EL TREN FLUVIAL: un niño persiguiendo sus sueños en un tren

  

El estreno de El tren fluvial, película que ha pasado por los festivales de Berlín (Perspectives) y San Sebastián (Horizontes Latinos), recuerda inevitablemente el fallecimiento de uno de sus directores, Lucas Vignale, a los 28 años en un accidente aéreo en Río de Janeiro, el verano pasado. El otro director es Lorenzo “Toto” Ferro (actor protagonista en El Angel y Simón de la montaña). Con El tren fluvial debutaban ambos como directores.

 

La que algunos han considerado “una versión a la argentina de Los 400 golpes de François Truffaut”, cuenta la historia de Milo (Milo Barria), un niño de nueve años que vive en un pueblo argentino, al que su padre quiere convertir en un bailarín de malambo, una danza folklórica que los entendidos califican como “de las más exigentes y difíciles de dominar”.

 

Ya desde el principio asistimos al exigente entrenamiento del niño que tiene dos aspectos: la exigencia de responder a la consigna “No piense, diga” con la primera palabra que se le ocurra (gaucho, atleta, conquista, castigo, sangre, cultura, barco, viaje…) –consigna que su padre pude repetir durante un tiempo que parece no acabar nunca- y el entrenamiento físico de repetición de los pasos de la danza, que puede ocurrir en cualquier momento durante el día, pero también en mitad de la noche, sacando al pequeño del sueño y de la cama para obligarle a ensayar descalzo, y en camiseta.

 

Es un bailarín excelente –y lo demuestra en las sesiones de exhibición que busca su padre, a las que acude ataviado con la ropa que distingue a esos danzantes- pero, sin embargo, el pueblo para Milo es una especie de encierro y sus sueños van por otro lado: quiere viajar en tren y conseguir conocer Buenos Aires, la ciudad que solo ha visto en las películas. Lo logra cuando, en una especie de travesura, se escapa de la tutela familiar y logra subir al tren que le lleva a la gran ciudad.

 

En un repaso he visto que la mayoría de los críticos relacionan El tren fluvial con Crónica de un niño solo, de Leonardo Favio. Como no la he visto, cedo la palabra al fallecido director Lucas Vignale: “Crónica de un niño solo fue un detonante muy importante para el conflicto de nuestro personaje. Milo tiene la capacidad de escapar de algo que le viene impuesto”. “Nos parecía importante –ha dicho  Lorenzo Ferro, el otro realizador- construir ese puente onírico entre primeras películas, entre personajes que se reflejan el uno en el otroa través del tiempo, como si el cine fuera una forma de herencia y de regreso”

 

También me entero de que Diego Puente, el actor que interpretó al niño de la Crónica, es en El tren fluvial (1) el primer adulto al que conoce Milo a su llegada a Buenos Aires.

 

“Esa transición del espacio rural al espacio urbano que el personaje realiza, también funciona dentro del relato como un cambio de paradigma entre el realismo que la película manejó en su primera parte y la atmósfera de fantasía que rodeará esa incursión a la ciudad” (Juan Pablo Cinelli. Página 12)

 

Historia de iniciación y de trenes, vehículos que durante más de un siglo fueron los preferidos para desplazarse en los cinco continentes: “Ya casi no existen trenes en Argentina. Antes la gente viajaba en tren para perseguir sus sueños. Nos gustaba esa imagen de un niño persiguiendo un sueño en tren”. Y también coming of age, significando el paso de una edad a otra, y road movie en el sentido de que el viaje es el medio de conocer no solo paisajes, también de autodescubrirse.

 

(1) “El tren fluvial” se estrena en Madrid el viernes 13 de noviembre 2026.

 

 

 

 

 

La alargada sombra de la censura de Putin: “Cualquier medio ruso que alcance gran popularidad tiene que estar sometido al Kremlin

 “Nos han matado”. El pasado lunes 9 de noviembre, Novaya Gazeta, publicación periódica que aparecía tres veces por semana y bastión histórico de la prensa independiente rusa –famosa por sus investigaciones sobre las violaciones de los derechos humanos, la corrupción y la violencia institucional- fue expulsada, por presión de las autoridades,  de la sede histórica de Moscú que había ocupado durante treinta años.

 

Antes, en octubre, las autoridades rusas interrogaron al redactor jefe Sergei Sokolov, y registraron su domicilio intentando relacionarle con uno de sus colegas, Oleg Roldouguine, detenido en abril y en arresto domiciliario en espera de juicio.

