“La invitación”, el amor en tiempos de impostura sentimental

“Deberíamos estar siempre enamorados”  (Oscar Wilde)

“Esa es la razón por la que no deberíamos casarnos nunca” (Olivia Wilde).

 

 

Algunos apellidos parecen tener un peso decisivo en la peripecia vital de quienes los llevan. Si pensamos que durante el rodaje de la película “La invitación” su directora, Olivia Wilde, acababa de pasar por una ruptura sentimental, quizá podamos entender mejor el estado de ánimo -preconizado- con que pudo enfrentarse al tercer largometraje de su trayectoria profesional.   Vista recientemente en el Festival de San Sebastián, tras su exhibición en los de Sundance y Locarno, “La invitación” (“The invite”), dirigida e interpretada por Olivia Wilde (“Super empollonas”, “No te preocupes, querida”) es una comedia dramática negra que aborda algunos problemas de pareja “aparentemente superficiales”, una historia íntima bastante incómoda que ocurre a lo largo de una noche durante una cena entre vecinos, situación propicia para que afloren secretos celosamente guardados.   Una comedia “cínica, sexy y… divertida » (Kevin Laforest, cinoche.com) con el que la realizadora estadounidense regresa al festival donostiarra, una situación dramática incómoda y muy teatral, para la que ha contado con los actores Seth Rogen (“The Stdio”, “Virgen a los 40”), Penélope Cruz (“Volver”, “Vicky, Cristina, Barcelona”), Edward Norton (El club de la lucha”, “American History X”) y la propia Olivia Wilde.  Cuatro intérpretes que han puesto a prueba su registro para la comedia dramática (algo que parece imposible para casi todo, pero no para el cine, en las películas no hay nada imposible).   En San Francisco, el matrimonio de Joe y Angela atraviesa una situación muy delicada. Cuando invitan a cenar a Pina y Hawk, los enigmáticos vecinos del piso de arriba a los que escuchan hacer el amor con frecuencia, la noche se transforma en algo inesperado, completamente distinto de lo habitual en situaciones parecidas.   El profesor de música Joe  -un tipo depresivo que en otro tiempo tocaba en un grupo de rock-  regresa del trabajo y se entera de que su hija duerme esa noche en casa de una amiga. Ángela, su esposa –una mujer con poca confianza en sí misma y siempre pendiente de “caer bien”- está preparando una cena especial para agasajar a los vecinos, a quienes no conocen. Ninguno de los dos se siente cómodo durante la velada.   Oficialmente, la cena es una manera de excusarse por los ruidos que han podido molestarles,  causados por  las obras de renovación efectuadas en el apartamento recién heredado. En este punto, Joe menciona que los vecinos – Pina y Hawk, una psicoterapeuta y sexóloga y un bombero jubilado- también hacen mucho ruido, sobre todo por la noche, cuando copulan  “como monstruos”.   Mientras que los anfitriones son una pareja snob siempre  incómoda y manteniendo la distancia de las apariencias, los vecinos en cambio son dos personas relajadas, libres, bastante excéntricas y naturales.   Escrita por los guionistas Will McCormack y Rashida Jones, adaptación en inglés de la película española “Sentimental” de Cesc Gay  -adaptación a su vez de la obra teatral “Los vecinos de arriba”-,  en “La invitación” manda una pareja moderna, muy cínica y también divertida. Toda la historia transcurre prácticamente en un único lugar, el apartamento de Joe y Angela, y en el transcurso de una noche. El rodaje se hizo casi en tiempo real. Los cuatro personajes, todos presionados cada cual a su manera, podrían perfectamente encontrar acomodo en una de las historias clásicas de Woody Allen.    La tensión entre las dos parejas oscila de la competición a la admiración. Desde el principio intuimos que la cena saldrá mal, que la reunión va a adquirir un carácter forzado y que los cuatro personajes pasarán por diferentes momentos, muchos de los cuales acusarán esa misma incomodidad que siente el espectador en su butaca.   “La invitación” es una refrescante historia, a veces una pesadilla,  sobre personas y personajes, sobre las frustraciones de pareja y las divergencias,  sobre el afecto  y el sexo, el paso del tiempo y lo que dura el amor.

