'Doñana, donde el agua es sagrada': majestuoso y frágil, el mayor humedal de Europa corre peligro

“El agua en Doñana es un agua reservada, es un agua que no se toca, es un agua sagrada y solo así Doñana pervivirá en el futuro”.

Cuarta entrega de una saga de largometrajes documentales de naturaleza (los anteriores fueron “Cantábrico. Los dominios del oso pardo”, “Guadalquivir” contado y cantado por Estrella Morente,  y “Dehesa. El bosque del lince ibérico”), rodada en  el humedal más grande y venerado de Europa, “Doñana, donde el agua es sagrada”, es una producción de José María Morales, dirigida por Carmen Rodríguez, filmada por Joaquín Gutiérrez Acha  y narrada por Odile Rodríguez de la Fuente,  un equipo altamente especializado de la productora Wanda Natura que ha dedicado casi tres años a realizar el trabajo más completo hasta la fecha -no solo sobre los impresionantes paisajes, las condiciones climáticas y la desconocida fauna, la mayor parte oculta, del “universo” de Doñana sino que abarca un espacio mucho más amplio que el parque popularmente conocido-, que sus autores explican como  necesario y “diferente” de todo lo que hemos visto, un “gran desafío en los terrenos cinematográfico y logístico”.

 

“Hemos querido que la gente se enamore y pelee por el parque (…) Nuestra pequeña aportación para ayudar a su conservación no es otra que poder mostrarle al mundo que Doñana, aún mal herida, quiere seguir viviendo, que sus diferentes ecosistemas y su tremenda biodiversidad siguen allí, aunque sus poblaciones se hayan reducido considerablemente”, dice la realizadora Carmen Rodríguez.

 

Recomiendo no perderse “Doñana, donde el agua es sagrada’ (1), espléndido y didáctico documental que es la historia de un bosque que crece alrededor de una marisma formada entre el mar Atlántico y las orillas del río Guadalquivir, acerca a los espectadores, en momentos únicos, las diferentes y muchas veces desconocidas criaturas que habitan el lugar, en espectaculares secuencias de enorme interés biológico: Las cámaras de alta velocidad recogen las violentas capturas de la synclisis (una especie de insectos nevrópteros) cazando bajo la arena, los latigazos de la lengua del camaleón, las zambullidas de las águilas pescadoras o los ataques de los milanos negros sobre las orugas endémicas de la mariposa Saturnia Josephinae. La técnica del time lapse  permite asistir al florecimiento de los jaguarzos blancos, o los lirios peregrinos, que nos anuncian la inminente  llegada de los peregrinos del Rocío: ““Durante todo el año Doñana es un cruce de caminos, pero durante unos días de la primavera todos los caminos de Doñana conducen al Rocío”.

Que el documental sea un trabajo redondo, una exposición continuada de las muchas formas de vida que han elegido Doñana para vivir, para pasar una temporada o para hacer un alto en el camino hacia otras tierras, en una emigración de ida y vuelta que se repite continuamente, no puede evitar el Parque tenga también una cara B, un problema de supervivencia amenazada por catástrofes naturales, como el cambio climático o la redundante sequía, o provocadas por la mano del hombre como el robo descarado de agua por parte de los terratenientes y algunas industrias locales, amenazas todas que ponen en peligro la integridad de Doñana como Reserva de la Biosfera y Patrimonio Mundial de la UNESCO. Por eso, los autores quieren que su película remueva conciencias, que  “sea una llamada a la reflexión para que todas las personas, instituciones, formaciones políticas y gobiernos, dejando sus diferencias se unan para salvar probablemente el paraíso y reservorio de vida más importante de Europa”.

(1) “Doñana, donde el agua es sagrada” estará en los cines de Madrid a partir del próximo viernes 30 de mayo de 2025.

“Si yo pudiera hibernar”, un canto a la educación en situaciones difíciles

 “Una historia como de Dickens, con final feliz, en Mongolia, donde están en una fase de urbanización a ultranza que cambia la vida de sus habitantes, con el consiguiente sufrimiento psicológico y físico” (Un espectador)

 

'Si yo pudiera hibernar' (If only I could hibérnate), ópera prima de la directora Zoljargal Purevdash, marcó un hito al convertirse en la primera producción mongola seleccionada en la historia del Festival de Cannes, compitiendo en la sección Un certain regard de 2024. Además, ha representado oficialmente a Mongolia en los Premios Oscar 2025, en  la categoría de Mejor Película Internacional.

 Reconocida como una de las mejores óperas primas de Asia Oriental, 'Si yo pudiera hibernar' ha pasado por más de una decena de festivales internacionales de prestigio (Cannes, Sevilla, Karlovy Vary, Göteborg, Hong Kong, São Paulo, entre otros). Es una historia poderosa sobre la pobreza, la educación y la esperanza, contada desde un lugar raramente representado en el cine global.