 

« Nos han matado ». Con estas palabras, la redacción Novaya Gazeta, periódico de la oposición al régimen de Putin creado en 1993,  comenzaba su « Carta a los lectores », anunciándoles que el gobierno les vástiga por ser “agentes del extranjero”: “A veces, estos años han sido desesperadamente amargos. Amargos porque bajo este régimen (…) han asesinado a nuestros colegas por razones políticas, por cumplir con su deber profesional y cívico ». Y después citaban los nombres de Igor Domnikov, Yuri  Chtchekotchikhine y Anna Politkovskaya.

 

Novaya Gazeta fue fundada, entre otros,  por el periodista y Premio Nobel de la Paz Dmitri Muratov, fotografiado este 9 de noviembre recogiendo las cosas en su oficina. Los reporteros fotografiaron también la última reunión de la redacción: “A quienes en nuestro país abogan por la paz se les niega el derecho a elegir lo que quieren leer”, dijo Muratov.

 

 

Asfixiada por las diferentes autoridades, la versión en papel de Novaya Gazeta se extinguió en 2022. Paso a paso, desde la llegada al poder de Vladimir Putin, los medios de comunicación independientes rusos se han visto obligados a cerrar y un buen numero de sus periodistas han tenido que exiliarse. En la web de la televisión pública francesa (franceinfo.fr) hablan con alguien que no ha tenido más remedio que reinventar el oficio.

 

En 2013, cuando era la redatora jefe de la popular plataforma Lenta.ru, Galina Timtchenko – periodista actualmente exiliada en París- se dio de bruces con el peligro que le acechaba. Cuando entró en el despacho del dueño de la plataforma para contarle que habían alcanzado los veinticinco millones de visitantes  mensuales, lo que significaba que les leía uno de cada cinco rusos, y cuando pensaba que la noticia solo podía alegrar al empresario, se encontró con un hombre al que le temblaba el pulso cuando le decía: “Son cifras escalofriantes, el equivalente a la audiencia en internet del Primer Canal de la televisión pública(…)Entonces comprendí que la popularidad que pueda alcanzar cualquier medio tiene que estar controlada por el Kremlin”. Seis meses más tarde despidieron a  Galina Timtchenko “por orden directa de la administración presidencial”.

 

En Rusia, el control de los medios empezó por la televisión. En 2001, el gigante público Gazprom se hizo con el dominio del canal privado NTV, que emitía un programa de marionetas muy popular llamado Koukly, y empezaron los problemas para los periodistas. En 2006 fue asesinada  Anna Politkovskaya, periodista de Novaya Gazeta que investigaba los delitos cometidos por el ejército ruso en Chechenia.

 

Para Galina Timtchenko, la « auténtica censura » comenzó en 2012, cuando Vladimir Putin, tras pasar cuatro años como Primer Ministro intercambiando el cargo con  Dmitri Medvedev, regresó a la presidencia de Rusia. El 6 de mayo, víspera de su investidura, una concentración en el centro de Moscú que  acabó en enfrentamientos con la policía fue la excusa para poner en marcha “todo un arsenal legislativo represivo”: ley sobre los “agentes del extranjero”, concebida para reprimir a las ONG que acabó por abarcar a los periodistas al introducir en el Código Penal los delitos de “calumnia” y “difamación”, bloqueo de sitios y páginas de internet, censura que se manifiesta de manera progresiva: "En Rusia decimos “calentar la rana en leche”, explique Galina Timtchenko, : se enciende el fuego y se aumenta la temperatura muy lentamente. La rana ni siquiera tiene tiempo de darse cuenta de que la han neutralizado. Eso fue exactamente lo que nos pasó. Ni siquiera nos dimos cuenta del momento en que encendieron el fuego a nuestros pies ».  

 

Galina Timtchenko comprendió que nunca más podría trabajar en Rusia y se marchó a Riga, la capital de Letonia, donde tenía un apartamento y donde creó Meduza, periódico independiente, que acaba de cumplir doce años y se ha convertido en el medio ruso más importante del exilio, con cerca de sesenta trabajadores. Desde 2022 se hace y distribuye en los dos países: la dirección y la sede social está en Letonia mientras que la mayoría de los periodistas están repartidos por Moscú, San Petersburgo, Ekaterinburgo y Novossibirsk.

 

La invasión de Ucrania por Rusia significó el fin de lo que quedaba de prensa independiente, como la televisión Dojd o la radio Echo de Moscú. En marzo de 2022, la Duma aprobó una ley por la que se puede condenar a los periodistas hasta quince años por cualquier información “mentirosa” sobre el ejército ruso : “Es imposible llamar a la guerra por su nombre. Se ha instalado una auténtica censura. En dos semanas, Meduza evacuó a una treintena de sus periodistas”.

