“Ahora me ves 3” , el lenguaje universal de la magia

 

 

 

“Agradable, si. Mágica, ay no” (Télé 7 jours).     Efectivamente, “Ahora me ves 3” (“Now You See Me: Now You Don't”) está bien pero le falta ese plus de magia que tenía la primera entrega de la saga. Recuerdo como increíble el momento en que los Cuatro Jinetes pedían el público asistente al teatro que comprobara los inesperados ingresos que habían llegado a sus cuentas corrientes. Eso sí que era un momento mágico. “Ahora me ves 3”vuelve a reunir al elenco original  al tiempo que incorpora los nuevos rostros de Dominic Sessa (“Los que se quedan”), Ariana Greenblatt (“Barbie”) y Justice Smith (“Dungeons & Dragons: Honor entre ladrones”). Ruben Fleischer (“Uncharted”, “Bienvenidos a Zombieland”) recoge el testigo de Jon M. Chu y rueda un atraco a la antigua en una película de magia tradicional protagonizada por Jesse Eisenberg (The Social Network”,”Bienvenido a Zombieland”), Woodie Harrelson (“Tres anuncios en las afueras”) Isla Fishe (“El gran Gatsby”), Dave Franco (“Togeher”), Woody Harrelson (“Los juegos del hambre”, “True Detective”)( y Morgan Freeman (“Seven”, “Los juegos del hambre·), y también Ariana Greenblatt (“Borderlands” “Barbie””,  Justice Smith (“The Voyeurs”, “Jurasic World”) et Dominic Sessa (“Tow”, “Winter Break”).  Una película inteligente, tan ligera como optimista. Con un casting impecable, en una nueva aventura llena de sorpresas y trucos de magia nunca vistos en la gran pantalla. Los Jinetes han vuelto para llevar a cabo el atraco más impresionante jamás imaginado: quieren ir más allá de los límites de la ilusión organizando el robo del diamante más grande del mundo, de momento en manos de una organización criminal. En esta nueva aventura de los Jinetes que firma Ruben Fleischer, Daniel Atlas y su banda contratan a un trío de ilusionistas para proyectar  el robo más impresionante jamás imaginado: se trata de apropiarse del Diamante-Corazón, la joya más preciada del mundo, de dimensiones faraónicas.   Diez años después de su última aventura, el grupo de magos justicieros regresa para  llenar de ilusionismo nuestras pantallas. “La gente- dice el realizador Ruben Fleischer- ha visto como los ordenadores creaban dinosaurios y robots transformables. En lugar de intentar superarlos con más tecnología, he decidido ir en  la dirección opuesta y optar por la vieja escuela”. Fleischer confiesa haber sentido una enorme responsabilidad al intentar responder a las expectativas de un público mundial: “Lo más excitante  es que uno sabe que lo que hacen los jinetes es imposible, y in embargo ellos lo consiguen”.   «Hay algo en la magia que genera una sensación de asombro y admiración que me encanta», explica el cineasta. «Se trata de no saber cómo se hace algo y quedarse maravillado por ello. Llevo mucho tiempo yendo a espectáculos de magia, y la oportunidad de llevar ese asombro y disfrute a la nueva película de la franquicia “Ahora me ves” me pareció irresistible».   Desde su primera proyección en 2013´, « Ahora me ves” no ha dejado de sorprender y enganchar. Lo que en el papel es una fábula contemporánea en torno a unos magos que utilizan su arte para cambiar las reglas del sistema, en la pantalla lo que hay es un cruce entre la película del robo y la comedia sobre el arte de la magia. Los jinetes no roban para repartirse el botín, sino para distribuirlo. Agradable como las precedentes, « Ahora me ves 3 » (1) viene a probar que la magia es un lenguaje universal  capaz de llevar grandes públicos a las salas de cine.  Más allá de los trucos con cartas, las evasiones espectaculares y los robos audaces, esta tercera parte continúa con el mensaje de justicia social que está en el origen de su popularidad desde el principio: ese aspecto “Robín de los bosques” –robar a los ricos para dárselo a los pobres-  que el público entiende tan bien.

(1) “Ahora me ves 3” pude verse en Madrid a partir del viernes 14 de noviembre de 2025.