Inspirada en la infancia de la realizadora y los estudios para conseguir una beca que le cambiara la vida, “Si yo pudiera hibernar” es una película auténtica y emocionante, un drama interesante ambientado en uno de los barrios más humildes de Ulán Bator, la capital de Mongolia, que cuenta una historia sobre la pobreza, el valor de la educación y el acicate de mantener siempre una esperanza de mejora, centrada en un adolescente con sueños de superación en una sociedad que apenas acaba de salir del nomadismo Un retrato íntimo y profundamente social que la crítica internacional ha aplaudido unánimemente.  

Un barrio de yurtas (carpas) de Ulan Bator es el telón de fondo donde Ulzii (Battsooj Uurtsaikh en su primer rol), un adolescente de 14 años pobre pero orgulloso, está decidido a ganar un concurso de Física para conseguir una beca que le permita prolongar sus estudios hasta la universidad. Pero su madre, analfabeta, depresiva y alcohólica, ha encontrado un trabajo en el campo y se marcha dejándole al cuidado de sus dos hermanos pequeños en pleno invierno, lo que el niño consigue compaginando la asistencia a salto de mata a la escuela –donde se arriesga a ser expulsado y sobre todo a que le impidan acudir a la capital para participar en el concurso que puede convertirse en la puerta de salida hacia un futuro diferente al que en principio le estaba destinado- con la realización de pequeños trabajos para sus vecinos (ayudarles a cortar leña en la tala salvaje y clandestina de árboles, llevándoles paquetes…)

 Ulzii se parte en cuatro para conseguir que los pequeños tengan un fuego encendido que les caliente en la desordenada habitación que les sirve para comer, jugar, estudiar y soñar, así como para conseguirles alimentos, ropa y zapatos con los que combatir el terrible frío de una de las regiones más inclementes del planeta.

 En “Si yo pudiera hibernar” (1), la realizadora Purevdash se ha cambiado por un chico para novelar sus propias dificultades económicas y la lucha contra todas las contingencias posibles, en especial contra el frío glacial, recordando la aspiración infantil de poder pasar el frío hibernando, como un oso. Ulzii se debate entre el deseo de huir y la lealtad a sus hermanos, entre el deseo de salir de una situación difícil y el sentimiento de culpa que significaría abandonarles.

 Moraleja: “Los osos no se resfrían, no cogen la gripe”.

 

(1) « Si yo pudiera hibernar » estará en las salas madrileñas a partir del próximo viernes 30 de mayo de 2025.

El realizador iraní Jafar Panahi triunfa en Cannes con “Un simple accidente”

 