 

En octubre, el digital Mediazona publicó una investigación sobre la censura  en Rusia de series extranjeras, que demuestra que una de cada dos series ha sufrido cortes y que han desaparecido de todas las escenas de personas LGTBIQ+, las alusiones a Putin o a la guerra y las críticas de la historia soviética. A Twin Peaks y Los Soprano les cortaron escenas completas.

 

Para seguir informando, el digital Meduza ha creado una nueva red de corresponsales. Para eludir la constante vigilancia han inventado lo que llaman “proxy reporting: un periodista hace fotos, otro se encarga de las llamadas, un tercero pregunta a los implicados, el cuarto va a ver qué dicen los funcionarios, un quinto hace alguna otra cosa… y luego ensamblamos todo como si fuera un mosaico”. Fue así como Meduza informó del entierro de Alexei Navalny el 1 de marzo 2024. Cuatro fotógrafos y cuatro reporteros se repartieron por diferentes lugares. Así, si detenían a alguno siempre se salvaría el reportaje.

 

Sergueï Smirnov, redactor jefe  de Mediazona, manda diariamente a sus periodistas a los tribunales: “Los presos políticos cada vez son más numerosos, el problema es que cada vez son menos visibles”. Según la publicación, desde el comienzo del año 2026 han muerto en la cárcel diez presos políticos.  Para Smirnov, el objetivo del Kremlin es construir “una realidad paralela donde todo marcha bien, donde la propaganda cuenta que Rusia gana la guerra y que aumentan los salarios”.

«LLUEVE SOBRE BABEL», comedia negra, fantasía y realismo mágico

 

“La ópera prima de la directora colombo-española Gala del Sol es un drama queer bañado en color neón, sudor y lujuria, que difumina la frontera entre sueño y realidad” (Cineuropa)   Seleccionada por la Academia colombiana de Artes y Ciencias Cinematográficas para representar a Colombia en los Premios Goya 2027 en la categoría de Mejor Película Iberoamericana, y también en los Premios Oscar 2027, Llueve sobre Babel, de la escritora y realizadora Gala del Sol,  tuvo su estreno mundial en la Sección Next del Festival de cine independiente de Sundance 2025, pasando después por el Festival Internacional de Cine de Roterdam. Desde entonces ha recorrido más de ochenta festivales –aquí la han visto en los de Málaga y Las palmas de Gran Canaria- en treinta y tres países. Fue la película colombiana más vista en su país dirante el pasado año 2026.   Del teatro al cine. Durante la pandemia del Covid-19, en un proyecto inicial de terapia grupal Gala del Sol reunió en Cali, su ciudad natal,  a un grupo de jóvenes actores teatrales y les planteó dos preguntas: qué personaje habían soñado interpretar algún día y qué personaje les permitiría confrontar, transformar o cerrar algo de su propia experiencia. A partir de las respuestas, los actores construyeron improvisaciones teatrales. Con los personajes, las relaciones y las escenas surgidas de esos ejercicios se fue escribiendo el guión de Llueve sobre Babel que finalmente ha desembocado en una película coral con un elenco mayoritariamente afrolatino y personajes LGTBQ+ cuya construcción no se limitó a la interpretación: los actores participaron en la creación de las historias que vemos en la pantalla. El resultado es un largometraje que combina comedia negra, fantasía,  drama y realismo mágico en una libre reinterpretación del “Infierno” de Dante, “situado en una Cali retrofuturista de estética punk tropical”. Un edificio abandonado se transformó en la sede creativa y en el taller donde se construyeron los decorados del bar  Babel. Una manera de trabajar basada en la imaginación, los oficios y los recursos disponibles que el colectivo reivindica como “inteligencia artesanal”. La reinterpretación del “Infierno” que hace Llueve sobre Babel toma la forma de un drama coral ambientado en un bar mítico donde los personajes se cruzan con “la Flaca”, una seductora amazona de cabello afro  encarnación de la muerte, con quien las almas pueden apostar años de vida, en un intento de burlar al destino. Llueve sobre Babel está interpretada por Jhon Narváez, Celina Biurrun, John Alex Castillo, Sofia Buenaventura, Sarai Rebolledo, Felipe Aguilar Rodríguez, Jose Mojica y William Hurtado. El escenario central, Babel, es “un bar de mala muerte en Cali, que funciona como purgatorio y se convierte en un personaje más”. “Llueve sobre Babel (1) es un manifiesto estético del nuevo cine colombiano, que por un momento trajo películas como El colombian dream (2006), bajo un estilo irreverente, con historias que buscaron alejarse de la violencia cotidiana. Esta ópera prima está cargada de exuberancia sensorial, entrelazada con una reflexión sobre la memoria, el deseo y la muerte, que en ningún momento deja de demostrar lo colombiana que es, con mucha calidad. (Daniel Rojas chía. Unminutoradio.com):   (1) “Llueve sobre Babel”, que ha tenido un primer pase en Madrid en la tarde de este 9 de noviembre, se podrá ver el domingo 15 de noviembre, en la Sala Berlanga (Andrés Mellado, 53) a las 20h30;  y el martes 17 de noviembre a las 22h00 en la Sala Equis (Duque de Alba, 4), ambas en el marco del QueerCineMad.

