“Rojo” de Benjamín Naishtat, la dictadura es exactamente lo que parece

Escrita y dirigida por el argentino Benjamin Naishtat ("Historia del miedo"), fue una de las grandes triunfadoras de la pasada edición del Festival de San Sebastián: Ganadora de la Concha de Plata a la Mejor Dirección, la Concha de Plata al Mejor Actor, Darío Grandinetti, y el Premio del Jurado a la Mejor Fotografía, “Rojo”, un thriller ambientado en la Argentina de los años 1970,  ha participado después en el Festival de Tornoto (TIFF) y en el Festival Internacional de Barcelona Sant-Jordi (BCN Film Fest).  

A mediados de la década de los ’70, cuando Argentina atravesaba una de ls peores épocas de su historia reciente, en el interior de un restaurante y sin motivo aparente un hombre ataca a Claudio (Dario Grandinetti, “El lado oscuro del corazón”, “Habla con ella”, “Relatos salvajes”, un reconocido abogado.  La gente que se encuentra en el local apoya al abogado y el agresor s expulsado. Más tarde y camino de casa, Claudio y su mujer, Susana, son interceptados por un desconocido, determinado a cobrarse una terrible venganza. El abogado emprende entonces un camino sin retorno.

Cine negro y crónica  social, “Rojo” es el segundo largometraje del joven realizador argentino Benjamín Naishtat (el anterior, “Historia del miedo”, tambiñn cosechó aplausos internacionales). Ambientado en 1975, un año clave en la historia del país cuando, en vísperas del golpe de estado–levantamiento cívico-militar que, el 24 de marzo de 1976 depuso a la presidenta, María estela Martínez de Perón, y estableció una Junta Militar presidida por el teniente general Jorge Videla, el almirante Emilio Eduardo Massera y el brigadier Orlando ramón Agosti; una dictadura terrible y muy cruel que permaneció en el poder hasta diciembre de 1983).  

Durante los meses que precedieron al glpe de estado se promulgaron los llamados Decretos de aniquilamiento, con el fin de que el ejercito aniquilase (palabra escogida con total intención para demostrar la firmeza del gobierno) cualquier manifestación o intento de  acción subversiva. Según los datos oficiales, ese mismo año desaparecieron unas 350 personas en el país.

La historia, escrita por el realizador, transcurre en la aparente tranquilidad de un lugar pequeño con la violencia contenida en esa micro-sociedad, que puede estallar en cualquier momento y casi con cualquier excusa, por insignificante que parezca, es una denuncia de los comportamientos que propicia la dictadura, un tema ya abordado en anteriores ocasiones por el cine argentino, que aquí parte de una anécdota muy representativa: “la familia de Claudio recibe a unos amigos, mientras todos toman una infusión la taza de la mujer solo contiene agua. En lugar de reconocer que en ese momento no le apetece el café (o lo qu sea) ella lo justifica alegando que es socialmente obligatorio tomar algo con los amigos, en su caso agua, para hacer como todos los demás. Y justo eso es lo que Claudio y su familia van a establecer como forma de comportamiento”.

En todo el país están desapareciendo personas y hay gente que se comporta como nunca lo hubiera hecho en otra situación. La aparición de un inquietante detective (Alfredo Castro, actor chileno, “Tony Manero”, “El Club”, “Neruda”), ex policía y “tertuliano” televisivo (¿por qué me inquieta tanto, por qué lo identifico en mis recuerdos con el encarcelado Villarejo?) demuestra la tesis de que se pueden resolver las desapariciones pero nunca aparecerá un culpable: “a partir de 1975, en Argentina no se resolverá casi ningún asunto de esa naturaleza, y en la mayoría nunca se encontrarán responsables”.

“El gran Buster”, homenaje a uno de los creadores de la comedia cinematográfica

En el documental “El gran Buster” (“The Great Buster. A Celebration ») el realizador estadounidense  Peter Bogdanovich sigue la vida y la carrera Buster Keaton,  uno de los más prolíficos e influyentes actores y realizadores del Hollywood más temprano. Mediante soberbias restauraciones de archivos de la familia Keaton, nos presenta a un artista visionario que tuvo como misión hacer reír a los espectadores de todo el mundo con películas increíblemente maravillosas como “El moderno Sherlock Holmes”, “El maquinista de la General”  o “El héroe del río”, y tantas otras.

Mientras las imágenes nos devuelven toda la magia de Keaton en la gran pantalla –una vida de 71 años en la que protagonizó 63 largometrajes, y dirigió la mayor parte de ellos- una serie de entrevistas de amigos, familiares, colaboradores y admiradores  -Quentin Tarantino, Mel Brooks, Werner herzog, Jon Watts, Dick Van Dyke, Richard Lewis…­- van describiendo un personaje complejo cuya trayectoria va muchos más allá de la comedia y atraviesa toda la historia del cine, desde el mudo de sus comienzos hasta la actualidad.