Imagen Wikipedia Jafar Panahi, guionista, montador y realizador iraní de 65 años es el vencedor de la Palma de Oro en la 78 edición del Festival Internacional de Cine de Cannes con la película “Un simple accidente” (It Was Just An Accident).   Con este galardón Jafar Panahi, uno de los cineastas más relevantes del movimiento de la Nueva Ola del cine iraní -que se distingue por presentar siempre una perspectiva humanista de la vida cotidiana en Irán con sus retratos de niños, mujeres y personajes de la clase trabajadora-, completa una trayectoria internacional, prohibida en su país y definitivamente consagrada y premiada en los tres grandes festivales europeos: en 2000 consiguió el León de Oro del Festival de Venecia por “El círculo” y en 2015 se alzó con el Oso de Oro en la Berlinale (Festival Cinematográfico de Berlín) con “Taxi Teherán”.   Anteriormente, con su primer largometraje, “El Globo Blanco”, realizado en 1995 y estrenado en la Quincena de Realizadores de Cannes, Jafar Panahi ganó la Cámara de Oro. En 1997, con “El espejo” consiguió el Leopardo de Oro del Festival Internacional de Cine de Locarno, y en 2006 el Oso de Plata en Berlín por la película “Fuera de Juego”, película sobre la discriminación de las mujeres en Irán. En 2013, la Berlinale entregó el Oso de Plata al Mejor Guión a la película “El Círculo” (Closed Curtain), realizada a cuatro manos junto con Kambuzia Partovi, poeta y cineasta fallecido en noviembre de 2020. El filme “3 caras” recibió el Premio al mejor Guión en Cannes en 2018 y “Los osos no existen” fue la película de clausura de la Bienale de Venecia en 2022: Un grito a la libertad mientras Panahi se encontraba en la cárcel en Irán, acusado por enésima vez de “asistir a manifestaciones y propaganda contra el régimen” ultraconservador de los ayatolás.   Hijo de un pintor que trabaja en la construcción y crecido en uno de los barrios desheredados de Teherán, tras estudiar realización en la Universidad de Teherán, Panahi trabajó para la televisión pública del país (la única) y como ayudante de realización en “A través de los olivos” del  gran cineasta Abbas Kiarostami, fallecido en 2016 en París, donde vivía exiliado. Después de una dilatada trayectoria profesional, salpicada por distintos encontronazos con el gobierno iraní que prohibió la mayoría de sus películas, rodadas en secreto (es el inventor del doble equipo de rodaje: el primero es un señuelo que sustituye al segundo, que rueda de forma encubierta, en caso de que la policía lo descubra),  distribuidas clandestinamente en forma de DVD y vendidas en el mercado negro, Jafar Panahi fue detenido en marzo de 2010 junto con su esposa, su hija y quine amigos. A pesar del apoyo de cineastas y de  organizaciones cinematográficas y de derechos humanos de todo el mundo, en diciembre de aquel mismo año fue condenado a seis años de cárcel y 20 años de prohibición de dirigir películas, escribir guiones y conceder entrevistas a medios de comunicación, tanto locales como extranjeros. Mientras esperaba el juicio de apelación y se encontraba en libertad condicional, en 2011 realizó “Esto no es una película”, documental en vídeo en forma de diario que fue sacado de Irán en un pendrive escondido en una tarta y proyectado en el Festival de Cannes. El 11 de julio de 2022, con 62 años, fue detenido de nuevo por orden de la fiscalía de Teherán y quedó en libertad en febrero de 2023, tras declararse en huelga de hambre y sed en señal de protesta por el maltrato sufrido en la tristemente célebre cárcel de Evin. En 2012 gana el Premio Sajarov,  que entrega el  Parlamento Europeo a defensores de la libertad de expresión, junto a la abogada, especialista en casos de violación de derechos humanos, Nasrin Sotoudeh. Premio que recogió su hija Parmiz Panahi.En 2013 fue su otra hija, Solmaz Panahi, quien leyó el agradecimiento por  el título de doctor honoris causa concedido por la Universidad de Estrasburgo: “La imaginación es la mayor fortuna que puede poseer un artista. Se puede impedir la creación y la difusión de una obra, pero nada ni nadie podrá jamás encadenar la imaginación de un artista”. Jafar Panahi lo dedicó “a todos los profesores expulsados d las universidades iraníes”. En 2023 pudo salir de Irán, por primera vez en catorce años, para “una estancia” en Francia, donde vive su hija. “Un simple accidente”, consagrada como Mejor Película en el Festival de Cannes clausurado este sábado 24 de mayo de 2025, surgió de su experiencia en la cárcel y de imaginar la historia de una víctima que años después se reencuentra con su torturador, quien lleva una vida de padre de familia como tantos otros. Un premio que, en declaraciones a la IRNA (Agencia de prensa de la República Islámica), ha dicho que « carece de valor hasta que mis compatriotas puedan ver mis películas (…) Quienes están en el poder nos acusan de hacer películas para los festivales extranjeros. Se esconden detrás de muros políticos y que no dicen que nunca autorizan que nuestras películas se exhiban en los cines iraníes”.   Palmarés del Festival de Cannes 2025: Palma de Oro: “Un simple accidente” de Jafar PanahiGran Premio del Jurado: “Valor sentimental” de Joachim Trier Premio de Interpretación Femenina: Nadia Melliti en “La Petite Dernière” de Hafsia Herzi Premio de Interpretación masculina: Wagner Moura en “El agente secreto” de Kleber Mendonça Filho Premio  de escenografía: “El agente secreto” de Kleber Mendonça Filho Premio del Jurado: ex aequo para “Sirat” de Oliver Laxe y “Sound of Falling” de Mascha Schilinski Premio de Guión: “Madres solteras” de los hermanos Dardenne Premio Especial: “Resurrection” de Bi Gan Cámara de Oro: “The President’s Cake” de Hasan Hadi Mención especial de la Cámara de Oro: “My Father’s Shadow” de Akinola Davies Palma de Oro de cortometrajes: “I’m Glad You’re Dead Now” de Tawfeek Barhom   Premio Un certain Regard: “Le mysteroeux regard du flamant rose » de Diego Céspedes Queer Palm : « La petite dèrniere » de Hafsia Herzi Œil D’Or (premio de la Semana de la Crítica): « imago » de Deni Oumar Pitsaev

“Hombres íntegros”, una “manada” mexicana

“Un espejo incómodo para una sociedad que aún educa a sus hijos en el miedo al afecto”.

