“Una pistola, una bala y un oso panda”, una película diferente sobre la segunda oportunidad

El cineasta catalán Oriol Cardús ('Entre Mareas') estrena 'Una pistola, una bala y un oso panda', su primer largometraje de ficción. Se trata de una película diferente, una comedia que mezcla humor y drama existencial con una fuerte carga simbólica. Es, en el fondo, una invitación a dejar atrás el victimismo y lanzarse sin red hacia lo que uno desea, con la convicción de que siempre hay una segunda oportunidad. 

La película está protagonizada por Alain Hernández ("Las hijas de la criada", "Sueños de Libertad"), José Troncoso ("En los márgenes", "Gym Tony") y Teresa Ferrer ( "Los miserables: el musical", "Tengamos la fiesta en paz"). Además, cuenta con la participación de Petra Martínez ("La vida era eso", "La que se avecina"), Emma Ozores ("Aquí no hay quien viva"), Patricia Conde ("Machos Alfa 4", "Velvet colección"), Mar Ulldemolins ("El Ministerio del Tiempo"), Carles Martínez ("Mi amiga Eva"), Francesc Ferrer ('Saben aquell", "El 47",) y Dafnis Balduz ("Los renglones torcidos de Dios"). 

Rodada en diferentes localizaciones catalanas con un presupuesto de cinco millones de euros aportados íntegramente a través de financiación privada, mediante la fórmula “Agrupación de interés económico”,  'Una pistola, una bala y un oso panda' cuenta la historia de Saúl, un director de cine abandonado por su pareja, en paro y con la cuenta bancaria al límite, que atraviesa una depresión profunda que le tiene recluido en casa desde hace más de un mes. La aparición de un misterioso  paquete en su rellano —que contiene un revólver, una bala y una enigmática nota—  desencadena una cadena de acontecimientos que cambiará su vida por completo. Acompañado de Raúl y Maite, sus dos mejores amigos, Saúl emprende una aventura alocada y cargada de giros inesperados, donde nada es lo que parece y donde la realidad se mezcla a menudo con los sueños. 

El director Oriol Cardús y Jordi Carbonell son la cabeza visible de Sin Parpadear (“Sal & Dean”, “Entre mareas”, “Prou Bé”, “Adrià. Un amor genui o un deure?”, “El productor”),  productora con un enfoque innovador y personal en proyectos audiovisuales definidos como  “cine de género de autor”,  en la que intentan hacer películas singulares, de la comedia al musical, con el foco puesto en tener una “personalidad propia” con producciones que “rompan con lo que la gente puede esperar al entrar en la sala”

Oriol Cardús lleva años trabajando como cortometrajista y en 2025 estrenó el documental “Entre mareas”. En una entrevista reciente, Cardús afirma que entre las comedias familiares y las comedias adultas de tono social presentes en la cartelera española, “Una pistola, una bala y un oso panda’ busca huir de la sensación de déjà vu, desde el título, la imagen, el guion... Una comedia que sin ser autobiográfica navega también por temas que tocan de forma directa a cualquier director o directora de cine: el protagonista es un director en crisis al que le cuesta sacar adelante su película”. 

 

(1) “Una pistola, una bala y un oso panda” estará en los cines de Madrid a partir de este viernes 12 de junio de 2026.

 

 

“Un hombre de verdad”, de las dificultades de aprender otra forma de vida

 

 

