“Elegir mi vida” como un karaoke retro

Comedia ligera y musical francesa con la duración justa (1h 35’), “Elegir mi Vida”  (“Partir un jour”) fue la película inaugural del Festival de Cannes el pasado año. Para su primer largometaje, la  cineasta Amélie Bonnin ha alargado el cortometraje con el que ganó un Cesar en 2022 (premio de la Academia francesa equivalente a nuestro Goya), y ha recuperado a sus intérpretes,  para reescribir una historia con grandes dosis de nostalgia y recuerdos de los años del pop,  que tiene como escenario la campiña francesa.  

 

Con un título que, en la versión original francesa, nos recuerda que así se llamaba una maravillosa (como todas) canción del belga Jacques Brel, “Partir un día” –que es como un instante suspendido en el tiempo- es una comedia musical que respeta los convencionalismos y nos cuenta la historia de Cécile, ganadora de un “masterchef” televisivo, a punto de cumplir su sueño de abrir un restaurante en París. Pero el destino tiene otros planes para ella. Un embarazo con el que no contaba y el infarto sufrido por su padre le llevan a regresar al pueblo donde nació y creció para hacerse cargo del restaurante de carretera familiar  y donde, como no podía suceder de otra manera, se encuentra con Julien, su amor de adolescencia. Un encuentro que pone patas arriba sus recuerdos y hace que vacilen algunas de sus certezas.

 

Comedia sentimental agridulce cuyo guión, un poquito cursi y muy previsible,  que firman la propia directora y el también realizador Dimitri Lucas, profundiza en los personajes que interpretan  la cantautora y actriz Juliette Armanet (“L’Arrachement”, “La casa de las mujeres”, “Los chicos están bien”), Bastien Bouillon “La noche del 12” César  2022 a la mejor esperanza, “Monsieur Aznavour”, “El conde de Montecristo”),  François Rollin (“Años veinte”), Tewfik Jallab (“Bastion 36”, Né quelque part”) y Dominique Blanc (“Indochina”, “La Reina Margot”, “El origen del mal”), y presenta algunos cambios en relación con el corto: es una cocinera de éxito, en lugar de un joven escritor, quien regresa a casa de sus padres, y la canción “Partir un jour” –perteneciente al álbum de 1997  “2Be3” de Jacques Brel-, que en el corto se escuchaba al comienzo, en “Elegir mi vida” lo interpreta la propia Cécile, una sonriente mujer que parece muy feliz  mientras, desde la ventanilla del autobús que la devuelve a la capital, contempla los “caballitos” que, en una carretera paralela,  hace sobre la moto su amor de juventud.

 

« Elegir mi vida » habla, con una estética de marketing,  de las raíces, geográficas y sociales, y de lo que puede suceder cuando las dejamos atrás, u peor aún si queremos olvidarlas; compara también “dos visiones de la restauración”: los actuales  restaurantes famosos, dirigidos por aplaudidos chefs que exhiben almidonados gorros cada vez más altos e idean platos como si fueran bodegones renacentistas, con los salones caseros de las cantinas de carretera, donde  una cocinera o cocinero con el pelo recogido en una redecilla prepara diariamente cantidades ingentes de tortillas de patatas, guisos de carne con guisantes  y porciones de merluza rebozada

 

Las canciones que salpican la trama –música popular que va desde « Alors on danse » de Stromae hasta « pour que tu m’aimes encore » de Celine Dion, pasando por « Femme Like U »  de. Maro, « Parole » y « Mourir sur scene » de Dalida, « Des soirées là » de Yannick », « Le Loir-et-Cher » de Michel Delpech y « Cécile » de Claude Nougaro- son una mirada atrás, a la asentada tradición francesa de comedias musicales como « Les demoiselles de Rochefort », de Jacques Demy, u « On connait la chanson » de Alain Resnais.

 

( !) « Elegir mi vida » se estrena cuando empieza la primavera, este viernes 20 de marzo de 2026. .