 

 

“Zafari” de Mariana Rondón, distopía con el hambre como leit motiv

“La película que le hubiese gustado rodar a Luis Buñuel” (Carlos Loureda, filmand.es)

  

 

”Zafari”, la cuarta película de la venezolana Mariana Rondón –coproducción de siete países: Perú, México, Francia, Brasil, Chile, República Dominicana y Venezuela-,   es una angustiosa fábula que se sitúa en el límite entre lo humano y lo animal. “Distopía inspirada en hechos reales”, según su directora, Mariana Rondón,  autora del guión con Marité Ugás (la pareja ganó la Concha de Oro en San Sebastián 2013 con la película “Pelo Malo”, y acaba de presentar, en los recientes Festivales de Venecia y Toronto  “Aún es de noche en Caracas”).

 

La actriz chilena Daniela Ramírez  (“Perra vida”, “Madre”, “Matar a Pinochet”) encabeza  un elenco coral que incluye a figuras reconocidas del cine latinoamericano, como los venezolanos Francisco Denis (“Juana”, series “Narcos”, “Diario de un gigoló”), Samantha Castillo (“Pelo malo”, “Mal de ojo”), Alí Rondón (“Pelo malo”, “Los amantes de Caracas”) y la joven revelación peruana Varek La Rosa. 

  

La llegada de un hipopótamo al zoológico de una ciudad que no se nombra, pero que sin duda se parece mucho a Caracas (1), desata conflictos de consecuencias insospechadas en un vecindario de clases sociales enfrentadas. En un mundo distópico cercano en el tiempo y en el espacio y cada vez más salvaje, Zafari el hipopótamo es el único que aún tiene suficiente comida. 

 

En un lujoso inmueble que parece abandonado, sus últimos  habitantes sobreviven con dificultad mientras en torno a ellos la sociedad está viviendo las últimas manifestación de un fracaso. Ana, Francisco y su hijo Bruno, una familia de clase media con los armarios de la cocina vacíos,  contemplan desde la ventana al nuevo inquilino que acaba de llegar al zoo: un hipopótamo llamado Zafari. No pueden ocultar la envidia que sienten por la pareja que va a ocuparse de alimentarle y acompañarle a la piscina.

Fábula angustiosa y metáfora de la lucha de  clases, más agudizada que nunca cuando falta hasta lo más elemental: la lucha es para saciar el hambre, la comida se ha convertido en una obsesión  y está despertando el lado más animal de los humanos que, en el caso de Ana, la lleva a inventarse una fuga de agua para, en nombre de una supuesta “comunidad de propietarios”,  entrar en las casas de sus vecinos y revisar estanterías y armarios en busca de cualquier cosa comestible.

Sin poder rodar en Venezuela, Mariana Rondón ha echado mano de dos escenarios diferentes: Perú para los interiores del edificio que conoció días mejores, y la República Dominicana para los exteriores. El conjunto muestra una realidad en la que el modelo de familia, la estructura social y los roles de género están cambiando, distanciándose de los que habían conocido anteriormente.

 

« Zafari » es una sátira social cruel, pesimista y fiel reflejo de la peor de las pesadillas que amenazan a la sociedad contemporánea y que muchos prefieren ignorar: la miseria, la violencia y el hambre que se esconden tras las puertas cerradas de apartamentos que un día fueron sinónimo de bienestar y ahora están obligando a muchos hombres y mujeres –incluida la familia protagonista de “Zafari” (2)- a abandonar sus hogares, para buscarse la vida en otro lugar.

 

(1) Aunque el país no se nombra en ningún momento, es evidente que se trata de Venezuela donde la ONU ha asegurado recientemente que el 82% de la población vive en la pobreza y el 53% en la pobreza extrema, sin estar suficientemente alimentada. Cerca de 8 millones de venezolanos ya han abandonado el país.

