“A Magnificent Life”, homenaje animado al escritor y cineasta marsellés Marcel Pagnol

“Los viejos son como los chimpancés: saltan de rama en rama persiguiendo sus recuerdos”

 

 

“A Magnificent Life” es una historia real, un biopic homenaje al cineasta francés Marcel Pagnol (1895- 1974), que lideró el paso del teatro al cine sonoro, estrenado en el Festival de Cannes 2025. 

 

 Ambientada entre los años treinta y cincuenta, la narración nos descubre cómo un joven curioso de Marsella cultivó su pasión por la palabra, construyó un universo literario propio y se lanzó al cine con una visión profundamente humana y auténtica. En última instancia celebra el valor de la creatividad y el legado cultural de un hombre que contribuyó a construir un cine francés moderno.

 

“A Magnificent Life”, tercera película de animación dirigida por el cineasta francés Sylvain Chomet, (“Bienvenidos a Belleville”, “El ilusionista”, ganador de un Cesar y nominado cuatro veces a los Oscar), es una mirada personal que combina humor, melancolía y una gran sensibilidad visual, las mejores virtudes de un cineasta de estilo inconfundible “capaz de  transformar biografías y emociones en cine de animación adulto, elegante y profundamente cinematográfico”. El actor Laurent Lafitte presta su voz  al escritor y cineasta marsellés, fallecido en 1974, que había nacido en 1895, el mismo año que los hermanos Lumière inventaron el cinematógrafo.

 

“A Masgnificent Life” es el producto de ocho años de trabajo que Sylvain Chomet –realizador, dibujante y guionista-  explica como “Una experiencia magnífica, pero muy dura”, y que Nicolas Pagnol, nieto del escritor, define como “una oda a la libertad, la poesía y la amistad”. Está inspirada en textos originales y otros « inventados » por el realizador, que ha intentado « escribir diálogos al estilo Pagnol”.  

 

La película ofrece un viaje íntimo y poético a través de la vida y los recuerdos de Marcel Pagnol - la infancia en Marsella, el descubrimiento de la palabra escrita, el amor por su tierra natal y el paso decisivo del teatro al cine-, entre evocación y realidad para crear un mundo lleno de detalles, en el que se mueven personajes exagerados y caricaturizados. Escritor, dramaturgo y cineasta, Pagnol, quien, de niño, había prometido a su madre – a la que dedicó sus primeros poemas, fallecida cuando él tenía 15 años-  que un día “brillaría en el firmamento”, fue un pionero en la transición del teatro al cine sonoro y un narrador excepcional de historias profundamente humanas, enraizadas en la Provenza y en la memoria colectiva. Entre 1931 y 1954 Pagnol realizó y produjo más de una veintena de películas.

A Magnificent Life” (1) es un homenaje –salpicado de humor y poesía-  al poder de la imaginación, a la memoria como materia viva y al arte de contar historias. Un paseo por el destino de un autor popular, al principio ignorando por la intelectualidad parisina y después aclamado por los mismos que lo negaban. Una experiencia cinematográfica delicada y emotiva que celebra el legado de un creador cuya obra sigue inspirando generaciones.

Estamos en 1956. La redactora jefe de una revista femenina le encarga a Marcel Pagnol, ya anciano, que escriba un relato en el que cuente su infancia, su tierra y sus amores. Mientras intenta escribirlo se le aparece Marcel, el niño que fue hace tiempo, que es como su voz interior y va a ayudarle a reunir sus recuerdos, que van apareciendo poco a poco: la llegada del cine sonoro, el primer gran estudio de cine, su relación con los actores, el hecho de escribir…Marcel Pagnol se convierte en el protagonista de su propia historia que acaba siendo una película de animación en la que reviven actores, como Fernandel, Raimu  y otros que forman parte de la historia del teatro, el cine y la cultura francesa, al tiempo que sigue la evolución de la industria del cine en los primeros años del siglo veinte.