“El Gran Buster” llega a los cines españoles encuadrado en la programación de “Visiones de cine”, una serie de seis películas documentales, nuevas e inéditas, pensadas para ayudar a las nuevas generaciones a entender mejor el séptimo arte de la mano de personajes ilustres de ese mundo, que han ido saslpicando el verano de 2019.

De Buster Keaton (Joseph Frank Keaton Junior, « buster » es un apodo que puede significar tanto « colega » como « temerario », a cuenta de la especialidad del actor en caídas y golpes de todo tipo, una constante del cine mudo)  se ha dicho que no sonreía nunca en la pantalla pero que a lo largo de su carrera  hizo reír a millones de espectadores. Estamos hablando de una de las grandes figuras de los inicios del cine, de alguien que con frecuencia arriesgaba su vida en obras de arte, en una carrera abundante en títulos  asombrosos.  A pesar de los sucesivos reveses, causados fundamentalmente por un alcoholismo arrastrado desde sus años jóvenes, y un final de carrera agridulce ( en el que se dedicó a hacer publicidad), su filmografía sigue triunfando un siglo después.

“El gran Buster” es un vibrante homenaje al talento y el valor de un artista que durante un tiempo fue « el otro Charles Chaplin »: aunque sus trayectorias son muy diferentes y solo coinciden en una película (“Candilejas”), sus inicios se parecen mucho y se confunden con el nacimiento del cine como espectáculo de masas. Meticuloso, el realizador Peter Bogdanovich consigue hacernos soltar la carcajada cien años después con las ocurrencias, en cortos y largometrajes, de quien entre 1923 y 1928 alcanzó la cima artística a base de saltos, caídas y una serie de gags cómicos que rozan la perfección (para no olvidar la escena, repetida al menos en dos películas, de la pareja en el coche que queda atrapado en las vías del tren). 

De forma cronológica, desde los primeros pasos de un Keaton de cuatro años que se cuela en las interpretaciones de sus padres, artistas de vodevil, hasta la genialidad del cineasta que aprovecha las infinitas posibilidades del cine mudo para realizar todo tipo de proezas visuales, con su correspondiente secuela de roturas de huesos, conmociones cerebrales, quemaduras, etc. en escenas de las que la mayoría de las veces solo se hacía una toma. Bogdanovich demuestra ser un auténtico devoto al encadenar con maestría la parte biográfica con los grandes títulos de una dilatada carrera y, sobre todo, con escenas de su obra maestra por excelencia, “El maquinista de la General”, una “comedia negra sobre la Guerra de Secesión, realizada cuando ni siquiera existía el género”. 

Mick Jagger protagoniza la película que clausurará la Mostra de Venecia

Jagger en una escena de "The Burnt Orange Heresy"

Casi veinte años después de su última aparición en una película  -“The Man from Elysian Fields”(Las almas perdidas), de George Hickenlooper- la estrella británica del rock, Mick Jagger, regresa al cine: el sábado 7 de septiembre estará en la sesión de clausura  de la Mostra Cinematográfica de Venecia para presentar el estreno mundial de  “The Burnt Orange Heresy”, un thriller dirigido por el italiano Giuseppe Capotondi ambientado en el mundo del arte. 

Adaptación de la novela del mismo título del estadounidense Charles Willeford, en el reparto figuran también el canadiense Donald Sutherland (“Casanova” de Fellini, “Novecento”, “Los juegos del hambre”, “La mejor oferta”) el danés Claes Bang (“The Square”, “Millenium: lo que no te mata te hace más fuerte”) y la australiana Elizabeth Debicki (“Vita y Virginia”),.

Mick Jagger, el carismático líder del grupo Rolling Stones, que el pasado 26 de julio cumplió 76 años,  reanudó el 21 de junio, en Chicago, la gira americana  « No Filter Tour”, interrumpida dos meses antes a causa de una intervención quirúrgica para reemplazarle una válvula cardíaca, que está previsto finalizar el próximo 31 de agostio en Miami.  En la película interpreta a un rico coleccionista de arte obsesionado por la obra de un pintor solitario, al que quiere sustraer una de sus obras maestras.

A lo largo de sus más de sesenta años de carrera musical, Mick Jagger ha participado en una decena de largometrajes, así como en el documental “Shine a Light”, realizado en 2008 por Martin Scorsese, como homenaje a los Rolling Stones.  

El músico, que antes de subirse a los escenarios estudió en la London School of Economics y que , según el diario The Guardian, posee una fortuna estimada en 260 millones de libras (unos 288 millones de euros), tiene ocho hijos, el más pequeño de dos años y medio, cinco nietos y una biznieta

29 de julio de 2019: a partir de hoy los habitantes del planeta vivimos a crédito

Es una fecha simbólica, se conoce como el “Día del agotamiento”, de la “superación” ("Earth overshoot day"): en cristiano, se trata del día en que los hombres hemos agotado todos los recursos naturales que la tierra tenía previsto renovar en el año 2019, lo que supone que viviremos “a crédito” hasta el 31 de diciembre, cuando el calendario se vuelva a poner a cero.