NOTA BENE

Vamos a ver (frase que me han contagiado los tertulianos, la usan cuando están convencidos de que la suya es la única verdad aceptable y se van a tomar la molestia de explicárnosla al resto de mortales, a ver si de una vez por todas nos enteramos de lo que vale un peine):

Considero que ya he visto suficientes películas, e incluso documentales, sobre personajes adscritos a alguna de las categorías que integran lo LGTBIQ+ (disculpas si falta alguna mayúscula, intento hacerlo extensivo a todas) en camiseta, saliendo del armario, en la ducha, en la cama con su pareja, en torno a una mesa disfrutando manjares exquisitos junto a otros personajes similares (también se aceptaría una pizza), en clubs nocturnos que siempre parecen el marco de una fiesta de carnaval, calle arriba en maravillosas esquinas increíblemente sugerentes,  donde todos fuman y es difícil distinguir a los escandalosos personajes de las categorías mencionadas de las profesionales prostitutas que fueron las primeras en descubrir la  esquina, etc, etc.

Ahora, lo que me gustaría es ver películas de personajes LGTBIQ+ -hayan salido, o no del armario- vestidos de Primark o de Zara y realizando trabajos de médicos, diputados, abogados, conductores de autobuses, periodistas, ingenieros de todas las especialidades, que son muchas, cuidadores, paseantes de perros o jardineros municipales, por citar solo algunos de los muchos oficios que se pueden elegir, o que nos va imponiendo la vida, para seguir comiendo sin aspavientos y poder pagar las facturas.

“Cecilia. Una luz de mañana”: Una española en el exclusivo “club de los 27”

 

