“Ramón y Ramón”, historia de una amistad imprevista

Sobre la amistad y los lazos familiares, la coproducción hispano-peruana “Ramón y Ramón”, dirigida por Salvador del Solar (“Cien años de soledad”, “Magallanes”) e interpretada por Alvaro Cervantes (“Sorda”, “42 segundos”), se estrenó en el pasado Festival de San Sebastián dentro de la sección Horizontes Latinos.  

Durante el confinamiento por la pandemia de Covid-19 se conocen Ramón y Mateo. El primero ha salido de una relación amorosa y acaba de recibir la urna con las cenizas de su padre, con el que mantenía una relación muy distante. . Por su parte, Mateo no puede salir del país. Debido al cierre del aeropuerto de Lima. A pesar de las diferencias que existe entre ellos, la situación les conecta hasta el punto de que Mateo decide acompañar a Ramón hasta Huancayo, donde quiere depositar las cenizas de su padre. Un viaje en el que ambos encontrarán respuestas a las preguntas que se hacían.  

 Salvador del Solar, abogado y cineasta, que fue Primer Ministro y Ministro de Cultura en Perú, ha escrito una hermosa historia sobre una situación real ocurrida durante el confinamiento, cuando las circunstancias propiciaron el acercamiento de dos hombres jóvenes., a quienes la casualidad llevó al mismo edificio: el peruano Ramón, un homosexual de 35 años, en plena ruptura sentimental, y el español Mateo, heterosexual de la misma edad, desarrollaron “un vínculo profundo para el que la palabra amistad da la sensación de quedar corta”.

 

Ante la imposibilidad de salir del país, Mateo decide acompañar  a Ramón a Mito, en la provincia de Concepción, para depositar las cenizas del padre, en lo que será también un viaje para encontrar las respuestas que no ha logrado obtener desde que se quebró el vínculo con su progenitor.

 

“Ramón y Ramón” (1), relato íntimo de la amistad entre dos hombres que en principio tienen poco en común,   nos recuérdala lo que vivimos todos hace cuatro años, cuando el mundo se paró de repente y nos encontramos encerrados en nuestras casas, pendientes de las noticias que nos llegaban por la  radio y la televisión, y con el temor de estar viviendo una catástrofe que no sabíamos si acabaría.

 El director Salvador del Solar  precisa que la homosexualidad del protagonista no fue una decisión de guion sino que “venía con la historia”, porque el encuentro real en el que se inspiraron la amistad se dio entre un joven gay y otro heterosexual: “En Perú ha cambiado mucho la percepción general sobre la homosexualidad pero, como en muchas partes también, está habiendo una especie de reacción en contra que se ha fortalecido de una manera muy preocupante”, lamenta.

(1) “Ramón y Ramón” se va a estrenar en las pantallas madrileñas el viernes 27 de junio de 2025.

 

“Ne Zha 2”, la animacióm china que deja en pañales los records de Disney

« Durante las casi dos horas y media que dura, ‘Ne Zha 2 » da muestras de una imaginación infinita, desde sus dioses animales hasta el vértigo que contagian sus épicos planos. En resumen: prácticamente no hemos entendido nada, pero lo que hemos visto es muy hermoso » (Le Point)

 

Firmo lo anterior. Estamos a punto de descubrir cómo es una de las diez películas de animación más taquilleras de todos los tiempos –detrás de “Avatar”: “La forma del agua”, “Vengadores: Endgame”, “Star Wars: The Force Awakens” y “Titanic” – que, además, no ha salido de los grandes estudios de Hollywood sino de la vanguardia china en la materia.

 

Segunda entrega de saga de Ne Zha, iniciada en 2019 y dirigida como la anterior por Jiao Zi – de nombre real Yang Yu, es un director de animación, guionista y productor chino de 45 años, hijo de médicos y  licenciado en Farmacia- trabajó en publicidad y realizó algunos cortos antes de realizar el primer larmetraje –“Ne Zha”- y recientemente el segundo que le ha llevado a encabezar la taquilla nacional.

