreso de las golondrinas” (Return to Dust), es una hermosa historia de amor ambientada en la China rural que empezó su recorrido por las pantallas siendo objeto de una censura que primero le obligó a cambiar el final para acabar retirándola de las pantallas, y de los servicios de streaming,  del país más poblado del mundo en el momento de su estreno, en septiembre pasado.  

La sexta película del realizador Li Ruijun (“Pasage para el futuro”) es una cautivadora historia con personas complejos . En la China rural, un hombre y una mujer que ya no son jóvenes, rechazados por sus familias y unidos en un matrimonio arreglado por sus hermanos, tienen que aprender a conocerse y a levantar un hogar. Ma y Cao, en medio de la adversidad y en contra de lo previsto, comienzan a forjar un vínculo mientras explotan un pedazo de tierra conseguido gracias a una ayuda del gobierno, y se construyen una casa. La crítica internacional coincide en calificarla como “película política” por la forma en que presenta a los campesinos que viven pobremente sobre el telón de fondo de las mutaciones que están sufriendo las comunidades agrarias, obligadas a desplazarse.

A través de las pruebas que soporta la pareja,  “El regreso de las golondrinas” (1) nos habla de un mundo en vías de desaparición, de las desigualdades y las injusticias en la China del presidente Xi Jinping, que se ha abierto a los mercados internacionales y se ha colocado bajo el imperio del dinero (asistimos a distintas transacciones financieras)  mientras las personas continúan sometidas a una férrea dictadura, que se manifiesta en la censura cultural y la persecución policía de la disidencia.

“El regreso de las golondrinas” es una película espléndida que el realizador ha rodado en su provincia natal de Gansu con un casting de familiares y amigos,  que consigue sacar toda la belleza posible al amor poético de la pareja de campesinos, a su ternura y solidaridad,  y plasmar la realidad de los desheredados, cuya vida marcada por la tragedia escapa a su control,  y la estrecha relación que mantienen con la tierra. Quizá la principal virtud de esta película sea mostrar cómo se va desarrollando naturalmente la relación entre los dos personajes,- los actores Wu Ren Lin y Hai Qing-  como se van acercando a medida que se conocen, que se producen cambios en el entorno hostil en que iniciaron la vida en común. Pobres y atrapados en el lugar en que nacieron y en una forma de vida tradicional, Ma y Cao trabajan para mejorar su suerte, luchan durante toda su vida

·         “Hay algo muy hermoso en ‘El regreso de las golondrinas’ ((traducción que parece contradecir el original en inglés ‘Return to Dust’) que tiene que ver con la delicadeza, casi propia del cine silente, con que retrata el callado amor que nace entre dos marginados en la China vaciada” (Fotogramas). 

 

(1) “El regreso de las golondrinas” se encuentra en las pantallas madrileñas desde el pasado viernes 14 de julio de 2023

“El caso Braibanti”: el realizador Gianni Amelio recupera un proceso por homosexualidad que conmocionó a Italia en 1968

  

“Creía que era culpa, era solo valor (…) He escrito amor y lo he borrado. He escrito Tu”

 

 

“Ligeramente inspirada en hechos reales”, la película “El caso Braibanti” (Il signore delle formiche”), del realizador italiano Gianni Amelio (“Puertas abiertas”, “Ladrón de niños”, Gran Premio del Jurado en el Festival de Cannes;  “Lamerica”, Premio al Mejor director en el Festival de Venecia; “Así reían”, León de Oro en Venecia 1998) cuenta la historia de Aldo Braibanti, el intelectual italiano que en los años ’60 fue perseguido en su país por haber supuestamente "lavado el cerebro" a uno de sus alumnos. Un caso que conmocionó a toda Italia y que generó toda suerte de opiniones. A favor de Braibanti se movilizaron grandes figuras del país como Pier Paolo Pasolini, Marco Bellocchio o Umberto Eco.