“Un hombre de verdad”, ópera prima de Liteo Pedregal, comedia dramática luminosa y corrosiva sobre la masculinidad contemporánea, y la dificultad de cambiar patrones aprendidos,  protagonizada por Carlos Olalla (“El mundo es suyo”, “Olvido”), Olivia Molina (“Un burka por amor”, “Memoria de mis putas tristes”) y Rosario Pardo (“Cuéntame”). Tras su presentación en festivales, el film inicia ahora su recorrido con vocación de conectar con un público que se verá reflejado en la crisis vital de su protagonista.   “Un hombre de verdad” narra la historia de Guillermo quien, tras la repentina muerte de su esposa, debe replantearse sus rígidos valores machistas y aprender a ser independiente. Rodada en Madrid y Tenerife, con guión del director y Roberto Alfaro (“Ni pies ni cabeza”, “El secreto de Amila”), completan el reparto Laura de la Uz y Aroa Núñez, con la colaboración especial de Natalia Dicenta, Imma Sancho y Máximo Valverde.     Guillermo es un neurocirujano de setenta años acostumbrado a que su mujer, María , le atienda como espera todo hombre “que se viste por los pies”. Su única hija, Nuria , vive en otra ciudad y no mantiene una buena relación con él. Sin embargo, la repentina muerte de su esposa hará que se vea obligado a replantearse los valores machistas, fruto de su educación, y que empiece a valerse por sí mismo, algo que no ha hecho en toda su vida.   Cuatro mujeres –su vecina Ángela , una amante llamada Bárbara , una asistenta cubana de nombre Magali y, sobre todo, su hija Nuria, serán claves para acompañarle en el camino de transformación hasta llegar a convertirse en un hombre más coherente, justo e igualitario, “un hombre “de verdad”.    El director, Liteo Pedregal, subraya  que el verdadero centro de la película son las mujeres que rodean al protagonista, cuya empatía y determinación empujan a Guillermo hacia un proceso de descubrimiento personal.   “Un hombre de verdad” propone una reflexión, entre la risa y la incomodidad, sobre cómo se comporta hoy “un hombre de verdad”, en un contexto social que ya no tolera determinadas actitudes, pero que tampoco ofrece modelos claros de masculinidad alternativa.

 

(1) “Un hombre de verdad” llegará a los cines de Madrid el próximo viernes 12 de junio 2026.

“ELEONORA DUSE, LA DIVINA: el arte como salvación y consuel

« Un hermoso film sobre las relaciones entre arte y poder, escrito a medida para  Valeria Bruni Tedeschi ». (L’Humanité)

Coproducción franco-italiana estrenada en la última Mostra di Venezia, dedicada a la diva del teatro famosa en Italia como “la Duse” y bautizada como “la divina” por el poeta Gabriele D’Annunzio, la película “Eleonora Duse, la divina”, cuarto largometraje dirigido por Pietro Marcello (“Martín Eden”, “Bella e perduta”, “For Lucio”),  está  protagonizada por la actriz, guionista y realizadora Valeria Bruni Tedeschi (“La gran juventud”, “L’Attachement”, “Les Amandiers”), quien  borda el personaje de esta figura histórica acompañada por, entre otros,  Noémie Merlant (“Emmanuelle”), Fausto Russo Alesi (“El poeta y el espía”) y Vincenzo Nemolato (“La quimera”) y la actriz húngara Fanni Wrochna (« Tomorrow I Die »).

En 1920, en una Italia que entierra los restos de su soldado desconocido, que han llegado desde el norte hasta  Roma ocultos bajo un manto de medallas y adornos patrióticos en el vagón especial de un tren, cuando todavía está lamiéndose las heridas de la Primera Guerra mundial y tras una década alejada de los escenarios, la legendaria actriz Eleonora Duse tiene, con sesenta años,  la necesidad imperiosa de volver al teatro, el único lugar donde alguna vez fue verdaderamente libre, para culminar una carrera legendaria desarrollada a caballo de los siglos diecinueve y veinte.

Mientras a duras penas gestiona  la compleja relación que tiene con su hija,  el peso de los años y su historia de amor con el poeta Gabriele D’Annunzio, la gran actriz que fue Eleonora Duse asiste al auge del fascismo y la llegada al poder de Benito Mussolini, convirtiendo su regreso a los escenarios en una lucha contra el tiempo, el poder y su propia decadencia frente a un mundo en transformación.

Majestuosa y frágil “la divina”, víctima de la quiebra del banco donde guardaba su dinero se ve afectada por  el desastre económico consecuencia de la guerra en Italia, un país que está cambiando a la par que las aspiraciones de sus ciudadanos, mientras la literatura, lo mismo que el teatro, intentan encontrar su lugar en la reconstrucción nacional.  