 

La película ha tenido un destacado recorrido internacional y ha sido presentada en importantes festivales de cine y animación, entre ellos el Festival Internacional de Cine de Animación de Annecy, una de las citas más prestigiosas del sector a nivel mundial. En España, se presentó en el Festival de Sevilla, dentro de su programación dedicada al cine europeo, y posteriormente en Animario Madrid.

 

(1) “A Magnificent Life” se estrena este viernes, 6 de marzo de 2026, en Cinesa Manoteras, Mk2 Cine Paz y Mk2 Palacio de Hielo

“El último vikingo”: humor negro y transgresión en una historia de Anders Thomas Jensen,

“Nadie es una sola cosa”

“El último vikingo” (Den sidste viking) es una divertida y desconcertante  historia, bastante sombría en el aspecto psicológico, que oscila entre comedia negra y drama, sexto largometraje del guionista y realizador danés  Anders Thomas Jensen (“Los carniceros verdes”, ”Adam's Apples”, “Jinetes de la Justicia”), uno de los maestros del cine nórdico, un cineasta que juega con los géneros y que ha conseguido crear un universo propio a base de humor negro y transgresión, “reconocido por su sentido de lo inquietantemente extraño y sus historias centradas en personajes sospechosos” (Cineuropa), con frecuencia criminales, siempre sobre el fondo de una Escandinavia pintoresca que nos atrapa. Hay algo inasible en esa mezcla tan ajena de comedia, tragedia y absurdo, en esa manera tan particular de encarar la vida y hablar de ella.

En “El último vikingo” Anders Thomas Jensen reincide con sus intérpretes de cabecera, Mads Mikkelsen (“Otra ronda”) y Nikolaj Lie Kaas (“Frankenstein”): una alianza creativa con un humor muy especial, que ha dado reputación al trío y que, según el propio director, permite “ir más lejos” con los personajes y el tono, porque se apoya en relaciones de trabajo consolidadas y en la confianza para arriesgar con propuestas tan radicales como emotivas. Esa complicidad se traduce en interpretaciones que sostienen el equilibrio entre la comedia más incómoda y la emoción más directa, construyendo una fábula contemporánea sobre la identidad y las realidades que nos inventamos para sobrevivir.

Sin duda, los mejor de la película es la interpretación de los dos actores, a los que se suman, entre otros, Sofie Gråbøl, Søren Malling, Bodil Jørgensen, Lars Brygmann y Nicolas Bro, configurando  un conjunto coral de personajes excéntricos y profundamente humanos, protagonistas de una fábula de extraños personajes que nos hablan de aceptación, de redención y de amor al otro, por despreciable que pueda parecer.

Todo empieza cuando el atracador Anker sale de la cárcel, donde ha pasado quince años, y quiere recuperar el botín de más de veinte millones de coronas que su hermano Manfred tenía que encargarse de enterrar en lo que fue la casa de sus padres, el lugar en el que habían crecido, y acumulado traumas, un montón de hermanos con un padre violento. El problema es que Manfred, que se siente muy vikingo,  padece una alteración de identidad, cree que es John Lennon, solo responde al nombre de John y parece haber olvidado completamente donde está el dinero que su hermano le reclama.

De la casa de su infancia, que ahora es un alquiler Airbnb y tiene muy malos recuerdos para Manfred, se ocupa una pareja disfuncional: Margrethe cree que es modelo porque una vez hizo un anuncio de manos, y Werner lleva años frente a un ordenador intentando escribir un cuento para niños. A la reunión se suman Lothar,  un psiquiatra que, para ayudar a Manfred,  quiere reunir a los  “Beatles” a base de  otros pacientes que tienen trastornos de personalidad: uno de ellos se cree Ringo y otro es alternativamente Paul y George (y a veces Björn, de ABBA).

Mientras Anker intenta desesperadamente  que Manfred le diga donde está enterrado el dinero, los falsos Beatles hacen una primera actuación, y para completar el cuadro aparecen la hermana que se ha ocupado de Manfred y  el antiguo cómplice de Anker, un tipo brutal que también quiere el dinero.

