“Maracuda” crecer en la prehistoria

 

 

“¡Bienvenidos al paleolítico! (con alguna que otra licencia, es lo que tiene la magia...) La tribu está en plena migración. Son cazadores - recolectores y las tres reglas son: no te metas en la boca todo lo que encuentres, aprende a hacer nudos y no dejes que la hoguera se apague en ningún momento. Nos encontramos en el hogar de Maracuda”.     “Maracuda” (“The Myth of Maracuda”), la película de animación infantil (y también para el niño que acompaña, escondido, a los adultos) dirigida por el cineasta ruso Viktor Giukhushin (“Nutcracker and the magic flute”, “Mi querido monstruo”), a partir de un guión firmado por el también productor Aleksandr Arkhipov –ganadora del premio a la Mejor Animación en el Silk Road Film Festival de China- nos cuenta el largo viaje hacia la madurez de un  joven prehistórico.   “Maracuda” es una reflexión “sobre la identidad y la búsqueda de un lugar en el mundo”, y anima a acercar a las distintas generaciones, estrechando lazos entre padres e hijos. “Maracuda” es una hora y media de película, aderezada con magia y un poquito de ciencia ficción,  en torno a situaciones banales protagonizadas por  padres e hijos, con sus correspondientes dosis de humor, aciertos y desilusiones.   Maracuda, hijo de un respetado jefe tribal en un momento en que el ecosistema se ve amenazado, Tendría que convertirse en un guerrero pero como no sabe cazar no consigue estar a la altura de las expectativas de su padre. Cuando se aventura solo en un bosque misterioso se encuentra con Tink, un pájaro extraterrestre mágico y sagrado que le otorga el don de entender el lenguaje de los animales.  Juntos vivirán aventuras increíbles en una selva de la edad de piedra, poblada por ardillas de puntiagudos dientes, adorables suricatos y hasta dinosaurios   A lo largo de sus aventuras, Tink acaba transformando involuntariamente al padre de Maracunda en una criatura minúscula que se esconde en el corazón de una manzana. Enfrentado a los desafíos de un mundo desconocido “Maracuda” (1) –en el viaje iniciático que acaba compartiendo con su padre-  aprende lo que es la responsabilidad, mientras el adulto va ganando en comprensión

 

 (1) “Maracuda” estará en los cines de Madrid a partir del próximo viernes 24 de abril de 2026.

« Turno de noche », comedia de horror de Jonny Campbell sobre un hongo zombie

« Una mezcla no siempre lograda de horror, acción y humor. »

 

“Turno de noche”, adaptación cinematográfica de la novela de David Koepp- guionista de “Parque Jurásico”, “Misión imposible”, “La guerra de los mundos” o “Spider Man” entre otras muchas-  que en España se ha publicado con el título “Bajo cero”, es también su debut en la producción y dirección cinematográfica junto a Jonny Campbell (“Autopsia de un Extraterrestre”).

La actriz británica Georgina Campbell (“El Rey Arthur: la leyenda de Excalibur”, “Bird Box”, conocida por su papel en la serie “After Hours”), el músico y actor estadounidense Joe Keery (“Spree”, “Free Guy”) y el famoso actor irlandés Liam Neeson (“La lista de Schindler”, “Taken I,II y III”, “Love Actually”, “Blacklight”) encabezan el reparto de una aventura salvaje y aterradora sobre tres desconocidos que deben trabajar juntos para contener un parásito altamente contagioso y mortal que las autoridades pensaban que se había extinguido. A destacar el cameo de la actriz británica Vanessa Redgrave, con 89 años cumplidos impresionante como siempre.  

Treinta y dos años atrás,  Robert Diaz (Liam Neeson, en otros países se apellida Quinn), un agente científico que formaba parte de un equipo secreto del Pentágono, viajó al desierto australiano para investigar un posible ataque bioquímico. Lo que encontró era mucho peor: un hongo con capacidad para mutar con un poder destructor epidémico. Entonces se las arregló para contenerlo en una cámara de frío subterránea, en el interior de unas instalaciones militares altamente protegidas.