 

(2) “Zafari” se estrena en las pantallas de Madrid el viernes 14 de noviembre de 2025

« Urchin », el universo marginal y las segundas oportunidades de Harris Dickinson

 

Con “un pasado complejo y un futuro comprometido” (Peter Bradshaw, The Guardian), “Urchin” (literalmente erizo, también genérico para “niños pobres de la calle” en el Reino Unido), primer largometraje detrás de la cámara del británico Harris Dicklinson, el  actor de 29 años protagonista de “El triángulo de la Tristeza” y “Babygirl”, es una historia de superación personal y segundas oportunidades (y terceras, y cuartas…), protagonizado por Frank Dillane  -excelente, auténtica revelación de la película, conocido por su papel en las series “Fear th Walking Dead”, “Joan”, “Neil Rebelle”-, ganador del premio al mejor actor en la sección Un certain Regard y del de la Federación Internacional de la Crítica Cinematográfica (FIPRESCI en el pasado Festival de Cannes). Frank Dillane ha repetido galardón en el reciente Festival de Cine de Orense, como Mejor actor internacional.

 

Mezcla de realismo social y drama, un paso más allá de Ken Loach o Mike Leigh, “Urchin” es una película muy especial y en ocasiones hasta surrealista:  el retrato del complejo mundo del joven  Mike es una obra muy personal y melancólica, inspirada en los personajes y las vivencias del entorno londinense en que creció el realizador Dickinson, quien se ha quedado con el papel de Nathan, el amigo de Mike que pide limosna a los transeúnte y le roba el dinero que tenía escondido, mientras que la actriz francesa Megan Northam (“Rabia”, series “Salade grecque”, “Nôtre Dame, la part du feu”)  interpreta a Andrea, la amiga del protagonista a la que conoce en su nuevo lugar de trabajo –vaciando las papeleras urbanas- tras un primer fracaso profesional a la salida de la cárcel, en las cocinas de un hotel.   

 

En Londres, Mike, un joven delincuente que lleva cinco años viviendo en la calle a base de mendigar, robar y alimentarse en los comedores caritativos, hasta que un día le cogen y va a parar a la cárcel. Tras pasar allí varios meses, a la salida y ayudado por los servicios sociales intenta aprovechar algunas oportunidades que podrían suponer el comienzo de algo diferente, mientras se enfrenta a sus viejos demonios.

 

En ningún momento podemos estar seguros de conocer a Mike. No sabemos nada de sus orígenes, ni de sus deseos – única excepción, que le gustaría dirigir un día una empresa de chóferes-, siempre son otros –los servicios sociales,  un sociólogo…- quienes deciden lo que tiene que hacer.

La principal virtud de “Urchin” -que no cae ni en el sentimentalismo ni en la manipulación-  es humanizar la imagen que pudiéramos tener de una persona que vive en la calle, se droga, o ambas cosas a la vez, poniendo de manifiesto su fragilidad; un relato – “sin florituras, reconociendo que se trata simplemente del destino trágicamente banal de un hombre  que se hunde en la marginalidad”- que  a medida que avanza se va poblando de visiones oníricas que lo acercan a un cuento de realismo mágico en el que aparecen una mujer que le regaña y una enorme gruta fantasmagórica.

Harris Dickinson – quien vuelve a ser actor para encarnar a John Lennon en las cuatro películas que el realizador inglés Sam Mendes (“American Beauty”, Oscar 1999; “1917”, Globo de Oro 2020) va a dedicar a los Beatles- explica el origen de la historia de “Urchin”(1): “Hace alrededor de cincos años empecé a trabajar en mi comunidad local, apoyando a personas sin domicilio fijo y toxicómanos. Me impliqué en proyectos de proximidad puestos en marcha por voluntarios y conocí a personas que luchaban contra ellas mismas. Fue esa experiencia la que impulsó a contar esta historia con empatía, matices y humildad (…) Espero que los espectadores estén del lado del protagonista, que entiendan sus dificultades y que tengan más empatía por las personas que se cruzan en la calle sin verlas realmente. Pero también quiero que aprecien la película. No es un documental, hay ligereza y humor y ese equilibrio es importante para mi”.

 

(1) « Urchin » estará en las pantallas madrileñas a partir del próximo viernes 14 de noviembre de 2025

 

"La doncella del lago” de Masakazu Kaneko: entre naturaleza, mito y realidad

 

 

 

“La doncella del lago” nos habla de las fábulas, del primer amor verdadero, del drama vital, de las leyendas, de la necesidad de no perder totalmente la inocencia infantil, de la naturaleza como principio y final de todo y también de que debemos mirar hacia el futuro sin perder el respeto a nuestros  ancestros (…)”.  (Gabriel Menéndez, elcomercio.es).