“Tafiti y sus amigos”: los amigos de mis amigos son mis amigos

 

Deliciosa película de animación infantil que ningún adulto lamentará haber visto,  “Tafiti y sus amigos” ( “Tafiti across the desert”) - premio de la audiencia en la sección infantil (CineKind) del Festival de Cine de Múnich, consiguió dos nominaciones en el Festival Internacional de Cine Infantil y Jóvenes Audiencias SCHLiNGEL - dirigida por la alemana  Nina Wells ( “Knight Rust”,  “Coco el pequeño dragón”, “Latte y la piedra mágica”), tiene su origen en los cuentos de Tafiti, escritos por Julia Boehme e ilustrados por Julia Ginsbach, sobre una valiente suricata que traviesa el deierto de Namib, el desierto más antiguo del planeta (1).

 

Fábula sobre la amistad, la generosidad y la autenticidad,  en un viaje de ida y vuelta “Tafiti y sus amigos” nos convence de que explorar el mundo es algo que, como muchas otras cosas, se consigue mejor en compañía de amigos.

 

Suricata adolescente en un medio ambiente hostil que vive con su abuelo, su madre y dos hermanos más pequelos, Tafiti, iggnora las recomendaciones del abuelo (“Las suricatas se quedan con los suticatos”), quien insiste en que todos los animales de la sabana –incluso los más pequeños, los que parecen más inocentes como las mariposas- son en principio peligroso.

 

Una vez que sale del refugio para beber conoce a Púas, un simpático y exuberante cerdo salvaje al que ayuda cuando es atacado por un águila. Cuando le lleva a la guarida para que su madre le cure la herida del lomo, aparece una serpiente venenosa que consigue atacar al abuelo. Tafiti decide entonces aventurarse sola en el desierto, efectuar un peligroso viaje  para encontrar la mágica flor azul que podría curarle. Pero no contaba con que Púas, decidido a convertirse en su mejor amigo, la va a acompañar en el viaje. Poco a poco su relación irá evolucionando hasta convertrse en amistad. Juntos  van a vivir acontecimientos inesperados, a los que también se suma una musaraña encontrada por el camino

 

 

Perteneciente al tipo de cuentos clásicos de iniciación, “Tafiti y sus amigos” (2) es también un camino, a veces incómodo, hacia uno de los graves desafíos contemporáneos: el reconocimiento y el respeto  del otro y de la diferencia. Aquí el desierto no es solo un telón de fondo lleno de potenciales peligros, es también una metáfora del aislamiento y la necesidad de supervivencia. Tafiti aprende lo que son la empatía, la tolerancia, la solidaridad y la confianza –en suma, la necesidad de entendernos-,  bases de una amistad sin fisuras que desafía el individualismo contemporáneo. Comprenderá que, para entendernos,  incluso para ser amigos, no estamos obligados a pensar todos exactamente lo mismo.

 

“Tafiti y sus amigos”, que a su manera explica de manera sencilla hasta qué punto  crecer es cuestión de ir tomando decisiones que significan elegir, aborda también las cuestiones de la herencia y el peso de las tradiciones.

  

 

 (1) Una serie de más de veinte cuentos, muy populares en Alemania, que narran las aventuras de esta curiosa y audaz suricata oriunda de Namibia. Cuentos que ayudan a los más pequeños a empezar a leer solos, y que recogiendo los conflictos propios de esa edad, sin aleccionar, enseñan la colaboración, el respeto, la igualdad y el valor de las diferencias. Todo ello sin olvidarse del humor, como comenta la directora: "Los niños quieren reír. A pesar de toda la tensión, a pesar del peligro, la risa es fundamental, especialmente en estos tiempos”.

 

(2) “Tafiti y sus amigos” –una buena manera de pasar la tarde en las próximas fiestas- estará disponible en la cartelera madrileña a partir del viernes 20 de marzo de 2026.

