« Septiembre dice », una dramática historia de familia sobre el amor y la emancipación

“Una balada irlandesa funesta y depresiva” (ecrannoir.fr)

 

Primer trabajo como realizadora de la actriz greco-francesa y militante feminista Ariane Labed (“Alps”, “Attenberg”, Copa Volpi a la Mejor Actriz en el Festival de Venecia 2010, “Assassin’s Creed” ), esposa del realizador Yorgos Lanthimos,  “Septiembre dice” (“September says”)  es una adaptación de “Hermanas”, la novela de suspense psicológico escrita por  la británica Daisy Johnson, sobre el paso a la edad adulta siguiendo a dos hermanas: la dócil Julio (Mia Tharia), de 15 años, y la dominante Septiembre (Pascale Kann), algo mayor, y a su madre Sheela (Rakhee Thakrar), una artistafotógrasfa soltera.  

“Septiembre dice” es un drama inquietante que tuvo su estreno mundial en la sección Un certain regard del último Festival de Cannes y posteriormente se presentó a competición en la Semana Internacional de Cine de Valladolid (Seminci).

Las hermanas Septiembre y Julio, nacidas con diez meses de diferencia, a las que su madre ha estado fotografiando siempre, desde que eran muy pequeñas como si fueran muñecas. Son inseparables –comen lo mismo, van a la escuela montadas en una única bicicleta y comparten un teléfono móvil- a pesar de lo opuesto de sus caracteres: una es protectora y la otra impulsiva. Cuando expulsan a Septiembre del colegio, Julio empieza a distanciarse.

Tras un misterioso incidente, las hermanas se refugian con su madre en una casa de vacaciones en Irlanda, la tensión entre las tres aumenta mientras algunos sucesos comienzan a alterar la realidad de Julio, lo que le lleva a cuestionar la relación que mantiene con su hermana.

El aislamiento hace que sus amistades las consideren marginales .Lo que iba a ser el comienzo de una nueva vida se transforma rápidamente en un siniestro y extraño complot, que pone a prueba la relación fraternal: Julio está decidida a emanciparse y escapar de la influencia de su hermana mientras que Septiembre sfre al ver cómo se aleja cada día más. Una relación que acaba convirtiéndose en un juego de poderes, en una tensión que confiere a la película un clima de thriller psicológico, una sensación claustrofóbica.

“Septiembre dice” es una película incómoda de mujeres extrañas, de un trío cuyo comportamiento pasa de  una relación de amor a una relación tóxica siempre en busca de un amor incondicional.

 

(1) A causa de las festividades de la semana, “Septiembre dice” se estrena en las pantallas madrileñas el miércoles 30 de abril de 2025.

"Todo lo que no sé": los errores también forman parte de la vida

“Sin moralismo alguno, pone sobre la mesa cuestiones como la dignidad, la soledad o el mismo sentido de la vida” (cinemanet.info)

 

“Todo lo que no sé” (1), primer largometraje escrito y dirigido por la cineasta vasca Ana Lambarri Tellaeche, está protagonizada por la actriz Susana Abaitua (“Loco por ella”, “4 Latas”, “El valle de las sombras”), quien da vida a Laura, una treintañera que tras una situación en la que perdió todo a nivel laboral, decide dedicar su vida a algo menos exigente. Le acompañan en el reparto entre otros  Francesco Carril (“Eva en agosto”, “Los años nuevos”), Natalia Huarte (“Las cartas perdidas”, “Qierer”, “Heridas”), Andrés Lima, Ane Gabarain, Stephanie Magnin, Iñaki Ardanaz, Fran Carlos y Mark Schardan.

Aunque ésta – “la película que habla de la ansiedad de los milenials” (Sara Heredia, SensaCine)- es historia de una sola protagonista, Laura, una mujer de 35 años que lleva una vida monótona y repetitiva, ayuda a su padre enfermo, trabaja en una tienda después de abandonar una vocación frustrada, comparte piso con una amiga y tiene un medio novio desesperado porque no consigue entenderla.