Desde hace cuarenta años, el realizador Anders Thomas Jensen es uno de los grandes del cine danés contemporáneo, más conocido por sus trabajos de guionista. Con “El último vikingo” (1), presentado en la Mostra de Venecia 2025, nos introduce en una comedia en cierto modo costumbrista, una historia de personajes que transitan por los límites de la “normalidad”.

(1) “El último vikingo” se estrena en Madrid este viernes 6 de marzo de 2026.

 

 

« El mago del Kremlin », el hombre que murmuraba al oído del último “zar”

 

Adaptación de la novela homónima de Giuliano da Empoli, Gran Premio de Novela de la Academia Francesa, « El mago del Kremlin » (1), película del realizador francés Olivier Assayas ( “Personal Shopper”; “Viaje a Sils Maria”) da un repaso a la historia de Rusia a partir de los años 1990, contada por uno de los consejeros en la sombra de Putin.  Es también una excusa para reflexionar sobre el cambio geopolítico mundial tras la caída del imperio soviético y para preguntarse sobre las complicidades con el poder. El propio Assayas es autor del guión junto a Emmanuele Carrère, Premio Princesa de Asturias de las Letras, reconocido autor de  “Limonov” y “El adversario”.

 

Estrenada oficialmente en el último Festival de Venecia y tras proyectarse en los festivales de Toronto y San Sebastián,  “El mago del Kremlin” está interpretada por Jude Law (“Cold Mountain”, “El talento de Mr. Ripley>”), como Vladimir Putin, y Paul Dano (“Golpe a Wall Street”, “Pozos de ambición”) en el papel del asesor ficticio Vadim Baranov, el cerebro que estaba detrás del ascenso de Putin al poder, y de su implacable régimen político. Les acompaña Alicia Vikander ( ganadora de un Oscar por“La chica danesa”, “La luz entre los océanos”), en el papel de Ksenia, que es a la vez la libertad y la conciencia de Baranov,  Jerffrey Wright (“American Fiction”) y Tom Sturridge (“En el camino”)

 

 

« Rusia 1990. Ha caído el muro de Berlín. El país de Boris Eltsine está en manos de un puñado de oligarcas. "Los nuevos héroes, los banqueros y las top-models han impuesto su dominación  e invertido los principios sobre los que se asentaba la existencia de los trescientos millones de habitantes de la URSS. Habían crecido en una patria y de pronto se encontraban en un supermercado ‘, escribe Giuliano da Empoli para describir esos años que siguieron  al final de la era soviética » (franceinfo.fr)

 

Quien lo cuenta es Baranov, quince años después de haberse retirado al silencio. En medio del caos postsoviético de los años 90, el joven Vadim Baranov (Paul Dano), nombre ficticio de quien en realidad se llamaba Vladislav Surkov, fundador del partido Rusia Unida,  empieza a labrarse un camino como artista y productor de televisión.  La película nos cuenta como, poco a poco, se deja ganar por la fascinación del pode. Su elocuencia y conexión con las altas esferas le llevan a convertirse, de la noche a la mañana, en el asesor de un agente del KGB con un brillante porvenir: Vladimir Putin (Jude Law). Es el autor de los conceptos “democracia soberana” o “la vertical del poder”. Baranov es el cerebro de las “hazañas bélicas” llevadas a cabo por Putin, especialmente en Ucrania a partir de 2014. Desde las entrañas del poder, ambos darán forma a la nueva Rusia, difuminando los límites entre la verdad y la mentira:”Es un juego. La política es el único juego que vale la pena jugar”, le confiesa Baranov a Ksenia. Luego, como todos los demás cortesanos, acabará siendo “persona non grata” del amo del Kremlin.

 

 «La película pretende humanizar realidades políticas complejas. [···] No se trata solo de Vladimir Putin o de la Federación Rusa actual, sino que aborda cuestiones más amplias y universales -comenta Olivier Assayas-  No es una película sobre la ascensión de Putin… tampoco  sobre el poder impuesto mediante la fuerza o la reinvención de una nación, Rusia, que es a la vez moderna y arcaica. Es más bien una reflexión sobre la política moderna,  o más bien, las cortinas de humo tras las que ahora se esconde: cínica, engañosa y tóxica (…) La primera vez que hablamos, Paul Dano me dijo : ‘Es una película sobre la complicidad’. En cierta manera pienso que es la mejor forma de resumirla, porque esta cuestión de la complicidad nos concierne a todos”.