“Eleonora Duse, la divina”, una película teatral sobre el teatro,  quiere ser algo más que un biopic, su director Pietro Marcello “confiesa querer auscultar el alma de la diva en os últimos años de su vida. En una sucesión de cuadros con una fotografía cuidada y poética, la película narra admirablemente el encuentro de una actriz con su arte y su siglo” (france televisions). El teatro la convirtió en una mujer “libre y responsable”, dos palabras que se repiten constantemente en la película, a costa de situar en un segundo plano la relación con su hija Henriette, quien siempre se ha sentido abandonada.

“La poesía es más lenta pero llega más lejos que cualquier guerra”

El cine se impone, el teatro lo percibe como una amenaza. El fascismo en el poder intenta seducir a “la Duse”, ofreciéndose para ayudarla económicamente y prometiéndole hasta un teatro “todo para ella”. Melodrama de memoria, “Eleonora Duse, la divina” (1) es una inmersión histórica en la Italia de los años 1920, un repaso a los últimos años de  vida de una gran drama del teatro, una ficción salpicada de auténticas imágenes de archivo que nos devuelven el retrato crepuscular de una actriz con todas las ambigüedades de su país y de su tiempo.

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(1) “Eleonora Duse, la divina” llega a la cartelera madrileña el próximo viernes 12 de junio 2026.

“Un talento único” un thriller con el sonido como protagonista

“Una escenografía ágil y frenética, junto con su travieso montaje musical, dan un buen impulso a este estereotipo del género” (L’Obs)   El cineasta canadiense Daniel Roher (“Once Were Brothers: Robbie Robertson and the Band », documental sobre el guitarrista Robbie Robertson, Oscar 2023 al Mejor Documental por “Navalny”, sobre el activista y líder opositor político ruso) debuta como director de ficción con la sorprendente y encantadora película “Un talento único” (“Tuner”) , una comedia dramática (algunos críticos han descubierto la palabra dramedia para calificar este tipo de películas) singular teñida de romanticismo, un hermoso cuentocon un excelente reparto que encabezan Dustin Hoffman (ganador de dos Oscar por “Rain Man” y “Kramer contra Kramer”) en un personaje hecho a su medida,  y el joven actor británico  Leo Woodall ( serie “The White Lotus 2”, Bridget Jones; Loca por él”, “Nuremberg”). Ambos comparten una gran química en pantalla y derrochan ternura en sus papeles de Harry Horowitz y Niki White, un veterano afinador de pianos que se está quedando sordo y su leal y inteligente aprendiz Niki,  quien padece hiperacusia, un oído excepcional que hace que perciba  los sonidos a un volumen exageradamente alto, lo que le obliga a usar constantemente tapones en los oídos y a auslarse cada vez más. El huérfano Niki –que Harry y su mujer, Marla consideran como un hijo- fue un niño prodigio pianista, hasta que su enfermedad le obligó a renunciar a lo que prometía ser una brillante carrera.   Acompañan a esta pareja de actores de talla la modelo y actriz estadounidense Havana Rose Liu (conocida por sus papeles en “The Sky is Everywhere” y “Bottoms”) y el actor franco-español  Jean Reno (“El último combate”, “Los visitantes”, “El código Da Vinci”).   El talento de Niki, que le permite también abrir cajas fuertes, llama la atención de una banda de delincuentes con la que participa en atracos cada vez más comprometidos (a cambio de un dinero con el que podrá pagar las deudas de Harry hospitalizado tras un infarto) que acaban por llevarle a una peligrosa espiral que  podría costarle mucho más que su libertad.     Cuando acude solo a afinar los pianos de una escuela de música (Harry continúa en el hospital),  conoce a Ruthie, una joven pianista y compositora que promete, con la que inicia una relación que, de alguna manera, significa recuperar el sueño de una carrera musical, no exenta de tensiones acentuadas por las oilícitas actividades secretas del joven.   En su primera película de ficción, Daniel Roher sobrevuela sin perder el equilibrio  varios géneros, desde la comedia inicial hasta el romance, pasado por el thriller psicológico –“en el que cohabitan precisión y amenaza” (pianoweb.fr)- que le permite navegar por los sentimientos de sus personajes, y muy especialmente los de Niki, quien se implica en una experiencia terrible que acaba sobrepasándole.   « Imaginé esta película –confiesa Daniel Roher- en función del sonido (…) Me gustaría que los efectos sonoros nos permitan adoptar el punto de vista de Niki. Yo quiero oír lo que él oye ».