Ahora, el gobierno ha desmantelado esas instalaciones y las ha vendido a una empresa de almacenamiento que ha convertido el complejo en una serie de trasteros. El cambio climático y el nuevo destino del edificio han despertado al organismo, olvidado durante décadas, que parece haber encontrado una salida y está mutando más rápido que nunca. Diaz, ya jubilado, tiene que incorporarse de urgencia para ayudar a dos vigilantes nocturnos encargados de la seguridad del hangar de almacenamiento, héroes involuntarios: un exconvicto y una madre soltera que intentan recomponer sus vidas.  Diaz sabe perfectamente lo que está en juego, y sus dos nuevos compañeros irán aprendiendo sobre la marcha, enfrentando cara a cara los espantosos efectos del organismo. El objetivo, una vez más, parece simple: acabar con el horror que transforma a cualquier criatura viva –mosquito, gato, ciervo o humano- en un zombie que después explota para contribuir a su propagación,  y salvar a toda la humanidad.

Es siempre estimulante asistir al desarrollo de cualquier guión en el que miden sus fuerzas actores de dos generaciones distantes. Liam Neeson, al que en los últimos años hemos visto en papeles de mafioso albanés o de secuestrador reincidente, se presta sin complejos, con la misma intensidad y con su voz “grave y autoritaria” al personaje de “Turno de noche” (1),  la historia de serie B que combina humor, horror y gore, una comedia desigual con efectos especiales de bajo coste, mucha hemoglobina, y un guión con altos y bajos como una grotesca montaña rusa.

(1) “Turno de noche” estará en los cines de Madrid el miércoles 22 de abril de 2026.

 

“Renoir” de Chie Hayakawa: la infancia en el Japón de los años ‘80

 “Renoir” (Runowaru), escrita y dirigida por Chie Hayakawa (“Bird”, “Niágara”, “Ten Years Japan”, “Plan 75”), , estrenada en el Festival de Cannes 2025, llega a los cines españoles tras un recorrido por los festivales internacionales de  Toronto International Film Festival (TIFF), Karlovy Vary, Chicago, Vancouver, Asia Pacific Screen Awards (donde consiguió los premios al Mejor Guión y la mejor Actriz Novel ), Melbourne, Busan, Sarajevo, Rio de Janeiro, Warsaw, Shanghai, New Horizons y Bangkok. 

Reflexión sobre la infancia, la enfermedad y la muerte, Fuki, una pequeña de 11 años con una imaginación desbordante y una sensibilidad especial,  que  vive entre un padre hospitalizado que lucha contra un cáncer y una madre sobrecargada y ausente que sostiene el hogar, empieza las vacaciones de verano entre momentos de soledad, extraños rituales que se inventa y recuerdos de infancia, en un intento por entrar en contacto con los vivos, los muertos e incluso ella misma  Entre juegos, fantasías y pequeños descubrimientos, emprende un viaje íntimo y luminoso para comprender la realidad cambiante que se despliega ante ella.

 

“Renoir” es una delicada película impresionista sobre la adolescencia y el duelo. Envuelta en una especie de aura melancólica que roza lo fantástico, “Renoir”  es un drama que nos habla de la pérdida de la inocencia a través de Fuki, interpretada por  Yui Sizuki, una niña de 11 años melancólica y solitaria que, en el Japón de 1987 –justamente el año que la realizadora cumplió la misma edad que la protagonista-   se ve confrontada a la muerte de su padre, a consecuencia de un cáncer que le había obligado a permanecer muchos meses en el hospital. Fuki se refugia en un mundo imaginario y optimista, inventando momentos que le hagan olvidar la indiferencia de los adultos con los que querría poder relacionarse. Junto a ella, el conocido actor japonés Lily Franky y la veterana actriz Hikari Ishida, en el papel de la madre desbordada.

Al situar la historia en el final de los años 1980, la realizadora ha querido no solo plasmar sus recuerdos de infancia sino dejar constancia de que en aquellos años en Japón, en pleno desarrollo económico fue también el momento “en que se impuso el modelo de familia nuclear y las relaciones humanas se volvieron más superficiales. Fue un momento en que todos sentíamos un difuso sentimiento de vacío “.

 

Abordando de manera clásica la crónica de una infancia, con escenas breves y entrecortadas, “Renoir” (1),  en cierta manera autobiográfica sobre la existencia de una soñadora estudiante de primaria, es como una selección de momentos seleccionados: el pastel en casa de una compañera, el fuego de campamento durante el verano, una tarde en el hipódromo acompañada de su padre en uno de los momentos que sale del hospital, la tarde en que una vecina se finge hipnotizada y recuerda el episodio de la muerte de su marido que cayó desde la terraza …todo como fragmentos de un puzle que compone la colección de recuerdos de una infancia.