Esta aparente calma se ve alterada cuando decide retomar un antiguo proyecto tecnológico –confieso que, como la protagonista, es muchísimo lo que no sé y no haber entendido una sola palabra de lo que se trae entre manos- trabajando en una especie de factoría de nuevos talentos en la que periódicamente eligen patrocinar a alguien, facilitándole contactos y dinero para que haga realidad su propósito. En el camino para recuperar una parte de ella que creía perdida, toma una serie de decisiones que tambalean su entorno, enfrentándola con todas las personas que quiere y forman parte de su vida, y aceptando pagar el precio de  equivocarse el intentar encontrar su lugar en una sociedad “atormentada por la incertidumbre y la precariedad emocional”.

Si el cine es la posibilidad de vivir todas esas otras vidas que nos han sido negadas, la de Laura es una de las que no quiero para mí. En palabras de la directora “esta es la historia sobre una mujer buscando su sitio, aprendiendo a ser egoísta, para defender su derecho a descubrir quién es. Una historia sobre aprender a darse permiso a uno mismo para fallar, levantarse e intentarlo de nuevo”.

 

(1) “Todo lo que no sé” se va a estrenar en los cines de Madrid este viernes 25 de abril de 2025.

“Sujo”, el trayecto hacia la edad adulta del hijo de un sicario mexicano

“Esquemáticamente (lo que no dice la película) es que  las mujeres abren puertas allí donde los hombres bloquean el horizonte” (Thomas Pouteau, movierama.fr)

 

Ganadora del Gran Premio del Jurado en la categoría de cine dramático en el festival de Sundance y premiada en  San Sebastián y  Morelia, y en los Premios Gotham, “Sujo”, película dirigida por las mexicanas Astrid Rondero y Fernanda Valadez (“Sin señas particulares”) es el retrato sincero del paso a la adolescencia y la primera juventud, en un pueblecito mexicano de la Tierra Caliente de Michoacán, del hijo de un sicario que a los cuatro años asistió, desde el interior de un vehículo aparcado, al asesinato de su padre, traidor al cartel para el que trabajaba. Huérfano y desamparado Sujo crecerá en el campo tras ser encontrado por un pastor y  acogido por su tía Nemesia (Yadira Pérez, “Mujeres del alba”) a quien otros campesinos consideran una bruja, sorteando la adversidad y la pobreza y completamente al margen de la sociedad mexicana.

Como si fuera imposible escapar a su destino, llegado a la adolescencia Sujo (Kevin Aguilar en el papel del niño, Juan Jesús Varela de mayor, “Sin señas particulares”) termina integrándose en el mafioso cartel local –decidido a triunfar donde su padre fracasó-,  del que logrará salir para continuar una nueva vida alejada de la violencia. Instalado en la ciudad, Sujo aceptará trabajos descargando camiones para pagar el reducido espacio donde duerme, hasta el día en que se siente atraído por la clase de una facultad donde conocerá a Susan (Sandra Lorenzano, escritora y poeta argentina en su primer trabajo de actriz) una profesora argentina que da su nombre al cuarto capítulo de la película (los tres anteriores llevan los títulos de “El ocho”-nombre que lleva el padre de Sujo en la organización delictiva-, “Nemesia” –la tía que acoge al niño y que la opinión generaliza considera mitad bruja mitad lesbiana- y “Jay y Jeremy”, los nombres de los primos de Sujo que le visitan en su refugio).

Hay algo de imprevisible y de salvaje en esta película plagada de paisajes sombríos, horizontes lejanos  y cielos estrellados que, tras abordar el cuestionado tema del determinismo social se resuelve adoptando el optimismo de la libertad arrancada al fatalismo de una prisión a cielo descubierto.

Entre luces y sombras, realismo, un punto místico y unas gotas de realismo mágico, “Sujo” (1) –que en algunos países se ha estrenado con el título “Hijo de sicario” y cuyas primeras imágenes corresponden a un caballo de nombre Sujo que, igual que el niño del relato rompe las ataduras de su dueño y se pierde al galope por los inmensos páramos mexicanos- es un lento drama iniciático que dura unos minutos más de dos horas, un melodrama  que aborda las cicatrices que deja la violencia de los carteles de la droga en la vida de personas ordinarias y los traumas de la pérdida que se resisten a desaparecer y en ocasiones forman parte de la herencia: la figura del padre asesinado es una sombra que va a perseguir al protagonista durante el resto de su vida instándole a decidirse por el camino de la delincuencia.