Para calcular la fecha, la ONG estadounidense Global Footprint Network (FN) tiene en cuenta la impronta de carbono, los recursos concumidos en la pesca, la ganadería, los cultivos, la construcción y la utilización del agua.  En esta ocasión, la fecha llega dos meses antes que hace veinte años, según los cálculos de GFN, que en su comunicado advierte que “la  humanidad utiliza actualmente los recursos ecológicos 1,75 veces más deprisa que la capacidad regenerativa de los ecosistemas. Estamos desgastando el capital natural de nuestro planeta, mermando su futura capacidad regenerativa”. En 1997, el planeta agotó sus recursos el 12 de noviembre; el 1987 fue un mes antes, el 12 de octubre; en 1997, el 30 de septiembre y hace doce años, en 2007, los recursos se agotaron el 15 de agosto.

Naturalmente, no todos los países alcanzan idéntico nivel de consumo, de hecho existen enormes desigualdades entrre unos y otros : « Qatar agota sus recursos en 42 días mientras que Indonesia los consume en 342 », asegura en otro comunicado WWF (Fondo Mundial para la protección del medio ambiente), qu colabora con GFN en esta campaña : « Si todo el mundo, por ejemplo, viviera como los franceses necesitaríamos 2,7 planetas como la Tierra, y 5 si todos viviéramos como los estadounidenses”.  Las dos organizaciones recuerdan que “la naturaleza no es un yacimiento del que podamos sacari9ndefinidamente”, y que las consecuencia de este superconsumo de los recursos disponibles tiene consecuencia que ya son visibles. “Escasez de agua, desertificación, erosión de los suelos, caída de la productvidad agrícola y de las reservas de pescado, deforestación y desaparición de especies” vegetales y animales.

Aunque no todo es pesimismo. Si creemos a WWF y Global Footprint Network, todavía « es posible invertir la tendencia”. En 2016 constataban que “las emisiones de CO2 relacionadas con la energía llevan varios años sin aumentar, lo que se explica en parte por el desarrollo de las energías renovables en electricidad”.

En Polonia, ofensiva anti LGTBI: en todas partes cuecen habas

Pegatinas anti LGTBI

En medio de la campaña contra el colectivo LGTB+, emprendida a principios de julio por una treintena de entidades territoriales polacas, Gazeta Polska, uno de los periódicos de la extrema derecha, regaló con la edición del 24 de julio de 2019 una pegatina con un arcoiris barrado en la que puede leerse « zona libre de de LGTB+ », con el objetivo de que los comerciantes lo peguen en sus escaparates. (El + de LGTB se utiliza en varios países europeos  para significar todas las variantes de género que existen o puedan existir).

Como respuesta, la versión polaca de Newsweek en colaboración con la Campaña contra la Homofobia (KPH) ha regalado una serie de pegatinas con el lema “zona libre de odio”, según la información publicada en el digital The Conversation (con licencia Creative Common, https://theconversation.com/en-pologne-loffensive-anti-lgbt-illustre-un-incroyable-renversement-de-valeurs-120770).

Pegatina por un espacio libre de odio

“Dificil –dice el artículo reproducido  por el digital francés Slate- no establecer una relación entre las pegatinas anti-LGTB+ y los carteles «Nur für Deutsche» («solo para alemanes») que adornaron los establecimientos públicos polacos hace más de setenta años, cuando las personas « no arias » -judíos y polacos- tenían prohibido el acceso a algunos lugares bajo la ocupación alemana”.  

Es verdad que la analogía con la ocupación nazi  puede parecer exagerada, los comercios que hoy exhiben la pegatina no niegan sistemáticamente la entrada a las personas LGTB+, pero los adhesivos y el discurso que subyace indican la existencia de ese ambiente odioso propicio al rechazo físico y social, en un país donde existen seis partidos de derecha: uno de ellos, el ultraconservador Ley y Justicia, en el gobierno, particularmente poderoso, presenta a los militantes LGTB+ y a quienes defienden sus derechos como “seres completamente ajenos al corpus social polaco, agentes que representan intereses “izquierdistas” de un lobby mundial que forman parte de un complot contra la cultura polaca (…) Un discurso que se parece peligrosamente al utilizado por otras ultraderechas europeas, incluida la española de VOX, y que desgraciadamente ya ha dado sus frutos en la primera marcha del orgullo, organizada el 20 de julio en Bialystok, donde los participantes tuvieron que enfrentarse a sesenta contra-manifestaciones, en un recorrido en el que imperó el miedo.