 

 

Segundo largometraje del cineasta mexicano Alejandro Andrade Pease(“Cuernavaca”), esta coproducción hispano-mexicana tuvo su estreno en el Festival Internacional de Cine de Morelia (México) dentro de la Sección Oficial y su actor protagonista, Andrés Revo, se alzó con el Premio a Mejor Actor Revelación. En el elenco figuran también reconocidos actores mexicanos como María Aura (“Y tu mamá también”) y Tomás Rojas (“Cuando los hijos regresan”).

Más tarde, en el  (México), Andrés Revo también obtuvo el Premio a Mejor Actor y la película consiguió  el Premio a Mejor Guion. La banda sonora de esta película de adolescentes ricos y mimados está compuesta por la cantautora española Christina Rosenvinge. 

La película reflexiona, desde las experiencias personales de su director y el co-guionista Armando López Muñoz, sobre temas tan universales como la identidad y el miedo a ser uno mismo con el trasfondo del machismo, la homofobia, el clasismo y la presión social.

“Vivimos en una sociedad donde el machismo prospera sin control, desde pequeñas acciones cotidianas hasta crímenes atroces. Todos somos parte del problema porque muchas veces hacemos la vista gorda. El objetivo principal de la película es incitar a los espectadores a reflexionar sobre este tema y sobre cómo hemos llegado a normalizar su impunidad”, afirma el director Alejandro Andrade Pease.

Alf es un adolescente privilegiado que regresa a estudiar a la escuela católica, donde la masculinidad se mide en términos de agresividad y violencia,  después de estar un año internado. Ya no se identifica con sus amigos de siempre, deportistas y populares, sino que empieza a sentir atracción por Oliver, un alumno nuevo y diferente al resto de los chicos. Cuando Alf trata de besar a Oliver y éste lo rechaza, se siente incómodo y se aleja de su nuevo amigo. Alf tratará de acallar cualquier rumor sobre su orientación, volviendo a aliarse con sus antiguos amigos. Juntos, en sus excesos y prepotencia, terminarán convirtiéndose en criminales.

Frecuentemente el cine mexicano cuestiona los valores sociales y las dinámicas culturales que prevalecen en el país, sobre todo en lo que respecta  al machismo y la estructura patriarcal.  El thriller dramático “Hombres íntegros” (1) retoma estos temas para ofrecer una mirada contemporánea y crítica sobre los conflictos emocionales de una juventud privilegiada, atrapada en los estereotipos de masculinidad y los tabúes sexuales, en un ambiente opresivo del que forman parte la religión, el machismo, la homofobia, las apariencias y la falta de comunicación en el seno familiar.

(1) “Hombres íntegros” estará en los cines de Madrid a partir de mañana, viernes 23 de mayo de 2025.

“Ciudad sin sueño” de Guillermo Galoe, Premio al Mejor Guión en la Semana de la Crítica de Cannes

Primera película de ficción del madrileño  Guillermo Galoe (ganador de dos Goya con el corto “Aunque es de noche” y “Frágil equilibrio”, ganador también el Premio al Mejor Documental en la Semana del Cine de Valladolid, Seminci),  con guión del realizador y Víctor Alonso Berbel y  rodada en la madrileña Cañada Real,  “Ciudad sin sueño” – calificada por la crítica especializada como “magistral” y “soberbio western”- ha sido recompensada en la Semana de la Crítica del Festival de Cannes, con el Premio SADC, que entrega la  Sociedad de Autores y Compositores Dramáticos franceses.

Este premio reconoce el importante valor del guión en las obras cinematográficas y define  el largometraje premiado como  "un poema que tiene la belleza dura y salvaje de estas tierras desfavorecidas que nadie visita nunca, donde los caminos no conducen a ninguna parte y donde no hay nada más que piedras, sol y viento. Esta película podría haberse llamado “Los Olvidados” (de Luis Buñuel), pero su autor prefirió citar a Lorca, el poeta del mundo gitano”.

“Ciudad sin sueño”, lo mismo que el corto “Aunque es de noche”, es una película que sucede en La Cañada Real de Madrid y está interpretado por actores no profesionales residentes en la zona, como Antonio “Toni” Fernández Gabarre, protagonista del corto. 

Toni, un chico de 15 años, vive en el asentamiento irregular más grande de Europa, a las afueras de Madrid. Orgulloso de pertenecer a una familia de chatarreros, sigue a su abuelo a todas partes. Cuando  los derribos se acercan a su parcela, el abuelo se niega a marcharse, sea cual sea el sacrificio. En oscuras noches sin electricidad, mientras las leyendas de su infancia cobran vida, Toni debe elegir entre  enfrentarse a un futuro incierto o aferrarse a un mundo que se desvanece.