 

(1) “Renoir” se estrena en la cartelera madrileña el viernes 17 de abril de 2026.

 

 

“La habitación de Mariana”, un relato intimista y emotivo sobre la Segunda Guerra mundial en Ucrania

 

Una historia del pasado que dialoga con el presente

 

 

Ambientada en la Ucrania de 1942 ocupada por los nazis, el multipremiado director Emmanuel Finkiel (“Los europeos”, “Nulle part, terre promise”, “La douleur”, “Impossible”) relata en “La habitación de Mariana” 8”La chambre de Mariana”) toda la tragedia del Holocausto a través de los ojos de un niño judío  al que una prostituta esconde en el armario de un burdel.   “Es el cuerpo, no la memoria, el que almacena los recuerdos de la infancia”. Con esta especie de mantra impregnándolo todo, “La habitación de Mariana” traslada a la gran pantalla, rodada en ucraniano,  la historia escrita por el novelista Aharon Appelfeld en su best seller Flores de sombra, un relato impactante y conmovedor que se inspira en buena parte en sus propias  vivencias de la infancia como superviviente del Holocausto, escondido en los bosques del territorio de la actual Ucrania.  La actriz Mélanie Thierry (“Un  día perfecto”, “Babylon AD, “Un hombre decente”, “Marguerite Duras.París 1944”) realiza un espléndido trabajo metida en la piel de Mariana, la prostituta que sortea el horror de la guerra en un burdel de la ciudad de Chernivtsí, al suroeste de la actual Ucrania. Allí tendrá que cobijar y proteger a Hugo, el hijo de sus amigos, la pareja de farmacéuticos que han huido de los alemanes. La crítica internacional ha reconocido en Mélanie Thierry un trabajo "descarnado, impresionante y de una humanidad salvaje". 1942. En la Ucrania soviética Hugo tiene 12 años cuando el nazismo invade su tierra. Para salvarlo de la deportación, su madre lo confía a su amiga de la infancia, Mariana, una prostituta que vive en un burdel en las afueras de la ciudad. Escondido en el armario de la habitación de Mariana, toda su existencia está pendiente de los ruidos que lo rodean y de las escenas que adivina a través de la puerta del  armario. Mientras la guerra continúa fuera, Hugo y Mariana forjan un vínculo íntimo y complejo de amor, lealtad y devoción mutua, que cambiará sus vidas para siempre.   El director  Emmanuel Finkiel admite que "el libro de Appelfeld toca temas que son muy personales, vinculados a mi propia historia familiar. Mariana es una especie de representación simbólica de la niñera que me crió, pero fue mientras trabajaba en la adaptación cuando poco a poco el personaje central de la novela, el joven Hugo (interpretado por el actor novel Artem Kyryk) , se fue asemejando a mi propio padre, un adolescente que se quedó huérfano tras la guerra y marcado para siempre. De repente, para aquel niño surge un sol en la figura de Mariana. Appelfeld convierte a este personaje en la encarnación misma de la posibilidad de la voluntad de vivir. Y eso es precisamente lo que impulsó mi deseo de hacer esta película,  ese don que Mariana le lega al niño, la voluntad de seguir viviendo. Una vía de escape mental". Sensible y con la guerra, un tema universal y terriblemente actual como argumento, “La habitación de Mariana” (1) es una película de aprendizaje, del paso obligado de la adolescencia a la madurez precoz de un niño de 12 años que va intuyendo de que va la vida contemplando por una rendija el comportamiento de  los clientes –soldados alemanes-  que acuden a beber, divertirse y mantener relaciones sexuales  con Mariana.

 

 

(1) “La habitación de Mariana” llega a las pantallas madrileñas este viernes 17 de abril de 2026.

“Un poeta”, tragicomedia en cuatro actos con mucho humor

“Medio tonto, medio torpe, mal poeta…un problema ambulante”

 

“Un poeta”, tragicomedia con mucho humor negro del colombiano Simón Mesa Soto (“Amparo”, Palma de Oro en Cannes 2914  por el cortometraje “Leidi”)), consiguió el Premio Especial del Jurado en la sección Un certain regard del Festival de Cannes 2025. También   ha concursado en los Festivales de San Sebastián y Munich y ha conseguido cuatro premios en el reciente Festival de Lima, Perú.