“La sonrisa del mal”, un cuento fantástico de iniciación y terror

 

“Se trata de una película de horror  folklórico que no reposa en maldiciones antiguas, sino en algo inquietante y moderno: una cultura tan aterrorizada por el dolor que prefiere la externalización emocional a la resiliencia emocional”.  (https://mulderville.net/)

 

Tercer largometraje del realizador italiano Paolo Strippoli (“A classic Horror Story”, “The Spiral”), “La sonrisa del mal” (“La valle dei sorrissi”), estrenada en los países de habla inglesa como “The Holy boy”,  es un inquietante thriller que mezcla drama psicológico y terror religioso que tiene como leit motiv central el dolor,  cuestionando la manera de librarse de él.  El elenco incluye a Michele Riondino (“El conde de Montecristo”), Romana Maggiora Vergano (“Siempre nos quedará mañana”), Roberto Citran (“Cónclave”) y Giulio Feltri en su debut cinematográfico como el adolescente Matteo.

Estrenada fuera de concurso en la Mostra de Venecia, donde recibió el Premio de la Federación Italiana de Cineclubs (FEDIC), que reconoce un alto nivel de calidad artística y sensibilidad temática. Participó también en el Festival Europeo de Cine Fantástico de Estrasburgo, donde consiguió el Mèlies de Plata a la Mejor película fantástica Europea y el Premio del Público.

Remis es un pequeño pueblo, “el más feliz de Italia,  escondido en un valle aislado entre las montañas. Sus habitantes son todos inusualmente felices. Parece el destino perfecto para el nuevo profesor de educación física, Sergio Rossetti, antiguo campeón de judo atormentado por un pasado misterioso del que intenta huir. Gracias al encuentro con Michela, la joven propietaria de la posada del pueblo, el profesor descubre que detrás de la aparente serenidad de todos los habitantes se esconde un inquietante ritual: una noche a la semana, los habitantes se reúnen para abrazar a Matteo Corbin, adolescente de quince años capaz de absorber el dolor de los demás: basta que los abrace para que empiecen a sentirse mejor. Una especie de “don” que explota el padre del chico.

Matteo es adorado por el pueblo, programado por su padre y presentado por el cura del pueblo  como alguien « a mitad de camino entre un ángel y una mercancía ». Su abrazo tiene el poder de calmar el dolor, un milagro para una población que no consigue olvidar la catástrofe ferroviaria del pasado. Pero Matteo no es solamente un sanador, es también un adolescente solitario y confuso que no entiende porque tiene una responsabilidad que no ha elegido y “empieza a plantearse cuestiones como el consentimiento, la dependencia y el precio de la adoración”. Cuando se encuentra con Sergio, lo que comienza como agradecimiento cuando le defiende de los compañeros que le acosan, acaba por convertirse en la conexión emocional de dos marginados, una especie de relación padre-hijo de sustitución. A medida que Sergio se recupera intenta salvar al chico de la locura de su comunidad, lo que despertará el lado más oscuro de aquel a quien todos llaman el ángel de Remis.

Combinación perfecta de traumas que atraviesan generaciones, cuentos de sectas y pueblo alpino aislado entre montañas, “La sonrisa del mal” (1) es una parábola melancólica, moralmente compleja, que habla del dolor del protagonista desde las primeras imágenes, cuando llega al Valle de las sonrisas (título original en italiano), y el trágico destino de un adolescente al que han robado la infancia. La suma de muchos pequeños detalles (vecinos que se espían, extrañas reacciones entre los alumnos de la escuela, grupo de mujeres que rezan mirando a una ventana…) consigue mantenernos en vilo asistiendo a una historia de  dolor, fe y decadencia escondidas tras la fachada sonriente de una extraña utopía que tiene el rostro del adolescente Matteo, aplaudida por la crítica internacional de los festivales como “una ambiciosa e innovadora película de terror italiana  que combina elementos de suspense psicológicos y sobrenaturales” (abusdecine.com).  

(1) “La sonrisa del mal” se estrena en los cines de Madrid el viernes 20 de marzo de 2026.