https:     Como Janis Joplin, Jimmi Hendrix, Jim Morrison, y más tarde Amy Winehouse y Kurt Kobain, Cecilia –Evangelina Sobredo, madrileña, cantautora- forma parte de la entelequia conocida como “el club de los 27”, una lista informal que se ignora quien empez que se va engrosando, a medida que fallecen a los 27 años, con destacados compositores, músicos y cantautores que han tenido la fatalidad de perder la vida apenas salidos de la adolescencia, cuando iniciaban una carrera profesional a la que se auguraba un prometedor futuro. El valenciano Nino Bravo no pudo figurar en este inventario por escasamente un año y medio.   En cambio, ambos –Cecilia y Nino Bravo- comparten el inesperado final. El de Nino Bravo ocurrió en la nacional Valencia-Madrid en la primavera de 1974. La vida de Cecilia comenzó en el otoño de 1949 y se cortó bruscamente el 2 de agosto de 1976 en una carretera comarcal de la provincia de Zamora. El verano pasado se ha cumplido el medio centenario de aniversarios de su muerte.    Cincuenta años sin Cecilia a quien el cineasta Chema de la Peña ((Sud Express, 23F: la película, Amarás sobre todas las cosas y los documentales biográficos Me cuesta hablar de mí (Charo López), Mario y los perros (Mario Vargas Llosa) y Un cine como tú en un país como este (sobre el “nuevo cine” español) retrata y homenajea en el llargometraje documental Cecilia. Una luz de mañana  que ha retrasado su estreno hasta este 9 de noviembre para hacerlo coincidir con los versos de Un ramito de violetas, uno de los varios ttemas inmortales de Cecilia.   Yo trabajaba en redacción de la revista semanal Mundo Joven el día de los primeros ‘70 en que el compositor,  folklorista, etmógrafo y divulgador de la música tradicional castellana  Joaquín Díaz llevó a la rredacción a una tímida Cecilia que componía canciones, con el propósito de que la conociera Íñigo (José María Íñigo, crítico musical y presentador de programas líderes de audiencia en TVE cuando era lla única: Estudio abierto, Directísimo, Esta noche fiesta, Fántástico 80, La gente quiere saber… ) y quizá pudiera ayudarle para asomar la cabeza en el complicado mundo de la industria discográfica, con su correspondiente endogamia y sus fobia y sus filias.   Aquella, y supongo que muchas más visitas y entrevistas después, fue el comienzo de una carrera corta materializada en tres LP’s (Long Play, unos vinilos que ahora son el sueño de los coleccionistas), actuaciones que la llevaron a recorrer el mapa y saltar el charco, y conseguir un segundo premio en el Festival de la OTI –la I es de iIberoaméricano- con una canción compuesta por Juan Carlos Calderón (un excelente músico de jazz según José Ramín Pardo, su jjuicio es irrefutable, que luego hizo fortuna (sic) como arreglista para todo el pop español) después de reclamar que al menos le dejaran escribir la letra, para lo que en una noche en vela le ayudaran su novio, Luis Gómez Escolar, y un amigo.   Cecilia como un recuerdo a la que figura en el primer disco (single o EP, Extended Play, no estoy segura) de Simon & Garfunkel. Su modelo, en todos los estilos, Joan Baez. Sus fetiches los Beatles.   Rebelde con el aire de los tiempos. Cecilia era una niña bien en una ffamilia de ocho hermanos,  hija de diplomático que tocaba el violín y de una madre que cantaba muy bien. Había recorrido “países de Dios y de Alá”, aprendió castellano después de hablar correctamente iinglés. Sus canciones inolvidables son “de protesta”: Dama, dama, Mi querida España ((la letra original decía muerta en lugar de nuestra), Soldadito de plomo (una alusión a Franco), Fui, Me quedaré soltera…Una carátula mostrando un falso embarazo. Tener que acudir al Tribunal de Orden Público a dar explicaciones, esperar las correcciones del lápiz rojo de la censura… .  El pasado 2 de agosto se cumplieron cincuenta años de la muerte de Cecilia. El estreno dell documental Cecilia. Una luz de mañana, del cineasta Chema de la Peña -Isi/disi: Amor a lo bestia, 23 F: la película, Amarás sobre todas las cosas. Y los documentales Me cuesta hablarr de mí (Charo López), Mario y los perros (Mario Vargas Llosa) y Un cine como tu en un país como este (el nuevo cine español)- se ha retrasado para hacerlo coincidir con este lunes, 9 de noviembre, la fecha clave de la canción Un ramito de violetas.   En el documental recuerdan y admiran a Cecilia cantautoras actuales como Vega, Sole Jiménez, Chica Sobresalto, Lidia Pujol, que le ha dedicado todo un álbum. Me gusta mucho la espontaneidad de Rozalén. También se escuchan las voces de músicos que la conocieron y hoy tienen el pelo blanco, del periodista José Madrid, autor del libro Equilibrista: la vida de Cecilia, y de Teresa Sobredo, su hermana. La inteligencia artificial ha echado una mano en la reconstrucción de las ciudades de los años 1970.   El realizador Chema de la Peña se explica: "El gran valor del documental reside en redescubrir con sorpresa la verdadera personalidad y dimensión de Evangelina Sobredo, la persona que se escondía tras las canciones de Cecilia. 50 años después de su fallecimiento, su figura sigue creciendo por su talento musical y su determinación por abrir una brecha en el panorama femenino del pop español, que la convierten en pionera, referencia de muchas cantantes que vinieron después."

 

(1) “Cecilia. Una luz de mañana” se estrena en Madrid este lunes 9 de noviembre, coincidiendo con la fecha en que, cada año, un desconocido enviaba un ramito de violetas a la mujer de la canción de Cecilia.

 

 

“Por qué no escribo nada” : “Solo los amigos son un lugar seguro”

El documental “Por qué no escribo nada”, escrito, dirigido y producido por la cineasta Isabel Fernández, recupera la figura y la voz de la escritora Carmen Laforet (1921-2004) partiendo del éxito de la novela “Nada”, escrita a los 23 años y primer Premio Nadal, convocado por la Editorial Destino en 1945. Una novela que fue un revulsivo en una sociedad que seguía viviendo en una miserable posguerra. Ese año, las rancias publicaciones de la época eligieron a Carmen Laforet “personaje del año” junto al niño-prodigio ajedrecista Arturo Pomar, el torero mexicano Carlos Arruza y el músico donostiarra Pablo Sorozabal, autor del zortziko “Maite”.

El documental pretende desmenuzar la figura de Carmen Lafret –una mujer que, según sus propias declaraciones, “se propuso merecer la libertad” en un tiempo en que las mujeres carecían de libertad desde la cuna. Solo una generación separa a Carmen Laforet de la mía  y sin embargo, por incomprensible que parezca, escuchando en el documental esa voz que podía ser la de mi madre, me he sentido ante una mujer que me hablaba desde un más allá muy lejano, a pesar de los libros de Elena Fortun –“Celia”, “Celia y sus amigos”…- que también acompañaron mu infancia.  