(1) “Un talento único” se estrena en los cines de Madrid el viernes 12 de junio 2026.

 

“Solomamma”: ninguna forma de familia es mejor que otra

 

« La segunda  película de la realizadora noruega nos permite soñar con un mundo diferente, en el que la familia ya no es cuestión de biología o de relaciones de sangre, sino de amor y respeto » (Cineuropa)       “Solomamma”, segundo largometraje de la realizadora noruega residente en París  Janicke Askevold ( “Togheter Alone”, modelo internacional y actriz en varias películas francesas),  estrenado en el Festival de Locarnos 2025, donde consiguió el premio del Jurad Ecuménico, ha logrado tres premios en el Festival Internacional de Cine de Barcelona-Sant Jordi (BCN Film Fest): el de Mejor Guion y Mejor Actriz para Lisa Loven Kongsli de la Sección Oficial, y el Premio de la Crítica otorgado por el jurado de la Associaciò Catalana de Critics i Escriptors Cinematografics (ACCEC).   “Solomamma” aborda un concepto alternativo de la maternidad que transgrede las reglas de las sociedades patriarcales que quieren controlarlo todo. Nos invita a repensar la noción de familia huyendo de los estereotipos. Protagonizada or Lisa Loven Kongsli (“Fuerza mayor”, Snow Therapy”) y Herbet Nordrum (“La peor persona del mundo”, “Julie en doce capítulos”), cuenta la historia de Edith, una periodista en torno a los cuarenta años y madre soltera de Sigrud, un niño de cuatro años, que casualmente se entera de la identidad del donante del esperma que recibió. Decide entrevistarle con la excusa de que lo publicará en el periódico donde trabaja, aunque lo que en realidad persigue es saber lo que su hijo podría heredar en materia de genética.   Edith y el donante establecen una cierta relación que tiene como consecuencia una doble vida para Edith que acabará poniendo en peligro no solo el equilibrio afectivo de su día a día, sino también el de las personas que le rodean.   “Solomamma” es un drama sensible que habla del terreno emocional de la  procreación asistida y la maternidad en solitario, y las complejas relaciones entre los padres, los hijos, y las distintas personas que intervienen en sus vidas. Mezclando la especial sensibilidad del cine de autor escandinavo en lo que se refiere a las relaciones con elementos del cine de género, la directora Janicke Askevold aborda con audacia-teniendo como fondo la encantadora ciudad de Oslo, con hermosos y cómodos apartamentos donde viven personas bien vestidas- una cuestión tan espinosa, a través del retrato de una mujer que ha elegido su propio camino, enfrentándose a las críticas de una sociedad a la que le cuesta aceptar situaciones no convencionales.   En una entrevista, la realizadora  de “Solomamma” (1) aborda las formas actuales de maternidad, los desafíos de la educación monoparental, la ética de la donación de esperma y la manera en que las relaciones familiares van más allá de la biología: “Todo empezó cuando una amiga me contó que en las redes sociales encontró al padre biológico de su hijo, y entabló una relación con él sin decirle la verdad. Sentí que ese podía ser el punto de partida de una historia que merecía ser explorada, mientras reflexionaba sobre las múltiples facetas de la maternidad moderna. Estuve investigando, conocí a madres solteras noruegas y basé mi relato en hechos reales; era muy importante que todo lo que ocurriera en la película pidiera suceder en la realidad. También descubrí que algunas de esas mujeres se conocen, crean grupos de apoyo y hacen que sus hijos conozcan a sus medio hermanos (... )  Decidí ir más allá de saber si se trataba de una buena o mala opción. En Escandinavia, la maternidad monoparental es cada vez más frecuente (…) (La mujer de la película) no es una heroína, es un ser humano con sus defectos, sus fuerzas, sus inseguridades y su curiosidad. La única crítica que me permito es a los bancos de esperma, que operan en un mercado susceptible de explotar a las mujeres en situación de vulnerabilidad, especialmente cuando  les cobran un suplemento por dar informaciones sobre el donante (…) Espero que la película sirva para mostrar que existen muchas formas de familia, y que ninguna es mejor que otra ». (1) “Solomamma” llegará a los cines madrileños el próximo viernes 12 de junio de 2026.