En base a la ley fascista  sobre el “lavado de cerebro”, un tribunal romano condenó, oficialmente por “plagio psicológico” pero en realidad por homosexualidad, a finales de la década de 1960, al dramaturgo y poeta Aldo Braibanti a nueve años de cárcel –que en la apelación se redujeron a seis-  por “someter la voluntad” de uno de sus alumnos.  La película “El caso Braibanti” –que lleva el subtítulo de “El señor de las hormigas”, ya que su protagonista estaba especialmente interesado en estudiar los aspectos más sociales de esos insectos- es un emocionante drama judicial centrado en  el proceso del intelectual y en la figura del periodista del diario comunista L’Unità, que se comprometió en la reconstrucción de la verdad, enfrentándose al poder y a la poderosa censura existente.

 

Como consecuencia del amor entre Braibanti y un estudiante que acaba de alcanzar la mayoría de edad, por voluntad de su familia y para “curar” su homosexualidad,  el chico fue internado en una clínica psiquiátrica y sometido a continuas y devastadoras sesiones de electroshock, que explican descarnadamente el papel que desempeñaron algunas instituciones en la Italia post-fascista que se estrenaba como República y todavía se recuperaba de las consecuencias de la Segunda Guerra mundial. El largometraje, protagonizado por Luigi Lo Cascio (“Los cien pasos”, “Nuestros mejores años”)  en el papel de Braibanti y Elio Germano (“Leopardi: el joven fabuloso”, “Mi hermano es hijo único”), como el periodista,  junto al joven debutante Leonardo Maltese,  invita a la reflexión al denunciar algunas formas de pensamiento antediluviano que parecían superadas pero  lamentablemente están renaciendo en varios países, incluido el nuestro,  de una Europa que no consigue desembarazarse completamente de muchos prejuicios heredados. Un pasado de discriminación y odio que, a pesar de los innegables avances conseguido en materia de protección a las minorías LGTBI+, nos espera a la vuelta de muchas esquinas y lo leemos frecuentemente en las páginas de sucesos.

 

Historia de discriminación y valor, “El caso Braibanti” (1) recorre los aspectos humanos de un proceso que no fue solo judicial; también político y una referencia cuando, trece años más tarde, quedó abolido el delito de “plagio”.

Gianni Amelio tenía 23 años cuando en 1968 asistió a una de las audiencias del proceso contra Aldo Braibanti, acusado de “plagio” porque el código penal italiano no contemplaba el delito de homosexualidad. Para él  “Quizá esta película sea la cosa más bella que he hecho (…) en realidad es una gran historia de amor entre un hombre y un chico (…)”. En un fotograma aparece la ex senadora y ex comisaria europea Emma Bonino como  “un homenaje al Partido Radical que desde siempre se ha manifestado en defensa de los Braibanti”.

 

(1) “El caso Braibanti” se estrena en Madrid el próximo viernes, 14 de julio de 2023.

 

 

 

"Misión: Imposible- Sentencia Mortal Parte I": Séptima entrega de una saga a la mayor gloria de Tom Cruise

« Blockbuster estival à contracorriente, la primera parte del séptimo episodio de la saga de gran presupuesto, reposa incansablemente en los hombros de Tom Cruise que esta vez se enfrenta a una inteligencia artificial imbatible (…) Cada nuevo episodio le acerca un poco más al final ». (Libération)

 

 

 

Siempre más fuerte, más alto, más loco, más arriesgado. En esta primera parte de la séptima entrega de las misiones imposibles, Ethan Hunt (Tom Cruise) y su equipo del FMI, se embarcan en la misión más peligrosa hasta la fecha consistente en  localizar, antes de que caiga en manos equivocadas, una nueva y terrorífica arma que amenaza a toda la humanidad. En esta tesitura, y con unas fuerzas oscuras del pasado de Ethan acechando, comienza una carrera mortal alrededor del mundo en la que está en juego el control del futuro y el destino del planeta. Enfrentado a un enemigo misterioso y todopoderoso, Ethan se ve obligado a considerar que nada puede anteponerse a su misión, ni siquiera las vidas de aquellos que más le importan.

