“Sus hijos (& Sons)”: una historia “so british” contada por un latino

Ganadora del Premio al Mejor Guion en el Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, tras su paso por los festivales de Toronto y Londres, “Sus hijos” (& Sons) es la primera película rodada en Lodres, íntegramente en inglés, del reconocido cineasta argentino Pablo Trapero (“El clan”, “El bonaerense”, “Elefante blanco”) con un reparto internacional que encabeza el excepcional actor Bill Nighy (“Love Acrually”, “Piratas del Caribe”), y con él cuatro  intérpretes habituales del cine y la televisión británicos –Imelda Staunton (“Vera Drake”, “The Crown”), Dominic West (“The Wire”), Johnny Flynn (“Emma”) y George MacKay (“1917”), junto a Noah Jupe (“Un lugar tranquilo”, “Hamnet”), a quien la crítica local augura una brillante trayectoria en la pantalla grande.

“Sus hijos”, lo que el propio director explica como “una instantánea de vidas ordinarias repentinamente trastocadas por algo que parece sacado de una novela surrealista”, al que ha añadido un toque del siempre reconocible y aplaudido “humor británico”, oscila entre el drama familiar y el humor negro, explorando la “marca de fábrica de la casa”, “la tensión inherente a nuestras relaciones personales  -sean amigos, familia, compañeros- y cómo, en tal que individuos, todos luchamos por encontrar nuestro propio camino”.

 

A partir de la novela estadounidense “El extravante señor Dyer”, best-seller de 2013 escrito por David Gilbert, el director Trapero ha colaborado con Sarah Polley (“Ellas hablan”) -actriz, guionista y destacado miembro del izquierdista Ontario New Democratic Party- en la escritura de una historia que se ha alzado con el prestigioso Premio Astor Piazzolla al Mejor Guión, en el Festival Internacional de Cine de Mar del Plata (el más cualificado certamen de los que tienen lugar en Latinoamérica).

Andrew Dyer es un autor de fama mundial y también un personaje muy complicado. “Alcohólico, egoísta siempre ausente y responsable de haber destrozado buena parte de sus relaciones familiares”,  lleva casi veinte años sin escribir, sin salir de casa y sin dirigir la palabra a su exmujer y a sus dos hijos mayores, Richard y Jamie. El motivo es Andy, el pequeño, una “sorpresa” extramatrimonial.

Muy afectado por la muerte de un viejo amigo, y con su habitual alcoholismo aumentado, Andrew siente que se acaba su tiempo, lo que le impulsa a llamar a sus hijos mayores, pidiéndoles que acudan al viejo hogar donde se encuentra recluido. Los dos hombres acuden pensando que por fin van a vivir la siempre esperada  reconciliación pero, muy lejos de ello, se encuentra con que el padre les revela algo tan increíble e insospechado que, de ser cierto, cambiaría completamente el sentido de su vida.
 
“Sus hijos” (1) explora el significado de la paternidad, la culpa, el tiempo perdido, las diferentes opciones que se presentan cuando una familia salta por el aire hecha añicos, y el valor siempre relativo de los secretos, los silencios y los reproches. ¿Qué es más importante, toda la bilis vomitada en un momento de arrebato o lo que nunca tuvimos el valor de decir?

“Sus hijos” –explica el realizador Trapero- a simple vista narra la historia de un escritor al final de su vida, lidiando con las grandes decisiones que ha tomado y las consecuencias que éstas han tenido. Pero en esencia, es una exploración profundamente conmovedora del legado, la familia, la identidad, la vanidad, la explotación y, por supuesto, el amor. Está contada de una manera sumamente íntima y personal, con un toque de ironía: una instantánea de vidas ordinarias repentinamente trastocadas por algo que parece sacado de una novela surrealista. “Sus hijos” aborda temas que he explorado desde que me convertí en cineasta: la tensión inherente a nuestras relaciones -ya sean con amigos, en el trabajo o en la familia- y cómo, como individuos, luchamos por encontrar nuestro propio camino. Cómo el amor, el deber y los sueños a menudo entran en conflicto”.