“Ne Zha 2” es una aventura épica que hunde sus raíces en la mitología china “con una audaz reinterpretación; es un innovador espectáculo de animación elaborado durante cinco años por un equipo de 4.000 profesionales especializados”. Inspirada en los mitos trasicionales, la saga « Ne Zha » cuenta las aventuras de un niño guerrero que lucha contra su cualidad de demonio. El capítulo 2, que llega sin que hayamos visto el primero, es la película de animación más rentable de todos los tiempos en China.  

Más allá de sus logros técnicos, que son innumerables y en mi caso difíciles de identificar y describir, “Ne Zha” se basa en la novela del siglo XVI “Investidura de los dioses”, reinterpretada con el añadido de valores contemporáneos como el desafío a las instituciones y la idea de que el bien y el mal no tienen nada que ver con la raza o el origen,

 

“Ne Zha 2” avanza en la tecnología de animación con un salto significativo en escala y efectos visuales, con casi 2.000 planos de efectos visuales. En una escena de batalla participaron 200 millones de personajes animados individualmente, cada uno de ellos moviéndose de forma independiente.

Ne Zha, un niño demonio criado por humanos, forma una incómoda alianza con el príncipe Loong Ao Bing, en una batalla épica para proteger a sus clanes. Ne Zha debe embarcarse en una peligrosa búsqueda para obtener un elixir que restaure el cuerpo de Ao Bing. Durante este viaje para matar demonios, Ne Zha descubre una conspiración que desencadenará una guerra devastadora entre el bien y el mal, y deberá desafiar a las fuerzas traicioneras para proteger lo que más aprecia. 

Seguramente habría que conocer las bases de la mitología china para poder identificar los personajes de esta historia de venganza ejecutada por un demonio que adopta la forma de un ser humano que domina las artes marciales; seguramente también, haber visto la primera entrega de la saga ayudaría mucho a comprender lo que está pasando en la pantalla, aunque esas carencias no nos impedirán maravillarnos ante la riqueza de un universo sorprendente, en el que habitan cerdos voladores y humanos que pueden transformarse en dragones celestes.

En palabras del crítico francés Jean-Michel Frodon es "la historia de un pequeño dios desagradable y malhablado" y una multitud de otros personajes atrapados en giros y vueltas épicos o cómicos. En el caso de los espectadores occidentales, que no entendemos una palabra de esas mitologías chinas que inspiran las aventuras de Ne Zha, la experiencia nos sorprende  con una audacia técnica en  escenas de combate muy diferentes de todo lo visto anteriormente.

 

« En China, Ne Zha es el equivalente de Homero para los occidentales –explica Cedric Behrel, distribuidor de la película en Europa- Es un relato transmitido de generación en generación, un auténtico pilar de la cultura local”.  

 

(1) “Ne Zha 2” está en los cines de Madrid a partir de hoy viernes 20 de junio  de 2025.

 

 

“A la deriva” de Jia Zhangke: un viaje a través de los recuerdos

Inquietante y pesimista, “A la deriva” (“Caught by the Tides” , en chino “Fenglui Yidai”, que el autor traduce por « una generación a la deriva”) décimo largometraje del  realizador chino Jia Zhangke (“Eternels”, “Más allá de las montañas”, “Platform”, “Still Lifes”, León de Oro en la Mistra de Venecia en 2006,  “A Touch of Slim”, Premio al Mejor Guión en Cannes 2013),  ganadora del Premio Espiga Verde en la Seminci (Semana del Cine de Valladolid), que distingue a la película que muestra una mayor sensibilidad hacia la necesidad de proteger el planeta y los valores medioambientales, narra la compleja historia de amor entre Quiao Qiao y Guao Bin, desarrollada a lo largo de dos décadas en una China que está experimentando profundas transformaciones sociales, lo que inevitablemente tiene consecuencias personales.

Protagonizada por Zhao Tao, musa del director,  y Li Zubhin, “A la deriva” es una epopeya poética y radical  y muy curiosa ya que, tras seis años sin rodar largometrajes, Jia Zhangke se ha presentado en el último Festival de Cannes con esta historia formidable, fabricada a base de fragmentos y descartes de sus anteriores películas. Simple y radical “A la deriva” es el relato de un amor fallido que abarca veintiún años de un país en transformación, ofreciendo una nueva perspectiva de la China contemporánea, así como de las experiencias individuales bajo los turbulentos cambios emocionales y sociales.