 

Dirigida por Christopher McQuarrie (“Sospechosos habituales” y cuatro de las “misiones” anteriores), autor del guión junto a Erik Jendresen y basada en la serie televisiva homónima, esta última (por el momento) entrega de las misiones imposibles, en cuya producción interviene el propio Tom Cruise, son tres entretenidas horas de testosterona y adrenalina a partes iguales, ideales para un cine de verano en cualquiera de las tórridas noches que nos esperan.

 

Junto a Tom Cruise (, “Nacido el 4 de julio”, “Outiusiders”, “La momia”, “Top Gun”) forman parte del reparto sus compañeros en anteriores misiones Hayley Atwell (“Agent Carter”, Captain America”, “cenicienta”), Ving Rames (Pulp Fiction”), Simon Pegg (“Star Treck”), Vanessa Kirby  (“The Son”, “Napoleón”), Esai Morales (“Bad Boys”), Pom Klementieff (“Los guardianes de la galaxia”, “Los vengadores”),  Henry Czerny (“Revenge”) y un largo etcétera en el que hemos visto algunas reapariciones:  Mariela Garriga (“Golden Men”), Shea Whigham, Greg Tarzan Davis, Charles Parnell, Frederick Schmidt, Cary Elwes, Mark gatiss, Indira Varma, Rob Delaney…

 

 

El rodaje de “Misión Imposible. Sentencia mortal Parte I” (1), cuyo estreno estaba previsto para 2020, se vió alterado por la pandemia de Covid 19, lo que explica los tres años de retraso. En este episodio, una vez más el agente del FMI tiene arreglar cuentas con su pasado y será quien salve a la humanidad de una enésima amenaza al tiempo que protege su vida y la de sus fieles compañeros y busca desesperadamente la mitad de una llave que acciona una nueva y misteriosa arma dotada –los nuevos tiempos obligan- de inteligencia artificial.  

Nada nuevo en una película que atrapa y que, como dijo Steven Spielberg en el almuerzo organizado para decidir los nominados a los Premios Oscar del año pasado, forma parte del lote de las que pueden salvar la supervivencia de las salas de cine, muy afectadas por la pandemia y sus secuelas, al reunir todas las características necesarias para juntar a varias generaciones de espectadores que van a disfrutar con esta película en la que impera la igualdad: las mujeres que acompañan a este héroe del siglo veintiuno en su recorrido por el planeta tierra –impagable la carrera de coches por las callejas de la Roma más ancestral a bordo de una cinquecento (Fiat 500) amarilla- son muy “masculinas”: duras, misteriosas, glamurosas, fieles, leales  y  vengativas.  

En realidad, las tres horas de esta película que el espectador va a disfrutar sin moverse, son como una puesta al día de las historias que en el siglo veinte protagonizaba el agente del MI6 Bond, James Bond: también el agente del FMI es un hombre insolente, solitario y eternamente joven (a pesar de que Tom Cruise ya pasa de los sesenta)  con virtudes y defectos; aunque en este caso hace mucho tiempo que renunció a tener una vida personal, aspecto que le diferencia de su ancestro que tanto disfrutaba de los placeres de una vida a cuenta de las arcas del imperio británico.

Además del paseo sobre cuatro ruedas por el mapa de Roma, la infernal carrera contrarreloj que ejecutan el agente y sus amigas y enemigos -un grupo de personas en eterno movimiento capaz de pegar al espectador a su butaca-  pasa por el aeropuerto y el desierto de Abu Dabi, los carnavales de una Venecia nocturna que resplandece, las encrucijadas de París y las montañas de Noruega o los Alpes austriacos Casi tres horas de la última misión imposible que volverá a poner de actualidad el cine de gran espectáculo “a base de tomas reales (recordar que Tom Cruise, en la apoteosis de una carrera que empezó siendo muy joven,  se sigue doblando a sí mismo en las escenas peligrosas -colgado de un avión en vuelo, saltando espectacularmente desde una montaña hasta un tren en marcha- a diferencia de las otras historias de superhéroes repletas de efectos especiales a base de mucho ordenador, realizadas en su mayor parte en los estudios) y adrenalina pura”.