(1) “Sus hijos (& Sons)” se puede ver en los cines de Madrid a partir del viernes 18 de septiembre de 2026.

Estados Unidos: algunos congresistas empiezan a cuestionar la salud mental de su presidente

Esta ilustración fotográfica, realizada el 13 de abril 2026, muestra una imagen fotográfica realizada el 13 abril 2026, así como una imagen generada por Inteligencia Artificial que publicó en su red Truth Social, representándole con los rasgos de Jesucristo tras haber criticado al papa León XIV  ( MANDEL NGAN / AFP)

Publicado inicialmente en el diario estadounidense New Yoek Times, y comentado por la redactora Léa Polverini en Slate, digital independiente de izquierda, un artículo comenta que, en diez horas,  el presidente de Estados Unidos, Donald Trump, ha escrito 60 veces comentarios en sus redes sociales, con contenidos “inquietantes para su salud mental”.

En las últimas semanas, comenta la redactora, el presidente de Estados Unidos está “inundando sus redes de comentarios que le representan como un héroe guerrero, o como el amo el mundo”, lo que está molestando “incluso en algunos rangos superiores de la esfera política, donde se preguntan acerca de su capacidad para gobernar”.

 

Si bien es cierto que, desde el comienzo de su primer mandato, esta manera frenética de comunicar es algo habitual, también lo es que la IA le ha proporcionado nuevos medios de expresión, que no dejan de desconcertar a los comentaristas “debido a lo exageradas que son las imágenes desplegadas”

 

Con la IA, Donald Trump se retrata “como un superpoderoso gigante” que aplasta a todos sus enemigos, “tanto en la guerra como en los cielos”. Si bien es cierto que estos excesos han modificado profundamente la naturaleza de la presidencia, y la relativa reserva que habitualmente se le suponía, también lo es que parecen un testimonio del estado mental del Jefe del Estado.

Saturar el espacio digital

Para Sarah Matthews, exportavoz de la Casa Blanca durante la administración Trump, “inunda de tal manera la web con este tupo de contenidos que nos hemos vuelto insensibles a su absurdo. Un presidente de 80 años pasa un tiempo enorme consumiendo y republicando creaciones de fans, generadas por IA, que le describen como el hombre más grande, más fuerte y más importante del mundo. “Realmente da la sensación de estar asistiendo, en tiempo real, a la degradación de su cerebro”. 

Por otra parte, sus defensores consideran sobre todo que destaca en el arte del trolling (1), provocando a sus adversarios para hacerles reaccionar. El inquilino de la Casa Blanca “evidenciaría una autenticidad bruta típica de la época, de la que sin ninguna duda  sería su mejor representante”.

 

Pero la iconografía guerrera exhibida por Donald Trump en todas las plataformas aparece sobre todo como otra negación más de la realidad. Se imagina así aplastando Irán o, con el palo de hockey en la mano, dominando en el suelo al Primer Ministro canadiense, Mark Carney incluso cuando, como revela el New York  Times, se demuestra “incapaz de de conseguir que Carney ceda en el conflicto aduanero que les enfrenta; esa imagen caricaturesca le permite presentarse como un vencedor, incluso cuando no lo es”. 

 

Donald Trump gana peso preocupando a la Casa Blanca. 

 

En el Congreso, los repetidos ataques a la integridad de cuantos se oponen al trumpismo suscitan la indignación de algunos demócratas como Chellie Pingree,  representante de Maine: «Yo no quiero escuchar –insiste- que se diga ‘oh, es solo un Trump de libro’, ni tampoco que está a punto de ‘trollear’. Ya basta. Nada de todo es es normal, ni aceptable. Los republicanos no pueden seguir cerrando los ojos. El Congreso, el gobierno y todo su entorno tienen la responsabilidad de dejar de tolerar ese peligroso comportamiento, y de empezar a preguntarse si es apto para ejercer sus funciones”.