Para su realizador, los personajes de “Ciudad sin sueño” se enfrentan “a la pérdida de un modo de vivir, al desvanecimiento de un mundo que, pese a haber sido completamente desplazado, mantiene con orgullo y dignidad sus valores y sus mitos, a veces casi de una forma quijotesca. Son unos personajes fuera del tiempo, invisibles a ojos de una sociedad ansiosamente capitalista y globalizada que, sin embargo, miran desde muy cerca. La película retrata desde lo íntimo a estas personas que tienen nombre y rostro a través de los ojos de Toni, un chico cuya mirada conserva todavía la magia de la infancia, ese lugar de leyendas y fantasmas, libre de juicios y donde todo es posible todavía

““Ciudad sin sueño’ es el resultado de seis años haciendo cine junto a una comunidad que está en los márgenes más extremos de la sociedad (…) La Semaine de la Critique, que ha marcado el comienzo de grandes cineastas, es un espacio perfecto en Cannes para que la voz de esta película florezca”.

 

 

“Un buen padre”, cura y padre

“Un buen padre” (Paternel), debut en el largometraje del francés Ronan Tronchot (hasta ahora montador y director de los cortometrajes “November” y “Deep in The Forest”), coescrito junto a Ludovic du Clary y protagonizada por Grégory Gadebois (“El oficial y el espía”, “Presunción de inocencia”), es un drama que explora el significado de la vocación sacerdotal y las ancestrales reglas que mandan todavía en la iglesia católica. En el reparto figuran también Géraldine Nakache (“Todo lo que brilla”, “J’irai ou tu iras”),  Lyes Salem (“Abou Leila”, “La vrai famille”) y el joven debutante Anton Alluin.

En un pequeño pueblo francés, Simón es un inspirador sacerdote católico, completamente dedicado a su parroquia. Durante una ceremonia se encuentra con Louise, a quien conoció años antes de convertirse en sacerdote, quien le presenta a Aloé, su hijo de once años,  y le confiesa que es su padre biológico. Esta revelación destruye la vida cotidiana de Simón, llevándole a cuestionarse todas las certezas que han guiado su existencia, y a tener que elegir entre su hijo y su vocación. . ¿Puede seguir siendo un sacerdote devoto para los feligreses y cumplir efectivamente con el rol de padre de su hijo? En medio de una institución en crisis, como es la iglesia católica,  Simón decide emprender una lucha para convencer a sus superiores de que su promesa de celibato es compatible con el amor de ser padre.

“Es el paso de una paternidad espiritual y teórica a una paternidad real y física lo que me interesa- confiesa el realizador- Si bien elegí mantener la crónica íntima del dilema de Simón, esta historia también busca poner en primer plano todas las contradicciones de la Iglesia, destacando el mismo desafío de modernización al que se enfrenta. La religión católica ha jugado un papel importante en mi educación. Más allá del interrogante espiritual, retuve de aquellos  años la importancia que la religión puede tener dentro de una comunidad”.

“¿Por qué todo el mundo puede llamarle padre y yo no puedo llamarle papá?”. La pregunta que formula un niño de 11 años al cura que es su padre está en el centro de esta película convincentemente interpretada por Gregory Gadedois.   

 

Con algunas situaciones bastante inverosímiles, que difícilmente aceptarían los católicos españoles (al menos, es lo que yo creo)  “Un buen padre” (1) plantea el dilema de cómo ejercer el sacerdocio asumiendo un pasado incómodo que, si creemos en el guión, la jerarquía francesa acaba por respetar. En todo caso, esta película deja que sea el espectador quien se forme su propia opinión y responda a todas las preguntas  implícitamente planteadas.

 

«Antes que nada –dice Ronan Tronchot, el realizador- teníamos que evitar caer en la caricatura. Por eso nos documentamos preguntando a curas de edades y situaciones diferentes (…) El caso de nuestro protagonista es delicado, es un caso de conciencia (…)  No ha cometido ninguna falta porque el niño fue concebido antes de que él entrar en el seminario, y además ignoraba su existencia

 

Tras consultar con un amigo recién ordenado sacerdote, repasar el derecho canónico y preguntar a curas y teólogos, el realizador de “Un buen padre” llegó a la conclusión de que, en un caso similar, la respuesta la tiene el obispo correspondiente, lo que equivale a la existencia de “una zona gris que nos dejaba el espacio para imaginar la historia de Simón (…) para observar al hombre detrás del cura (…) Es un ser humano, no un semidiós”.

 

 

(1) “Un buen padre” llegará a los cines de Madrid el próximo viernes 23 de mayo de 2025.