Para saber si el agente Ethan Hunt conseguirá finalmente salvar a la humanidad del último peligro en acecho habrá que esperar al verano próximo: en 2024 llegara la segunda parte de “Misión imposible. Sentencia mortal”.

(1) “Misión imposible. Sentencia mortal Parte I » podrá verse en las salas obscuras de Madrid el próximo viernes 14 de julio de 2023.

 

“El origen del mal” de Sébastien Marnier: una extraña familia

En una lujosa villa junto al mar, una modesta joven encuentra una extraña familia: un padre desconocido y muy rico; su caprichosa esposa; su hija, una ambiciosa empresaria; una adolescente rebelde que fotografía todo y una inquietante sirvienta que también hace de chofer para el padre desde que sufrió un  ictus. .Todas mujeres, todas arquetipos. Alguien está mintiendo. Entre sospechas y mentiras, el misterio se instala y el mal se extiende

Laure Calamy (A tiempo completo, Call my agent) Doria Tillier (La belle époque), Dominique Blanc (La reina Margot), Jacques Weber (Cyrano de Bergerac) y Céleste Brunnquell (En terapia) protagonizan esta historia en la que la mentira es la protagonista y la duda, hasta de la propia identidad, se cierne sobre las cabezas de todos sus personajes.

"El origen del mal” –ha dicho el director Sébastien Marnier (“Irreprochable”, “La hora de la salida”)- está inspirado en mucha gente que conozco. Es una película sobre la familia en la que todos juegan un papel, por lo que también es una película de actores. Sus personajes forman una buena alineación de monstruos La película habla del fin del patriarcado y la idea era, efectivamente, que sólo hubiera mujeres en la película aparte de este origen del mal: el padre”. 

Descubrimos a todos estos inquietantes personajes a través de Stèphane (Laure Calamy), quien reparte el tiempo entre su trabajo en una fábrica de conservas y sus visitas a la cárcel, donde se encuentra internada su pareja (Suzanne Clément), por motivos que ignoramos. Cuando la dueña de la casa donde se aloja le dice que tiene que marcharse porque necesita la habitación para su hija, que regresa, Stèphane se pone en contacto con Serge, el padre que no ha visto nunca (Jacques Weber), y descubre que es un rico empresario de la Costa Azul. En el maravilloso paisaje de la isla de Porquerolles, Stèphane conoce al resto de los habitantes de una casa inmensa atiborrada de objetos y colecciones: mientras que la actual mujer de Serge (Dominique Blanc) la acoge cariñosamente, su hija George (Doria Tillier) ve con malos ojos la llegada de una intrusa que podría entrometerse en su existencia de joven empresaria que, poco a poco, se va adueñando de los negocios de un padre al que tiene la idea de inhabilitar.

Todas las mujeres que rodean a Serge, un hombre seductor en decadencia, experimentan celos unas de otras. Junto a un deseo de venganza por sus repetidas infidelidades, hay en ellas una suerte de insensibilidad respecto a su estado de salud, “parecen mantis religiosas esperando la ocasión de poder decapitar al macho”. Mientras, la recién llegada Stèphane le observa con admiración y le ofrece el cariño que las demás le niegan, al tiempo que va descubriendo la verdad sobre los motivos que mueven a los demás personajes.  