 

El de Chellie Pingree es un enfado compartido en el extranjero, especialmente por los representantes de los Estados vilipendiados y agredido por Estados Unidos. “No hay nada de divertido, ni de normal, en burlarse de la soberanía de los Estados », declaraba recientemente la Primera Ministra islandesa Kristrún Frostadóttir, tras contemplar una enésima  imagen de propaganda imperialista difundida por Trump. La presión, sin embargo, no parece lo bastante fuerte para obligar al presidente a parar en sus controvertidas publicaciones, como lo demuestran los sesenta contenidos publicados en diez horas del pasado fin de semana.  

 

(1) « trolling » es el acto de provocar, molestar o engañar a otros usuarios en internet mediante comentarios o publicaciones diseñados para generar reacciones emocionales negativas.

El término trolling deriva de la palabra inglesa troll, que “en la mitología escandinava se  refiere a criaturas maliciosas que engañan a los viajeros”. En internet comenzó a usarse en la década de 1990 para describir a personas que buscan provocar caos, discusiones o malestar en foros, redes sociales y salas de chat. En castellano se ha popularizado como verbo (trolear o hacer trolling) y se refiere a la acción de molestar o provocar en línea.

 

 https://twitter.com/i/status/2092646635851399353

“Tiempo de victoria” , el Día D a la luz de la climatología

 

"Andrew Scott y Brendan Fraser hacen un trabajo magnífico en los papeles principales, y tienen el magnetismo suficiente para conseguir que sea fascinante una película de debates acerca de las predicciones meteorológicas "  (SCREEN RANT)

Siempre  se podrá añadir algo más al relato del día D, aquel 6 de junio de 1944, fecha del Desembarco de los aliados en Normandía. Ahora se trata de la historia que cuenta “Tiempo de victoria” (“Presure), un emocionante drama que nos descubre el papel clave que tuvieron los meteorólogos británicos en la realización del Día D con sus armadas reales y ficticias, con su porcentaje de tanques de cartón piedra.   Andrew Scott y Brendan Fraser, dos actores que coleccionan trofeos cinematográficos, escenifican la historia real, y hasta ahora desconocida, de las 72 horas previas al día D en la apasionante película “Tiempo de victoria”, dirigida por Anthony Maras (“Hotel Bombay”): una adaptación para la pantalla de la obra teatral “Presure”, escrita por David Haig.    El actor irlandés Andrew Scot (“Sherlock”, “Todos somos extraños”, ganador del premio a mejor interpretación de reparto por “Blue Moon” en la Berlinale 2025), protagoniza en “Tiempo de Victoria” al meteorólogo encargado de analizar la viabilidad del desembarco en las playas normandas. Brendan Fraser (ganador de un Oscar eb 2023 por su papel en “La ballena”, “Familia de alquiler”) encarna al general estadounidense Dwight D. Eisenhower, el hombre sobre el que recayó todo el peso de la decisión de llevarlo a cabo, una medida que determinó el destino de la Segunda Guerra Mundial.   Completan el reparto  Kerry Condon (“Almas en pena en Inisherin”, “F1: La película”), Chris Messina (“Ai”r, “Argo”) y el ganador del Premio Emmy Damian Lewis ("Homeland", "Billions").   Junio de 1944. Cuando quedan 72 horas para el Día D  todo está listo, salvo un elemento clave: el tiempo. El capitán James Stagg, jefe del servicio meteorológico británico, recibe el encargo de elaborar el pronóstico más trascendental de la historia. Unas condiciones climáticas adversas podrían arruinar la mayor invasión marítima de la historia, mientras que cualquier retraso podría suponer que los servicios de inteligencia alemanes descubrieran sus intenciones. El general Dwight D. Eisenhower deberá tomar la decisión.    « El clima puede destruirnos ». En junio de 1944, la meteorología podía cambiar el curso de la historia, decidir cómo y cuándo proceder al Desembarco aliado. La decisión final dependía del jefe del servicio, un escocés llamado James Stagg, reputado por su intuición, que ha detectado dos tormentas acercándose, lo que significa que hace un tiempo que recomienda –y más que recomienda, casi ordena- que no es conveniente sacar una armada a la intemperie. Contra vientos y mareas, tiene el deber de convencer al Estado Mayor de atrasar el Desembarco.    La película « Tiempo de victoria » cuenta la historia de este hombre decisivo que previno: « Si desembarcan mañana sus tropas serán engullidas por las olas”. Los militares acabaron confiando en él, aunque para ello tuvo que subir la voz algunos decibelios: « Lo que  me impresionó –ha explicado el realizasor de la película, Anthony Maras- fue la idea de que un científico tuvo el valor de decir la verdad a las autoridades. El valor  de enfrentarse a sus superiores y decirles lo que no querían oír, pero que era necesario que escucharan ».  « Tiempo de victoria » (1) fue exhibida por primera vez en Deauville, a pocos kilómetros de las playas del Desembarco, ante un público afectado y favorable de antemano, que a la salida comentaba haber sentido el suspense « a pesar de conocer el resultado ». Para el actor Brendan Fraser, en primer plano en  el papel del general Eisenhower, la principal enseñanza de la historia es que « si ignoramos las fuerza de la naturaleza vamos derechos al desastre. Esta película es una advertencia ». Al destacar el importante papel de las previsiones del clima, la película aporta otra perspectiva sobre el Desembarco y sus héroes olvidados.     (1) “Tiempo de victoria” podrá verse en los cines de Madrid a partir del próximo viernes, 18 de septiembre 2026