Esta violenta oleada de actuaciones contra las minorías sexuales en Polonia se apoya en una jurisprudencia reciente. En 2016, un impresor de Lódz se negó a llevar a cabo el encargo de una organización LGTB+ local, argumentando que iba en contra de sus convicciones cristianas (probablemente católicas). El cliente, la Fundación LGTB+ Business Forum, le denunció y el impresor fue condenado hasta tres veces por « negarse a prestar un servicio sin justificación” (art. 138 del Código). A petición del Ministro de Justicia, Zbigniew Ziobro, el Tribunal Constitucional ha dictaminado sobre el caso, anulando el 14 de junio de 2019 las sentencias anteriores y dando la razón la impresor. (Algo similar ocurrió en estados Unidos cuando, en junio de 2018, el Tribunal Supremo sentenció, apoyándose en la libertad de ejercer sus creencias religiosas,  que un pastelero estaba en su derecho al negarse a vender una tarta de cumpleaños a una pareja homosexual).

En Polonia, los medios de comunicación próximos al gobierno han defendido públicamente a un empleado de Ikea, despedido por haber escrito en el foro de la empresa pasajes homófobos de la Biblia ( en concreto, Lévitico 20:13 y Mateo  18:6).  En un documento de la Conferencia Episcopal Polaca sobre el apostolado seglar, dedicado a “la imposición de las ideologías LGTB” se explica entre otras cosas, que las minorías sexuales “merecen respeto  ellas deben respetar a los demás y ser tolerantes y menos agresivas”. El documento, que no define lo que entiende por “ideología LGTB”, la señala sin embargo “como una amenaza, un espantapájaros”; paradójicamente, la conferencia episcopal sitúa en el mismo plano las llamadas al asesinato (los pasajes de la Biblia) y las llamadas a la aceptación de las personas LGTB+, porque ambaas son “expresión de una opinión”. Los medios conservadores hacen suyo el texto bíblico según el cual la homosexualidad “es algo abominable”, que se puede castigar con la muerte.

El caso de las pegatinas regaladas por el diario conservador es un aspecto más del discurso que airea el fantasma de una ideología LGTB+ venida de la Europa del Oeste y deshumanizada, cuyos representantes son enemigos de la cultura polaca y católica. “La noción de libertad  se encuentra instrumentalizada por organismos como la Fundación Mamá y Papá, autora en 2010 del informe ‘Contra la libertad y la democracia. Estrategia política del lobby LGTB en Polonia y en el mundo: objetivos, herramientas y consecuencias’, según el cual el objetivo del movimiento LGTB+ mundial sería ‘penalizar el llamado discurso del odio en razón de la orientación sexual’, introducir una ‘educación sexual’ en las escuelas orientada por militantes LGTB+, y dar a las parejas homosexuales acceso al matrimonio y la adopción”.

Teniendo en cuenta las similitudes del discurso homófobo en la Polonia ultraconservadora y en la recientemente destapada ultraderecha española (hasta ahora camuflada en la trastienda del PP), copio la totalidad del argumentario esgrimido por Gazeta Polska para explicar las pegatinas regaladas a sus lectores. Según el redactor jefe, Tomasz Sakiewicz, son «una respuesta a las demandas de nuestros lectores de la necesidad de oponerse a los ataques contra quienes piensan de manera diferente que los ideólogos LGTB+, un símbolo que hoy se identifica con la hoz, el martillo y la cruz gamada. Quizá tenga buenas intenciones, como las tenía la ideología comunista. Pero hay que pararles antes de que vayan demasiado lejos”.

El mismo, el mismo discurso que cruza el planeta en boca de los ultraderechistas,  “de Donald Trump a Jair Bolsonaro, de Matteo Salvini a Narendra Modi”...y a los portavoces de Vox (incluida esa señorita que no abre la boca pero sale en todas las fotografías exhibiendo como sin querer  una carpeta en la que se lee, en grande, “Por España”).

«303» de Hans Weingartner, un cuento de hadas para adultos

“Estar solos nos pone enfermos”, dice la encantadora Jule (Mala Emde, joven actriz de 23 años hija del reconocido artista multidisciplinar Thomas Emde, quien debutó en la gran pantalla en 2015 protagonizando  “Mi hija Anne Frank”).  Jule conoce también el remedio: “Una caricia suave mata las hormonas de la depresión”.

Suave, como esa caricia, sosegada y muy romántica, es la refrescante road movie alemana “303”, firmada por Hans Weingartner (“Free Rainer”, “Los edukadores”), un cuento que traza los rasgos de la generación, un poco perdida, de los milenials: adeptos de Google y las redes sociales pero desconfiados de la información servida por los medios de comunicación, viajeros, que no turistas, han estado en otros países y hablan varias lenguas.