 

Desde el giro de 180 grados dado por la Rusia impulsada por Mijail Gorbatchev en los años 1990, hasta la invasión de Crimea en 2014, la película  “El mago del Kremlin” (2) cuenta más de dos décadas de vida política rusa, marcada por el ascenso al poder de Vladimir Putin, « el zar » como le llama Baranov, eminencia gris y consejero en la sombra hasta hace muy poco, en una ficción sobre los resortes del poder en un país por el que desfilan personajes que hemos visto en las páginas de actualidad, como Evgeni Prigojine, creador del grupo de mercenarios Wagner, o el oligarca Boris Berezovski, ambos fallecidos lo mismo que otros varios que un día tuvieron los favores de Putin.

 

 (1) Editada en España por Seix Barral

(2) “El mago del Kremlin” estará en los cines de Madrid a partir del viernes 6 de marzo de 2026.

Premios Goya: “Los domingos” aclamada mejor película en una Gala que coincide con el inicio de otra guerra

Este sábado 28 de febrero el cine español ha celebrado su fiesta grande en Barcelona al mismo tiempo que la paranoia de “los amos del mundo” iniciaba en Irán una guerra que puede afectar directamente a casi una docena de países, en Oriente Medio y en el Golfo.

La gala de los Premios Goya 2026, galardones que entrega anualmente la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España, han sido casi tres agradables horas en las que la mayoría de los premiados ha respetado el minuto de tiempo que tienen fijado para agradecer desde el escenario -a familiares, amigos y compañeros- “Los domingos”, la película dirigida por Alauda Ruiz de Azúa,  ha ganado en las principales categorías a “Sirat” aunque, con seis “cabezones”, la película del gallego Oliver Laxe (que recordemos, dentro de quince días, aspira en dos categorías al Oscar de Hollywood) ha sido la más premiada.

Además, “Los domingos” vuelve a hacer historia: la realizadora vasca Alauda Ruiz de Azúa se suma a la reducida lista de mujeres –Pilar Miró, Iciar Bollaín e Isabel Coixet (dos veces)- que, en los cuarenta años de historia de los premios, ha conseguido el Goya a la Mejor Dirección.

En mi fuero interno yo había premiado “Maspalomas” o “La cena” –dos relatos “de memoria”, de reivindicación y de justicia- que no se fueron de vacío: José Ramón Soroiz recibió, con 74 años, el Goya al mejor Actor por una interpretación que ha hecho feliz a todo el colectivo LGTBIPlus, y la divertida comedia dramática sobre los caprichos del dictador Franco y su corte de palmeros, ha conseguido los premios al Mejor Guión Adaptado (lo que significa que antes fueron la obra de teatro “La cena de los generales” y el dramaturgo José Luis Alonso de Santos), y al Mejor Diseño de Vestuario.

Nota alta para el debut en la presentación de la gala de la extraña pareja que forman el actor Luis Tosar y la cantante Rigoberta Bandini. Casi cum laude para un comienzo de película musical y una despedida que solo necesitaba de un adiós, y media docena de breves y sobrias apariciones en el patio de butacas, revelando la presencia de varios académicos de esas categorías a las que nunca ponemos cara, como los que desempeñan en el cine “oficios imprescindibles”: por ejemplo, los electricistas o los actores de doblaje

Como es habitual, en el acto se dio un repaso a “los académicos” fallecidos a lo largo del año (lo que proporciona unos segundos de melancolía y recuerdo, siempre conoces a alguno), mientras  la mayoría de  los premiados –incluidos el director Gonzalo Suarez, Goya de Honor, y la actriz estadounidense Susan Sarandon, Goya Internacional- se acordaban de Gaza, de las mujeres afganas e iraníes, de los maltratados habitantes de Ucrania y de los delirios  del presidente de Estados Unidos, capaz de hacer un alto en su partida de golf para acercarse a un micrófono y, sin siquiera quitarse la gorra, confesar la primicia de  que sus aviones, y los de su colega israelí, están bombardeando la capital y los pueblos de Irán, donde han matado a unos cuantos ayatolás, entre ellos al “guía supremo”, además de a varios cientos de iraníes: un primer recuento ya incluía las decenas de niñas asesinadas en una escuela del sur del país.