 

 

“Hija del volcán”, una historia personal de adopción

“He sentido toda mi vida una desconexión entre cómo me veo y cómo me siento. Me veo de una manera y me escucho de otra. Me veo colombiana y me oigo española. Me identifico como española, pero me descubro como colombiana. Recibí mi nombre en Colombia y mis apellidos en España. He crecido en Valladolid, pero nací, probablemente, en Manizales, aunque podría haber sido en Chinchiná, Villamaría o incluso Armero. Soy adoptada”.

 

El documental “Hija del volcán” cuenta la historia personal de la directora, Jenifer de la Rosa, quien comienza una búsqueda de sus raíces con solo una pista: su adopción en España está vinculada a la tragedia de Armero, causada por la erupción del volcán Nevado del Ruiz en Colombia.

El 13 de noviembre de 1985, la erupción del Nevado del Ruiz provocó una de las mayores catástrofes en Colombia, dejando más de 23.000 víctimas y destruyendo casi por completo el pueblo de Armero. Entre los niños que lograron sobrevivir se encontraba Jenifer de la Rosa, quien fue adoptada y llevada a Valladolid cuando tenía un año y medio. A los treinta años, impulsada por la esperanza de que su madre biológica aún viva, decide indagar en sus orígenes ocultos bajo el fango institucional.

 

A través de una investigación íntima y profundamente personal, Jenifer de la Rosa reconstruye la historia silenciada de Armero desde una perspectiva inédita: la de los hijos e hijas que nacieron después, marcadas por la ausencia y la memoria. “Hija del volcán”, estrenada en la sección Tiempo de Historia de la Semana Internacional de Cine de Valladolid (Seminci),  abre una reflexión sobre la herencia emocional y política de la catástrofe. Esta película ganó el Premio Seminci Joven votado por adolescentes.

“Mis padres, cuando fueron a por mí, hicieron un álbum de fotos que siempre ha estado muy presente en mi casa, en la parte central del salón, con fotografías de Colombia y algunos recuerdos que se trajeron para recordar mis orígenes. En ese álbum de fotos al final estaba la imagen del volcán Nevado del Ruiz, y en España, a través de ‘Informe Semanal’, cada noviembre se recordaba la historia de Omayra Sánchez. Recuerdo que cuando era pequeña había incluso canciones sobre ella. Me impactaba mucho esa imagen de una niña que se convirtió en un icono después de que sus últimas horas de vida se retransmitieran en directo a todo el mundo por televisión. Yo nací el día 6 y aquello sucedió el día 13, de forma que cada año, casi por mi cumpleaños, me recordaban que mi historia iba ligada a ese volcán. De pequeña a veces me enfadaba mucho con ello”.

“Hija del volcán” (1) no solo narra una historia personal, sino que aborda una experiencia compartida por muchas personas adoptadas en el extranjero quienes, impulsadas por el deseo de conocer sus orígenes, se enfrentan a los fantasmas, tanto reales como simbólicos, de su pasado.
 

Entrevistada, la directora Jenifer de la Rosa, reivindica el derecho de las personas adoptadas a conocer su pasado; un derecho –señala- que en su caso ha sido reiteradamente vulnerado: “La adopción está pensada para las personas adultas. Perfecto. La familia adoptante tiene que ser responsable y el Gobierno debe estar seguro de que el menor va a estar en buenas manos. Estupendo. Pero en realidad no se piensa en que ese bebé va a crecer y tendrá que enfrentarse a muchas  preguntas (…)”.

“Las adopciones en España son todas cerradas,  el menor no tendrá ningún contacto con esa otra familia; su relación con la familia biológica queda a expensas de su tutor o tutora legal. Para mí ahí está el foco del debate. Somos muchas las personas adoptadas que, cuando accedemos a nuestro expediente, al cumplir 18 años, padecemos todas las trabas, los retrasos, los papeles perdidos (…) Ahora se está comenzando a cambiar la custodia para que sea digital, no solo en el país de origen sino también en el de destino. Eso es fundamental porque el coste emocional de dar el primer paso para conocer tus orígenes es muy grande, y una vez que lo das todo va lentísimo y desgasta mucho. Mi yo de 18 años no hubiera aguantado ese proceso.”

(1) “Hija del volcán se estrena en Madrid el viernes 23 de mayo de 2025.