Cuando Jule  -recién cateada en un examen de biología-  recoge al autoestopista Jan (Anton Spieker, 30 años, protagonista de varias series de televisión alemanas)  -que acaba de perder su beca para el siguiente curso en ciencias políticas-,  en su autocaravana (una auténtica casa rodante montada sobre un motor Mercedes 303 lo que da origen al palindromo del título) cree que el ser humano es, por naturaleza, empático y cooperativo; Jan, por su parte, piensa que somos genéticamente egoístas. Los dos estudiantes berlineses recorren media Alemania, pasan por Bélgica y Francia, llegan a Bilbao donde Jan esperaba  conocer a su padre biológico –un armador que fue la aventura de una noche de verano de su madre-, un sueño que se desvanece, y continúan hasta el pueblo portugués donde reside y trabaja el novio de Jule.

Una historia sobre la atracción de los contrarios con bucólicos paisajes de bosques,  la visita a un antiguo monasterio y a una cueva con pinturas rupestres,  y refrescantes escenas de chapuzones, en algún lago y río centroeuropeo y varias calas cantábricas. El nacimiento de un sentimiento afectivo que va surgiendo de la confrontación de puntos de vista sobre la política, la evolución de la humanidad y el amor. Jule y Jan – que perfectamente podrían pasar por hermanos, vestidos siempre en la misma gama de colores- hablan de socialismo y capitalismo, de cooperación y competencia, de fidelidad y lealtad. También recuerdan ese mantra que antes que ellos adoptaron otras generaciones: “los mejores se suicidan a los 27” (recordemos nosotros: Jimmi Hendrix, Janis Joplin, Jim Morrison, Amy  Winehouse… y el hermano de Jule, anterior propietario de la caravana).

«Quien me quiera que me siga», de José Alcalá: la hora de los seniors

Romance sentimental, no exento de tópicos,  en torno a un triángulo amoroso de sexagenarios que viven en un pueblo del sur de Francia.

No resulta  muy fácil sentir simpatía por los protagonistas de esta especie de comedia a la italiana, por estos tres « venidos a menos »; al final se consigue porque están llenos de encanto. Interpretados por  tres buenos actores -Daniel Auteil (“Jean de Florette”, “Una razón brillante »), Catherine Frot (“Marguerite”,« Dos mujeres ») y Bernard Le Coq (“Acordarse de cosas bellas”, « Caché »)-, dirigidos por el francés José Alcalá,  los personajes de “Quien me quiera que me siga” están empeñados en demostrar que la madurez también puede generar momentos de felicidad. Y de vez en cuando se agradece encontrar una visión optimista del presente.

La historia, escrita por el director en colaboración con Agnès Caffin y Antoine Lacomblez, gira en torno a Gilbert y Simone, un matrimonio que vive una conflictiva jubilación en un tranquilo pueblo. El enfado permanente del marido, la falta de dinero y la partida de Étienne (vecino y amante), empujan a Simone a abandonar su hogar. Es entonces cuando Gilbert se da cuenta de que está dispuesto a todo con tal de recuperar a su mujer, su verdadero amor.

En el género de “comedia popular”, que tanto éxito cosecha siempre en Francia, como en Italia o España, este tercer largometraje de Alcalá se sale un poco de los estereotipos habituales: la mujer, el marido y el amante son trabajadores (proletarios, dicen los franceses precisando) jubilados. Más que problemas morales lo que tienen son problemas de amor y dinero (y de la eterna soledad que nos persigue también cuando estamos rodeados de gente). Más que distinguirse del rebaño, lo que pretenden es escapar a lo que los demás les quieren imponer.

Irán: un año de cárcel para Mohammad Rasoulof, realizador de «Un hombre íntegro»

Mohammad Rasoulof

El realizador iraní Mohammad Rasoulof, ganador del premio Un certain regard  en el Festival de Cannes 2017 por « Un hombre integro » ha sido condenado a un año de cárcel: el gobierno fundamentalista de Hassan Rohani considera que la película premiada es « propaganda contra el régimen iraní » y « atenta a la seguridad del estado ».  

Mohammad Rasoulof tenía, desde septiembre de 2017, prohibido « cirlar » libremente, « trabajar y salir al extranjero » porque le habían confiscado el pasaporte. Ahora, tras someterse a incontables interrogatorios, el 23 de julio de 2019 le han condenado a “un año de cárcel más dos años de prohibición de salir del territorio y de dedicarse a cualquier actividad  social y política », según la información de la Agencia France Presse que reproduce la edición francesa del digital Huffington Post. 

ARP, la distribuidora francesa de la obra de Mohammad Rasoulof, de 47 años,  y la dirección del Festival de Cannes han pedido “la libertad inmediata y sin condiciones” y se han dirigido a “los festivales cinematográficos de todo el mundo, los distribuidores y los artistas” para que apoyen a “un realizador que, con su trabajo no ha cesado de contar la realidad de su país, enfrentándose a la censura impuesta por las autoridades  de su país”.