 

 

(1) “Sujo” se estrena en Madrid el próximo viernes 25 de abril de 2025

Fundación Jiménez Díaz: Un abuso de poder o la excepción que confirma la regla

Durante la última década he tenido que efectuar, en tres ocasiones, estancias de distinta longitud en el hospital que durante muchos años conocimos como Clínica de La Concepción (un homenaje implícito a la esposa de su fundador), que el tiempo ha devuelto a su nombre original:  el del médico  Carlos Jiménez Díaz que lo creó en 1935 como Instituto de Investigaciones Médicas, por más que ahora apenas quedemos unas cuantas docenas de personas  que sepamos quien fue aquel  ilustre,  y respetado entre sus pares, doctor madrileño fallecido en 1967, y a pesar de que la obra de su vida –que ahora se conoce como Fundación Jiménez Díaz- haya pasado a engrosar ese emporio de la sanidad española llamado Quirón que cuenta con 57 hospitales y 127 centros sanitarios, según consta en la web corporativa (quironsalud.com).

Mencionaba al comienzo mis diferentes estadías en la Fundación con el firme propósito  de dedicarle todos los adjetivos  de carácter laudatorio que conozco, a pesar de lo cual no sé si conseguiré celebrar como se merece el trabajo de todo el personal sanitario –desde los especialistas que dirigen equipos numerosos, donde se forman las siguientes generaciones  de médicos, hasta los trabajadores de limpieza y mantenimiento- que se mueve por sus interminables pasillos, despachos, consultas y salas de espera. Estoy hablando de cientos, quizá miles, de profesionales amables, respetuosos, empáticos y capaces de una última sonrisa (si fuera necesario) a pesar de estar cumpliendo un exhaustivo horario, siempre “a bout de soufflé”, durante el cual se han enfrentado a todo tipo de situaciones límite, incluida la muerte.

Es justamente el carácter ejemplar del comportamiento de todos los trabajadores de la Fundación Jiménez Díaz lo que me impulsa a sacar del cajón de los recuerdos penosos el caso de la enfermera Laura, una prepotente y desagradable profesional quien, de servicio en la noche del 21 al 22 de marzo de 2025, quiso que quedara claro quién mandaba en la habitación 21 de Neumología donde una paciente de más de ochenta años, enferma, asustada y vulnerable, que llevaba una larga semana internada, lo que  esperaba en aquel momento era que alguien pudiera acompañarla al baño. No descarto que a la enfermera Laura le hubiera ocurrido algún percance desagradable en su casa o en la calle, pero en ningún caso puede ser una coartada que justifique tratar mal -maltratar- a un paciente.

Estábamos en que cuando la enferma esperaba que alguien le  ayudara a levantarse lo que irrumpió en la habitación, al grito de “Vengo a comprobar sus constantes”,  fue una mujer de larga melena rubia que arrastraba  un tinglado con los instrumentos para leerlas (presión arterial, saturación de oxígeno y temperatura). Con evidente enfado la paciente pidió que primero le llevaran al baño y, para su sorpresa, la enfermera Laura se echó sobre la barandilla de la cama gritándole (textual): “Lo primero son buenas noches, lo primero son buenas noches…Yo acabo de llegar y vengo de otra habitación con otro paciente”. A continuación se puso a comprobar las “constantes” y solo después, y después de decir en voz alta que la enferma se había enfadado, ordenó a alguien que le acompañara al baño.

¿Verdad o fake?

Los dos últimos párrafos de este escrito pueden ser una pesadilla, un cuento de terror inspirado por el cóctel de medicamentos que consumía diariamente o, por el contrario, una denuncia en toda regla del comportamiento prepotente y nefasto de una enfermera de la Fundación Jiménez Díaz con una paciente que se sintió como si hubiera vuelto a la infancia del colegio de monjas, cuando los castigos eran corporales. Que sea una u otra cosa depende únicamente de la enfermera Laura, ella sabe cómo encontrar mis coordenadas y pedirme disculpas.

La periodista Fatima Hassouna, muerta en un ataque israelí en Gaza, protagonista de un documental programado en el próximo Festival de Cannes.