 

Oscar’s 2026 sin sorpresas: « Una batalla tras otra » y « Sinners » se han repartido los premios

 

En esta madrugada de lunes 16 de marzo de 2026 sin sorpresas, durante la 98 ceremonia de los premios Oscar –que vienen a ser como el premio de los premios concedidos en una gran mayoría de los países que hemos convenido en llamar  occidentales, y cada vez más territorios asiáticos junto a un par de africanos-, el escaso público que puede asistir a la gala en directo y los cientos de millones que la seguimos en pijama por televisión, hemos asistido a “un duelo histórico entre dos visiones del cine estadounidense” (Libération); de una parte “Sinners” (“Pecadores”) de Ryan Coogler, con el record histórico de dieciséis nominaciones, y de otra “Una batalla tras otra” de Paul Thomas Anderson, con trece nominaciones para un fresco sobre los actuales excesos de Estados Unidos en la lograda adaptación libre de la novela “Vinelands”, de Thomas Pynchon, que llegaba avalada por lo galardones conseguidos en los Golgen Globes, los BAFTA del cine británico y los Producers Guild Awards (PGA) –termómetros casi infalibles que avanzan el resultado de los Oscar-, con un Leonardo di Caprio en su mejor momento como protagonista, acompañado de una estrella en ascenso llamada Teyana Taylor. En resumen, dos blockbusters en liza.

Ya en la víspera, era ésta segunda  la película la preferida tanto por los distintos “gremios” que componen la ficha técnica de una película como por la crítica especializada, mientras unos y otros se disponían a asistir a una ceremonia  en Hollywood –que algunos han calificado de “doporífera”- con protección de “alta seguridad” porque no hay que olvidar que Estados Unidos está en guerra con Irán y el FBI temía que los drones “enemigos” sobrevolaran California.

Al final, “Una batalla tras otra” se ha llevado seis estatuillas bañadas en oro de 24 quilates, y “Sinners” cuatro. En la celebración posterior a la gala se han servido treinta kilos de caviar, 100 kilos de costillas de cerdo, decenas de kilos de trufas, salmón ahumado y pollo a discreción; de postre, los tradicionales Oscar de chocolate, elaborados por el chef francés Garry Lardionat, una tarta strudel de manzana, helados e “inmensas pirámides de macarons y madalenas coloreadas”, todo bañados con vinos, champagne, sake y tequila. (Existía la posibilidad de  optar por un menú vegetariano).

 

 

Palmarés Oscar’s 2026

 

Mejor película ; « Una batalla tras otra »

 

Mejor actriz ; Jessie Buckley por “Hamnet” 

Mejor actor: Michael B. Jordan por  “Sinners” 

Mejor actor secundario : Sean Penn Por “Una batalla tras otra” 

Mejo actriz secundaria :Amy Madigan por  « Évanouis »

 

Mejor realizador: Paul Thomas Anderson, por «Una batalla tras otra »

 

Mejor música: Ludwig Göransson  por “Sinners” 

 

Mejor decorado: Tamara Decerell por “Frankenstein”

 

Mejor guión original:  Ryan Coogler por “Sinners” 

 

Mejor guión adaptado: Paul Thomas Anderson por “Una batalla tras otra”

 

Mejor película internacional: “Valeur sentimental” de Joachim Trier.  

 

Mejor sonido: “F1”

 

Mejor casting. Cassandra Kulukundis por « Una batalla tras otra »

 

Mejor fotografía : Autumn Durald Arkapaw por « Sinners » 

 

Mjor vestuario: Kate Hawley por “Frankenstein”

 

Mejor montage: Andy Jurgensen por “Una batalla tras otra”

 

Mejor maquillage y peluquería: “Frankenstein”  

 

Mejor película de animación:  “KPop Demon Hunters »  de  Maggie Kang y Chris Appelhans

 

Mejores efectos visuales: “Avatar : De fuego y cenizas »

 

Mejor cortometraje de ficción: Ex aequo: «Dos personas intercambiando saliva” de Natalie Musteata y Alexandre Singh  y “The Singers” de Sam A. Davis 

 