 

 

 

83 Mostra de Venecia: de vuelta al cine comprometido con su sociedad y con su tiempo

Clausurada este sábado 12 se septiembre, la Mostra Internazionale del Cinema di Venezia, ha elegido  un palmarés que refleja una importante atención a los temas políticos y sociales. En general, las películas que se han visto reflexionan sobre cuestiones de género, memoria, clase y violencia, convirtiendo al Festival en una importante oportunidad para explorar la mayor parte de los conflictos que actualmente preocupan a las sociedades” (dodmagazine.es).

La película “Woman Unknown”, de la realizadora danesa  May el-Toukhy, ha conseguido el León de Oro a la mejor película en la 83 edición de la Mostra, celebrada del 2 al 12 de septiembre en el Lido veneciano. Protagonizada por Mathilde Arcel —también danesa y reconocida con la Copa Volpi a la mejor actriz—, se convierte así en la gran triunfadora de “un palmarés atravesado por cuestiones de género, memoria, clase y violencia”.

Como en todos los festivales, el palmarés pone el broche de oro a un festival  que ha situado en un puesto de honor al cine político, a una sucesión de películas que han mirado de frente a los conflictos más importantes de nuestro presente. “Naza”, documental sobre la guerra de Gaza realizado por Yuval Abraham y Rachel Szor, recibió una espectacular ovación de veinticinco minutos del público que abarrotaba la sala, y acabó llevándose el Premio Especial del Jurado.

El realizador Yuval Abraham, periodista de investigación, director de cine y traductor muy crítico con la ocupación israelí de los territorios palestinos, nacido en 1995, en una familia israelí de clase media con distintas ascendencias judías (una de sus abuelas nació en un campo de concentración italiano en Libia y uno de sus abuelos perdió a casi toda su familia en el Holocausto), dio el salto a la fama internacional cuando en 2024 codirigió con Basel Adra el documental “No Other Land”, ganador ese año del Oscar, sobre las fuerzas de Defensa de Israel y la violencia de los colonos israelíes en Cisjordania. El mismo año, pronunció un discurso a favor de la igualdad en la Berlinale, una forma coloquial de llamar al Festival Internacional de Cine de Berlín.   

El resto del palmarés se ha repartido entre algunos de los títulos que encabezaron las quinielas: Lee Chang-donf dominado las quinielas durante los últimos días: el surcoreano Lee Chang-dong se llevó el Gran Premio del Jurado por “Possible Love”,  mientras que el León de Pla ta a la mejor dirección ha sido para “Dau” , del realizador, actor, productor y director artístico nacido en Moscú  Ilya Khrzhanovsky –hijo de un realizador de películas de animación y de una filósofa de origen ucraniano -quién asistía en calidad de apátrida porque tuvo que renunciar a la nacionalidad rusa cuando  en marzo de 2014 firmó la carta abierta “We are with You”, promovida por la Russian Film Union en apoyo de Ucrania. .