Un bombardeo israelí sobre la casa de su familia, en el barrio de Al Tuffah, en el norte de Gaza, acabó el pasado miércoles 16 de abril de 2025, con la vida de la periodista gráfica Fatima Hassouna, de 25 años, así como con la de una decena más de miembros del clan familiar, que sobrevivieron a otro dos bombardeos israelíes el 7 de octubre de 2023 y el 13 de enero de 2024

 

El azar ha querido que, pocas horas antes de su muerte, la organización del setenta y ocho Festival de Cannes, que se va a celebrar del 13 al 24 de mayo próximos, anunciara que va a proyectar, en la selección “Acid”, el documental “Put Your Soul on Your Hand and Walk” (“Pon tu alma en tu mano y camina”), de la realizadora iraní Sepideh Farsi, cuya protagonista es precisamente la periodista fallecida, convertida en portavoz de los gazatíes, víctimas de la guerra genocida que lleva a cabo el ejército israelí a las órdenes de su presidente Benjamín Netanyahu.

 

Sepideh Farsi, autora del documental que tiene una duración de casi dos horas y está construido a base de conversaciones “on line” entre las dos mujeres, habla de Fatima Hassouna como de una joven valiente que acudía a los lugares de las masacres “para poder hacer fotos, a pesar del riesgo frecuente de un segundo ataque en el mismo lugar”, y define la película como “una ventana abierta gracias al milagro de haber conocido a Fatem (apodo de Fátima), quien me permitió ver fragmentos de la masacre que se está llevando a cabo con los palestinos  (…) Fatem se convirtió en mis ojos en Gaza y yo  en un enlace entre ella y el mundo exterior. Mantuvimos esta línea vital durante casi un año.. Los fragmentos de pixels y de sonidos que intercambiamos se han convertido en esta película que vamos a presentar en el Festival ».

 

Fatma Hassouna, hija de un taxista, no había saludo nunca del enclave palestino y esencialmente fotografiaba su barrio y su entorno.  La realizadora no olvida las confidencias de la joven asesinada, reproducidas en el diario “L’Orient-Le Jour”: « La ocupación israelí quiere eliminarnos, hacerse con nuestras tierras. Quieren que nos vayamos y nosotros queremos quedarnos. Yo no pienso marcharme nunca de Gaza ».

 

La periodista Marianne Leroux, de la redacción de Cultura del canal público  France Télévisions, se hace eco del homenaje que han querido rendir a la periodista fallecida los organizadores de la sección “Acid” (Asociación del Cine Independiente para su Difusión), donde se va a estrenar el documental: “Pudimos ver, y programamos, una película en la que la fuerza vital de esa joven era casi milagrosa. Ya no es la misma película que llevaremos, apoyaremos y presentaremos en todas las salas de cine, empezando por Cannes. Todos nosotros y nosotras, cineastas y espectadores, debemos ser dignos de su luz”.

 

 Desde que en octubre de 2023 comenzara la guerra entre Israel y Hamas, en Gaza han muerto 157 periodistas y trabajadores de medios de comunicación, según los datos proporcionados por la Federación Internacional de Periodistas (FIJ). En un comunicado, Amande Bazerolle, coordinadora de Urgencia de Médicos sin Fronteras (MSF) en Gaza, asegura que la franja « se ha convertido en una fosa común para los palestinos y quienes vienen a ayudarles. Estamos asistiendo en tiempo real a la destrucción y al desplazamiento forzoso de toda la poblacoón de Gaza ».  

 

Según la publicación digital “AJ+”, perteneciente al grupo mediático de Al Jazeera, Fatima Hassouna había dejado escrito: “Si muero, quiero que sea una muerte atronadora (…) Quiero que el mundo entero oiga hablar de mi muerte. Quiero que tenga un impacto que no se destiña en el tiempo. Quiero que se publiquen unas imágenes que no puedan ser enterradas ni en el espacio, ni en el tiempo”. 