Mejor cortometraje de animación: « La joven que lloraba perlas » de Maciek Szczerbowski y Chris Lavis

 

Mejor canción original: “EJAE y Mark Sonnenblick”

 

Mejor cortometraje documental: Joshua Seftel por “Todas las habitaciones vacías”

Mejor documental: “Mr. Nobody Against Putin” de  David Borenstein y Pavel Talankin

 

“América Hispana. El legado de las olas”, un viaje para revisar la conquista de América

“Las olas funcionan como metáfora del intercambio constante entre continentes: transporte de personas, mercancías, ideas y creencias” (Mundiario)

 

Un documental  de corte clásico –con entrevistas, voz en off y  reconstrucción histórica dramatizada- realizado por Javier Linares y Javier Linares Sabater, que recorre la historia de la conquista a través de la historia de Cartagena de Indias, una de las ciudades más fascinantes y decisivas del continente. .Un viaje al siglo XVI para revisar el descubrimiento de América, su proceso de evangelización y el impacto cultural europeo al otro lado del Atlántico. 

En 1942, tras ocho siglos de luchas, los Reyes Católicos logran la unificación de la mayoría de los reinos peninsulares y se lanzan la más ambiciosa aventura de la historia: el descubrimiento de un Nuevo Mundo. España pasará así a dominar durante tres siglos un vasto territorio de chamanes y caciques  que se extiende desde la Columbia Británica hasta la Tierra del Fuego, donde surgirá una sociedad más próspera que la existente en la propia Europa.

El documental “América Hispana. El legado de las olas” muestra, a través de Cartagena de Indias, cómo fue aquella empresa: el ansia de tesoros, los ataques de corsarios y piratas, las flotas de galeones y el trasiego de esclavos. Pocas ciudades en la América virreinal ofrecen un caso tan singular como el de Cartagena de Indias. Desde la presencia de los indígenas calamari hasta la fundación en 1533 por Pedro de Heredia –figura representativa del conquistador eficaz y símbolo de la lógica imperial-  y hasta la independencia de la ciudad, en 1811: fue el primer territorio que se independizó de la corona española.  

 

El narrador hace un recorrido cronológico de la historia de la ciudad, estructurado en seis capítulos, en los que entrevista a diversas personalidades que esclarecen los hechos. Entre ellas destacan Jorge Dávila-Pestana, presidente de la Academia de Historia de Cartagena de Indias o la historiadora española Elvira Roca, además de otros académicos, historiadores, estudiosos y especialistas como Alberto Samudio Trallero, Ximena Avilán Díaz, María Saavedra Inaraja  y Niko Roa Cilla.

Cartagena de Indias fue también el principal puerto negrero de la América española, al que llegaban los barcos cargados de “esclavos” africanos, el núcleo fundamental de una economía basada en la explotación humana.  Allí vivió Pedro Claver, «el apóstol de los esclavos», que entregó su vida en defensa de la población africana y se venera con categoría de santo.

También fue el escenario de figuras como Pedro de Heredia, arquetipo del conquistador español —ambicioso pero justo y valiente —, y  el inglés Francis Drake, el más célebre de los corsarios. Igualmente, Blas de Lezo, quien en combate singular despertó al almirante Vernon de su ambicioso sueño sobre las tierras hispanoamericanas. Por el documental desfilan estos y otros muchos personajes de la historia,  cuyos nombres se han perdido pero sin cuyo esfuerzo sería imposible conocer el inmenso legado que las olas dejaron en la América Hispana.

 

(1) “América Hispana. El legado de las olas” se estrena en Madrid este viernes 6 de marzo de 2026.

“A Magnificent Life”, homenaje animado al escritor y cineasta marsellés Marcel Pagnol

“Los viejos son como los chimpancés: saltan de rama en rama persiguiendo sus recuerdos”

 

 

“A Magnificent Life” es una historia real, un biopic homenaje al cineasta francés Marcel Pagnol (1895- 1974), que lideró el paso del teatro al cine sonoro, estrenado en el Festival de Cannes 2025. 