Diez años más tarde, una entrevista con el presidente ucraniano Volodymyr Zelensky, emitida por televisión en marzo de 2024, fue la causa de que el ministerio de Justicia ruso incluyera  al cineasta Khrzhanovsky en su lista de “agentes  extranjeros en Rusia”. En septiembre renunció a la nacionalidad rusa y abandonó el país para pasar a engrosar la interminable  lista de apátridas rusos en el exterior.

En cuanto a los premios de interpretación, la Copa Volpi ha sido para John Malkovich por su personaje de la película “Wild Horse Nine”, mientras que de nuevo la danesa Mathile Arcel recibió la suya por el papel de “Woman Unknown”.

 

Aquí el Palmarés completo de la 83 edición de la Mostra de Cine de Venecia:

León de Oro a la mejor película: ‘Woman Unknown’, de May el-Toukhy

León de Plata – Gran Premio del Jurado: ‘Possible Love’, de Lee Chang-dong.

 

León de Plata – Mejor dirección: Iliá Jrzhanovski, por ‘DAU’.

 

Copa Volpi a la mejor actriz: Mathilde Arcel, por ‘Woman Unknown’, de May el-Toukhy.

 

Copa Volpi al mejor actor: John Malkovich, por ‘Wild Horse Nine’, de Martin McDonagh.

 

Mejor guión: Stéphane Brizé, Coralie Amédéo y Olivier Gorce, por ‘Un bon petit soldat’, de Brizé.

 

Premio Especial del Jurado: ‘Naza’, de Yuval Abraham y Rachel Szor.

 

Premio Marcello Mastroianni al mejor intérprete emergente: Malou Khebizi, por ’15/18′, de Cédric Kahn

 

Sección Horizontes (dedicada a las nuevas vanguardias)

Mejor película: ‘Un détour par Diane’, de Ann Sirot y Raphaël Balboni.

Mejor dirección: Jacqueline Lentzou, por ‘A Day in the Life of Jo: Chapter Phaedra’.

 

Premio Especial del Jurado: ‘La maison du vent’, de Auguste Bernard Kouemo Yanghu.

 

Mejor actriz: Laleh Marzban, por ‘Moragheb’ (‘Falling House’).

 

Mejor actor: Riccardo Scamarcio, por ‘I figli della scimmia’.

 

Mejor guión: Tommaso Landucci y Damiano Femfert, por ‘I figli della scimmia’.

 

Mejor cortometraje: ‘Quelques instants de bonheur’, de Shaden Safieddine Tazi.

 

 

Venecia Spotlight (centrada en obras innovadoras y originales en su relación con el público)

Premio del público: ‘I matter’, de Alina Şerban.

 

León del Futuro, Premio Venecia Ópera Prima: ‘La maison du vent’, de Auguste Bernard Kouemo Yanghu.

Venecia Clásicos:

Mejor restauración: ‘La lunga notte del ’43’, de Florestano Vancini.

Venecia Inmersiva:

Gran Premio: ‘The Pigeon Ring’, de Yuqi Zhang y Shixin Tao.

 

Premio Especial del Jurado: ‘Out of the Ashes’, de Rory Mitchell y Nonny de la Peña.

