« Núremberg », Nunca más

 

Finalizada la Segunda Guerra mundial los Aliados, que incluían también a Rusia,  se enfrentan a la pregunta del millón: ¿qué hacer con los oficiales nazis directamente responsables de ordenar las diversas formas de liquidación de los judíos y otras min orías? La respuesta fue Núremberg, un proceso que comenzó hace exactamente ochenta años, el 20 de noviembre de 1945,en el que un tribunal internacional, compuesto por un juez de cada uno de los países vencedores, se encargó de juzgar a los principales criminales de guerra nazis. .

La película « Nuremberg », escrita y dirigida por James Vanderbilt (« La verdad »), es un drama que reconstruye lo ocurrido en aquellas sesiones que finalizaron con la ejecución, por ahorcamiento, de los principales  militares de alta graduación nazis. Y lo hace a través de la mirada del doctor Douglas Kelley, psiquiatra y oficial de la Inteligencia del ejército estadounidense, encargado de entrevistarse con los militares nazis procesados.

“Núremberg”, basado en la novela “El nazi y el psiquiatra”, publicada en 2013 por el periodista estadounidense Jack El-Hai, está interpretada Russell Crowe (“Gladiator”) y Rami Malek (“Bohemian Rapsody”), dos actores que cuentan con un Oscar entre los premios conseguidos, que dan vida respectivamente a Herman Göring, uno de los más temibles oficiales nazis, autor intelectual del exterminio de miles de judíos (y gitanos, homosexuales, y otras minorías), y al psiquiatra Douglas Kelley, encargado de evaluar la salud mental de los encausados y decidir si fueron responsables directos de los cargos que se les imputaban.

 

 Les acompañan Michael Shannon (“Animales nocturnos”, “Revolutionary Road”), Richard  E. Grant (“¿Podrás perdonarme algún día?”),  Leo Woodall (“Bridget Jones: Loca por él”) John Slattery ("Mad Men"), Colin Hanks ("Fargo") y Lydia Peckham (“El reino del planeta de los simios”). 

 

Un álbum de fotos inéditas (1), encontrado en los archivos del Memorial de los Niños del pueblo francés de Izieu (2), ha ayudado a desvelar lo que ocurrió entre bastidores en el proceso histórico, y las innovaciones técnicas que posteriormente sirvieron para definir los crímenes de guerra y sentar las bases de la justicia penal internacional que ha llegado hasta nuestros días. .

 

 "Núremberg explora la frágil frontera entre la justicia y la venganza tras una atrocidad inimaginable. A medida que pasan los años de aquel momento sin precedentes en la historia, es más urgente que nunca rememorarlo", ha comentado el director  James Vanderbilt, quién tiene una prolífica carrera como guionista y, antes de llevarla ante el gran público,  ha exhibido su película en los festivales de Toronto y San Sebastián.

 

 “Nuremberg” nos sitúa de pleno en los juicios celebrados hace 80 años por los Aliados tras la derrota del régimen nazi. El psiquiatra estadounidense Douglas Kelley (Rami Malek) es designado como responsable de evaluar la salud mental de los prisioneros y determinar si son aptos para ser juzgados por sus crímenes de guerra. De la noche a la mañana, Kelley se verá inmerso en una compleja batalla de ingenio contra Hermann Göring (Russel Crowe), mano derecha de Hitler y uno de los hombres más temibles del régimen instaurado por los nazis.

 

Cerca de trescientos mil testimonios, 6.600 evidencias contenidas en 42 volúmenes… cuando habían transcurrido solamente seis meses del final de la Segunda Guerra mundial, el 20 de noviembre de 1945 comenzó en Núremberg el juicio de 21 altos dignatarios nazis que, en audiencia abierta al público, tuvieron que responder de sus crímenes ante un tribunal internacional excepcional. “La auténtica acusación es la civilización”, manifestaba  entonces el fiscal estadounidense Robert Jackson en la sala 600 del tribunal, donde ante casi trescientos periodistas que contaron al mundo todo lo ocurrido, fueron juzgados entre otros Hermann Göring, número dos del régimen nazi; Joachim von Ribbentrop, diplomático, miembro del partido nacional-socialista, embajador de Alemania en el Reino Unido y posteriormente ministro de Asuntos Exteriores del Tercer Reich; y Rudolf Hess, adjunto de Adolf Hitler tras los suicidios de Joseph Goebbeld y Heinrich Himmler.