“Estocolmo 1520. El rey tirano”, personajes reales y ficticios mezclados en un fragmento de la historia real

En 1520, para conquistar Suecia, el rey de Dinamarca Kristian II organiza un poderoso ejército de mercenarios con el que intenta conquistar Estocolmo y arrebatar la corona a Sten Sture, regente del reino de Suecia. Sus hombres persiguen a los nobles sembrando  desolación y muerte por todos los lugares. Las hermanas Freja, sorda de nacimiento, y Anne, prometen solemnemente vengarse de los hombres que han asesinado brutalmente a su familia. Freja tiene el encargo de su padre de alertar a Sten Sture de la llegada del invasor. Todo llega a su punto álgido en el corazón de Estocolmo, donde las hermanas se ven arrastradas a una despiadada lucha política entre Suecia y Dinamarca que culmina en una ejecución masiva, presidida por el rey loco «Kristian el Tirano», conocida como el Baño de Sangre de Estocolmo, cuando cerca de ochenta  ciudadanos eminentes, religiosos y laicos, fueron decapitados en la plaza pública. “Los adoquines se tiñeron de rojo aquel día”.

 “Estocolmo 1520. El rey tirano” (Stockholm Bloodbath), una historia épica de intrigas, batallas y humor negro inspirada en un episodio histórico, está  dirigida por el sueco Mikael Hafström (“Evil”, “El acusado perfecto”), sobre un guión de los noruegos Erlend Loe y Nora Landsrod, y cuenta con un  inmenso reparto coral encabezado por Claes Bang (“The Square”), Sophie Cookson (“Kungsman”), Alba August (“Conociendo a Astrid”, “El acusado perfecto”), Emily Beecham (“Little Joe”) y Wilf Scolding (“Juego de tronos”), entre otros.

 “Estocolmo 1520. El rey tirano” ( 1), inspirada en uno de los episodios más crueles de la historia de Suecia marca el final de la Edad Media y la desaparición del catolicismo en  el país, tras la “masacre de los herejes” de Estocolmo, el 8 de noviembre de 1520.

 En esta película en parte real –“una gran parte de todo esto ocurrió realmente”, podemos leer en la introducción de la epopeya histórica que tiene a las mujeres como heroínas-, encontramos  un ritmo desigual en las casi dos horas que dura, algunos anacronismos y un exceso de crueldad, violencia y sangre, además de unos diálogos que difícilmente pueden pertenecer al siglo XVI.

 El guión revisita la historia mezclando figuras como el rey Kristian II, la reina Kristina Gyllenstierna, Gustav Trolle, Didrik Slagheck y Hemming Gadh, con las heroínas de ficción, Anne y Freja, inmersas en una misión de venganza después de que toda su familia fuera masacrada por el ejército invasor danés.. El relato comienza con los perros de ataque del rey Christian durante el matrimonio de Anne.  Las hermanas confeccionan una lista de « malos » a eliminar, a los que adjudican nombres que parecen pertenecer a mafioso actuales, como « el hombre maléfico” o “el hombre de la cicatriz”.

 ”Erlend Loe ha escrito un guion apasionante –asegura su director-. Para mí, es la base perfecta para una historia de venganza femenina, estilísticamente afilada.No es sólo una lección de historia bien escrita, sino que establece paralelismos con nuestros propios tiempos turbulentos y, de vez en cuando, los diálogos se entrecruzan para dejar claro este punto.”

 

 

 (1) “Estocolmo 1520. El rey tirano” está en los cines de Madrid desde este viernes 16 de mayo de 2025.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

“Bonhoeffer”, biopic histórico sobre un controvertido teólogo alemán antinazi

 

“Bonhoeffer, el espía” ("Bonhoeffer"), la película escrita y dirigida por el estadounidense Todd Komarnicki (guionista de títulos como "Sully" de Clint Eastwood), trata sobre la figura de Dietrich Bonhoeffer, protestante y teólogo luterano que participó en el movimiento de resistencia al nazismo y en una conspiración para derrocar a Hitler.

 

“Bonhoeffer”,  biopic de una influyente figura cristiana del siglo XX, está protagonizada por Jonas Dassler ("La revolución silenciosa") en el papel de  Dietrich Bonhoeffer, junto a Moritz Bleibtreu (“El experimento”), August Diehl ("Malditos bastardos"), David Jonsson ("Alien: Romulus") y Nadine Heidenreich, entre otros.

 

En tiempos de Hitler, la cruz gamada llegó a ocupar el lugar del crucifijo en algunas iglesias alemanas. Basada en hechos reales, esta película narra la historia de Dietrich Bonhoeffer, un pastor luterano y  teólogo pacifista (aspecto este que no se trata en la película)  cuya fe y principios le llevaron a convertirse en espía, proteger a judíos y participar en un complot para asesinar a Hitler. Infiltrado en el servicio de inteligencia militar alemana (Abwehr), Bonhoeffer aprovechó un encargo de propaganda para trasladar a Suiza a siete judíos perseguidos; una misión que fue posible gracias al dinero de simpatizantes extranjeros con el que compró la complicidad de la policía de fronteras.