“El casoplón”, unas vacaciones de okupas

Verano en Madrid. Carlos y Toñi tienen tres hijos pequeños, dos niñas y un niño. Él trabaja en una empresa de jardinería y ella es vendedora de cremas a domicilio. Viven en un pequeño piso en Móstoles, el calor es insoportable y para colmo se les estropea el aire acondicionado. De modo que, mientras Carlos se encuentra trabajando en un enorme chalet de La Moraleja, con los dueños ausentes, se presentarán allí Toñi y los niños para pasar la tarde. Pero le cogen el gusto y se quedan a dormir.

Lo que iba a ser una escapada puntual del bochorno veraniego se convierte en unas vacaciones inolvidables y llenas de aventuras, entre mansiones y vecinas famosas: aquí es donde aparece la cantante Edurne, habitante de una de las casas de ricos y famosos de la zona y autora también de la canción “Bailar con viento”, que forma parte de la Banda sonora de una película que, según la promoción que no comparto, “transformará a esta familia para siempre y les hará replantearse lo que de verdad es importante”. En los sillones de muchas peluquerías se sientan mujeres como la protagonista de esta película, frustradas porque se estropea el aire acondicionado pero sobre todo porque creen que han nacido en el lado equivocado de la historia.

“El casoplón” es una historia tonta, predecible y absurda, dirigida por Joaquín Mazón ( “Cuerpo  de elite”, “La familia Benetón”, “De perdidos a Río”) e interpretada por Pablo Chiapella (La que se avecina) y Raquel Guerrero (Machos Alfa). Una comedia  que aborda temas como “las aspiraciones sociales y los valores que se transmiten a los hijos” que, en este dejan mucho que desear: la madre querría ser lo que no es –rica y famosa-, portada del “Hola”,   y el padre se deja arrastrar hasta llegar a compartir el deseo de una vida que nada tiene que ver con su realidad. Completan el reparto los niños Nerea Pascual, Noah Casas y Álvaro Lafuente, y el actor Iñaki Miramón.

 

Su director, Joaquín Mazón, está muy satisfecho del resultado:

"El Casoplón’ es una de esas comedias que cuando la terminas tienes la sensación de haberte divertido tanto rodándola como al ver el resultado final. Una película donde los más pequeños y los adultos han conseguido disfrutar durante el rodaje, combinando una bonita historia de familia con la locura más divertida que te puede dar un verano diferente y peculiar (…) He disfrutado muchísimo jugando e improvisando con el reparto, donde cada personaje tiene un rol muy definido. Estoy muy feliz por poder compartir esta historia, que puedo decir, es una de las películas más divertidas que he rodado".

 

(1) Debido a que esta semana tiene dos días festivos, las películas se estrenan el miércoles 16 de abril de 2025 (en lugar del viernes, como es habitual). .

“La Luz de Aisha”, animación para toda la familia en una historia del siglo XI

"Un film concebido para los más pequeños, aunque ambicioso en cuanto a temática y complejidad argumental. (...) la plasticidad de los fondos (...) y el colorido suplen carencias. Simpática…”  (Sergio F. Pinilla, Cinemanía”)

 

 

“La luz de Aisha” es una película familiar de animación, debut en el largometraje de  la cineasta iraní afincada en Alemania Shadi Adib, que cuenta la emocionante aventura de Aisha, una heroína poco convencional protagonista de una historia universal que preconiza valores como la tolerancia, la confianza y la amistad.

Los actores Michelle Jenner, Nerea Rodríguez, Jordi Sánchez y José Posada han puesto voz a los protagonistas de esta fábula escrita por Xavier Romero y Llorenç Español, que recibió el Premio al Mejor Guion de Animación en el Festival Internacional de Stuttgart, Alemania.

En el siglo XI Aisha vive en el reino de Al-Andalus (nombre que daban los árabes a la actual Península Ibérica), donde los fuegos artificiales son el espectáculo más popular. Su sueño es convertirse en una gran maestra pirotécnica, emulando al legendario Mestro Hao; pero su padre, Ahmad, quiere que continúe la tradición familiar de la caligrafía. Cuando el alquimista Txawir engaña a Aisha para que robe un peligroso libro custodiado por su padre, Ahmad es encarcelado. Aisha emprenderá entonces un viaje lleno de aventuras para recuperar el libro y conseguir la libertad de su padre.