 

Los juicios de Núremberg se celebraron en cuatro lenguas –por primera vez en traducción simultánea y directa-  en una ciudad en ruinas, que había sido primero ciudad imperial y después símbolo del nazismo –donde Hitler celebraba grandes concentraciones y donde promulgó en 1935 las “leyes anti-judías”-, y donde  milagrosamente seguían en pie el Palacio de Justicia y la cárcel anexa. Los fiscales encargados de la acusación llegaron de Francia, Reino Unidos, Rusia y Estados Unidos. Los acusados tuvieron que responder de complot, crímenes de guerra, crímenes contra la paz y, por primera vez en la historia, crímenes contra la humanidad definidos como “el asesinato, exterminio, esclavitud, deportación y cualquier otro acto inhumano cometido contra cualquier población civil antes o durante la guerra, o buen las persecuciones por motivos políticos, raciales o religiosos”. Hubo que esperar hasta 1948 para que el derecho internacional reconociera el crimen de genocidio.

 

Como se esperaba, todos los acusados se declararon no culpables (nicht schuldig). La proyección de imágenes grabadas por los Aliados y  los testimonios de supervivientes de los campos de internamiento y exterminio nazis revelaron al mundo la magnitud de los crímenes cometidos por el Tercer Reich. Entre los encargados de investigar los delitos cometidos por los acusados destaca el militar Ben Ferencz, a quien el general Telford Taylor encomendó la misión diciéndole: “Usted sabe lo que pasó”.

La sentencia llegó el 1 de octubre de 1946: doce condenas a muerte (una en ausencia del procesado para Martin Bormann, secretario de Hitler, cuya muerte se ignoraba entonces), tres condenas a prisión perpetua y dos penas de veinte años de cárcel, una de quince años y otra de diez. El 16 de octubre de 1946, a la una de la madrugada, se ahorcó a todos los condenados con excepción de Hermann Göring, quien horas antes se había suicidado en la celda mordiendo una cápsula de cianuro. Todos los cuerpos, incluido el de Göring, fueron incinerados y sus cenizas arrojadas a un afluente del río Isar, para evitar que las tumbas pudieran convertirse en lugares de peregrinación y homenaje.  

Recuerdo de todo lo que pasó hace ochenta años en la ciudad bávara, la película “Nuremberg” (4) que esta semana se va a estrenar en España, es un thriller psicológico, un drama y una lección de memoria histórica. Si bien es cierto que –como ha destacado buena parte de la crítica internacional- no nos enseña nada que no conociéramos, evocar aquellos acontecimientos puede tener hoy, cuando los movimientos ultraderechistas se abren paso en diferentes ciudades europeas y algunos de ellos se proclaman abiertamente pro-nazis,  la virtud de ayudarnos a reflexionar sobre lo que puede suceder en el futuro. Enfrentarnos hoy a lo que significaron los juicios de Núremberg es imposible sin pensar en “los genocidios, las guerras y la represión de estados autoritarios, ultraconservadores y hasta declaradamente herederos del nazismo, y sin preguntarnos si llegará el día en que sus  responsables tengan que rendir cuentas” (rogerebert.com).

. (1) Se trata de  fotografías excepcionales tomadas por el fotógrafo estadounidense Charles W. Alexander, que trabajaba para el ejército de Estados Unidos desde antes de la conferencia preparatoria de los juicios, celebrada en agosto de 1945 en Londres. Según el historiador alemán Matthias Gemählich, co-autor del libro que las recoge, « los aliados tenían opiniones diferentes sobre las bases jurídicas, los cargos, el desarrollo del proceso y otras muchas cuestiones. El álbum no nos descubre nada sobre esas diferencias, pero en él están todos los protagonistas ». Más allá de las grandes figuras, también podemos descubrir a muchos de los ochenta testigos citados por el tribunal, muchos de ellos supervivientes de los campos, que describen las condiciones inhumanas en que estuvieron detenidos y las sevicias sufridas