“Magnífica, trágica, importante” según el comentario que ha dejado  un espectado en Internet, “La doncella del lago” (“River Returns”)  -

Premio del Jurado Joven al Mejor Largometraje en el reciente Festival de Cine de Gijón,  Orient Express Award a la Mejor Película en el Porto International Film Festival, y Premio del Jurado a la Mejor Narrativa en el Lighthouse International Film Festival que se celebra en Long Beach Island (Estados Unidos)- del director japonés Masakazu Kaneko (“Ring Wandering ”, “Los árboles de Albinos”), es una obra poética que invita a la reflexión sobre el peso del legado cultural japonés en relación con la naturaleza.

 

 El reparto principal de “La doncella del lago” está encabezado por Sanetoshi Ariyama, Asuka Hanamura (“City Hunter”) y Yo Aoi (“Prisioneros de Ghostland” y en el equipo destaca Masakatsu Takagi, famoso músico japonés reconocido por su estilo poético y ambiental, autor de bandas sonoras para películas de animación (“Wolf Childre” , “The Boy and the Beast” , “Mirai”), así como para el documental “The Kingdom of Dreams and Madness”,  sobre el célebre Studio Ghibli.

 

En el verano de 1958, un niño llamado Yucha, que vive en un pueblo amenazado por los tifones, escucha la leyenda local de Oyo, la joven enamorada del tornero (artesano de la madera) Saku que con su grupo  recorre el mundo esculpiendo cuencos de madera y, según piensan los sedentarios aldeanos, apropiándose de los recursos locales y huyendo cuando los agotan.  Con el corazón destrozado por la prohibición de casarse con él,  Oyo se suicida ahogándose en un estanque azul que se forma entre las montañas. La leyenda añade que, desde entonces, el dolor de Oyo provoca graves inundaciones, que se repiten cada cierto tiempo.

Yucha tiene una madre enferma, un padre que trabaja para una constructora y se gana la vida abatiendo árboles viejos y plantando nuevos, y no consigue reunir el dinero necesario para curarla, y una abuela que venera las montañas y los seres que las habitan. Yucha y su familia respetan costumbres ancestrales, como rezar después de talar los árboles o el arte de fabricar objetos con la madera, y la creencia de que, en tiempos pretéritos, la vida estaba mucho más en armonía con la naturaleza. 

Cuando se aproxima un enorme tifón. Yucha decide enfrentarse a sus miedos y emprender un peligroso viaje, con la intención de calmar al espíritu que amenaza a su pueblo. La película comienza cuando Yucha le pregunta a su padre de donde viene el agua. La respuesta que le da es que el agua viene del cielo, se cuela en la tierra resbalando por las ramas y las hojas de los árboles y, de esa manera, llega a los ríos. El niño plantea entonces la cuestión de lo qué pasaría si se cortaran todos los árboles. El padre le explica que solo se eliminan y utilizan los árboles que se han vuelto inútiles.

Este es el punto de partida para hablarle a Yucha de los tifones violentos y devastadores que los habitantes de la aldea atribuyen al espíritu vengativo de Oyo, personaje del pasado que revive en cada tempestad.

En realidad, son dos pasados los que se combinan en el guion de  “La doncella del lago”: el de la leyenda, que se remonta muy atrás,  y el de los años 1950-60 de la posguerra, la reconstrucción del país y la prosperidad económica. Mediante vueltas atrás en el tiempo, su realizador nos va explicando, como en los cuentos de hadas, la historia de amor de la aldeana Oyo y el tornero, el escultor de la madera que viene de la montaña.