Thriller psicológico sobre la toxicidad de las relaciones familiares, comedia negra tortuosa,  « El origen del mal » -que para el espectador es un misterio y que realmente puede estar en todos y cada uno de los personajes de esta historia complicada en la que todos se observan, y todos desconfían-  es un intento de desentrañar los secretos que esconden todos ellos, las luces y las sombras que los dibujan. “Para mi –dice la hija de Serge a Stéphane- la familia es lo peor que hay en el mundo. Es como un veneno en la sangre, que contamina y que hace enfermar”. En efecto, en esta película ambigua que se mueve entre el drama y la comedia familiar- el fin justifica los medios y la relación “de sangre” es fuente de hipocresía, traición y manipulaciones:

 

(1) « El origen del mal » se estrena en los cines de Madrid este viernes 7 de julio de 2023.

“Reposo absoluto”, nada nuevo en el terror sobrenatural

Un thriller psicológico aterrador del modelo “casa habitada”, una situación claustrofóbica de las que llevan a preguntarse por qué los personajes aterrorizados en las películas nunca caen en la cuenta de que podrían encender la luz para terminar con sus pesadillas.

En cualquier caso, “Reposo absoluto” va de una mujer joven llamada Julie, o Jules depende de quien la llame, que interpreta la actriz Melissa Barrera, embarazada de nuevo tras haber perdido años atrás a su primer hijo, fallecido durante el parto, que además está supervisando las obras de la casa nueva a la que acaba de mudarse junto con su marido. Cuando el médico le recomienda guardar reposo absoluto, Julie comienza a tener una serien de experiencias aterradoras, que la obligan a enfrentarse al pasado. Julie no sabe si las visiones que tiene son reales o solo existen en su cabeza. Mientras que quienes la rodean –pocos personajes, el marido, un médico y una especie de cuidadora- ponen en duda su salud mental, ella está ocupada en combatir sus demonios para protegerse y proteger al niño que espera.  

Dirigido por Lorin Evans Taylor,  debutante en la realización con esta historia basada, al parecer, en la experiencia personal de un largo período de descanso obligado, “Reposo absoluto” (1)  es una película más que previsible que no aporta nada a un género excesivamente tratado por el cine que acude a los festivales especializados en la fantasía y el terror.

 

(1) “Reposo absoluto” se estrena en los cines madrileños este viernes 7 de julio de 2023.

« Liuben », un thriller gay en la Bulgaria actual

 

«Liuben» (1), sobre el amor entre un universitario y un gitano en un pueblo búlgaro de nuestros días,  que tuvo su estreno mundial el pasado mes de junio en el Festival de Guadalajara (México), es la primera película abiertamente gay rodada en Bulgaria con coproducción  española. Opera prima del búlgaro residente en Madrid venci D. Kostov, cuenta en el reparto con algunos actores roms (gitanos de Centroeuropa) - Dimitar Nikolov (Víctor), Bozhidar Asenov (Liuben), Dimitar Banenkin (Kaloyán), Stoyan Radev (Milén), Stefan Denolyubov (Dimitar)- y con el icono de los actores trans españoles Antonia San Juan.

Tras obtener un Grado en Arquitectura, Victor, búlgaro de 27 años y residente en Madrid, regresa desde España a la casa de su infancia en Bulgaria para asistir el funeral de su abuelo –quien está de cuerpo presente con un monumental cirio encendido entre las manos (para gustos, costumbres)- y  decide quedarse durante el verano. Mientras vuelve a conectar con un padre racista y la forma de vida del pueblo, inesperadamente encuentra el amor en Liuben, un chico gitano de 18 años que vive en un orfanato y sueña con tener una peluquería “en el extranjero” y un hijo que vaya a la Universidad. A pesar de sus diferencias y los conflictos que los rodean, Víctor y Liuben  encuentran refugio el uno en el otro, en medio de una trama que los va envolviendo por la decisión de la novia de Liuben sobre lo que hará con el hijo de ambos cuando nazca.