(2) Les « niños de Izieu » eran un grupo de 44 niños judíos de distuntas nacionalidades, refugiados en una casa transformada en colonia de vacaciones durante la Segunda Guerra mundial, en el territorio francés de Izieu, en el departamento de Ain. Hasta 1942, Izieu estaba en “zona libre”, cerca de Suiza; después, el pueblo quedó englobado en la « zona de ocupación italiana ». El 8 de septiembre de 1943, Italia capituló y el ejército alemán ocupó la ona, intensificando las persecuciones antisemitas.  Tras una razia de la Gestapo, los niños fueron deportados el 6 de abril de 1944, y después exterminados en Auschwitz con excepción de los dos mayores, deportados y asesinados en Tallín (Estonia).  Seis de los adultos que les cuidaban fueron denunciados por un ciudadano francés de la localidad de Metz, y también ejecutados.

 (3) La familia de Benjamin B. Ferencz,  huyó de Europa en 1921 escapando de la persecución de los judíos húngaros. Cuando llegaron a Estados Unidos Benjamin tenía diez meses. Una infancia miserable no le impidió conseguir una beca para estudiar en la prestigiosa escuela de Derecho de Harvard. En 1943, ya licenciado, ingresó en el ejército estadounidense y participó  en la liberación de Francia, tras desembarcar en Omaha Beach. Al final de la guerra, fue ascendido a sargento y encargado de investigar los crímenes nazis. De Buchenwald a Mauthausen, pasando por Dachau, descubrió todo el horror del sistema concentracionario creado por el Tercer Reich. Terminado el conflicto, fue elegido fiscal representante de Estados Unidos en el “mayor proceso de la Historia”, donde se juzgó a 24 de los principales responsables nazis como autores intelectuales de la masacre de más de un millón de civiles. Durante toda su vida, Ben Ferencz estuvo obsesionado por la repetición de un nuevo Holocausto. Se convirtió en un abogado comprometido, luchando por la creación de una justicia internacional. Falleció a los 103 años, en 2023, en Florida.

(4) “Nuremberg” se va a estrenar en Madrid el próximo viernes 28 de noviembre de 2025.

 

“Singular”, el abismo insondable de la IA

“La película analiza cómo la tecnología no es solo un instrumento, sino un espejo que devuelve una versión distorsionada de nuestra memoria, de nuestros afectos y de lo que creíamos irrevocablemente perdido. En la era de la IA, Gastesi pregunta: ¿qué queda de lo humano cuando todo puede replicarse?” (Cineconn.es)

 

 

« Singular » es un thriller psicológico de ciencia ficción realizado por Alberto Gastesi (“La quietud en la tormenta”), también autor del guión junto a Alex Merino (“La quietud en la tormenta”),  y protagonizado por Patricia Lopez Arnáiz (Premio Goya por “Ane”, “Nina”, “20.000 especies de abejas”) y  Javier Rey (“8”, “La última noche en Tremor”, Biznaga de Plata por “Sin fin”), junto al debutante Miguel Iriarte,  que se ha estrenado  en la sección oficial del reciente Festival de Sitges.

 

Inspirada, según su director en referencias cinematográficas de ciencia ficción -como “Blade Runner”, “A.I. Artificial Intelligence”, “Ex Machina” y “Arrival”-, la historia de  este thriller que se pregunta qué sabemos realmente de los límites de la inteligencia artificial , y reflexiona sobre el duelo, comienza cuando, doce años después de la muerte de su hijo, Diana prepara su tesis sobre inteligencia artificial cuando Martín,  su exnovio y padre del niño fallecido, le invita a reencontrarse y pasar un fin de semana en su antigua casa del lago. Ella es especialista en tecnologías de última generación, él abandonó su profesión para vivir retirado de la civilización.

 

Cuando en la casa aparece Andrea, un enigmático joven que guarda  un misterioso parecido con el hijo fallecido, Diana piensa que Martín ha podido dedicar los últimos años a fabricar un robot capaz de reemplazar al hijo desaparecido. El regreso al lugar donde fueron felices, y donde está enterrado el niño, hace afloran antiguos secretos, reabre heridas cerradas en falso y despierta nuevas sospechas.