Simple y sincero, “La doncella del lago” (1) es un drama onírico y fantástico –que según algunas fuentes japonesas tiene sus orígenes en el sintoísmo (“sistema japonés de creencias indígenas”)- que cuenta con una fotografía magnífica y busca el punto de encuentro de tradición, humanidad y espiritualidad con la inconsciencia que nos está llevando a la destrucción de la naturaleza. Lo mismo que ocurre con el conflicto entre modernidad capitalista y espiritualidad “premoderna”

La inocente historia del pequeño Yucha esconde en sus entretelas la manera en que las normas sociales pueden mantener a grupos compactos al margen de la realidad, lo mismo que las consecuencias de la intervención humana sobre la naturaleza. 

Masakazu Kaneko, aventajado alumno del guionista y realizador  Takahisa Zeze (« La tierra prometida ») premiado en varios festivales internacionales, nos ofrece una película, a mi entender demasiado larga (casi dos horas) que, por el formato elegido,  recuerda las historias de los fuegos de campamento, en torno a una hoguera.

 

(1) « La doncella del lago » se va a estrenar en Madrid el próximo viernes 14 de noviembre de 2025.

 

 

“El Imperio”, ciencia ficción apocalíptica

“Un film loco, 100% corrosivo pero muy ameno” (Elle)

 

Ganadora del Oso de Plata (Premio del Jurado) en la Berlinale de 2024, “El imperio” es una sátira de ciencia ficción sobre la lucha del bien contra el mal, ambientada en un pequeño pueblo costero del norte de Francia, donde fuerzas celestiales y demoníacas se enfrentan por el control del universo… y del alma humana

Dirigida por el francés Bruno Dumont (“La vida de Jesús”, “La humanidad”, Gran premio del Jurado en Cannes, “Camille Claudel”, “La Alta Sociedad”), un realizador poco conocido por aquí, considerado hace años en Francia como “el más brillante de su generación”,  y protagonizada por Anamaria Vartolomei (“El acontecimiento”), Lyna Khoudri (“La crónica francesa”), Camille Cottin (“Tres amigas”), Fabrice Luchin (“En la casa”), Bernard Pruvost (“El pequeño Quinquin), Philippe Jore (“El pequeño Quinquin”) y el debutante Brandon Vlieghe, “El Imperio” es una fábula fantástica, versión norteña y audaz presentanda  como la  “Stars Wars del Norte”, surrealista y no solo difícil de contar, también difícil de ver.

En un tranquilo y pintoresco pueblo de pescadores del norte de Francia por fin ocurre algo: nace un bebé especial. El imperio galáctico se ve perturbado por el nacimiento: unos ven al bebé como el mesías interplanetario que esperaban y otros creen que se trata de una entidad demoniaca.  Un niño único y peculiar que desata una guerra secreta entre las fuerzas extraterrestres del bien y del mal. “Los Zeros” y “Los Unos” se enfrentan por el control de nuestro planeta y de los humanos, que no parecen enterarse de lo que está pasando. Y todo en un tono de comedia caústica y cruel con ingenios espaciales, espadas laser y una extraña lengua gutural. .

En palabras del director: “El Imperio” (1) mezcla personajes de dos géneros cinematográficos icónicos en la historia del cine: los superhéroes de ciencia ficción de las odiseas espaciales de Hollywood, y los antihéroes del naturalismo propios de las crónicas sociales del cine de autor. Los fusiona sin hacer referencia específica a una película en particular, inspirándose en los modelos del género. La película ofrece un relato tragicómico de la condición humana porque representa la lucha perpetua, inútil y resbaladiza, entre ideales e inclinaciones. De esta manera, esos dos universos cinematográficos opuestos se reúnen en una sola historia y, a través de su confrontación sin precedentes, somos testigos del destino irresuelto de la humanidad.”

(1) “El Imperio” llega a la cartelera madrileña este viernes 7 de noviembre de 2025.