Premio a la Dirección: Peter Flaherty, por ‘Empire a

 

 

 

 

“El nido”, un thriller dramático con varias capas

 

“El nido”, thriller psicológico dirigido por Hugo Stuven “Anomalous”, “Solo”)  y protagonizado por Michelle  Jenner (“El secreto del orfebre”, “No tengan miedo”, Premio Goya a la Mejor Actriz Revelación), Luisa Gavasa (“El maestro que prometió el mar”, “La novia”, Goya a la Mejor Actriz de Reparto). Pablo Derqui (“Los renglones torcidos de Dios”, “Dos”) y el niño debutante Dylan Radley, narra la historia de una madre tan protectora que raya en la locura, dispuesta a hacer cualquier cosa para mantener si familia a salvo, todo hasta convertir la casa en una pesadilla.   La regla que ha establecido es muy simple: nadie puede salir del  entorno de la casa, el nido, el refugio que ha construido para protegerles. Para Marta, el mundo exterior es aterrador. Por eso mantiene encerrados a su madre y a su hijo pequeño. No es que les guste –de hecho, la madre está atada con una cadena y tiene una especie de guías en el suelo para moverse- pero no les queda otra que resignarse. Y el niño es demasiado pequeño todavía para tener una mirada crítica sobre su madre. Los tres viven gracias a un pequeño huerto y una cabra que les da leche. Hasta que un día aparece en la puerta un excursionista, un hombre que se ha perdido en el bosque, capaz de despertar en Marta el lado más oscuro que esconde. Claustrofóbica y angustiosa a ratos,  drama de género, “El Nido” es, sin duda, la fantasía de una persona enferma (hace tiempo se habría despachado diciendo que no está bien de la cabeza, pero ahora ya sabemos cuán numerosas y diversas son las enfermedades mentales). Marta cree que cerrando puertas y ventanas, y manteniendo atados a los adultos, protege a todos del terrible mundo del exterior e impide que “el mal” pueda entrar en la casa. Aunque la verdad es que también puede encontrarse dentro. Hay que decir que “El nido” (1) – que habla de la maternidad, de la sobreprotección  y de la culpa- es de las que dan miedo. Para su director: “el género engloba muchas cosas y es un vehículo bastante importante para contar otras. Por ejemplo, nosotros en El nido abordamos la maternidad, las herencias familiares, no repetir ciertos patrones que consideramos normales en nuestros padres y, sin darte cuenta, los estás repitiendo… Es una peli que tiene más capas de lo que parece. Yo la trato realmente como si fuera un drama, porque, si la analizas bien al terminar de verla, ves que esto es un drama basado en hechos reales”.   (1) “El Nido” está en los cines de Madrid a partir de este viernes 11 de septiembre de 2026.

El Museo del Arte Narrativo de George Lucas dedicado a “el arte de la gente”

Lucas Museum of Narrative Art

Financiado por el estadounidense George Lucas -creador de los grandes éxitos “La guerra de las Galadias” o “Indiana Jones” entre otros”-, el esperado Lucas Museum of Narrative Art abrirá sus puertas el próximo 22 de septiembre en Los Angeles, ciudad considerada la capital del cine.. En el interior de un impresionante edificio se mezclan objetos relativos a las artes narrativas en el sentido más amplio. Evidentemente no faltan evocaciones  del universo de la saga más famosa de toda la historia del cine.

 

El Museo se ha construido en la meca del cine estadunidense, en lo que antes era un aparcamiento muy cerca de la Universidad del Sur de California, “alma mater del cineasta”. La  realización de este megaproyecto – que era el sueños de uno de sus propietario, la otra es  Mellody Hobson, pareja y socia de George Lucas- ha costado, redondeando, mil millones de dólares, una cantidad que cubre no solo el homenaje a la portentosa imaginación de George  Lucas; es  también un tributo a las artes narrativas en su totalidad y a lo que su promotor llama “el arte de la gente”.

“Para decirlo simplemente –ha explicado a la prensa internacional Ryan Linkof, conservador del Museo- yo diría que quizá es la firma más antigua de arte, el arte que nos rodea, un arte que generalmente no apreciamos porque forma parte de nuestras vidas”.