De Barcelona donde nació a Canarias donde fue niña y adolescente; de Canaria a Cádiz y a Barcelona y el ingreso en la universidad,  con toda la magia que uno atribuye a la primera gran ciudad que pisan sus “zapatos vagabundos”, aunque se trate de una ciudad que aún tiene abiertas las cicatrices de una guerra, en la que el hambre “era una realidad” junto a todas las demás carencias imaginables. Recuerda las reuniones semanales en casa de su amiga Concha, donde el grupo hacía desaparecer inmediatamente “el enorme pan blanco” llegado en un paquete desde el pueblo. En aquellos días Carmen tuvo otra amiga que había llegado huyendo con su familia, de la invasión nazi de Polonia.  

Las ciudades –escribe- no son para nosotros solo las piedras y las calles  sino las gentes, las personas que nos enseñaron a quererlas.  Y ya en Madrid –“algunas ciudades son más bonitas cuando llueve”-  donde estudiante de derecho en el viejo edificio de San Bernardo tuvo que coincidir con mi padre.

Estrenado en el pasado BCN Film Fest, donde recibió en Premio Peralada a la mejor música, obra de la compositora canaria Belén A. Doreste, y exhibido posteriormente en el Festival de Las Palmas, el documental “Por qué no escribo nada” parte de textos de la propia aiutora —incluidos algunos inéditos—, así como de correspondencia privada, artículos y libros, para reconstruir, de forma libre e íntima, el universo de Laforet y su lucha por la libertad. La actriz  Mónica López (“Rapa”) presta su voz y encarna a Carmen Laforet convirtiéndose en el vehículo de una voz que la película busca devolver al presente. 

Frente a la imagen de escritora frágil y vencida por el éxito, “Por qué no escribo nada” (1) propone otra lectura: la de una creadora original, rebelde y profundamente comprometida con su independencia, que pagó con el ostracismo su decisión de salirse del guión.

Casada con el periodista Manuel Cerezales (quien, por cierto, fue quien le aconsejó enviar el original de “Nada” al Premio Nadal), tuvo cinco hijos, y escribió también las novelas “La isla y los demonios”, “La mujer nueva” (sobre su “conversión” al catolicismo), “La insolación”, “Tres pasos fuera del tiempo” y “Al volver la esquina”, publicado en 2004, el mismo año de su muerte.

La película subraya además la dimensión contemporánea de Carmen Laforet. Más allá del mito de la autora de una sola obra, el documental la presenta como un alma libre, ajena a las imposiciones del escrutinio mediático, la presión editorial y los modelos impuestos sobre cómo debía comportarse una joven escritora. En ese gesto de restitución, el documental no solo recupera a Laforet: también dialoga con todas aquellas mujeres que han sido juzgadas por apartarse del camino esperado.

En esta aproximación coral a su figura participan también las escritoras Najat El Hachmi (ganadora del Premio Nadal 2021 por su novela El lunes nos querrán), Laura Freixas (fundadora en 2009 de la Asociación Clásicas y Modernas para la igualdad de género en la cultura), Karmele Jaio (ganadora del Premio Euskadi de Literatura en Vasco 2020 por su novela Aitaren Etxea), Ana Merino (ganadora del Premio Nadal 2020 con El mapa de los afectos), Elsa López (expresidenta de la Sección de Literatura del Ateneo de Madrid, y directora de la Fundación Antonio Gala), Blanca Ripoll (compiló y editó los artículos de Carmen Laforet publicados en la revista Destino entre 1948 y 1953, bajo el título Puntos de vista de una mujer) y María Zaragoza (ganadora del Premio Azorín 2022 con su novela La biblioteca de fuego, y del Premio Psyco-Tau 2022 por Amores que matan), cuyas voces enriquecen el retrato de una autora esencial y ayudan a situar su legado en el presente. 

La directora, Isabel Fernández (2), explica:“El caso de Carmen Laforet es un ejemplo paradigmático de cómo se subestima el talento femenino. “Nada” es una de las novelas españolas más traducidas internacionalmente (34 idiomas en 37 países), pero la mayoría de la gente ni siquiera recuerda el nombre de su autora. ¿Por qué las historias de hombres que forjan su camino siempre se cuentan con un aire épico y heroico, mientras que las historias de mujeres que se desvían del guión siempre se tratan como fracasos, o se habla de ellas con condescendencia? Mi intención es cambiar la narrativa que habitualmente infravalora y desalienta la audacia y la toma de riesgos en las mujeres. Este documental es una exploración que sumerge al espectador en la visión y la experiencia de una mujer comprometida consigo misma, obsesionada con la libertad, la verdad y la búsqueda de un lenguaje único para las mujeres”.