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“Dos forajidos (Rust)”, la desgraciada ironía de un western maldito

 

“La intriga es simplista y los diálogos pasables, pero los paisajes son magníficos, la inmensidad, la suave luz y los profundos colores del Oeste americano quedan magníficamente resaltados por el trabajo con la cámara de Hutchins y Cline. Si, es la fotografía lo que impresiona” (Jocelyn Noveck, apnews.com)

 

Alec Baldwin (“Infiltrados”), Josh Hopkins (“La tormenta perfecta”), el adolescente Patrick Scott McDemott  (“A Carpenter’s Prayer”)  y Travis Fimmel (serie “Vikingos”), protagonizan un western difícil de ver sin recordar que, en mitad del rodaje, el 21 de octubre de 2021, la directora de fotografía Halyna Hutchins, de 42 años y origen ucraniano, murió en el plató durante un ensayo, alcanzada por un disparo de la pistola que empuñaba Baldwin, y que nadie pudo explicar porque estaba cargada con fuego real; el mismo  disparo hirió también al director Joel Souza en el hombro. Hubo que interrumpir el rodaje que no se reanudó hasta 2023.  Tan cierto como que en 2024  el célebre actor resultó absuelto “por irregularidades en la gestión de las pruebas” -y la culpabilidad del homicidio ha recaído en Hannah Gutiérrez Redd, la armera de la película, condenada a dieciocho meses de cárcel- es que  lo mejor con diferencia de la película es justamente la fotografía, de cuya continuidad tras la muerte de Hutchins se encargó Bianca Cline (conocida por, entre otras, haberse encargado de la dirección de fotografía de la última –por el momento- versión de “Orgullo y Prejuicio”, realizada en 2003 por Andrew Black). El trabajo con la cámara de Hutchins es excelente –“sublime” ha escrito  Jesse Hassenger en The Guardian-, la postproducción y el montaje han logrado hacer que sea imposible distinguir su trabajo del de Cline. La escena que ensayaban cuando ocurrió la tragedia no llegó a filmarse nunca y el actor  Jensen Ackles abandonó la producción tras el accidente.. Dirigida por Joel Souza (“En la piel de mi padre”, “Ghost Squad”), “Dos forajidos (Rust)” sucede en los años de 1880 y sigue la historia de Harland Rust, un veterano malhechor que se encuentra en busca y captura,  abandona su refugio y decide viajar a Kansas  para salvar a su nieto Lucas, de trece años, condenado a morir ahorcado por la muerte accidental de un granjero. Juntos emprenden un peligroso viaje hacia la frontera mexicana, atravesando los hermosísimos y áridos paisajes del Oeste, huyendo de la persecución de diversos pistoleros con distintas intenciones: desde el legendario general Wood Helm hasta un desalmado cazarrecompensas. Toda una odisea que  inevitablemente les acercará, a pesar  que no se habían conocido hasta entonces. “Dos forajidos (Rust)” (2) es un western clásico (lo que implica violencia,  un mundo de polvo, plomo y tensión (…) sombrío y oscuro. “El film habla de las consecuencias de la violencia” (Alice Durand, Le Point). Visualmente impresionante, un tanto caótico, excesivamente largo (dos horas y cuarto), brutal, y hasta un poco melodramático, ocurre en el siglo diecinueve y cuenta la historia de un adolescente huérfano y su abuelo que es un “fuera de la ley”.   Con un guión de tipo folletín que deja mucho que desear, le falta inspiración,  y un tempo tan lento que ha llevado a decir a un crítico británico que “avanza a ritmo de caracol”, no es ni mejor ni peor que otras muchas películas “del Oeste” y, como ellas, es previsible y  sus escenas están llenas de  pistolas y rifles (2). Tampoco Alec Baldwin es ya, con casi setenta años, el actor que nos gustaba en “La caza del Octubre Rojo”, “Malicia” , “Aviator” o “Blue Jasmine” . Su personaje resulta poco convincente y bastante anacrónico.   “Ojalá nunca hubiera escrito esta maldita película”. Tres años después del disparo mortal en el plató, el realizador Joel Souza recuerda la pesadilla que vivió.