 

Arriesgado y controvertido , el largometraje “Singular” (1) –que se mueve en el terreno de lo inesperado y fantástico- se pregunta si algún día llegaremos a estar en condiciones de plantear alguna forma de “encuentro” entre sentimientos y emociones profundas y avances tecnológicos, muy lejos todavía de haber dicho su última palabra.

(1) “Singular” se va a estrenar en los cines de Madrid el próximo viernes 28 de noviembre de 2025.

 

“Reina Madre” de Manele Labidi, un poco de realismo mágico para endulzar la inmigración y el exilio

Comedia social y fantasía “Reina Madre” es  una historia que recoge los recuerdos de una familia de inmigrantes en Francia en los años 90, cuando no siempre resultaba fácil sentir que habían encontrado  su casa. La directora franco-tunecina Manele Labidi (“Un diván en Túnez”) dirige su segunda película con un reparto encabezado por una estupenda Camélia Jordana (“Las cosas que decimos, las cosas que hacemos”) -actriz, compositora y cantante-  en un personaje que parece tallado a su medida; junto a ella  Sofiane Zermani (“Sin aliento”), Damien Bonnard (“Pobres criaturas”, “Los miserables”) y la joven Rim Monfort, de 13 años, en el papel de la adolescente Mouna.

 Amel es una mujer con temperamento, una gran estima y  mucha ambición para sus dos hijas, que asisten a una escuela católica cercana. Con Amor, forman una pareja que se entiende muy bien. A pesar de las dificultades económicas, no piensa abandonar el barrio donde viven de alquiler. De vuelta en Francia tras unas vacaciones, Amel y Amor reciben una carta en la que el dueño les dice que tienen que dejar la casa porque la necesita para su hijo.. Mientras intentan hacerse a la idea, su hija adolescente  Mouna empieza a tener visiones del fantasma de Carlos Martel (1), a partir de una clase de historia en la que le explican que fue un militar detuvo a loa árabes en Poitiers en el año 732.  

 La familia vive del trabajo de Amor como electricista, mientras que Amel se niega a trabajar: sabe que, sin ninguna cualificación, a lo máximo que puede aspirar es a que la contraten como criada, algo que su orgullo se niega a admitir mientras repite que ha crecido en una familia acomodada en Túnez. Siempre optimista, Amor se desvive para satisfacer a su caprichosa mujer, aunque no se corta al decirle que “se cree la reina de Inglaterra”. Mientras tanto, Mouna ha convertido a Carlos Martel en su amigo imaginario: junto a él, le resulta más fácil intentar encontrar su lugar en ese mundo que, en principio, no la acepta.  .

 La película aborda las tensiones familiares, la identidad cultural y los efectos del exilio. La realizadora Manele Labidi consigue encontrar un equilibrio entre la comedia, la fantasía y el drama, tejiendo una “crónica familiar agridulce” que reflexiona sobre la identidad híbrida y las tensiones entre pasado y presente. Profundiza en la cuestión del exilio y la inmigración, desde el punto de vista de una adolescente, con esta especie de cuento fantástico en el que humaniza la legendaria figura del héroe guerrero que fue Carlos Martel.

 “Reina Madre” reflexiona sobre la violencia con que las instituciones tratan habitualmente a quienes llegan de otros lugares:  desde las simples molestias administrativas hasta el racismo sistémico que las convierte en víctimas del sistema. Pero no olvida mostrar el otro lado de la moneda del personaje de Amel, una mujer que se siente rebajada cuando acepta un trabajo de limpiadora: se niega a vestir uniforme y mueve el carrito subida en un par de tacones, provocando la burla y las sonrisas de sus colegas.  Amel, en un remedo  de Carlos Martel encerrado en las páginas de los libros de historia, se inventa un pasado que le ayude a soportar el exilio.