 

(1) “Por qué no es cribo nada” estará en los cines madrileños a partir del viernes 6 de noviembre 2026.

(2) Directora y guionista afincada en Barcelona. Con El fill de son pare/His Father’s Son (2010) recibió una mención especial del jurado en el Prix Europa. Su largometraje documental Corredors de fons (2014) fue galardonado con el premio a la mejor dirección en Aljazeera International Doc Film Festival y con el premio al mejor guión en Europe-Orient du Film Documentaire, Asilah. Con el cortometraje La Veïna (2015) ganó el premio a las Libertades Públicas y Derechos Humanos en AJIDFF. Ha sido pionera en la exploración del documental interactivo con animación web, con los webdocs Orgull de Baix (2016) y Orgull d’Horta (2020) producidos con TV3 y A Punt Media. Su último trabajo es el largometraje Los constructores de la Alhambra (2022), participó en SEMINCI 2022, Montreal Festival International du Film Sur L’Art 2023, Bogocine 2023, London Spanish Film Festival 2023 y Bosphorus Film Festival 2023.

 

Irán : el cineasta Jafar Panahi condenado de nuevo

Jafar Panahi

Con fecha del 28 de octubre de 2026, la sala 26 del Tribunal Revolucionario de Teherán ha condenado de nuevo al cineasta disidente Jafar Panahi, de 66 años, a « cinco años y un mes de cárcel y a la confiscación de todos sus bienes mobiliarios e inmobiliarios”, según declaraciones del abogado Mostafa Nili a la agencia de prensa iraní Isna. Según la misma fuente, no se conocen los cargos que se le imputan.

 

A comienzos de este año, Jafar Panahi –cuyo paradero actual se desconoce-, Palma de Oro en el Festival de Cannes 2025 por la película “Un simple accidente”, rodada clandestinamente en Irán sobre la historia de un mecánico atormentado por los recuerdos de su detención y las torturas sufridas en la cárcel,  y Oso de Oro en el Festival de Berlín en 2015 por “Taxi Teherán” (1)- calificó al régimen iraní de « fascista, asesino y brutal”. Esta es la tercera vez que el régimen de los ayatolás condena al cineasta, quien ya pasó por la cárcel en 2010 y 2022, imponiéndole también la prohibición de utilizar las redes sociales durante dos años, así como la de viajar durante el mismo tiempo. (1)  

 

La primera vez, en 2010, estuvo encarcelado durante  86 días por su ”participación en concentraciones y propaganda contra el régimen”, y después cumplió siete meses, entre 2022 y 2023, por “alteración del orden público, propaganda contra el régimen y activismo antirrevolucionario”.  Salió en libertad tras llevar a abo una huelga de hambre.

También en diciembre pasado fue condenado, en ausencia, a un año de cárcel por “propaganda contra el estado”. En enero, el cineasta se declaró contra la represión de las manifestaciones antigubernamentales en el país, que han causado miles de muertos

 Según el abogado Nili, quien es también un conocido defensor de los derechos humanos y representa a muchos presos políticos, nadie notificó la fecha del juicio a Jafar Panahi, quien regresó al país el pasad 30 de marzo, después de que Israel y Estados Unidos declararan en febrero la guerra a Irán, tiene abiertas otras tres causas.  Igualmente, ha manifestado que se enteró de la nueva condena después de que el realizador le comunicara la semana pasada que le han congelado las cuentas bancarias y después de acudir en busca de información a la Unidad de Ejecución de sentencias de la Fiscalía de Cultura y Medios de Comunicación, que el 20 de mayo emitió una orden de detención.   

(1) En 2010, Jafar Panahi, uno de los realizadores iraníes más reconocidos internacionalmente, fue condenado a seis años de cárcel y 20 años de prohibición de realizar películas, escribir guiones y viajar al extranjero.  

En julio de 2022 fue encarcelado en la prisión de Evín para cumplir esa condena y recuperó la libertad en febrero de 2023. En diciembre de 2025, Panahi fue condenado a un año de cárcel por actividades de propaganda contra el sistema".

 

Antes de su reconocimiento internacional, en 1995 Jafar Panahi ganó la Cámara de Oro en el Festival de Cannes con “El globo blanco”; en 2000, consiguió el León de Oro en el de  Venecia con “El círculo”.