Ambientada en Medellín y rodada en película de 16 mm, “Un Poeta” retrata en tono de comedia social la vida de Óscar Restrepo, un autor que tiempo atrás publicó dos libros, que no le dieron la gloria que esperaba encontrar en la poesía, y que ahora –en la cuarentena, divorciado, padre de una chica que no quiere verle y viviendo en casa de  su madre- ha perdido el gusto por la vida, y también por la escritura, aunque mantiene un cierto idealismo artístico, desmejorado por el paso de los años.

Alcohólico y agrio, frustrado, melancólico y errático intenta una forma de redención personal al conocer a Yurday, la adolescente de origen humilde con talento en la escritura de poesía y prosa poética que, junto a sus dibujos, llenan el cuaderno que le acompaña siempre.  

Dos actores no profesionales, Ubeimar Ríos, profesor de filosofía en la vida real y con un aspecto perpetuo de perro apaleado, y Rebeca Andrade, dan vida a la pareja que protagoniza esta nueva versión de la fábula griega de Pigmalión y Galatea: con la mejor de las intenciones, ni seductor ni tampoco muy espabilado, el maestro intenta arrastrar  a la estudiante dotada al Olympo de los elegidos –y de paso intentar dar un sentido a su vida recobrando la estima de su hija- cuando la chica solo aspira a ser feliz, convertida en manicura junto a su numerosísima familia.

 “Un poeta” explora la compleja relación que se crea entre el mentor fallido y la desinteresada adolescente y, solo en última instancia, repasa la mirada de todos los que la han presenciado, desde los organizadores del concurso de poesía siempre a la búsqueda de valores nuevos, hasta las familias de ambos: la hermana del poeta no pierde ocasión de recordarle que cuando se muera la madre tendrá que trabajar necesariamente, mientras que el mundo que gira en torno a la abuela de la chica oscila de la indolencia a la utilidad, cuando piensa que “el don” de la niña podría representar una fuente de ingresos.

 “(…) una de la cualidades de la película reside en la opción del cineasta colombiano de desdramatizar con humor las relaciones fuerza (artistas/burgueses blancos versus pueblo racializado (1) y la violencia capitalista ( todos los problemas, más temprano o más tarde, se reducen al dinero; todo se puede comprar, incluso el silencio (…) La película es también una crónica perturbadora del contexto social en Colombia, donde algunos se pueden permitir hacerse los autores incomprendidos, mientras que otros tienen que abandonar sus quimeras para ocuparse de las necesidades de su familia” (www.critikat.com).

Más allá del retrato de un pobre desgraciado que persigue el éxito literario, “Un poeta” (2), comedia dramática protagonizada por un irritante antihéroe, es también una reflexión sutil sobre el carácter anacrónico de algunos sueños, improcedentes en este momento, aquí y ahora, entre los que sin duda se encuentra la aspiración de vivir de la poesía,  

 

(1) El término subraya que la raza es una construcción social, no biológica, usada para justificar desigualdades. 

(2) “Un poeta” se estrena en los cines de Madrid el viernes 17 de abril de 2026

“La buena hija”, el drama de los hijos en las separaciones

“La buena hija’ nace de ese instante en que decidimos dejar de mirar hacia otro lado” (Julia de Paz)

“La buena hija”,  segundo largometraje de Julia Paz (“Ama”),  basado en desarrollo de su  cortometraje “Harta” –Premio Gaudí y Premio del Público en el Festival de Málaga- , trata la violencia en la familia, la violencia machista exactamente, y la extrema sensibilidad con la que los menores pueden verse afectados cuando el entorno se vuelve desigual, poniendo el acento en sus emociones, su confusión y en su capacidad para encontrar la luz en los momentos difíciles.

La película, un drama familiar que ha participado en la Sección Oficial del Festival Black Nights de Tallinn (Estonia), donde ganó el Gran Premio del jurado a la  Mejor Película en Selección Oficial; así como el Premio del Público y el galardón de Mejor Actriz para su protagonista, Kiara Arancibia,en el papel de la adolescente Carmela.  Le acompañan en el reparto Julián Villagrán (“Tratamos demasiado bien a las mujeres”), Janet Novas (“O corno”) y Petra Martínez (“La vida era eso”).

Tras la separación de sus padres, Carmela y su madre se trasladan  a casa de su abuela. Mientras trata de adaptarse a su nueva situación, Carmela –que anhela pasar más tiempo en casa de su padre, un artista plástico a quien admira e idolatra- acude con su madre a un centro de encuentro, donde le facilitan, al tiempo que controlan, los encuentros con su progenitor. La sombra de este llevará a las tres generaciones de mujeres de la familia a decidir el futuro que merecen.