Considerado en el cambio de milenio como  “el mejor cineasta del mundo” y “el Rossellini del siglo veinte”, Jia Zhangke regresa con sus obsesiones habituales para contar –en tres partes, correspondientes a tres épocas, como en sus anteriores películas- la historia de su generación (nació en 1970), que es también la de su actriz fetiche Zhao Tao, y la de los personajes que se repiten en todas sus obras.

En la ciudad minera de Datong, en el norte de China, ella canta, baila y se exhibe -unas veces por necesidad personal y otras para ganar algún dinero- en plazas públicas y reductos donde los jóvenes beben cervezas a la salida del trabajo, en pequeños locales semiclandestinos y en una destartalada y anticuada especie de “casa del pueblo”, donde los hombres tienen entrada gratis y las mujeres les piden dinero que después comparten con el organizador. En vísperas de los Juegos Olímpicos de Pekín, él decide buscar trabajo en otra región del sur  y le promete que, en cuanto se instale, volverá a buscarla. Pero muy pronto él deja de responder a los mensajes de ella que, cinco años más tarde,  decide marcharse a buscarle y llega hasta la zona portuaria del río Yang Tsé,  donde se está finalizando la construcción de la Presa de la Tres Gargantas, que se traga los pueblos enteros. Mientras tanto, en otro lugar al sur, él está probando en distintos negocios, incluyendo un trato con un político corrupto. .

« A la deriva » es una ficción que parece un documental lleno de retratos de vida en la China actual. Es también una película conceptual y un experimento rodado en parte durante la pandemia, donde la música –desde la clásica a la tradicional, pasando por el pop, el karaoke, el techno…- está siempre presente, hasta el punto de que, en muchos momentos,  cumple la función de sustituir a los diálogos.

Rodada a lo largo de dos década, entre 2001 y 2022, es también la historia de un  país en mutación a gran velocidad, una epopeya poética y radical, tan desconcertante como estimulante, que sigue a los amantes separados a través de las ciudades cuyos inmuebles e infraestructuras están creciendo a una velocidad que parece imposible. Cuando Qiao Qiao encuentra finalmente a Guao Bin, rompe con él. Ambos han envejecido notablemente

 « Me preguntaba –ha confesado el realizador en una  entrevista realizada en Cannes  con la publicación canadiense Le Devoir- como darle sentido a mi existencia teniendo como telón de fondo las espectaculares transformaciones que China ha experimentado en los últimos veinte años. Me sentía perdido, tanto en la sociedad como en mi vida (…) Si pensamos en lo que actalmente pasa en China, con los robots y la inteligencia artificial, por no citar más que dos ejemplos, me sentía realmente desamparado y necesitaba hallar la manera de reencontrarme(…) Una de la maneras que encontré consistía en utilizar el tiempo como una herramienta narrativa, examinar nuestros comienzos y después, lenta pero claramente, entender como hemos llegado hasta aquí. De ahí la construcción de mi película en 2001, 2006 y 2022. Esa estructura me ha permitido ver más claro y no sentirme perdido. En 2001 estábamos excitados, llenos de esperanza ante el nuevo milenio, lo que contrasta fuertemente con la época de la pandemia del Covid-19, un periodo en el que todo se paró. En el intervalo, pasamos por un período transitorio”.

Igual que los territorios que van a ser sumergidos, la relación entre Qiao Qiao y Guao Bin se da por terminada. Ella, sin embargo, considera necesario recorrer el país para buscarle. “Solo al final de la odisea, Qiao Qiao será consciente de que, a imagen del paisaje transformado , ella no es ya la joven enamorada que Guao Bin abandonó tiempo atrás” (François Levesque, ledevoir..com)

 

(1) “A la deriva” estará en la cartelera madrileña a partir de mañana viernes 20 de junio de 2025.