Periódicos, imágenes, cubiertas de libros, volúmenes de comics, libros infantiles, novelas gráficas, murales y materiales cinematográficos…. Las más de mil trescientas obras expuestas sin jerarquía ocupan nueve mil trescientos metros cuadrados repartidos en treinta galerías. En ellas, una estatua de un cow-boy, páginas de mangas, un retrato de Frida Kahlo, un traje de Batman, episodios de Asterix y Tin Tin, un fresco de Diego Rivera junto a los dibujos callejeros de Bansky  y obras de Frida Kahlo, Jacob Lawrence, Charles White y Robert Colescott, además de  trabajos de caricaturistas como Winsor McCay, Jack Kirby y Frank Frazetta; e ilustraciones de Norman Rockwell, Jessie Willcox Smith y N.C. Wyeth.

Todo expuesto en un gigantesco estuche con aspecto de nave espacial que el  arquitecto del Museo define como una “nube” o un “edificio flotante”. Para el matrimonio Lucas es “el templo del arte del pueblo”. La mayor parte de los objetos que se exhiben en las cinco plantas del Museo formaban parte de las colecciones privadas del cineasta, y de su esposa.

La visita al Museo arranca en la primera planta que aborda la historia de la narración visual desde las pinturas rupestres hasta las grandes tradiciones religiosas y mitológicas con reproducciones –hechas ex profeso- de la Cueva de Altamira, la Capilla Sixtina – « el primer álbum de cómic de Dios » según George Lucas-, y la Piedra del Sol azteca, en la convicción de que algunas obras no podrán viajar nunca, lo mismo que una parte del público nunca podrá ir a verlas.

 

Una sección dedicada al cine explora el universo visual de “La guerra de las galaxias”. Ilustraciones originales y borradores de croquis junto a ropas y vehículos explican el proceso creativo de una de las sagas más aplaudidas de la cultura popular, y muestran como las ideas se desarrollan gracias a la colaboración  para crear relatos que atraviesan las generaciones.

 

  En el Museo hay también dos salas de cine de 300 plazas que, durante todo el día, estarán dedicadas a proyectar películas y documentales, y un restaurante –el  Skywalker Grill- con vistas a las torres de Downtown. La entrada al Museo costará 25 dólares, mientras que otros museos de los Angeles, financiados por multimillonarios, como el Getty Center o el Broad por mencionar alguno, son de acceso gratuito.  

 

Antes de pensar en Los Angeles, el proyecto del Museo se ofreció a los responsables de las ciudades de Chicago y San Francisco, que lo rechazaron a causa de la enorme inversión que suponía. Según Ma Yanson, el arquitecto del proyecto, diseñador del pabellón de China en la Bienal de Arquitectura de Venecia (que se celebra en estos días), “a menudo la arquitectura moderna es funcional como una caja o una máquina. Pero nosotros hablamos de emociones, de lo que sienten las personas cuando se desplazan en el espacio. George hace películas sobre la emoción de la gente, y piensa que también la arquitectura puede hacer lo mismo”.

 

Para George Lucas ha representado una victoria conseguir que, al final de un largo recorrido burocrático, los responsables de la ciudad de Los Angeles, “la meca del cine”, aprobaran el proyecto: “Ha sido un camino largo. El problema es que soy un anticonformista. No me gusta hacer lo que la gente cree posible. Pero, aunque estoy habituado a lo imposible, este  Museo estuvo a punto de ganarle el pulso  a mi voluntad”.

 

Con 82 años repite que "Una imagen tiene muchísimo poder, y las historias también. Cuando combinas esos dos elementos crean una sociedad .y por eso quería construir el Museo: porque el arte narrativo crea un grupo de personas, con un sistema de creencias común, que les permite trabajar juntos en lugar de matarse entre sí", comentó.

Bicentenario de la fotografía

 La imagen como la mejor manera de conservar la memoria 

 

 

Point de vue du Gras

Dos siglos después de la primera fotografía, “Point de Vue du Gras”, conseguida por el inventor, y también experto en mecánica y en química,  francés Joseph Nicéphore Niépce  desde una ventana de su propiedad en Saint-Loup-de-Varennes, en el Gras, Francia celebra el bicentenario de lo que –al menos hasta ahora, antes de la era digital- se consideraba el octavo arte. En la imagen se adivinan los tejados y el patio de una granja bañados por una luz extraña que ilumina los edificios desde ambos lado.