“La historia de “La buena hija” (1) comienza –ha explicado Julia de Paz en una entrevista- porque una de mis mejores amigas trabajaba en un punto de encuentro familiar. A partir de ahí, con Nuria Dunjó (coautora de la película), empezamos a ir a puntos de encuentro y a entrevistar a mujeres víctimas de violencia machista. La mayoría compartían un sentimiento de miedo por sus hijos, a los que no se consideraba víctimas porque sobre ellos no se ejercía violencia física, y la psicológica no se tenía en cuenta (…) También nos entrevistamos en una cárcel catalana con presos que estaban allí por violencia machista”.

 

(1) “La buena hija” se estrena en Madris este viernes 10 de abril de 2026.

 

“Calle Málaga”: Carmen Maura en una oda a la libertad de los mayores

Me parece importante comentar que en unas advertencias escritas, que aparecen en la pantalla como prólogo a la película “Calle Málaga”, se lee algo así como que en 1930 llegaron a

Tánger “cientos de españoles que se refugiaron allí para huir de Franco”, y recordar –por si hay quien no lo sepa- que el franquismo fue un régimen dictatorial, fascista y asesino que empezó casi una década más tarde, en 1939, cuando “los nacionales” pusieron fin a la guerra civil que desencadenó su golpe de estado de 1936, dando paso a un tiempo de censura, persecuciones, detenciones, torturas y asesinatos, que se prolongó durante los treinta y cinco años siguientes.

Y ahora vamos con “Calle Málaga”, una buena película dirigida por la cineasta hispano-marroquí Maryam Touzani (“El caftán azul”, “Adam”) que protagonizan Carmen Maura y Marta Etura, y llega a las pantallas tras ganar el Premio del Público en los festivales de Venecia, Denver y Mar del Plata. En este último festival argentino consiguió también los Premios a la Mejor Película y a la Mejor Actriz para Carmen Maura.

Maria Angeles es una española de 79 años que vive en Tánger desde siempre, sola desde la muerte de su marido y el traslado de su hija Clara, enfermera, a Madrid. Su tranquila vida está hecha de amistades del barrio, visitas a la tumba de su marido, confidencias con Sor Josefa, una monja amiga, y plácidas siestas en la mecedora escuchando sus discos de vinilo.  Una vida que se ve brutalmente interrumpida por la llegada de su hija que tiene serios problemas económicos y ha decidido vender el piso, que figura a su nombre, y llevarse a su madre a vivir con ella en España.

Tras una resistencia numantina, Maria Angeles accede a los deseos de su hija aunque se niega a marcharse de Tánger, vende todos sus muebles a un anticuario, regala la paella a su vecina y accede a ingresar en una residencia para mayores. Pero no lo soporta, de forma que se marcha y regresa a su casa, donde empieza a vivir como un fantasma, escondiéndose cada vez que la visitan posibles compradores.

 Una vez más Carmen Maura demuestra que es una de las mejores –si no la mejor- de las actrices españolas. En “Calle Málaga” es una mujer divertida y  libre que decide lo que quiere hacer con su vida y rechaza cualquier injerencia, aunque se trate de su hija y parezca que le preocupa lo que pueda ocurrirle. Es una mujer capaz de hacerse un lugar en el mundo, a despecho de lo que pueda sucederle, de apreciar las cosas que le pertenecen y de estar dispuesta a luchar para recuperarlas.

 

 “Calle Málaga” (1) es naturalmente una película sobre la vejez y la forma en que la tratamos en las sociedades occidentales. Al contrario que otras historias donde las personas mayores tienen papeles poco gratificantes, la mujer de “Calle Málaga” es una auténtica protagonista, a la que se ha encomendado un papel lleno de humor  y humanidad, que se niega a ignorar que también hay un espacio –sí, a pesar de la edad- para el  amor y la sexualidad.

 

 Entre comedia familiar, drama vitalista y oda a la vida, Carmen Maura es una vez más una excelente actriz en la interpretación de esta mujer mayor que se niega a renunciar a una vida de recuerdos y tampoco quiere resignarse a prescindir de un futuro.  

 

(1) « Calle Málaga » se estrena en Madrid este miércoles 1 de abril de 2026.