 

“Gungo y los Juegos Cavernícolas”: un mundo para el más fuerte

 “Un príncipe cavernícola despistado debe liderar a un grupo de inadaptados para recuperar a su tribu, burlar a un rival hambriento de poder y ganar el enfrentamiento prehistórico definitivo”. (unotv.com)

Dirigida a un público familiar, “Gungo y los Juegos Cavernícolas” es una película de animación española coproducida con México y dirigida por los hermanos mexicanos Rodolfo y Gabriel Riva Palacio. Combina aventura, humor y valores como la amistad, la solidaridad, la compasión el trabajo en equipo y la superación, subrayando que todos tenemos un talento especial y solo hay que descubrirlo.  

Para los adictos, el plus es que Mikecrack –por lo visto el youtuber número uno en España (58 millones de suscriptores en YouTube y 21.000 millones de visualizaciones; no puedo garantizar nada, no me muevo en ese terreno)- pone voz al protagonista.

Hace treinta mil años, ocho meses, cinco días y dos horas, antes de que inventáramos el calendario Gungo, el primero de todos los influencers, personaje prehistórico de Rocabajo -el único reducto que se salvó de la catástrofe volcánica que asoló el planeta, el lugar “donde todos se refugiaron” situado en un valle oculto entre montañas- es el hijo de Narizok,  el jefe de la tribu de los Narices Duras.

En el mundo de “Gungo y los Juegos Cavernícolas” sobrevive el más fuerte y el débil queda fuera..Gungo es considerado el cavernícola más débil de la tribu, pero como es el hijo del jefe cree que tiene el futuro asegurado, y que de ninguna manera  tiene qué demostrar que vale. Sin embargo, es traicionado por un grupo de rebeldes que quieren usurpar el poder, y es expulsado a tierras inhóspitas donde no hay nada.

Para recuperar el trono y demostrar su valía tras ser desterrado de la tribu Gungo, un heredero consentido y torpe, tiene que liderar al equipo menos prometedor de toda la Prehistoria en los salvajes Juegos Cavernícolas. Para sobrevivir y desenmascarar el complot que han montado contra él, debe encontrar su verdadera fortaleza interna, y competir en los brutales Juegos, reservados para los más fuertes. Porque cuando tocas fondo… solo queda picar piedra para subir poco a poco.

La película combina una estructura clásica de historia de superación y de equipo con un ritmo marcado por el humor físico, la acción y la competición, construyendo una aventura alrededor de un protagonista que está muy lejos del héroe convencional: Gungo no es el más fuerte ni el más preparado, pero tendrá que aprender a liderar precisamente a quienes, como él, nunca parecían destinados a ganar. 

Junto a Mikecrack, el reparto español de doblaje cuenta también con el conocido youtuber y creador de contenido Dagar, muy popular por sus vídeos de entretenimiento y videojuegos, además de los periodistas deportivos Rubén Uría y Nacho Donado. 

Sobre su experiencia en el proyecto, Mikecrack ha dicho que tenía un poco de miedo “por si no le quedaba del todo bien al personaje, pero me siento muy cómodo siendo Gungo. Durante el doblaje, hubo muchos momentos en los que me moría de la risa, así que la recomiendo. Es una película familiar muy buena y el que vaya no se va a arrepentir”. 

En el diario mexicano El Universal, el crítico César Huerta explica un poco el proceso de la película “Gungo y los Juegos Cavernícolas” que empieza hace treinta años, a finales del siglo veinte, cuando Rodolfo Riva Palacio iba a la universidad y dibujaba una tira cómica que tenía como protagonista al cavernícola Gungo, bajito, con mucho pelo y con barba.

Ya entonces, los hermanos Riva Palacio pensaron en hacer algo sobre el mundo de las cavernas, sería divertido que transcurriera en el marco de unos Juegos que podían consistir en “lanzamiento de maridos, persecución de tigres dientes de sable o natación sincronizada en arenas movedizas”,

Pero entretanto, la pareja creó los estudios Huevocartoon, produciendo  historias de unos huevos animados que después de triunfar en Internet fueron protagonistas de “Una película de Huevos” y cuatro largometrajes más: “También hicimos una de marcianos: ‘Marcianos vs Mexicanos”.

 

"Gungo y los juegos cavernícolas" (1), con un diseño que nos recuerda inevitablemente a Los Picapiedra,  es un proyecto especialmente complejo y significativo para los hermanos pues representa el punto máximo de evolución técnica del estudio Huevocartoon, que fusiona la esencia del dibujo tradicional a mano (2D) con la profundidad y realismo de la animación digital en tres dimensiones (CGI).

 

“A la película le tocó la pandemia, el estudio sufrió muchísimo”. Estuvieron a punto de cerrar, tuvieron que prescindir de animadores, perdieron tecnología y finalmente consiguieron hacer la película con muchos apoyos, de España y Australia.  

 

(1) “Gungo y los Juegos Cavernícolas” se estrena en Madrid el viernes 30 de octubre 2026.