“Quinografía”, una película sobre la vida y los sueños del autor de Mafalda “Los adultos no tienen ni idea de lo que hacen con el mundo” (Razón de ser de todo el universo “mafaldiano”) Mafalda es esa niña de papel que lleva varias décadas analizando lo que ocurre a su alrededor y repartiendo consejos que acumulan toda la sabiduría del mundo, como poco desde Aristóteles. Inicialmente Mafalda fue el personaje ideado por su autor para una campaña en prensa de publicidad encubierta de los electrodomésticos Mansfield. Quino –Joaquín Salvador Lavado Tejón, fallecido en 2020- era el dibujante argentino, introvertido y sensible que, entre 1965 y 1973 soplaba al oído de Mafalda aquellas sentencias –tan de andar por casa, tan iguales a lo nos habrían dicho muchas abuelas, tan adultas para llegar desde la altura de sus diez años- que parecían aterrizar en nuestro mundo despiadado y cruel desde algún lugar tan personal como fantástico, imaginado y soñado. Y “Quinografía es una película documental inspirada en la vida de Quino y su universo creativo y afectivo. A través de una última entrevista con el autor de tanto sentido común –“el menos común de todos los sentidos” según el axioma- y un recorrido por diferentes países, los directores Mariano Donoso y Federico Cardone, visitan las ciudades de Milán, París y Madrid, donde el artista vivió un exilio emprendido en Buenos Aires huyendo de la dictadura, y entrevistan a profesionales y amigos –tíos, hermanos, sobrinos…que nos explican el ambiente y las experiencias que contribuyeron a forjar a creatividad y el carácter de Quino. El cantautor Joan Manuel Serrat, el futbolista Jorge Valdano o el periodistas Alex Grijelmo, entre otros, aportan testimonios en una película que, en palabras de los directores, trata de explicar "un fenómeno que hace que la Universidad de Taiwán incluya a Mafalda como materia a estudiar en la carrera de filosofía, y explica los muchos premios honoríficos conseguidos (entre ellos el Próncipe de Asturias de Comunicación y Humanidades en 2014) o el inasible idioma universal de su humor, tan argentino, tan mendocino, tan andaluz (su madre era malagueña) y tan humano." En “Quinografía” (1) recorremos la biografía, los orígenes y la larga peregrinación que emprendió Quino hasta convertirse en una celebridad mundial y regresar al fin a su Mendoza natal, viudo y casi ciego, para –confesó- “despedirse de la luz de su infancia”. La película intenta, además, plantear una reflexión sobre las formas artísticas de abordar un archivo, sobre el modo en que dialogan el presente y el pasado. (1) “Quinografía” estará en los cines madrileños a partir de mañana jueves 19 de junio de 2025.

 

“Los adultos no tienen ni idea de lo que hacen con el mundo” (Razón de ser de todo el universo “mafaldiano”) Mafalda es esa niña de papel que lleva varias décadas analizando lo que ocurre a su alrededor y repartiendo consejos que acumulan toda la sabiduría del mundo, como poco desde Aristóteles. Inicialmente Mafalda fue el personaje ideado por su autor para una campaña en prensa de publicidad encubierta  de los electrodomésticos Mansfield. Quino –Joaquín Salvador Lavado Tejón, fallecido en 2020- era el dibujante argentino, introvertido y sensible que, entre 1965 y 1973 soplaba al oído de Mafalda aquellas sentencias –tan de andar por casa, tan iguales a lo nos habrían dicho muchas abuelas, tan adultas para llegar desde la altura de sus diez años- que parecían aterrizar en nuestro  mundo despiadado y cruel desde algún lugar tan personal como fantástico, imaginado y soñado.

 

 