« Un hombre íntegro », en persa "Lerd", la película ganadora en Cannes 2017, cuenta la historia de un hombre de vida « ordinaria » que lucha contra la corrupción de una empresa que presiona a los habitantes de su pueblo para que le vendan sus propiedades. En 2011, Rasoulof consiguió también el premio Un certain regard con la película « Hasta la vista » (Bé omid é didar), que no pudieron entregarle porque tenía prohibido salir de la República Islámica: un año antes le habían detenido junto al también realizador Jafar Panahi y condenado a un año de cárcel por “propaganda y actividades contra la seguridad nacional” (en el mismo caso, Panahi fue condenado a seis años de reclusión por el mismo delito). En 2013, consiguió el Premio FIPRESCI con la película “Los manuscritos no se queman” (Dast-Neveshtehaa Nemisoozand ).

“La mirada de Orson Welles” de Mark Cousins

Encuadrada en el ciclo “Visiones de cine”, el documental “La mirada de Orson Welles”, presentada en la sección “Cannes classics” del último festival francés, donde consiguió una mención especial, está dirigida por el crítico y cineasta norirlandés Mark Cousins, prestigioso erudito y divulgador cinematográfico gracias a obras como la serie documental “La historia del cine: Una odisea” o el libro “Historia del Cine”, obra de referencia para todos los cinéfilos. 

Gracias a la recuperación de su archivo personal cedido por la tercera de sus hijas, Beatrice Welles (63 años, nacida de su matrimonio con la condesa italiana Paola Mori), Cousins nos enseña los dibujos, pinturas y obras de juventud de uno de los artistas más versátiles del siglo XX, ganador de numerosos premios, entre ellos un Oscar. Treinta años después de su fallecimiento, la obra de Welles sigue muy presente y el documental es una inmersión en el universo del legendario director de títulos como “Ciudadano Kane”, “Sed de mal”, “Verdades y mentiras”, “La dama de Shanghai”, “Macbeth”, “El tercer hombre”, “La otra cara del viento” o “Dossier secret”, entre otras. Algunas de estas películas no se suelen recordar al tratar la obra de Welles –para algunos el mayor genio cdel siglo XX- pero Cousins « demuestra hasta qué punto la naturaleza vanguardista y desorganizada de sus obras sirve de espejo a la manera que el célebre cineasta tenía de observar el mundo”.

“La mirada de Orson Welles” es un excelente documental que disfrutarán tanto quienes conocen bien su obra como las nuevas generaciones que  se inician ahora en los placeres que proporciona la gran pantalla del séptimo arte. La película mezcla imágenes de archivo con la entrevista con Beatrice Welles, la narración que hace el realizador y la permanente “sombra” del genio, presente en la silueta de los rascacielos de Nueva York (símbolos del poder), los “ángulos de cámara” favoritos de Welles, sus manías sobre su vida privada y sus relaciones, su infancia, sus mujeres (la estrella Rita Hayworth, la condesa italiana, la realizadora húngara Oja Kodar…, a las que al final de su vida aseguró no haber entendido nunca; le llamaron misógino, infiel, e incluso cazador de mujeres)…todo como si se tratara de “una herramienta indispensable” para entender al genio, “una ventana abierta al inconsciente”.

En el documental faltan –ya lo han escrito varios especialistas- referencias a “La guerra de los mundos”, la dramatización radiofónica que emitió el 30 de octubre de 1938 la emisora CBS en Estados Unidos, y que constituyó su primer éxito. Escrita y narrada por el propio Welles, “La guerra de los mundos” era una adaptación de la novela del mismo nombre de H.G. Wells que interpretó el cuadro artístico del Mercury Theatre, y que ha pasado a la historia como el programa que género una auténtica oleada de pánico: cientos de miles de oyentes creyeron que se trataba de un informativo y que se estaba produciendo un ataque de extraterrestres. 

Muere Rutger Hauer, el malo de «Blade Runner»

Rutger Hauer

El actor holandés Rutger Hauer, uno de los  “malos” más famosos del cine de Hollywood, que impactó a generaciones enteras desde que se dio a conocer por su papel de Roy Batty en la obra maestra de ciencia ficción « Blade Runner » (1982), falleció el 19 de julio de 2019 a la edad de 75 años aunque la noticia no se ha conocido hasta el día 24.

Rutger Hauer debutó como actor en la serie televisiva de capa y espada « Floris », realizada en 1969 por  Paul Verhoeven, un director entonces poco conocido quien, al conocer la muerte de Hauer ha confesado haber perdido a su alter ego: “Me va a faltar terriblemente”.  

El mismo Verhoeven le dio su primer papel de protagonista en “Turkish Delight”, película de 1973. Pero fue en 1981 cuando atrajo la atención de los grandes realizadores al protagonizar junto a Sylvester Stallone el thriller “Nighthawks”.  Un año más tarde aparecía en « Blade Runner », el filme que iba a consagrarle como una de las grandes estrellas de Hollywood: como el replicante Roy Batty, al frente de una banda de androides fuera de la ley, dio vida a uno de los “malos” más recordados de la historia del cine del siglo XX.