Comprometido con la resistencia y en contra de su propio pueblo, dejó un legado de dureza tenaz contra los nazis que finalmente le hicieron pagar con su vida  la oposición al régimen nazi, ahorcándole a los 39 años, en abril de 1945,  en un campo de concentración, pocas semanas antes del suicidio de Hitler, acusándole de promover un nacionalismo cristiano. Dejó 34 obras escritas aunque la película las ignora, centrándose en sus actividades clandestinas: « El hombre de fé se convirtió en un hombre de acción, rebelde ante la nazificación de la iglesia protestante alemana y el antisemitismo del Reich” (The Times of Israel).

Hojeando algunas publicaciones para ver el tratamiento que “Bonhoeffer. El espía” (1) –película que denuncia abiertamente la connivencia de la iglesia protestante alemana con el nazismo-  recibió cuando el pasado mes de enero se estrenó en varios países europeos, me sorprendió la controversia que había generado, así como el hecho de que  en publicaciones declaradamente cristianas (protestantes, evangélicas, luteranas…son muchos los apellidos posibles) la crítica fue casi unánime en la elección de adjetivos: provocadora, anacrónica, peligrosa, llena de errores históricos, que incita a la violencia,  y que en  varias se menciona “que está gustando a los trumpistas” .

 

”¿Qué hacen unos célebres actores alemanes (…) en el reparto de una película que en Estados Unidos están utilizando con fines propagandísticos los cristianos conservadores y los seguidores de Trump?”. La pregunta, recogida en la prestigiosa publicación Courrier International, la ha publicado el diario muniqués Süddeutsche Zeitung.

 

En lo que parece un pulso entre distintas corrientes cristianas (no católicas), nueve miembros del casting de la película, entre ellos Jonas Dassler y August Diehl, publicaron  otra declaración en  el diario israelí Times of Israel. Amparándose  en “los principios del Sermón de la Montaña”, afirman su apoyo a la película y denuncian los intentos de expropiación intentados por movimientos de extrema derecha: “Para nosotros, la historia de Dietrich Bonhoeffer ilustra la necesidad de alzarse contra los regímenes totalitarios y de actuar frente a los sistemas de mentiras, sectarismo, nacionalismo, racismo, antisemitismo, homofobia, transfobia y xenofobia. Se trata de  defender nuestra historia y nuestra cultura contra la apropiación y el revisionismo histórico (…) La herencia de Bonhoeffer nos enseña a preocuparnos siempre por las personas marginales de nuestra sociedad, y a no juzgar a la gente en función de su raza, sexo, sexualidad o clase social”. 

 

Otros críticos no han llegado tan lejos, aunque más de uno acusa a los autores del film de “permitirse libertades con la verdad”. Paradójicamente, y según algunas de esas publicaciones, sus seguidores actuales se sitúan en la extrema derecha, “lo que preocupa a los familiares  (de Bonhoeffer) y a algunos profesores universitarios que denuncian la apropiación de su herencia por el escritor ultra Eric Metaxas –“personaje emblemático de lo que el diario The New York Times llama ‘la fusión del cristianismo evangélico blanco y el extremismo trumpista”- autor en 2011 del libro “Bonhoeffer: Pastor, Mártir, Profeta, Espía”,  que le utiliza “para oponerse a la política ‘woke’ de los demócratas” y que ha comparado la administración Biden con la Alemania hitleriana de 1933-34”. 

 

El pasado 18 de octubre se publicó en la prensa alemana una carta abierta firmada por 86 descendientes adultos de la familia Bonhoeffer, que denuncia como “un biopic que deforma la historia”, transformando a su protagonista en un “santo evangélico”, y califica a la productora –Angel Studios- de “productora evangélica de derechas”.

Los descendientes de Bonhoeffer denuncian también otros intentos de recuperar la herencia del pastor por parte de la extrema derecha. Uno de ellos es el Projet 2025, un programa político elaborado por The Heritage Foundation, un influyente think-tank de Washington, que en el prólogo cita a Bonhoeffer y su concepto de la “gracia barata” –denuncia de una fe sin compromiso real- para criticar a algunas corrientes progresistas, asociando la idea al “activismo de fronteras abiertas” y a “la historia de amor de la izquierda con el extremismo medioambiental”, lo que “se aleja completamente del pensamiento del teólogo alemán”.

Para el realizador Komarnicki, que describe aBonhoefer  como un hombre de fé y de amor, “no podría estar más alejado de un nacionalismo cristiano (…) El hecho es que no pertenece a ningún grupo. Es una voz singular de amor, de gracia, de justicia y de valor, y su mensaje es hoy tan límpido como lo era durante la Segunda Guerra mundial”.

 

 

(1) “Bonhoeffer. El espía” se estrena en la cartelera madrileña el viernes 16 de mayo de 2025.