Y “Quinografía es una película documental inspirada en la vida de Quino y su universo creativo y afectivo. A través de una última entrevista con el autor de tanto sentido común –“el menos común de todos los sentidos” según el axioma- y un recorrido por diferentes países, los directores Mariano Donoso y Federico Cardone, visitan las ciudades de Milán, París y Madrid, donde el artista vivió un exilio emprendido en Buenos Aires huyendo de la dictadura, y entrevistan a profesionales y amigos –tíos, hermanos, sobrinos…que nos explican  el ambiente y las experiencias que contribuyeron a forjar a creatividad y el carácter de Quino.   La primera tira de Mafalda publicada en "El Mundo", 1965 El cantautor Joan Manuel Serrat, el futbolista Jorge Valdano o el periodistas Alex Grijelmo, entre otros, aportan testimonios en una película que, en palabras de los directores, trata de explicar "un fenómeno que hace que la Universidad de Taiwán incluya a Mafalda como materia a estudiar en la carrera de filosofía, y explica los muchos premios honoríficos  conseguidos (entre ellos el Próncipe de Asturias de Comunicación y Humanidades en 2014) o el inasible idioma universal de su humor, tan argentino, tan mendocino, tan andaluz (su madre era malagueña) y  tan humano." En “Quinografía” (1) recorremos la biografía, los orígenes y la larga peregrinación que emprendió  Quino hasta convertirse en una celebridad mundial y regresar al fin a su Mendoza natal, viudo y casi ciego, para –confesó- “despedirse de la luz de su infancia”. La película intenta, además, plantear una reflexión sobre las formas artísticas de abordar un archivo, sobre el modo en que dialogan el presente y el pasado.

 

 

(1) “Quinografía” estará en los cines madrileños a partir de mañana jueves 19 de junio de 2025.

“Lo que quisimos ser”: el viejo sueño de ser otro mejor

“Una obra sosegada, sentida y madura. Una, a su manera y en sus términos, extraña y particular historia de amor” (Syldaviacinema.info).

 

Un hombre y una mujer que salen del cine -donde han sido los únicos espectadores de la película “Ayuno de amor” (His Girl Friday), el clásico de Howard Hawks interpretado por Cary Grant y Rosalind Russell- comienzan a hablar y siguen la conversación en un café cercano. Allí, el dueño de una librería de segunda mano y una editora literaria,  en un juego de adultos tan inocente como imaginativo construirán un mundo de fantasía en el que se convertirán en quienes siempre quisieron ser, una escritora y un astronauta, y deciden quedar todos los jueves a la misma hora y en el mismo lugar. Poco a poco se repute el encue4ntro, semanas y meses, hasta que se enamoran... pero cuando sus vidas reales entran en juego, tendrán que luchar por proteger su relación.

 

Alejandro Agresti (“Buenos Aires viceversa”, “Valentín”, “Mecánica popular”), argentino director de películas como “El viento se llevólo que fue”, ganadora de la Concha de Oro en San Sebastián, o el éxito mundial “La casa del lago”, y también guionista, actor y escritor, acaba de recibir la Biznaga de Honor en el último Festival de Málaga, como un homenaje a toda su trayectoria al tiempo que estrena “Lo que quisimos ser”, su última película, una deliciosa historia casi romántica pero muy real, sobre dos personajes maduros que deciden hacer lo que muchos habríamos querido : Una relación en la que se celebra sobre todo la palabra, la fantasía y la capacidad de soñar otros mundos posibles”.

 

Cuando la realidad te ha fallado lo más sensato es cambiarla por otra, un sueño o una fantasía, qué más da, lo importante es hacerla tuya y convertir tu vida en un cuento, tan fantástico y melancólico como quieras,  que te ayude a seguir adelante, que te obligue todos los jueves a acudir al café donde, por un tiempo,  podréis ser quien siempre quisisteis, dos personas solitarias, Irene y Yuri: prohibido decir los nombres verdaderos ni contar detalles de la vida personal. Al contrario, lo que vale es inventarlos, cubrirlos con una capa de posibilidades, inventar una amistad posible capaz de alejarte de lo cotidiano.

 

Protagonizada por Eleonora Wexler (“Amar después de amar”, “Tu parte del trato”) y Luis Rubio (“El ojo cítrico”, “El último lateral analógico”), junto a Antonio Agresti, Carlos Gorosito y Juan Carlos Kuznir, “Lo que quisimos ser” (1) es una película sensible, una historia de amor íntima, confidencial, edificada sobre algo tan familiar como la invención de otra realidad que nos sirva de escapismo para evitar los dolores

 

(1) “Lo que quisimos ser” se estrena en los cines de Madrid el viernes 20 de junio de 2025.

 

"Juliette en primavera" : la dimensión trágica de la depresión.