“En Francia –explica la realizadora Manele Labidi-  mi lugar está en juego porque tengo una identidad árabe estigmatizada, pero en Túnez, recuerdo que soy todo menos tunecina. Este péndulo oscila constantemente en “Reina Madre” (2). Para Amor, llegar a Francia es un paso adelante, porque proviene de una familia de clase trabajadora. Sin embargo, para Amel, el deseo de regresar a su tierra natal se debe a que su clase socioeconómica ha sido degradada. Quiere regresar a ese paraíso perdido. Desconocemos la verdad de su historia: ¿es una princesa o, como dice su marido, «la hija de un granjero que se cree la reina de Inglaterra»?”.

 

 (1)Nacido en la actual Bélgica, Carlos Martel fue un político y militar que, Duque de los Francos y alcalde, fue de facto el dirigente de Francia durante los reinados de los monarcas merovingios Clotaire IV, Chilpéric II y Thierry IV: un periodo que la historia conoce como « el principado de Charles Martel ».^,

(2) “Reina Madre” estará disponible en las pantallas madrileñas a partir del viernes 21 de noviembre de 2025.

“Ciudad sin sueño”, donde la ciudad cambia de nombre

«Una energía poderosa irriga las venas de esta inmersión en pleno suburbio periférico de Madrid. Una “ciudad sin sueño” que impresiona por su maestría estilística y su cautivadora narrativa. Una oda a la juventud, a la comunidad, a la amistad y a las ganas de vivir. Y la impactante revelación del realizador Guillermo Galoe”. (bande-à-part.fr)

 

 

Para ser exactos, la “revelación” de las muchas virtudes de Guillermo Galoe como realizador se había producido  hace unos meses, poco antes del estreno en Francia de “Ciudad sin sueño”, cuando consiguió el Premio de la Sociedad de Autores y Compositores Dramáticos (SACDR) a la autoría –dirección y guión, junto a Victorio Alonso Berbel- en la Semana de la Crítica del Festival de Cannes 2025.

Rodada en la Cañada Real de Madrid y basada en el cortometraje “Aunque es de noche”, con el que Guillermo Galoe (1) ganó un Goya, también figuró en la última lista (shortlist) de los aspirantes al Premio Europeo de Cine (EFA) y fue la única película española presente en la sección Perlak del último Festival de San Sebastián. Sin ánimo abrumador, tengo que dejar constancia de que también ha recibido el Premio Abycine Indie y el Premio de la Asociación de la Prensa, además de una Mención especial del Jurado en el Festival Internacional de Cine de Bruselas. 

Uno de los grandes aciertos de “Ciudad sin sueño” es que cuenta con un reparto de actores no profesionales, la mayoría residentes en el barrio que retrata: Antonio Fernández Gabarre (también protagonista del cortometraje), Bilal Sedraoui, Jesús Fernández Silva, Felisa Romero Molina y Pura Salazar.

En un universo de descampados, montones de basura y carcasas  de automóviles y electrodomésticos, Toni es un adolescente gitano de 15 años que vive en Cañada Real, el asentamiento irregular más grande de Europa, en las afueras de Madrid, cuyos habitantes llevan cinco años privados de electricidad y agua corriente. Tiene padres y hermanos, un amigo magrebí que va a emigrar a Marsella con su familia, un teléfono móvil con el que se graban el uno al otro y en el futuro intercambiarán mensajes, un galgo blanco y un abuelo.  

Orgulloso de pertenecer a su familia de chatarreros, pasa los días junto al abuelo, al que admira y sigue a todas partes. Pero el barrio está condenado a desaparecer engullido por el mercantilismo imperante. Cuando las máquinas de demolición se acercan a la parcela en la que vive, amenazando con arrasarlo todo, su abuelo se niega a marcharse, sea cual sea el sacrificio, mientras que sus padres van a ver un piso porque quiren mudarse a un ambiente residencial y más salubre.

.En oscuras noches sin electricidad, las leyendas de su infancia, empiezan a sentirse más reales que nunca. Mientras todo cambia a su alrededor, Toni debe elegir: enfrentarse a un futuro incierto o aferrarse a un mundo que se desvanece.