 

 Ambientada entre los años treinta y cincuenta, la narración nos descubre cómo un joven curioso de Marsella cultivó su pasión por la palabra, construyó un universo literario propio y se lanzó al cine con una visión profundamente humana y auténtica. En última instancia celebra el valor de la creatividad y el legado cultural de un hombre que contribuyó a construir un cine francés moderno.

 

“A Magnificent Life”, tercera película de animación dirigida por el cineasta francés Sylvain Chomet, (“Bienvenidos a Belleville”, “El ilusionista”, ganador de un Cesar y nominado cuatro veces a los Oscar), es una mirada personal que combina humor, melancolía y una gran sensibilidad visual, las mejores virtudes de un cineasta de estilo inconfundible “capaz de  transformar biografías y emociones en cine de animación adulto, elegante y profundamente cinematográfico”. El actor Laurent Lafitte presta su voz  al escritor y cineasta marsellés, fallecido en 1974, que había nacido en 1895, el mismo año que los hermanos Lumière inventaron el cinematógrafo.

 

“A Masgnificent Life” es el producto de ocho años de trabajo que Sylvain Chomet –realizador, dibujante y guionista-  explica como “Una experiencia magnífica, pero muy dura”, y que Nicolas Pagnol, nieto del escritor, define como “una oda a la libertad, la poesía y la amistad”. Está inspirada en textos originales y otros « inventados » por el realizador, que ha intentado « escribir diálogos al estilo Pagnol”.  

 

La película ofrece un viaje íntimo y poético a través de la vida y los recuerdos de Marcel Pagnol - la infancia en Marsella, el descubrimiento de la palabra escrita, el amor por su tierra natal y el paso decisivo del teatro al cine-, entre evocación y realidad para crear un mundo lleno de detalles, en el que se mueven personajes exagerados y caricaturizados. Escritor, dramaturgo y cineasta, Pagnol, quien, de niño, había prometido a su madre – a la que dedicó sus primeros poemas, fallecida cuando él tenía 15 años-  que un día “brillaría en el firmamento”, fue un pionero en la transición del teatro al cine sonoro y un narrador excepcional de historias profundamente humanas, enraizadas en la Provenza y en la memoria colectiva. Entre 1931 y 1954 Pagnol realizó y produjo más de una veintena de películas.

A Magnificent Life” (1) es un homenaje –salpicado de humor y poesía-  al poder de la imaginación, a la memoria como materia viva y al arte de contar historias. Un paseo por el destino de un autor popular, al principio ignorando por la intelectualidad parisina y después aclamado por los mismos que lo negaban. Una experiencia cinematográfica delicada y emotiva que celebra el legado de un creador cuya obra sigue inspirando generaciones.

Estamos en 1956. La redactora jefe de una revista femenina le encarga a Marcel Pagnol, ya anciano, que escriba un relato en el que cuente su infancia, su tierra y sus amores. Mientras intenta escribirlo se le aparece Marcel, el niño que fue hace tiempo, que es como su voz interior y va a ayudarle a reunir sus recuerdos, que van apareciendo poco a poco: la llegada del cine sonoro, el primer gran estudio de cine, su relación con los actores, el hecho de escribir…Marcel Pagnol se convierte en el protagonista de su propia historia que acaba siendo una película de animación en la que reviven actores, como Fernandel, Raimu  y otros que forman parte de la historia del teatro, el cine y la cultura francesa, al tiempo que sigue la evolución de la industria del cine en los primeros años del siglo veinte.

 

La película ha tenido un destacado recorrido internacional y ha sido presentada en importantes festivales de cine y animación, entre ellos el Festival Internacional de Cine de Animación de Annecy, una de las citas más prestigiosas del sector a nivel mundial. En España, se presentó en el Festival de Sevilla, dentro de su programación dedicada al cine europeo, y posteriormente en Animario Madrid.