La película cuenta en su equipo con el director de animación Raúl García, el primer español empleado por Disney: a él se deben, entre otros,  el genio de “Aladino”, las hienas de “El Rey León” y el mapache de “Pocahontas”, así como algunos de los personajes de “la Bella y la Bestia” y otros clásicos de la animación. En una entrevista con TVE, Raúl García explica el personaje de Aisha: "Es como un paquete de pólvora a punto de estallar, nunca mejor dicho. Una joven que lucha por sus sueños, una chica que no admite un no por respuesta. Imagína lo rara que debía ser esa rebeldía en una jovencita del Siglo XI que va contra la tradición, contra las costumbres e incluso contra su familia (…) También queríamos retomar esa idea de que  la sabiduría ancestral está en manos de las mujeres. Pero lo más importante de Aisha es que se trata de  una heroína con fuerza, muy alejada de las típicas princesitas y que comete errores, pero su mayor fortaleza es aprender de ellos".

 

 

 

 

(1) “La luz de Aisha” está en los cines madrileños desde este viernes 11 de abril de 2025.

 

 

 

 

 

“Misión Panda en Africa”, cine familiar que habla de tolerancia y aceptación del otro

 

 

“Misión Panda en Africa”, largometraje de animación realizados por dos consagrados veteranos del género: el alemán Richard Claus (“El príncipe de los ladrones”, “Ainbo, la guerrera del Amazonas”, Premio Platino a la Mejor Película de Animación) y el danés Karsten Killerich (“¡Socorro, soy un pez”, “When Life Departs”, nominada al Oscar a Mejor Cortometraje de Animación), presentado en la Sección Oficial del prestigioso Festival Internacional de Annecy, es una historia de amistad entre criaturas de orígenes diferentes – un oso panda y una dragona- que aprenden a comunicarse, aceptarse y respetarse, y acaban siendo amigos.  Un relato atemporal  de aventuras en un mundo de fantasia poblado por animales parlantes, en el que no hay seres humanos ni tampoco países, fronteras, gobiernos o ejércitos.  Pang es un joven panda que crece en un idílico pueblo del corazón de china.  Cuando dos criaturas llegadas de Africa, un cocodrilo y un babuino, secuestran a su mejor amiga, la dragona Jielong para regalársela por su cumpleaños a un joven y caprichoso león destinado a heredar la dorona de su padre, Pang no duda ni un segundo  en que tiene que salvarla, y se embarca en una aventura que le llevará hasta África! Con la ayuda de un travieso mono, Pang conocerá nuevos amigos y descubrirá todo el esplendor de un continente poblado por montañas y desiertos, totalmente desconocido para los pandas.  Cine familiar recomendado para niños a partir de los seis años –los adultos tendrán que hacer el esfuerzo de dar marcha atrás en el tiempo- , “Misión panda en Africa” es una comedia de aventuras coproducida entre Dinamarca, Holanda, Alemania, Francia y Estonia, simple, divertida y no excesivamente original, destinada a ese público muy joven que va a conocer la existencia de una variedad de personajes –pandas, leones, dragones, hienas y monos- que recorren los continentes de  Asia Y Africa, y en el que no faltan las referencias a los grandes del género, como “El rey León”:  la presencia del cachorro preparándose para convertirse en el rey de la jungla, y de las hienas hambrientas, nos lleva inevitablemente a pensar en el clásico de Disney. En el viaje de un continente a otro, salpicado de trampas y encuentros sorpresivos, el pequeño panda descubrirá un mundo que desconocía y vivirá unas emociones que le enseñaran a apreciar los valores de la amistad y la ayuda mutua. En su periplo tendrá que enfrentarse con aterradores hipopótamos, desconfiadas hienas y los consejos de sabios gorilas. Pang conseguirá salvar a Jielong, su amiga dragona. A los habituales recursos del género –resbalones, caídas, espectaculares saltos entre montañas y combates contra loa elementos- se añaden la gran diversidad de personajes de animales –rinocerontes, suricatos, chacales, elefantes jurafas…- que tienen papeles secundarios y  es fácil identificar con los seres humanos más cercanos y familiares: “Los personajes y la intriga – ha explicado Karsten Killerich, uno de los realizadores- están inspirados en fábulas y cuentos que existen en todas las cultuyras del mundo. Conocemos, por ejemplo, antiguas historias de animales de los Países Bajos que datan de la Edad Media, como “El romance del zorro”, pero también obras más contemporáneas como las de Anton Koolthaas, periodista, novelista y cineasta fallecido en 1992. En esta tradición holandesa, los personajes humanos, los valores y los conflictos, están encarnados en toda una variedad de animales antropomórficos”. Por su parte, Richard Claus, el otro autor, precisa que “Misión Panda en Africa” es como una historia de peces fuera del agua (…) en la que subyacen valores como la tolerancia y la comprnsión: “Tengo una hija de seis años y, además de leerle toda clase de historias, juntos inventamos otras (…) Sus personajes preferidos son los bebés animales que, en su mayoría, proceden de Africa. Realmente fue así como nació la idea de trabajar con personajes de animales africano. La idea de que fuera un panda ejemplo de tolerancia y generosidad fue de la productora Chantal Nissen. Como mi mujer es de Kenia y nuestros hijos son mestizos, la tolerancia tiene una importancia enorme en nuestra vida” (1) « Misión Panda en Africa » llega a la cartelera madrileña mañana, viernes 11 de abril de 2025.