En los años 1990 alternó películas de serie B con grandes producciones como “Buffy contra los vampiros”. En 2000 apareció en “Confesiones de un hombre peligroso” de George Clooney, en “Sin City” junto a Bruce Willis y en “Batman Begins”, la primera entrega de la trilogía de Christopher Nolan. En 2012 fue Abraham Van Helsing en “Drácula 3D” del italiano Dario Argento, y en 2017   participó en “Valerian y la ciudad de los mil planetas” de Luc Besson.

Su último papel fue, en 2018, en “Los hermanos Sisters”, de Jacques Audiard, donde compartía cartel con John C. Reilly, Joaquin Phoenix y Jake Gyllenhaal, película que consiguió el León de Plata al mejor Realizador en la Mostra de Venezia de ese año.  

Rutger Hauer estaba comprometido en la defensa del planeta y en la lucha contra el Sida. En 2000 creó la Rutger Hauer Starfish Association, una organización dedicada a recoger fondos para la investigación científica.

“Venganza bajo cero” de Hans Petter Moland Acción venganza y mucho humor negro en un paisaje blanco

“Venganza bajo cero”  (Cold pusuit”) del noruego Hans Petter Moland (“Aberdeen”, “Redención: Los Casos Del Departamento Q”), es una revisión de su anterior película “Uno tras otro”, con el irlandés Liam Neeson  (nominado al Oscar en 1993 por su papel en “La lista de Schindler”), en el rol delinquietante y  vengativo sexagenario Nels. Completan el reparto actores tan reconocidos como Laura Dern (“Jurassic Park”), Tom Bateman ("Asesinato en el Orient Express") y Emmy Rossum (“El día de mañana”, “Shameless”).

Excelente e insólito thriller de mucha acción con toques de humor negro escrito por el reputado actor y guionista Frank Baldwin en el que, en una estación de esquí de Colorado,  Nels,  conductor de una máquina quitanieves, tras el asesinato de su único hijo en lo que parece una guerra de pandilleros y sin despertar la más mínima sospecha en su comunidad, emprende, armado de una rabia implacable y unos cuantos artefactos de de artillería pesada, una venganza sin cuartel lo que le lleva a mezclarse en una guerra entre traficantes. A medida que van cayendo los dealers y los camellos  de la banda de un  individuo apodado Viking, Nels pasa del ciudadano modélico que era al justiciero de  sangre helada que no deja que nada ni nadie se interponga en su camino. 

Inteligente película muy entretenida, como toda la última producción  del realizador Moland, en la que una violencia desenfrenada se alterna con momentos de asombrosa ternura, donde brilla el talento del gran actor que es Liam Neeson, “Venganza bajo cero” es una excelente combinación de violencia y humor en la demostración de un clásico: un ciudadano “ordinario” se ve forzado a enfrentar situaciones extraordinarias.

No es un policía, ni un investigador, ni un agente especial…solo el conductor de una máquina quitanieves que en algún lugar muy lejano de la inmensa América, donde las praderas son sustituidas por nevadas montañas,  protagoniza su propio “western” (es inevitable pensar en antecedentes como “Fargo”, y en Quentin Tarantino al disfrutar de los diálogos) en un relato que sin embargo es cinematográficamente muy europeo, tanto en el tono como en la forma, con un equilibrio perfecto entre ironía y violencia que, sin ninguna duda, van a disfrutar en este cálido verano los amantes del género.

Queen: “Bohemian Rhapsody” rebasa los mil millones de visitas en YouTube

Es la más antigua de las canciones que  ha alcanzado la mítica cifra de mil millones de vistas en el canal YouTube : « Bohemina Rhapsody », la obra maestra  del grupo Queen y su solista Freddie Mercury, que data de 1975 –cuando todavía no excistía el CD y veinte años antes de que Internet se convirtiera en una herramienta de masas- y alterna los estilos de balada, ópera y rock.

Con el tiempo, “Bohemian Rhapsody” se ha convertido en una canción de culto para varias generaciones, uno de los himnos de los años ’70, gracias precisamente al atractivo de sus diferentes partes, la duración de 6 minutos, muy superior a la media  de las canciones de la época, y sobre todo la calidad interpretativa del grupo.

Cuando se  publicó en 1975, “Bohemian Rhapsody” se convirtió en el tema que permaneció más tiempo (9 semanas) encabezando las listas de hits del Reino Unido. En 1991, dieciséis años después de su creación y justo después de la muerte de Freddie Mercury -el carismático cantante de Queen y autor-compositor de la canción-, volvió a ocupar el primer lugar en los registros de ventas; un éxito que se  prolongó durante 1992 con el estreno de la película “Wayne’s World”, comedia estadounidense dirigida por Penelope Spheeris, en la que sus jóvenes protagonistas la cantan a coro en el interior de un automóvil.