 Otra que ha hecho historia es “Sorda”, película que, como indica el título es un homenaje y una reivindicación de las personas que no oyen bien, o no oyen nada, que ha recibido los premios a Alvaro Cervantes como Mejor Actor de Reparto, a Miriam Garlo como Mejor Actriz Revelación (que agradeció en dos discursos simultáneos, oral y en lengua de signos: “Ninguna persona sorda es muda. Tenemos una voz propia pero no siempre es oral”) y a Eva Libertad como Mejor Director/a Novell, con el plus de que la actriz y la directora son hermanas.

Me resultó entrañable saber que “Gilbert”, cortometraje animado que se está paseando por los festivales de todo el planeta, es el resultado del encuentro de sus tres realizadores –Jordi Jiménez, Arturo Lacal y Alex Salu- en un curso de animación  para desempleados; y emocionante escuchar a uno de ellos reivindicando a gritos (sic) la enseñanza pública

Palmarés Prenios Goya 2026

GOYA DE HONOR
Gonzalo Suárez

MEJOR ACTOR DE REPARTO
Álvaro Cervantes, por Sorda

MEJOR CANCIÓN ORIGINAL
«Flores para Antonio», de Alba Flores y Sílvia Pérez Cruz para Flores para Antonio

MEJOR DISEÑO DE VESTUARIO
Helena Sanchis, por La cena

MEJORES EFECTOS ESPECIALES
Paula Gallifa y Ana Rubio, por Los tigres

MEJOR MAQUILLAJE Y PELUQUERÍA
Ana López-Puigcerver, Belén López-Puigcerver y Nacho Díaz, por El cautivo

MEJOR ACTOR REVELACIÓN
Antonio ‘Toni’ Fernández Gabarre, por Ciudad sin sueño

MEJOR MONTAJE
Cristóbal Fernández, por Sirat

MEJOR DIRECCIÓN DE FOTOGRAFÍA
Mauro Herce, por Sirat  

MEJOR SONIDO
Amanda Villavieja, Laia Casanovas y Yasmina Praderas, por Sirat

MEJOR DIRECCIÓN DE ARTE
Laia Ateca Font, por Sirat

MEJOR DIRECCIÓN DE PRODUCCIÓN
Oriol Maymó, por Sirat

MEJOR MÚSICA ORIGINAL
Kangding Ray,por Sirat

MEJOR PELÍCULA DE ANIMACIÓN
Decorado, dirigida por  Alberto Vázquez

MEJOR PELÍCULA DOCUMENTAL
Tardes de soledad, de Albert Serra

MEJOR CORTOMETRAJE DE FICCIÓN
Ángulo muerto, de Cristian Beteta

MEJOR CORTOMETRAJE DOCUMENTAL

El Santo, de Carlo D’Ursi

MEJOR CORTOMETRAJE DE ANIMACIÓN

Gilbert, de Alex Salu, Arturo Lacal y Jordi Jiménez

MEJOR DIRECCIÓN NOVEL
Eva Libertad, por Sorda

GOYA INTERNACIONAL
Susan Sarandon

MEJOR ACTRIZ REVELACIÓN
Miriam Garlo, por Sorda

MEJOR PELÍCULA IBEROAMERICANA
Belén (Argentina), de Dolores Fonzi

MEJOR PELÍCULA EUROPEA
Valor sentimental (Noruega), de Joachim Trier

MEJOR ACTRIZ DE REPARTO
Nagore Aranburu, por Los domingos

MEJOR GUION ADAPTADO
Joaquín Oristrell, Manuel Gómez Pereira y Yolanda García Serrano, por La cena