 

"El segundo acto" de Quentin Dupieux: actores cinco estrellas para una historia de cine dentro del cine

 

« Una comedia genial sobre lo que ocurre entre bastidores de un rodaje, en el que  la realidad juega al ratón y al gato con la ficción » (Jerome Vermelin, LCI).     Del realizador francés Quentin Dupieux (“Fumar hace toser”, “Realité”, “Daaaaaaalí”),  su décimotercera película, “El segundo acto”, fue la que inauguró la pasada edición del Festival de Cannes, y compitió en el Festival de Sitges, interpretada por cuatro de los actores más “de moda” en el actual cine francés: Lèa Seydoux (“La vida de Adéle”, “Dune: segunda parte”, “Morir puede esperar”), Louis Garrel (“Les Rêvers”, “Mujercitas: Las cuatro hijas del Doctor March”, “El hombre fiel”, “La belle personne”), Vincent Lindon (“Titane”, “La ley del mercado”, “Jugar con fuego·, “El guerra”), y Raphael Quenard (Premio al mejor actor revelación 2024 por “Le grand Chien”, “Jeanne du Barry”), quienes comentan los papeles qe están interpretando en un rodaje, burlánse de ellos.

 

En lo que es una crítica acerba del star-system y su último hallazgo, la Inteligencia Artificial (IA),  en un restaurante de carretera situando en mitad de la nada Florence quiere presentar a su padre, Guillaume, al hombre del que está enamorada. Pero el elegido, David, no se siente atraído por la joven y quiere desembarazarse de ella arrojándola en brazos de su amigo Willy. En lo que –como dicen en la crítica de France Télévision- más que otra cosa parece uno de esos sketches que, para aligerar una ceremonia –las entregas de premios- que se repite año tras año con pocas variaciones,  los cuatro actores que interpretan a otros tanto profesionales del oficio componen una comedia realizada por una IA, con un tempo ritmado por largas secuencias que un figurante (Manuel Guillot, “Los gustos y los colores”, “A las puertas de la eternidad”) se encarga de poner patas arriba.   Ya mucho antes, en el primer intercambio entre el supuesto enamorado y el padre de la novia, aparece  todo un catálogo de expresiones machistas y racistas, en una amalgama que revuelve todo y mezcla homosexuales, con transexuales y disminuidos, junto a una denuncia de los abusos de poder que se cometen en el mundillo del cine, y una reflexión sobre el proceso creativo y el eterno, y nunca acabado, problema que plantea el intento de separar al hombre del artista.   ¿Tenemos que ser capaces de distinguir entre ambas facetas o, por el contrario, el hombre y el artista son igualmente responsables de los abusos, las agresiones e incluso las violaciones que se cometen sobre la base de quién ostenta el poder (económico o intelectual) y quien es su víctima? “El segundo acto” (1) se proyectó en Cannes mientras se iban inflando los  rumores sobre el pésimo comportamiento de varios productores, realizadores, actores y otros profesionales en materia de violencia sexista y sexual.   Llega un momento en que los cuatro actores dejan caer las máscaras,  “revelan sus estados de ánimo”, y  lo que había empezado casi como una comedia costumbrista se transforma en una denuncia de los caprichos y los prejuicios del oficio, empezando por el más cruel de todos: la edad (afortunadamente asistimos al aumento progresivo de personajes que han llegado a “la tercera edad” e incluso la sobrepasan) (1) “El segundo acto” llega a los cines de Madrid este viernes 11 de abril de 2025.