 

“Cel meu Infern teu”, un ejercicio de memoria sobre el lesbianismo en el franquismo

Escrita por Ana Piles y Noelia Martínez, “Cel meu Infern teu”  (Mi cielo tu infierno) es un drama romántico con tintes de thriller psicológico dirigido por Alberto Evangelio (“Visitante”), ambientado en la España de los 70, que retrata una historia de amor entre dos mujeres a lo largo del tiempo, su vida clandestina, la represión y su lucha, un tema que sigue de plena actualidad a día de hoy. Una historia impactane y honesta.

 

A lo largo de los años, Adela y Victoria viven una historia de amor imposible y son fuertemente castigadas por la Ley y por la sociedad valenciana de los años 60 y 70. Sin embargo, a pesar de todos los impedimentos, no pueden olvidarse la una de la otra.

 

No seré yo quien dude de que la mejor intención ha guiado  los autores de esta película  (director y guionistas) que pretende denunciar el trato despiadado que algunas mujeres lesbianas recibieron durante los años del tardofranquismo. Digo algunas porque, históricamente, el lesbianismo ha estado menos presente que la homosexualidad (por establecer una comparación) en la sociedad española: a las mujeres les resultaba más fácil esconderse tras una amistad o una relación de trabajo, un trato cercano en ambas situaciones se consideraba “completamente normal”, tanto por las familias como por la sociedad.

 

Que una relación lésbica fuera más difícil de establecer, no significa que, una vez descubierta, se aceptara. La película “Cel meu inferno teu” apunta lo que podía ser el castigo para las mujeres que, como siempre, no era igual según la clase social a la que pertenecieran las implicadas y, en el caso de las mujeres burguesas, el interés de la familia para que no trascendieran los hechos.

 

La película explica el caso muy real de que la mujer que trabajaba en el servicio fue a dar con sus huesos a la cárcel, mientras que la “señorita”, en manos de los psiquiatras partidarios del “método fuerte”, era sometida a sesiones de descargas eléctricas. En ambos casos –y eso no queda claro en el filme- se trataba de “curar” lo que hasta fechas muy recientes la sociedad consideraba una enfermedad, lo mismo que la homosexualidad.

 

“Cel meu inferno teu”, protagonizada por Tania Fortea y Sandra Cervera junto a Víctor Palmero, Vicent Domingo, Rosanna Espinós, Antonio Hortelano y Enric Benavent, rodada en Valencia y en valenciano, ha conseguido el Premio del Público en Marere Film Festival y el Premio Lola Gaos para Víctor Palmero como Mejor Actor de reparto.  

 

 

(1) “Cel meu inferno teu” se estrena en los cines de Madrid este viernes 5 de junio de 2026

“Rebuilding”,una delicada película sobre la reconstrucción

 “Rebuilding’ no es una película que se mira, es una película que se siente. A pesar de su structura previsible y algunos ahogos, es una obra sobria, exigente y de una honestidad excepcional sobre la necesidad de volver a echar raíces” (journaldemontreal.com)

 