 

Venci D. Kostov, el director de este honesto drama -muy interesante por lo que tiene de choque de culturas y de reivindicación del amor entre dos hombres  en uno de los países más atrasados de Europa, y bastante deslavazado- nació en Bulgaria en 1987 y reside en España desde 1999. Licenciado en ciencias de la Comunicación  por la Universidad de Málaga debutó en el cine con el premiado cortometraje “El hijo” (2012). Posteriormete dirigió la serie “Entre Olivos (2017, Canal Sur) y codirigió el documental “La Zaranda, teatro inestable” (2020) seleccionado en el Festival de Málaga. 

 

 (1) “Liuben” se estrena en las pantallas madrileñas el jueves, 6 de julio de 2023.

 

 

"EL ZORRO" de Adrian Goiginger, un hermoso canto a la amistad entre un soldado y una cría de zorro

“Una pequeña joya de la que debemos hablar”.  (Cineuropa)

 

“El zorro” (Der Fuchs),  narra la historia real del bisabuelo del  realizador, Adrian Goiginger (“El mejor de todos los mundos”, “Above the world”), durante la Segunda Guerra mundial. Nominada a cinco de los grandes Premios del cine austriaco, entre ellos el de Mejor Director y Mejor Protagonista, es el tercer largometraje del  director y está protagonizado por Simón Morzé, Adriane gradziel. Alexander Beyer y Marko Kerezovik.

Franz Streitberger, bisabuelo del realizador de “El zorro” habló durante años a su bisnieto sobre su infancia y su trabajo en la Wehrmacht de las Fuerzas Armadas de la Alemania Nazi. Un día le contó cómo encontró un pequeño cachorro de zorro que se convirtió en su inseparable compañero durante gran parte de la guerra. El cineasta decidió que tenía que llevar a la pantalla el emocionante relato de aquella historia de profunda amistad y supervivencia entre el joven soldado y el zorrezno; casi un cuento al que llevaba dando vueltas desde que tenía 14 años. .  

Al final de la década de los años 1930, el introvertido soldado Franz Streitberger (interpretado por Simon Morzé) hace de mensajero motorizado para el ejército austriaco, que muy pronto sería englobado en la Wehrmacht alemana, tras la anexión de Austria en 1938. Al comenzar la segunda Guerra mundial, Franz encuentra una cría de zorro herida, que se encuentra junto a su madre atrapada en una trampa mortal.  Decide curarle y ocuparse del animal como si se tratara de un hijo.

Gracias a su amistad con el zorro va recordando su pasado de hijo de granjero (la destacada interpretación del niño corre a cargo del actor debutante Maximilian Reinwald) en una familia numerosa en constante lucha por la supervivencia, al que su padre entrega a otro granjero más rico, que se ocupa de alimentarle y llevarle a la escuela, y para el que ha estado trabajando hasta cumplir la mayoría de edad. Cuando a Franz le destinan al frente ruso, el soldado y el zorro emprenden juntos un peligroso viaje que les llevará hasta la Francia ocupada.  

 

Hermosa y emotiva aventura de la amistad entre un joven y un pequeño animal destinado a crecer salvaje, que resultó herido cuando unos cazadores se llevaban a su madre. Son dos huérfanos que unen sus destinos con el telón de fondo de las atrocidades de la guerra y la invasión alemana de distintos pueblos europeos

 

“El zorro” (1) es una parábola sobre la amistad, el amor y los buenos sentimientos, que cuenta con una excelente interpretación del joven actor Simon Morzé en el papel del granjero convertido en soldado introvertido y cariñoso, que permaneció leal al ejército nazi en el que se había alistado para asegurarse tres comidas diarias y un empleo vitalicio. Sin establecer ningún  juicio sobre el comportamiento de su antepasado, que no parece ser consciente de donde se encuentra, el realizado Goiginger muestra los aspectos más sombríos de algunos miembros de su familia, una perspectiva en la que parece estarse especializando: en su primera película, “El mejor de todos los mundos”, realizada con 26 años, se ocupaba del caso de su madre toxicómana.

 

(1) “El zorro” se estrena en los cines madrileños el viernes 7 de julio de 2023..