 “Ciudad si sueño”, que no idealiza una realidad diaria atravesada por la pobreza y la droga, se une a una importante cantidad de películas actuales que, en la frontera entre documental y ficción, denuncian la miseria ambiental que solo salva la calidez de sus gentes y genera  situaciones incómodas para las aglomeraciones que se reivindican “grandes ciudades modernas”, con rascacielos y jardines que ocultan un decorado trasero de chabolas, basuras y polvo.  Que solo necesitan cuatro gotas caídas del cielo para convertirse en lodazales que obligan a los mayores a refugiarse en interiores donde se cruzan las corrientes de aire mientras esperan la oportunidad de cambiar de paisaje, convierten en adultos prematuros a unos adolescentes que, en la mayoría de casos, han abandonado unos estudios en los que no veían futuro, y ofrecen a los pequeños un parque de juegos encharcado y escasamente saludable

Odisea de supervivencia y aguafuerte social que toca diferentes palos -el mundo, la sociedad, la amistad, la familia,  vistos desde la mirada de un adolescente, “Ciudad sin sueño” (2) es un excelente film político y reivindicativo, también poético y muy bien contado por un  realizador con talento. Guillermo Galoe. 

 

(1) Guillermo Galoe obtuvo el Goya a Mejor Película Documental en 2017 por “Frágil Equilibrio”, tras su estreno mundial en el Festival Internacional de Amsterdam (IDFA) y su premio en la SEMINCI. El corto “Aunque es de noche” (Cannes 2023, nominado a la Palma de Oro) recibió el Premio Forqué, el Goya a Mejor Cortometraje de Ficción y formó parte de la Selección Oficial de los Premios César 2025. En 2023 estrenó “Las gaviotas cortan el cielo” —co-dirigido con Mariana Bártolo—, nominado a los Premios Sophia (de la Academia portuguesa) como Mejor Cortometraje de Ficción. En 2020 fue distinguido con el Premio Princesa de Girona de las Artes y las Letras.

(2) “Ciudad sin sueño” llegará a las pantallas madrileñas el próximo viernes 21 de noviembre de 2025. 

“Drácula” de Luc Besson, los tópicos del vampirismo y algunas cosas más

« Este extraño híbrido no renueva e3l mito, lo recicla, lo comenta y lo exagera, insuflándole la melancolía de un cuento popular en fase terminal » (Télérama).

 

 

El Conde Drácula es seguramente el personaje literario que ha conocido más versiones cinematográficas, unas más acertadas que otras, pero todas con sus ataúdes, sus increíbles colmillos para comerte mejor en el cuello, con sus ristras de ajos que huelen hasta la fila siete del patio de butacas y sus estacas que van derechitas al corazón de alguien que, con toda probabilidad y vistas sus aficiones, seguramente carecía de ese músculo que da tanto juego.

 

 Con más de cuarenta años de trayectoria profesional a sus espaldas, el francés Luc Besson («Nikita », « El quinto elemento », “Le Grand Bleu”, “Dogman”) se ha sumado este año a la larga lista de realizadores  -más de treinta- que, casi desde los primeros tiempos del cine, han trabajado sobre el legendario personaje que es  Drácula  adaptando la novela del irlandés  Bran Stoker, publicada en 1897, sobre el más famoso de los vampiros literarios: Vlad III, príncipe de Valaquia,  apodado “El empalador” .

 

Luc Besson ha situado la acción a su « Drácula » en el París de 1889 en el momento en que la capital francesa, que acaba de estrenar su Torre Eiffel, celebra el centenario de la Revolución Francesa. Pero antes hay que regresar a la Transilvania medieval donde el príncipe Vladimir y su mujer Elisabeta vieron destrozada su historia de amor cuando, en una batalla contra los otomanos, la princesa caía en una emboscada y resultaba mortalmente herida. 

 

Roto de dolor, el príncipe Vladimir acusa a la religión de ser la culpable de sus males, reniega de Dios y este le obsequia con la maldición de vivir eternamente.  A partir de entonces, condenado a vagar solitario a través de los siglos,  Vladimir, Vla, se convierte en Drácula y anda buscando a su amada en otras épocas, lo que le lleva hasta la Francia del siglo XIX y a una mujer llamada Mina.

 

La película es “la historia de amor jamás contada del infame vampiro”, que desafiará al destino y la inmortalidad buscando a su amor perdido. Paisajes góticos, trajes suntuosos y decorados grandiosos colaboran en la fabricación de un  cuento épico y romántico.