Un incendio gigantesco se ha tragado casi toda la vida del granjero Dusty: su rancho, sus tierras en Colorado, convertidos en humo han desaparecido del mapa del Oeste de Estados Unidos. Obligado a subastar su ganado, encuentro refugio en un minúsculo poblado de caravanas donde se agrupan otros refugiados del desastre, en los que encuentra consuelo mientras trabaja como obrero en la construcción de una carretera. Allí conocerá a una joven que acaba de perder a su marido.   El sueño americano ha abandonado a este vaquero que piensa en trasladarse a Montana, donde vive su hermana, para ayudarle con el ganado; pero marcharse significa también abandonar a su hija de nueve años -a la que no ha visto mucho últimamente y con la que intenta recomponer la relación-, quien vive con su exmujer y su exsuegra.  Dusty, quien tendrá que elegir entre  marcharse lejos o mantenerse cerca de la niña, renacerá gracias a una humanidad que resiste y subsiste. « Rebuilding » (reconstrucción), interpretado por el británico Josh O’Connor  -quien se suma a la larga lista de granjeros a los que la fortuna da la espalda, tan apreciados por el séptimo arte- es la  historia de Dusty, un personaje simple y discreto enfrentado a la adversidad, una confrontación del mito del cowboy con nuestra actual crisis medioambiental, un hombre que tras la catástrofe se reconstruye física y psíquicamente. Acostumbrado a la soledad, Dusty acabará encontrando la seguridad que proporcionan la familia y los amigos. Rodada en el impresionante paisaje del Valle de San Luis (Colorado), “Rebuilding”, dirigida por Max Walker-Silverman (“A Love Song”),  es un retrato reflexivo y emotivo de la resiliencia y la conexión humanas tras un momento de pérdida, que cuenta con destacadas interpretaciones de todo el elenco que incluye a Josh O’Connor (“La quimera”, “Challengers”, serie “The Crown”), Meghann Fahy (“Una pareja perfecta”, “Sirenas”), Kali Reis (“Resident Evil”, serie “True Detective”) y la legendaria Amy Madigan (“Desmayados”, “The Hunt”). El realizador Max Walker-Silverman, nacido en esos mismos parajes, es autor del guión y la dirección de esta intensa y melancólica  historia sobre las relaciones humanas estrenada en el Festival de Sundance y galardonada por el Jurado Ecuménico en Karlovy Vary. También ha conseguido recientemente el Premio del Público en el Americana Film Fest de Barcelona y ha participado en el Festival de Cine de Valladolid (Seminci).

Como diciéndonos que de la desgracia puede nacer la felicidad más insospechada, el director de este hermoso canto a la esperanza sin sentimentalismos  que estorben, nos recuerda la actualidad de grandes catástrofes naturales, simbolizadas en este caso por un incendio, pero igual habría servido una inundación o el paso de un devastador tornado (como se suceden tantos cada año en Estados Unidos…y en muchos otros rincones del mapa), que en cada ocasión dejan desamparados a muchos ciudadanos, descuidados por las administraciones públicas y por los bancos (y en este sentido “Rebuilding” recuerda la magnífica “Nomadland” de Cloé Zhao (ganadora de un Oscar con sus víctimas de la crisis económica que viven también en un camping de autocaravanas),  al ondear las banderas de la solidaridad y la ayuda mutua.   El protagonista Josh O’Connor es el padre solitario que no quiere molestar, el anti-héroe frágil, reservado y discreto, el hombre de pocas palabras, el “vaquero moderno en plena crisis existencial” que se tapa el rostro con el ala del sombrero. Frente a él, la joven actriz australiana Lily LaTorre –muy lejos de ser una debutante, a sus pocos años ya ha trabajado junto a media docena de realizadores y otras tantas “estrellas”-, estupenda en el papel de la niña que quiere pasar más tiempo con ese padre que vive en una roulotte, proporcionada por una agencia gubernamental, en mitad de ninguna parte.   “Gran parte de la vida en las zonas rurales –explica Max Walker-Silverman, director de “Rebuilding” (1)- está definida por una paradoja sencilla: el mundo natural es un desafío constante y, al mismo tiempo, tan hermoso que uno no puede imaginar vivir en ningún otro lugar. Los personajes de esta película -al igual que las personas en mi vida- se sienten cautivados por la belleza del lugar en el que viven, incluso cuando el precio es perder todo lo que tienen. Es lo que comparten entre ellos, con quienes los precedieron y con quienes vendrán después. Pero el paisaje no es permanente. Es también un registro de las decisiones tomadas por cada generación: la decisión de conservar, de construir, de extraer o de reparar. En ese sentido, hay un legado humano en todo paisaje natural. Sentirse parte de ese legado es algo poderoso y, en el mejor de los casos, una fuente de verdadero significado. Quienes no tienen nada, aún pueden poseer la belleza (…). “El mito fundacional de la autosuficiencia -siempre presente en Estados Unidos, especialmente en el Oeste- es un mito triste. He visto a mucha gente, especialmente hombres, derivar de la autosuficiencia a la soledad, y de la soledad a la desesperanza (…).Y eso no sirve a nadie en ninguno de los lados de cualquier frontera. (1) “Rebuilding” llegará a los cines de Madrid el viernes 5 de junio de 2026. .