 

(1) “A Magnificent Life” se estrena este viernes, 6 de marzo de 2026, en Cinesa Manoteras, Mk2 Cine Paz y Mk2 Palacio de Hielo

“El último vikingo”: humor negro y transgresión en una historia de Anders Thomas Jensen,

“Nadie es una sola cosa”

“El último vikingo” (Den sidste viking) es una divertida y desconcertante  historia, bastante sombría en el aspecto psicológico, que oscila entre comedia negra y drama, sexto largometraje del guionista y realizador danés  Anders Thomas Jensen (“Los carniceros verdes”, ”Adam's Apples”, “Jinetes de la Justicia”), uno de los maestros del cine nórdico, un cineasta que juega con los géneros y que ha conseguido crear un universo propio a base de humor negro y transgresión, “reconocido por su sentido de lo inquietantemente extraño y sus historias centradas en personajes sospechosos” (Cineuropa), con frecuencia criminales, siempre sobre el fondo de una Escandinavia pintoresca que nos atrapa. Hay algo inasible en esa mezcla tan ajena de comedia, tragedia y absurdo, en esa manera tan particular de encarar la vida y hablar de ella.

En “El último vikingo” Anders Thomas Jensen reincide con sus intérpretes de cabecera, Mads Mikkelsen (“Otra ronda”) y Nikolaj Lie Kaas (“Frankenstein”): una alianza creativa con un humor muy especial, que ha dado reputación al trío y que, según el propio director, permite “ir más lejos” con los personajes y el tono, porque se apoya en relaciones de trabajo consolidadas y en la confianza para arriesgar con propuestas tan radicales como emotivas. Esa complicidad se traduce en interpretaciones que sostienen el equilibrio entre la comedia más incómoda y la emoción más directa, construyendo una fábula contemporánea sobre la identidad y las realidades que nos inventamos para sobrevivir.

Sin duda, los mejor de la película es la interpretación de los dos actores, a los que se suman, entre otros, Sofie Gråbøl, Søren Malling, Bodil Jørgensen, Lars Brygmann y Nicolas Bro, configurando  un conjunto coral de personajes excéntricos y profundamente humanos, protagonistas de una fábula de extraños personajes que nos hablan de aceptación, de redención y de amor al otro, por despreciable que pueda parecer.

Todo empieza cuando el atracador Anker sale de la cárcel, donde ha pasado quince años, y quiere recuperar el botín de más de veinte millones de coronas que su hermano Manfred tenía que encargarse de enterrar en lo que fue la casa de sus padres, el lugar en el que habían crecido, y acumulado traumas, un montón de hermanos con un padre violento. El problema es que Manfred, que se siente muy vikingo,  padece una alteración de identidad, cree que es John Lennon, solo responde al nombre de John y parece haber olvidado completamente donde está el dinero que su hermano le reclama.

De la casa de su infancia, que ahora es un alquiler Airbnb y tiene muy malos recuerdos para Manfred, se ocupa una pareja disfuncional: Margrethe cree que es modelo porque una vez hizo un anuncio de manos, y Werner lleva años frente a un ordenador intentando escribir un cuento para niños. A la reunión se suman Lothar,  un psiquiatra que, para ayudar a Manfred,  quiere reunir a los  “Beatles” a base de  otros pacientes que tienen trastornos de personalidad: uno de ellos se cree Ringo y otro es alternativamente Paul y George (y a veces Björn, de ABBA).

Mientras Anker intenta desesperadamente  que Manfred le diga donde está enterrado el dinero, los falsos Beatles hacen una primera actuación, y para completar el cuadro aparecen la hermana que se ha ocupado de Manfred y  el antiguo cómplice de Anker, un tipo brutal que también quiere el dinero.

Desde hace cuarenta años, el realizador Anders Thomas Jensen es uno de los grandes del cine danés contemporáneo, más conocido por sus trabajos de guionista. Con “El último vikingo” (1), presentado en la Mostra de Venecia 2025, nos introduce en una comedia en cierto modo costumbrista, una historia de personajes que transitan por los límites de la “normalidad”.

(1) “El último vikingo” se estrena en Madrid este viernes 6 de marzo de 2026.