 

Ese es el aspecto  de la historia de Drácula que más ha interesado al realizador Besson, mucho  más que el monstruo sediento de sangre que vimos en anteriores películas: “De hecho –ha explicado- es una historia de amor a lo Romeo y Julieta. Yo creo que es divertido contar esta historia de amor teniéndolo en cuenta, y no hablar solo de colmillos, dientes de ajo y crucifijos (…) Se trataba de jugar un poco con los tópicos del vampirismo”.

 

Entre romance gótico, película de época y horror convencional, este “Drácula” (1) utiliza el cuento del vampiro como pretexto para una turbulenta historia de amor que no ha convencido a la crítica francesa –tampoco a mi- “con su adaptación clásica y estereotipada de la obra universal”  , acusada de partir de un guion grandilocuente y falto de coherencia, que está interpretado por los actores estadounidenses Caleb Landry Jones (“Dogman”) y Zoë Bleu (“Sexo, mentiras y vampiros”, Signs of love”), el alemán Christoph Waltz (“Gloriosos bastardos”, “Django desencadenado”, “Pinocchio”, “No Time To Die”),  el músico francés Guillaime de Tonquédec y la actriz y cantante italiana Matilda de Angelis (“La increíble historia de la isla de las rosas”, “Veloz como el viento”).

(1) “Drácula” de  Luc Besson llegará a los cines madrileños el próximo viernes 21  de noviembre de 2025.

“No estás loca. La verdad sobre la violencia vicaría”, la más cruel de las armas machistas

 

Dirigido por la activista María Bestar, víctima de violencia vicaria en primera persona, es un documental que recoge los testimonios de víctimas, juristas y otros especialista en el estudio y la reflexión sobre la más cruel de las venganzas machistas, y que mantiene a los espectadores pegados a la butaca durante la escasa hora y media de proyección.     Apoyado por las Naciones Unidas y los ministerios españoles concernidos (Igualdad e Infancia), “No estás loca” son más de cuarenta testimonios de mujeres y niños, jueces, psicólogos, periodistas y pediatras, que ponen de  manifiesto que tenemos un sistema judicial que está fallando sistemáticamente a la infancia. Las voces de Eduard Fernández, Luis Tosar, Maxi Iglesias, Jordi Planas y Hovik Keuchkerian, recuerdan los Derechos de la Infancia, algo que los maltratadores pisotean aprovechando que la sociedad en su conjunto dedica poco, por no decir apenas nada de tiempo a reivindicarlos.

La violencia vicaria es, son ninguna duda, la peor y más cruel expresión de la violencia de género. La actriz y cantante María Bestar la sufrió en primera persona y su dolor le sirvió de inspiración para poner en marcha lo que primero fue un multipremiado cortometraje y ahora ya es un largometraje documental,  sobrecogedor e imprescindible para asomarnos, aunque solo sea durante un corto espacio de tiempo, al terror que padecen las mujeres-víctimas, y para que en el fondo de nuestros corazones escuchemos el inimaginable y desgarrador silencio con que se habitualmente se manifiestan las otras víctimas, las niñas y los niños que nunca van a entender lo que les ha pasado.     Un documental que nace de un compromiso personal, de la investigación que durante años ha efectuado su directora y que no solo denuncia una grave vulneración de los derechos humanos, también ofrece un mensaje de esperanza, reparación y sororidad, utilizando el poder del cine como herramienta de cambio social. “Durante el rodaje –dice María Bestar, directora y productora - escuché relatos que desgarran el alma. Pero también vi a mujeres y niños renacer desde el dolor, sostenerse entre ellos y transformar la rabia en fuerza. Este documental no nace de una idea, sino de una herida, y aspira a convertirse en la voz colectiva que ya no podrá ser silenciada      ”No estás loca” (1) habla de historias reales, ofrece testimonios de madres que han perdido a sus hijos, o los han visto sufrir como Ruth Ortiz, Itziar Prats y Laura Hernández, y de niñas y niños que han pasado por esos momentos traumáticos que no  van a olvidar nunca. Y ofrece también opiniones de jueces, jristas y otros profesionales que arrojan luz sobre esta lacra de la que apenas se habla, de un sistema que termina revictimizando a quienes la padecen.    (1) “No estás loca. La verdad sobre la violencia vicaria” está disponible en las pantallas de los cines madrileños a partir de este 13 de noviembre de 2025.