Juliette (Izia Igelin), joven ilustradora de libros para niños que está pasando una depresión y tirne problemas para conciliar el sueño, se va de la ciudad para ayudar a vacíar la casa de la abuela que se traslada a una residencia, y pasar unos días con su variopinta familia : el padre Leonard, que va envejeciendo y solo consigue manifestar sus sentimientos bromeando: la madre, artista pintora que no pierde ocasión de disfrutar de la vida; la abuela Simone, quien a veces pierde la cabeza y con la que reanuda una vieja complicidad,  y su hermana, madre de familia abrumada por una vida que puede con ella. En el camino conocer a Pollux, el arrendatario de su abuela, un joven  entrañable y poeta que escucha sus quejas. En esta especie de arca de Noé que reúne e individuos de distintas especies, salen a la luz recuerdos y secretos que llevan mucho tiempo olvidados.

 

La realizadora francesa Blandine Lenoir ("50 primaveras", "La indignada Annie", “Rosalie Blum”) presenta en “Juliette en primavera” (1), cuarto largometraje de ese estilo melancómico que es su tarjeta de presentación,  una comedia luminosa y conmovedora, cargada de humanidad y humor, basada en la novela gráfica “Juliette, los fantasmas regresan en primavera” de Camille Jourdy: un viaje emocional a través de los lazos familiares, la memoria y la reconstrucción personal: una obra sincera, un soplo de aire fresco que habla de “emociones femeninas, el duelo,  la fuerza del deseo y los afectos imperfectos”. Bastarán unas palabras de la abuela para hacer que aflore el recuerdo de un drama que la familia ha evitado celosamente mencionar durante años, sacar a los fantasmas del armario y conseguir que, finalmente, Juliette recupere el sueño de la infancia. .

 

La actriz y cantante Izïa Higelin (“Rodin”, “Incompatibles”, “Un amor de verano”) encarna a Juliette, la joven ilustradora que regresa a su ciudad natal buscando respuestas, reencuentros y, quizás, una nueva manera de entender su lugar en el mundo. Junto a ella, un reparto excepcional formado por Sophie Guillemin (“Harry, un amigo que os quiere”), Jean-Pierre Darroussin ( “El havre”, “Como en las mejores familias”, “Que la fiesta continúe”, y la exitosa serie “Oficina de infiltrados”, que han comprado las televisiones de  medio mundo) y Noémie Lvovsky (“Un amor de verano”, “Manual de la buena esposa”, “Un héroe anónimo”). .

 

(1) « Juliette en primavera » se estrena en los cines de Madrid el próximo viernes 20 de junio de 2025.

 

 

 

 

“Baltimore”, un fragmento de historia irlandesa

 

“Baltimore” (“Rose’s War”), dirigida por el matrimonio dublinés que forman Joe Lawlor y Christine Molloy (“La interpretación de Rose”, “Mister John”, “Helen”), basada en unos hechos reales que probablemente nadie recuerda ya, es un entretenido thriller político  que narra la sorprendente historia de Rose Dugdale, una aristócrata inglesa que renunció a sus privilegios para unirse al IRA (Irish Republican Army, nombre de varias organizaciones paramilitares nacionalistas irlandesas que lucharon contra la presencia británica en Irlanda, y más tarde contra la República de Irlanda, defensores de la lucha armada para conseguir la reunificación).

 

Como respuesta al Domingo Sangriento (“Bloody Sunday) de 1972 -ocurrido el 30 de enero en la ciudad de Derry, cuando un grupo de  paracaidistas del ejército británico abrió fuego a quemarropa sobre quienes se manifestaban pacíficamente contra la política de internamiento sin juicio del gobierno británico, matando a catorce personas-, considerado uno de los peores enfrentamientos en Irlanda del Norte, que agravó el conflicto entre  católicos y nacionalistas irlandeses y el ejército nritánico, el grupo que dirigía Rosa Dugdale llevó a cabo en 1974 un audaz robo de obras de arte en las aristocráticas mansiones de algunos nobles británicos.