 

 

 

 

“La niña de la cabra”, la infancia sigue siendo la verdadera patria

 

“La infancia está llena de misterios y los niños, con su curiosidad innata, suelen intentar descifrarlos enfrentándose a sus propios miedos” (Julia Olmo, Cineuropa)

 

 

En un Madrid con escasa circulación, en el crice de las calles Campoamor y Santa Teresa (pero igual podría ser cualquier otra confluencia), con varias décadas menos a mis espaldas, es un día festivo, no hay colegio y yo estoy en camisón,  asomada al balcón contemplando el espectáculo  del gitano de melena reluciente, su famélica cabra que hace filigranas para conseguir apoyar las cuatro pezuñas en un minúsculo taburete y la pequeña gitanilla que se agacha para recoger las monedas de una peseta que arrojamos desde los balcones. Me gustaba verles repetir el único número que dominaba la cabra, me gustaba aplaudir fuerte para que levantaran la cabeza y me sonrieran. Yo estaba en ese tiempo de los sueños, cuando fantaseaba con escaparme con un circo para recorrer el mundo dando vueltas a la pista,  sobre un caballo y vestida con lentejuelas.

Melancólico y militante de causas justas, “La niña de la cabra”, segundo largometraje de la directora madrileña (y residente en Estados Unidos) Ana Asensio (“Most Beautiful Island”, Gran premio del Jurado en el Festival del Film y de la Televisón, SXSW, que se celebra cada año, durante el mes de marzo en Austin, Texas), me ha devuelto a la escena del balcón y a la felicidad de algunos de mis mejores años.

Yo hablaba de los años sesenta, pero mi sorpresa ha sido comprobar que veinte años después los gitanos seguían exhibiendo a su cabra por las esquinas y que “La niña de la cabra” es una aventura que seguimos compartiendo protagonizada por la pequeña Elena (Alessandra González), quien en su primera experiencia cinematográfica, que transcurre en el Madrid de los últimos años 1980, y mientras asiste a las clases del cura de la parroquia preparándose para hacer la primera comunión, tiene que pasar el trago de la muerte de su abuela, con quien se entendía muy bien, y encontrar algún sentido al reducido mundo de su entorno; un empeño en el que cuenta con la ayuda de la preadolescente “Serezade” (Juncal Fernández, bailaora).

La historia se desarrolla en el mes de mayo, con la llegada del calor, las fiestas de San Isidro y el final del año escolar. A través de los curiosos ojos de Elena, seguiremos su día a día tratando de dar sentido a las enseñanzas de la catequesis, la tensión que percibe entre sus padres, sus preguntas en torno a la muerte y su creciente fascinación por Serezade y su cabra.

Cine familiar distinto al habitual, entre realidad y fantasía  “La niña de la cabra” (1) se ha presentado en el reciente Festival de Málaga como una llamada de atención sobre la diferencia que existe entre el mundo infantil y el adulto vistos desde la mirada inocente de la pequeña Elena, que no entiende de racismo ni de clases sociales y  se aburre en las charlas del cura sobre la maldad, los pecados y el infierno

El interés de la directora, Ana Asensio –también guionista y actriz que actualmente vive en Nueva York-  por realizar esta película parte del deseo de plasmar los recuerdos de su infancia: "Tengo vívidos recuerdos de mi infancia,  más que de cualquier otro periodo de mi vida. Me pregunto si la forma en que recuerdo las cosas ha cambiado con el tiempo, como si reeditara las escenas de una película o si siempre fueron como las imagino actualmente. A veces, la mayoría de las veces, esos recuerdos son sensoriales: el sabor de la leche y las galletas, el sonido de una canción de aquella época o el olor de los lápices de colores", comenta Asensio.

 

(1) “La niña de la cabra” estará en los cines madrileños a partir del viernes 11 de abril de 2025.