 

 

 

“La larga marcha”, el dilema de caminar o morir en una sociedad que se parece mucho a las que conocemos

 

 

El realizador estadounidense Francis Lawrence (“Soy leyenda”, varias entregas de “Los juegos del hambre”), ha sido el encargado de adaptar a la gran pantalla “La larga marcha”, la película encargada de clausurar el 58 Festival de Sitges, un thriller que habla de  un mundo distópico donde un grupo de adolescentes arriesgan su vida por dinero participando en una brutal carrera, una especie de lotería donde solo hay un ganador y no existe línea de meta.    Las reglas son muy simples: si bajas la velocidad de 5 kilómetros por hora, te darán un aviso. Si te paras, te darán un aviso. Si das la vuelta, te darán un aviso. Al tercer aviso, recibes tu pasaporte. Solo uno de los jóvenes sobrevivirá.   Adaptación de una novela sombría publicada en 1979 firmada por Richard Bachman, pseudónimo de Stephen King, que ha estado durmiendo en un cajón todos estos años (si bien ha habido un par de intentos de frustrados de trasladarla a la gran pantalla), “La larga marcha” es una producción realizada con actores poco conocidos – David Jonsson, Chalie Plummer, Cooper Hoffman (1), Mark Hamill, Garrett Wareing, Roman Griffin Davis y Ben Wang- y un presupuesto modesto, que pone el acento en el aspecto humano, en la celebración de la amistad en la adversidad,  y en la tragedia brutal más que en lo que podría tener de espectacular.    Divididos entre el deseo de ganar y el de mantener a salvo a sus amigos, a  medida que los participantes en la angustiosa carrera se adentran en el peligro incesante de la marcha, entablan una amistad profundamente conmovedora. Con cada angustioso paso, los concursantes se enfrentan a preguntas sobre qué hace que la vida merezca la pena, qué convierte a un extraño en un hermano y de dónde sacan la fuerza para continuar, mientras forjan vínculos que serán difíciles de olvidar.   En un régimen que se parece como una gota de agua al actual de Estados Unidos, totalitario y distópico, la población vive oprimida por los militares y la enigmática figura de “El Comandante” (un personaje que es como una simbiosis de Maduro, los hermanos Castro y Donald Trump). El joven Garraty se despide de su madre –a su padre le fusilaron por “tener ideas”- para participar en « La larga marcha », una competición que cada año moviliza a cien participantes -que en la película han quedado reducidos a cincuenta, uno por cada estado de la Unión-  en nombre del patriotismo y el orden establecido, que se retransmite por la televisión en directo y es seguida por miles de personas empobrecidas y desmoralizadas. El ganador –un solo superviviente- recibirá una importante suma de dinero, que cambiará su vida,  y además se le concederá cualquier deseo que tenga. El resto, los perdedores, serán ejecutados sin piedad por los miembros del convoy militar que, dirigido por el Comandante, les acompaña en todo momento. A medida que avanzan por la carretera (2) Garraty establece amistad con varios de sus compañeros.   Fábula cruel sobre una prueba inhumana en unos Estados Unidos  distópicos, parábola de un país que en el momento en que fue escrita enviaba a sus jóvenes a morir en la guerra de Vietnam, visión funesta de un futuro macabro, “La larga marcha” (3) suena en este momento como una necesidad de resistencia frente a la barbarie rampante, una advertencia seria frente a las oleadas de fascismo que van impregnando poco a poco nuestras sociedades.       (1) Hijo del difunto gran actor Philip Seymour Hoffman, fallecido a los 46 años tras una intoxicación aguda debida a la ingesta de varias drogas y medicamentos.     (2) Según la promoción, los actores caminaron realmente 24 kilómetros diarios bajo un sol de plomo –su fatiga era palpable-  hasta recorrer un total de 640 kilómetros al finalizar el rodaje.   (3) “La larga marcha” se estrena en Madrid este viernes 14 de noviembre de 2025.