MEJOR GUION ORIGINAL
Alauda Ruiz de Azúa, por Los domingos

MEJOR ACTOR PROTAGONISTA
José Ramon Soroiz, por Maspalomas

MEJOR ACTRIZ PROTAGONISTA
Patricia López Arnaiz, por Los domingos  

MEJOR DIRECCIÓN
Alauda Ruiz de Azúa, por Los domingos

MEJOR PELÍCULA
Los domingos

 

« Manas », impresionante docu-ficción sobre la infancia abusada en plena selva amazónica

« Entre delicadeza y juego sutil, el largometraje de la brasileña Marianna Brennand sigue los sueños de libertad de una adolescente víctima de abusos y prostitución en el corazón de la selva amazónica » (Libération).

 

“Manas”, primera película de ficción de la cineasta brasileña Marianna Brennand, es un impactante aguafuerte, difícil de digerir,  sobre la infancia en la isla de Marajó, donde los abusos, que comienzan en el hogar  y se aceptan con la mayor naturalidad, son el punto de partida de unas mujeres que, una vez adultas, la mayoría de las  veces no entienden que las cosas puedan ser de otra manera.   “Manas” cuenta la historia de Marcielle (Tielle), una niña de trece años que vive en la isla de Marajó, en plena silva amazónica en el norte de Brasil,  con sus padres y sus hermanos. Crece soñando con la emancipación, sobre todo a partir del momento en que su hermana mayor se marchó con un hombre, lo que interpreta como el paso a una vida mejor. Su padre se la lleva con él al bosque, donde le enseña a manejar el fusil para cazar. Su amiga Cynthia, con la que va a vender gambas, le resume la situación hablándole de la hipocresía de los hombres que no quieren que sus hijas suban a las barcazas que transportan mercancías por el río Japura, pero se portan “mucho peor” en casa.   A pesar de las amenazas de su padre, la adolescente acaba por subir a una de esas barcazas, donde los hombres nunca preguntan la edad a las chicas, y mantienen relaciones con ellas a cambio de comida y regalos. Las ilusiones de Tielle  empiezan a hundirse cuando comienza a ser víctima  del mundo de abusos y explotación que en su comunidad empieza en el interior de los hogares y se prolonga en las barcazas, donde las chicas mantienen relaciones de abuso y explotación  con todo tipo de hombres, a cambio de comida y regalos.   “Manas”está interpretada por Jamili Correa, una joven seleccionada entre muchas aspirantes, quien representa a la joven Tielle con una intensidad que emociona, la actriz y activista Dina Paes (“Divino Amor”, “The Emerald Forest”), y Rômulo Braga (“Sol”, “Elon Não Acredita na Morte”), premiado como el Mejor Actor en el Festival de Río 2021. Completan el reparto Fátima Macedo, Emilly Pantoja y Samira Eloá. La película  cuenta con destacados productores ejecutivos: los realizadores Walter Salles (“Diarios de motocicleta”, “Estación central de Brasil”), los hermanos Jean-Pierre y Luc Dardenne (“Rosetta”, “El niño de la bicicleta”) y Sean Penn (“Pena de muerte”, “Milk”).

Entre documental y ficción, “Manas” tiene la virtud de conseguir representar la violencia y los abusos sin mostrarlos directamente, las miradas y los silencios son capaces de decir más que las palabras. La realizadora, Marianna Brennan Fortes, conocida documentalista brasileña, primero quiso hacer un documental sobre la explotación sexual de las niñas y adolescentes en la selva amazónica; pero no consiguió los permisos para hacerlo, por lo que finalmente emprendió el trabajo como una ficción documentada, en la que ha encontrado el tono justo para abordar la condición de la mujer en un lugar espléndido, que podría ser un paraíso, y sin embargo es un abismo de violencia y abusos donde la inocencia termina en el infierno del círculo familiar.   (1) “Manas”, que se estrena en Madrid este viernes 27 de febrero de 2026, consiguió el Gran Premio en la Jornada de los Autores de la última Mostra de Venecia.