Protagonizada por Imogen Poots ( Actriz revelación del Hamptons International Film Festival en 2012 por “Knight of Cups” y Mejor interpretación femenina en el Festival de Sitges en 2019 por “Vivarium”), y Tom Vaughan-Lawlor (“Love/Hate”, “Avengers: Infinity Wa”r, “Avengers: Endgame”), “Baltimore” (1) .es un retrato minucioso de la historia de la rica heredera inglesa Rose Dugdale, nacida en la nobleza terrateniente inglesa que se convirtió en militante del IRA, rebelándose contra el destino tradicional que le tenían preparado y radicalizándose tras las atrocidades del Domingo Sangriento.

Personaje fascinante aunque marginal en la sangrienta historia irlandesa, Rosa Dugdale organizó uno de los mayores  robos de obras de arte –en la majestuosa mansión de Russborough House, en el condado de Wicklow- con el objetivo de reunir fondos con la venta de los cuadros para conseguir la puesta en libertad de unos cuantos miembros del IRA encarcelados. El robo, y lo que sucede después, son el hilo conductor de una biografía, que no es exactamente un biopic, realizada a base de saltos en el tiempo y flashbacks de la infancia y el paso por la universidad de la protagonista, una joven que no se siente a gusto en su clase social y poco a poco encuentra su lugar en el militantismo nacionalista.  

 

(1) “Baltimore” se estrena en Madrid mañana viernes 13 de junio de 2025.

 

“Entre mareas”, el estimulante  mensaje del arte efímero de Quirce Codina   ¿Hay algo más sugestivo que el arte efímero, el que desaparece una vez realizado? Tan bello como solo la naturaleza puede serlo, el documental “Entre mareas” (1) –es decir, entre pleamar y bajamar- retrata la aventura artística, física y emocional que, junto a su pareja Ale – la cocinera mexicana Alejandra Guillén, “un dúo  con mentalidad New Age y Super-Ultra-Positivo”- ha llevado a cabo el artista catalán Quirze Codina -anteriormente  conocido por sus brillantes cuentas de resultados en el panorama del empresariado barcelonés-   recorriendo algunas de las playas más espectaculares del mundo, en las que realiza enormes  dibujos en la arena que el mar se encarga de finalizar,  y lanza a los cuatro vientos un mensaje de conservación medioambiental que le ha llevado a ganar un Premio Guinness por el mandala de sesenta metros de diámetro dibujado en la Playa de Mataleñas, en Santander.     El documental sigue a la pareja mientras, entre mareas, lleva a cabo  en la arena de las playas obras de arte efímero de gran formato, con las que quiere transmitir un mensaje de amor y esperanza, así como la necesidad de proteger el medio ambiente y aprovechar cada momento. .   Rodado en la mencionada playa de Mataleñas y en la de Langre, en la de Ballota en Llanes (Asturias),  en Torre de la Higuera en Matalascañas (Huelva), y en la Playa de Sotavento en Fuerteventura, el documental parte de una idea original del artista Quirce Codina, también productor y grotagonista, que ha escrito y dirigido el realizador catalán  Oriol Cardús (“Sal & Dean”, “Una pistola, una bala y un oso panda”). . En palabras del propio Quirze Codina, “el arte efímero nos recuerda lo hermoso y breve que es el mundo en el que nos ha tocado vivir. Constata la transitoriedad de la vida y nos habla de la mortalidad. Si se recuerda, es arte efímero, y si no se recuerda, no lo es”.  Pero, aunque el arte de Quirze es efímero, gracias a la tecnología actual, permanecen “”la belleza, la experiencia y el mensaje de que lo que hace trascendente  una obra no es su duración en un museo, sino su capacidad para inspirar y emocionar”.  (1) “Entre mareas” se estrena en la cartelera madrileña mañana jueves 12 de junio de 2025.

 

 

“Todo saldrá bien”, Una herencia envenenada

“Tan poética como política (…) con una poderosa crítica social” (Felipe Gómez Pinto, Cuadernos de cine)

 

 

 

Como sucede con gran parte de las herencias, la que el realizador hongkonés Ray Yeung nos cuenta en la película “Todo saldrá bien” (All Shall Be well, el título original es “Cóng jīn yǐhòu » que significa « a partir de ahora ») está más que envenenada; es un problema legal que solo se puede solucionar de forma dramática, porque siempre es un drama tener que renunciar a algún derecho.