La última “cura de rejuvenecimiento” le ha llegado con la película que lleva el mismo título que la canción, estrenada en 2018, que relata la carrera de Queen y Freddie Mercury entre los años 1970 y 1985. En este caso, el éxito se debe a Internet, en primer lugar a YouTube (en los ocho primeros meses tras el estreno del filme se registraron más de un millón de visitas diarias), y después a las plataformas  digitales  de música hasta llegar a convertirse en el tema musical del siglo XX más visto en streaming.

“Midsommar” de Ari Aster, las sectas son siempre tóxicas

Terror a caballo entre lo fantástico y la antropología, « Midsommar » es una película de miedo sobre los mecanismos de una secta: lavado de cerebros, personajes bobaliconamente felices vestidos de blanco y coronados de flores, sacrificios explicados con la lógica del pavor...Algunos ya han puesto nombre al género: “nuevo cine fantástico”.

Un perverso cuento de terror que transcurre a plena luz del día, la película, escrita y dirigida por Ari Aster (“Herederitary”) cuenta con un reparto de jóvenes como Florence Pugh (“Lady Macbeth”. “La chica del tambor”), Jack Reynor (Detroit, Sing Street), Will Poulter ( ‘Black Mirror: Bandersnatch’), y William Jackson Harper (‘The Good Place’).

Invitados por uno de sus compañeros, Dani y Christian, una pareja de estudiantes universitarios estadounidenses, que no está pasando por su mejor momento, acude con varios amigos más al Midsommar, un festival de verano que se celebra cada 90 años en una remota aldea de Suecia. Lo que comienza como unas vacaciones de ensueño en el lugar donde el sol no se pone nunca poco a poco se convierte en una oscura pesadilla, cuando los misteriosos aldeanos los invitan a participar en sus perturbadoras actividades festivas.

Son jóvenes, querían escapar de su rutina, querían viajar, querían visitar Europa. El azar les lleva a un pueblo encantador donde la droga circula como si fueran caramelos y sus habitantes practican unos rituales muy particulares. En realidad, detrás de esa comunidad inmaculada y aparentemente feliz se esconde una secta con rituales más que peligrosos, pero muy atractivos al parecer cuando, como es el caso de la joven Dani, acabas de pasar por la terrible experiencia de que tu hermana bipolar ha matado a tus padres.

Experiencia antropológica, relato de suspense, descripción minuciosa de un caso de manipulación sectaria, en “Midsommar” el horror es más subterráneo que evidente, basado en una violencia que crece a medida que avanza el relato, al que tengo que reprocharle su excesiva duración. Difícil de clasificar, belleza y horror a la vez, para su realizador “Midsommar es muchas cosas antes que terrorífica: perturbadora, espeluznante, retorcida, efectiva, molesta y desconcertante". Hay opiniones para todos los gustos, yo no disfruto con la perversidad y el sadismo.

Las mafias chinas persiguen a los manifestantes de Hong Kong

Las triadas, las bandas mafiosas chinas, están intentando romper la contestación en Hong Kong, según informa Joël Chatreau en el boletín diario del canal internacional Euronews. Con camisetas blancas, para que se les distinga fácilmente, y armados de palos, barras de hierro y bates de beisbol, el domingo 21 de julio de 2019 actuaron en la localidad de Yuen Long, cerca de la frontera con China, en lo que los habitantes de Hong Kong llaman « los nuevos territorios, dejando tras de sí un balance de 45 heridos, según fuentes hospitalarias, cinco de ellos muy graves y un hombre en estado crítico.

Para el autor de la información no es nada raro la elección del lugar ya que se trata de una zona « donde están muy implantadas las bandas criminales y las milicias rurales pro-Pekín ». Los atacantes esperaban en una estación de metro la llegada de los manifestantes, que regresaban de la última gran manifestación anti-gobierno celebrada en el centro de la isla de Hong Kong, se les echaron encima en los pasillos y les persiguieron hasta los andenes e incluso dentro de los vagones.

Los dirigentes del movimiento pro-democrático que lleva varias semanas manifestándose contra los impulsos autoritarios del gobierno comunista de Pekín, señalan directamente como responsables a las fuerzas de policía, “por dejarles actuar intencionadamente”. De hecho, la policía tardó más de una hora en llegar al lugar donde tuvo lugar el ataque y no detuvo a nadie, “pese  a que se vieron hombres con camiseta blanca en los alrededores del metro hasta las primeras horas de la madrugada del lunes”.

El diputado demócrata Lam Cheuk-ting, que se encontraba entre los manifestantes que regresaban en metro y que culpa directamente a las bandas chinas, resultó herido en la cara y un brazo: “Estas actuaciones bárbaras y violentas traspasan la línea roja de la sociedad civilizada de Honk Kong”.

Euronews recuerda que ya en 2014 las triadas mafiosas chinas intentaron desestabilizar el movimiento conocido como “la revolución de los paraguas”, que denunciaba los intentos del gobierno de Pekín de cambiar el estatus de los habitantes de la región administrativa especial de Hong Kong, antigua colonia británica retrocedida a China en 1997.