 

“La Residencia”, inteligencia artificial, control y paranoia

« …el uso de los teléfonos móviles, las fotografías y más globalmente la atmósfera general, dan testimonio de una época que podría ser la nuestra, lo que aumenta el sentimiento de angustia generado por la historia”. (Laurent Cambon, Avoir-alire.com)

 

“La Residencia” (“Dalloway”), del realizador francés Yann Gozlan (“El hombre perfecto”, “Black Box”, “La mécanique de l’ombre”), presentada en el último Festival de Cannes fuera de competición, está  basada en la novela “Les fleurs de l’ombre” de Tatiana de Rosnay. Protagonizada por Cécile de France (“Las ilusiones perdidas”, “La crónica francesa”), es una reflexión, un poco machacona, sobre los límites de la tecnología y la inteligencia artificial.

Completan el reparto de este thriller paranoico Lars Mikkelsen (“Frankenstein”), Anna Mouglalis (“Mickey 17) , Frédéric Pierrot (“Madre”) y Freya Mavor (“La vida sin ti”), además de la cantante Mylène Farmer que es la voz de Dalloway, la insufrible creación de IA, una presencia inexistente, una creación virtual que cada vez vigila y controla más a la escritora protagonista en lo que –mezclando con inteligencia anticipación, fantasía, thriller y drama- pretende ser una profecía sobre ese futuro, tan cercano que es casi presente, en el que  la tecnología promete comodidad y acompañamiento sin advertir de que también va acompañada de  peligros.  

Clarissa, una novelista que quiere escribir una biografía de Virginia Wolf pero no encuentra la inspiración necesaria, vive en la Fundación Lusovico, una residencia para artistas ultramoderna donde dispone de un asistente virtual llamado Dalloway, encargado de organizarle la vida y estimular su creatividad. Cuando, en una entrevista, una joven que trabaja en una tesis le dice que conoció a su hijo, Lucas, que se suicidó el día de su cumpleaños,  el intrusismo de Dalloway se vuelve insoportable queriendo conocer su pasado.  Clarissa se contagia de las dudas y los temores de Mathias, otro pensionista de la Residencia, y decide investigar el funcionamiento de la Fundación y las auténticas intenciones de sus promotores.   

“La Residencia” es una reflexión seria y documentada sobre la fragilidad humana enfrentada al imparable avance de las llamadas nuevas tecnologías, que hace ya mucho tiempo que dejaron de ser nuevas. Aunque, en contra de lo que a veces nos atrevemos a pensar, son capaces de seguir sorprendiéndonos.

“La Residencia” (1) es un thriller inquietante que dice mucho sobre la soledad del artista (y también del género humano restante) en este mundo en transformación permanente, donde ya es imposible resistirse a integrar “lo digital”, con las “desastrosas consecuencias que tiene sobre el medio ambiente y la mano de obra que explota de forma inhumana” (Manon Dumais, La Presse).

Con la tecnología ocupando todo el centro de la historia –realidad aumentada en el apartamento de la protagonista, espejo inteligente en grado de facilitar cualquier información, incluido el tiempo y  capaz de convertirse en despertador con la imagen y el sonido de las olas que llegan a la playa,  test de salud en el baño…- y su impacto en la vida de todos nosotros, en la película planea también el interrogante acerca de la salud mental en un ambiente paranoico y, por supuesto, la pregunta del millón: ¿llegará un día que la IA reemplace a los artistas…y a todo el género humano?

(1) “La Residencia” se estrena en Madrid mañana, viernes 27 de febrero de 2026.