 

(1) “Dos forajidos (Rust)” se puede ver en Madrid a partir del próximo vienes 7 de noviembre de 2025.   (2) No es ningún misterio que el cine estadounidense está impregnado de violencia, lo mismo que la vida. Un sondeo del Pew Research Center, efectuado en julio pasado, el 40% de los estadounidenses confiesan vivir en una casa donde hay al menos un arma de fuego. .  Y “Dos forajidos (Rust)” no es ninguna excepción. Como en todos los westerns, todos disparan como enloquecidos Un  fusil viejo que ha pasado de generación en generación está en el centro del relato. Tampoco es la primera vez que tiene lugar un accidente mortal en un rodaje. En 1993, en circunstancias parecidas, el actor Brandon Lee perdió la vida durante el rodaje de  « The Crow “.  En 2014, la ayudante de cámara Sarah Jones, de 27 años, fue atropellada durante el rodaje de « Midnight Rider », una película que nunca se acabó . . Principio del formulario Final del formulario

“La princesa orgullosa”, una joya de la animación checa

El titiritero Radek Beran ( “Pinocho”, “El  hombrecito”, “El hombre grande”) y el animador David Lisý (“El gato espía”, “Booba, Luke y Lucy”, “El mundo de Marnie”, “Viaje a lo Imposible”), junto con un equipo internacional de animadores y artistas, recuperan “La princesa orgullosa”, el clásico checo de 1952 del mismo nombre -basado en el relato  « Potrestaná pýcha »” (“El orgullo castigado”) de Bořivoj Zeman-,  en un colorido remake animado, renovándolo con nuevos personajes y centrándose en la belleza del paisaje checo que sirve de principal inspiración visual.

“La princesa orgullosa” ( Pyšná princezna) es un delicioso remake animado que da una nueva vida a un cuento checo clásico. Rindiendo homenaje a la película de 1952 – todavía eran años de blanco y negro- , nos ofrece una experiencia encantadora, visualmente asombrosa. Con sus magníficas y coloridas  imágenes, su romántica historia y sus personajes entrañables, demuestra que siempre es posible hacer interpretaciones contemporáneas y originales de los cuentos más clásicos, respetando su herencia. . 

El amor, la generosidad y el cuidado se enfrentan a la codicia, la soberbia y el egoísmo en este cuento de hadas, en el que el bien se enfrenta al mal que ha envenenado el Reino de la Medianoche de la princesa Carolina. La película es una aventura con peligros y persecuciones, pero también con gags fáciles y un final feliz, propio del género férico. Especialmente recomendada para la infancia, también la va a disfrutar el niño que los adultos llevamos dentro. 

Ha llegado el momento de que el joven y apuesto rey Benjamín, que vive en el Reino del Sol,  encuentre esposa. Cuando le presentan el retrato de la bella princesa Carolina, del Reino de la Medianoche,  queda tan encantado que a cambio le envía su retrato; pero la mimada y orgullosa princesa Carolina –educada por un rey manipulado por tres consejeros corruptos- lo rechaza. El rey Benjamín decide seducirla y, tras cambiar su ropa con la de un campesino, consigue trabajo de jardinero en el castillo. 

Descubre que la princesa alguna vez fue feliz y amable y, con ayuda de la música y las flores, consigue que se enamore de él. Cuando los consejeros, deseosos de permanecer en el poder, encuentran para ella un príncipe débil y presuntuoso, Carolina y Benjamín huyen juntos. Los numerosos obstáculos a los que se enfrentarán en la huida les unirán. Benjamín aún tendrá que revelar la verdad, pero el amor y la felicidad triunfarán.

Checos, eslovacos y polacos forman el equipo central de “La princesa orgullosa” (1), en la que 45 animadores y 101 artistas de diversas nacionalidades (España, Francia, Ucrania, India, México y Venezuela) han trabajado durante más de  cinco años. 

Aunque recuerda otros cuentos que hablan de princesas caprichosas y reyes disfrazados, aporta algunos elementos nuevos como el hecho de que la música y el canto estén prohibidos en el Reino oscuro (y que un personaje que vive al lado de la frontera la atraviese para entonar canciones), o la existencia de una flor mágica que canta y se  pone mustia cuando tiene cerca alguien engreído. 

Quienes vieron la película de 1952 aseguran que Carolina y Benjamín son idénticos a los personajes originales –lo mismo que muchas de las escenas en que aparecen los dos-  pero que los diálogos se han modernizado. “Su historia de amor es convincente, al devolver la música a la vida de Carolina, Benjamín consigue que poco a poco recuerde los momentos felices de su infancia”, cuyos reflejos recoge el agua de la fuente del palacio.  

(1) « La princesa orgullosa » se estrena en los cines de Madrid el viernes 7 de noviembre de 2025.