 

Presentada en la Sección Panorama del Festival de cine de Berlin 2024, donde ganó el Teddy Award a la Mejor Película -reconocimiento internacional más importante para el cine comprometido con la diversidad sexual y de género- “Todo saldrá bien” es el cuarto largometraje del escritor y director independiente Ray Yeung (“Una primavera en Hong Kong”, “Front Cover”, “Cut Sleeve Boys”, ganador en 2021 del Premio Artista del Año que concede el Hong Kong Arts Development Council.), nacido en la colonia británica de Hong Kong,  tras una extensa y reconocida trayectoria de cine mayoritariamente de temática homosexual. La película, protagonizada por las actrices Patra Au (“Una primavera en Hoing Kong”, “The Narrpw Road”) y Maggie Lin Lin Li (“Qing chu”, “Tie chao ren”),  ha sido premiada también como mejor película LGTBIQ+ en los festivales de Gijón, Tesalónica, San Francisco y Copenhague.

 

Sensible y delicada –“Inteligente y profundamente conmovedora” (Josh Slater-Williams, Indoewire)- “Todo saldrá bien” cuenta la historia de Angie y Pat, una pareja de lesbianas sexagenarias, oficialmente solo “mejores amigas” aunque la familia acepta con toda naturalidad una relación  que dura desde hace treinta años. El equilibrio se rompe cuando Pat fallece repentinamente sin hacer testamento, lo que deja a Angie a merced de su familia política, con la que siempre ha mantenido una relación estrecha y cordial, a la que ahora tiene que enfrentarse no solo para cumplir la voluntad de la difunta, que sus cenizas se tiraran al mar, sino también para mantener su dignidad y conservar la casa que compró la pareja, y en la que han vivido desde que se conocieron.

Ambientada en el Hong Kong actual, “Todo saldrá bien” cuenta una historia que se repite a diario en la mayor parte del mundo: la de los inexistentes  derechos de una de las personas de una pareja  de hecho  (lo mismo si se trata de heterosexuales) cuando la otra fallece sin dejar testamento. Y no digamos cuando ocurre en un país donde está prohibido el matrimonio entre personas del mismo sexo, como es el caso de Hong Kong, territorio que desde el 1 de julio de 1997 (fecha de la retrocesión de lo que hasta entonces fue una colonia británica) reclama una China neocapitalista en lo económico y en teoría comunista en lo ideológico, y también muy puritana: “Mientras Pat está viva –explica el director Ray Yeung- Angie es una parte importante de la familia, pero al fallecer pierde su posición”. “La complejidad de las relaciones entre Angie y su familia política –donde se mezclan el afecto, el respeto, los celos y los intereses económicos, refleja la ambigüedad de la cuestión de la homosexualidad y su representación cultural en el seno de la sociedad hongkonesa” (lapointe.be). Conviene además tener presente que las protagonistas de esta historia pertenecen a un grupo particular de personas que además son “mayores” y que, para ellas, el hecho de estar juntas era suficiente, no necesitaban papeles que lo avalaran ni tampoco que lo supiera todo el mundo: “Al no estar protegida por la ley, la cultura o las costumbres, la familia política va a por ella y Angie va perdiendo su identidad y haciéndose invisible”.   Esta particularidad es, según su creador, la que hace que estemos ante una de las escasas películas que apuestan por un lenguaje únicamente visual  y carecen de  banda sonora: “El añadido musical habría llamado la atención del espectador y habría roto la atmósfera que milagrosamente construimos. Nuestra intención era cautivar  la atención mediante el silencio y la impotencia d Angie…”. Evitando caer en el melodrama, “Todo saldrá bien” (1)  es una película trágica que acompaña el recorrido emocional de Angie por  los intrincados laberintos del duelo, las complicadas dinámicas familiares y las  siempre crueles sutilezas jurídicas al tiempo  que, más allá de retratar una sociedad en la que todavía imperan las tradiciones,  reflexiona sobre algunos temas universales como la condición humana, el amor, la pérdida, las expectativas sociales, las relaciones familiares y las cuestiones relativas a la herencia   (1) “Todo saldrá bien se estrena en Madrid el próximo viernes 13 de junio de 2025.