“Hasta la montaña”, afinada sinfonía pastoril

 

Estamos ante una de esas veces en que usar el término naïf no es peyorativo, todo lo contrario. “Hasta la montaña”  (“Bergers”), elegida Mejor película canadiense en el Festival de Cine de Toronto (1), quinto largometraje de ficción de la realizadora canadiense Sophie Deraspe (“A Gay Girl in Damascus”, “Antígona”, “Le profil Amina”), es naïf en la dosis justa: una oda sincera, una declaración de amor a la vida rural que reivindica el imprescindible trabajo de los pastores -“invisibles” en la majestuosidad de las montañas y los prados- que siguen ejerciendo un oficio secular “maltratado por la política (los políticos), las alteraciones climáticas y el lobo”, el peor de todos los posibles enemigos de un rebaño de idílicas ovejitas.

 

“Hasta la montaña” , película naturalista está basada en “D’ou viens tu, berger?”, novela autobiográfica del escritor canadiense Mathyas Lefebure, sobre sus vivencias en la montaña francesa.   Más allá del relato individual,  conecta con prácticas tradicionales aún vivas en muchas regiones de Europa. La trashumancia, reconocida como patrimonio cultural inmaterial, se convierte aquí en símbolo de resistencia, belleza y compromiso con la tierra. Félix-Antoine Duval (« Saint-Narcisse”) y Solène Rigot (« La confession », « Lulu femme nue ») interpretan al pastor idealista y su compañera en la aventura.
 

Rodada en los Alpes franceses, “Hasta la montaña” (2)  habla del regreso a la naturaleza y la búsqueda del sentido de la existencia, narrando el viaje de transformación de dos jóvenes que abandonan la ciudad para entregarse a la vida en el campo y al rito milenario de la trashumancia, aprendiendo el oficio de pastor, con enormes rebaños de ovejas. Un retrato íntimo del esfuerzo, la conexión con los animales y el redescubrimiento del tiempo, la naturaleza y el silencio, lo mismo que una llamada de atención sobre las dificultades que tienen que enfrentar cada día los pequeños y medianos ganaderos, siempre a merced de la fatalidad del clima y de las enfermedades de los rebaños.

Mathyas, canadiense de Montreal, ha dejado atrás su familia y su trabajo de publicista para realizar el sueño de convertirse en pastor. Instalado en un hotel de Arles, tras comprarse unos cuantos libros que hablan del oficio, y también una navaja de pastor, se presenta ante un grupo de ganaderos locales diciendo que busca un trabajo “de pastor” consiguiendo, con su entusiasmo, que uno de ellos decida darle su primera oportunidad. Trasladado a una cabaña, va aprendiendo el oficio mientras se prepara para poder escribir un día su propio “manual del pastor”.

 

Vigilar a los animales, cuidar de ellos, acompañarles en su transhumancia, son cosas que pueden parecernos bucólicas. Pero la primera experiencia de Mathyas no es tan romántica como imaginaba. Ni tampoco la segunda, con un tal Ahmed que en realidad odia a las ovejas. La dureza y la complejidad del trabajo se encargan de terminar con algunos de los ideales. Sin embargo, la llegada de Elise, una joven funcionaria francesa a la que conoció cuando fue a solicitar el permiso de trabajo,  que también ha decidido abandonar su trabajo en la ciudad, da un nuevo giro a su existencia y juntos emprenden un viaje a través de las montañas, custodiando un rebaño de ovejas, iniciando una nueva forma de vida incorporándose a “la tradición milenaria de los desplazamientos nómadas con los rebaños” (de una entrevista con la realizadora en la que explica que ha querido dar “al material del libro el tratamiento de un cuento”).

 

Para el rodaje de este emotivo drama pastoril  la directora ha contado con la participación de muchos habitantes locales, pastores y agricultores que ven reflejados con sumo respeto sus miedos y reivindicaciones.  “Rodar esta película fue -confiesa Deraspe- una forma de respirar hondo. De reconectar con lo esencial. Y quise que la cámara también respirara al ritmo de la montaña y del rebaño”.

 

(1) Aprovecho para decir que en Canadá se hace un buen cine, a veces incluso excelente, y que –huyendo de generalizaciones porque también lo hay malo y regular- es una pena que nuestros distribuidores solo nos den oportunidad de ver el “buen  cine canadiense” una vez avalado por el aplauso de la crítica de otros países europeos (francesa y británica especialmente).