 

El procedimiento utilizado para conseguirla fue la heliografía, un método que el propio Niépce había inventado hacia 1822, junto con Louis-Jacques Daguerre.  Continúa en discusión la fecha en que se consiguió la primera fotografía de la historia. Las instituciones francesas  la sitúan en 1826, mientras que algunos historiadores se inclinan por 1827. Como he leído en alguna parte “la fórmula prudente es hacia 1826-1827”.

 

El « Point de Vue du Grass » (Vista desde la ventana en Le Gras), la placa de estaño –“tan enigmática como inspiradora…Un Grial para quienes ya la han visto » (Clementine Mercier, Libération)- donde el inventor francés consiguió imprimir un paisaje hace doscientos años  permaneció muchos años desparecida hasta que los historiadores Helmut y Alison Gernsheim  la encontraron en Londres, en 1952, dentro de una maleta depositada en la consigna.

 Desde 1963 se  conserva enmarcada, junto a una biblia que perteneció a Gutenberg,  en el Harry  Ransom Center, instituto dependiente  de la Universidad de Texas en Austin, Estados Unidos, desde donde, tras dos años de negociaciones,  va a viajar hasta la localidad francesa de Chalon-sur-Saône en cuyo Museo Nicéphore Niépce permanecerá expuesta  durante dos meses a partir del 26 de abril de 2027, en el marco de la exposición  “L’empreinte d’Hélios. 1826-1827, Niépce invente la photographie ¡.

 La exposición es el acontecimiento central de  los ciento ochenta y dos proyectos que, entre septiembre de 2026 y el mismo mes de 2027, organiza el Ministerio de Cultura francés, para celebrar el Bicentenario de la invención de la fotografía, en toda Francia, los trece territorios franceses de ultramar –cuatro en el Mar Caribe, cuatro en el Océano Pacífico,  tres en el Océano Indico y uno en Estados Unidos- y una treintena de países extranjeros.

 La exposición « rastreará el proceso de invención de Niépce » y contará con « los artefactos y los archivos del inventor conservados en colecciones públicas francesas », según el comunicado emitido por el ministerio francés de Cultura.  

 

Joseph Nicéphore Niépce

A partir de 1816, Joseph Nicéphore Niépce utilizó cámaras oscuras, cajas con una perforación provista de una lente que proyectaba en el fondo la imagen invertida de lo que había en el exterior, procedimiento que hasta entonces se había utilizado para dibujar.

 

Necesitó ocho años para conseguir fijar esa imagen en un soporte con ayuda de « betún de Judea », un producto que había utilizado en 1807 para sus experimentos con el primer motor de combustión interna para barcos, inventado junto con su hermano Claude, al que bautizaron como pireolóforo. La asociación en 1829 con Louis-Jacques Daguerre les permitió perfeccionar el dispositivo, e inventar el primer proceso fotógrafo con éxito.

 

Los dos hermanos Niépce tuvieron que huir temporalmente de Francia tras el estallido de la Revolución, acusados de “simpatías realistas”. Cuando regresaron para ingresar en los ejércitos napoleónicos, Joseph Nicéphore (1) fue licenciado por problemas de salud. Falleció en 1833, con 68 años, en su estudio a causa de una apoplejía.

 

 

(1) “La participación de Niépce en el invento de la fotografía, que se hizo pública en 1839 con el solo protagonismo de Daguerre, fue resultado del desinterés inicial de su hijo Isidore Niépce,  quien heredó y negoció con Daguerre  los beneficios. No se sabe muy bien de donde proviene el contrato, pero el caso es que el invento se vendió al estado francés sin que Isidire  Niépce   reclamara el reconocimiento de la participación de su padre. Sin embargo, en 1841 publicó la obra Historia del descubrimiento del invento denominado daguerrotipo, en la que aclaró su papel en la historia del invento de la fotografía, ante las maniobras realizadas por Daguerre para ocultar sus trabajos”. (France Télévisions)