(1) “La invitación” se estrena en los cines de Madrid el viernes 16 de septiembre de 2026.

 

 

 

“Nightborn”: la maternidad vivida como una pesadilla

"Una eficaz mezcla de mitología finlandesa y terror cronenbergiano (1). Una historia tensa y accesible en la que los bebés pueden realmente ser pequeños monstruos”. (Catherie Bray, Variety)

 

 

Premiada como Mejor Película en el Fantasía Festival de Montreal, Canadá, “Nightborn”, dirigida por la finlandesa Hannah Bergholm (“Ego”), es una fábula visceral sobre la maternidad y el amor incondicional. Una provocadora combinación de terror folclórico y humor negro, “tan perturbadora como visualmente deslumbrante”, ha pasado por el Festival Internacional de Cine de Berlín (Berlinale) 2025, y estos días compite en el Festival de Sitges, primera muestra de cine fantástico y de terror del mundo, que se celebra del 8 al 18 de octubre en esa localidad catalana. .

 

En 2022, Hanna Bergholm cosechó unos cuantos premios en festivales por su primer largometraje, “Ego”,  pesadilla finlandesa sobre el paso de la niñez a la adolescencia,  y sobre la relación de una adolescente de doce años con una criatura extraña salida de un huevo.  En “Nightborn”,  sin salirse del horror fantástico que parece ser su marca de fábrica, “sobre el telón de fondo de los bosques y los mitos finlandeses, explora los meandros del post parto” (Lison Chambe, France Televisions).

Interpretada por Seidi Haarla (“Compartiment nº 6”) y Rupert Grint (“El gabinete de curiosidades de Guillermo del Toro”, “Knock at the Cabin”),  el Ron Wesley de la saga de Harry Potter, “Nightborn” cuenta que Jon y Saga son un matrimonio que se traslada de Londres a Finlandia con intención de, una vez acondicionada, llevar una vida tranquila  en la casa donde ella pasó gran parte de su infancia, una antigua edificación en madera que cruje en pleno corazón de un espeso bosque, donde esperan la llegada del primer hijo de la pareja.

El nacimiento del niño no convence a Saga, que lo encuentra inexplicable y repulsivo, que parece gruñir en lugar de llorar, tiene la espalda cubierta de pelos y, en lugar de mamar, le muerde los pezones hasta que sangran. Mientras Jon no parece notar  nada raro, Saga -para quien está claro que no se trata de un bebé normal- cree que pudiera ser un ente maléfico (quizá enviado por los espíritus del bosque), que le produce sensaciones alternas de amor, fascinación y miedo.

La infancia, la pareja, y la maternidad, son temas que se repiten en las modernas películas de horror, seguramente porque forman parte de  las cuestiones que angustian hoy al hombre, y a la mujer, contemporáneos.

Hanna Bergholm incorpora la fantasía a esta película de terror, cuyo argumento gira de  principio a fin, en torno a ese bebé que la pareja entiende de manera diversa, y que parece ser casi una consecuencia lógica del ambiente que existe en la vieja mansión que el bosque parece tragarse, completamente alejada del mundo exterior y sin más conexión con ese mundo que el viaje en coche que cada día efectúa Jon hacia  su trabajo, del que no sabemos nada: ni de qué se trata, ni donde tiene lugar.

Mientras, la joven madre permanece aislada sin conseguir establecer ningún tipo de relación afectiva con el niño, cuyo desarrollo contempla y  estudia con la misma perplejidad que le causaría tener delante un animalito recién llegado a la vida, al tiempo que intenta no someterse a  la presión social que en la actualidad soportan las madres jóvenes, en este caso ejercida por la familia –madre, hermana, sobrina- y algunas antiguas amistades recuperadas.

Según el productor Daniel Kuitunen  “Nightborn” (2) ofrece un marco fascinante para abordar las complejas emociones y experiencias de la maternidad.. Hanna Bergholm (…) realiza un trabajo magnífico narrando la metamorfosis psicológica a través del cambio físico y, al hacerlo, permite que el espectador se sumerja profundamente en el inconsciente de la protagonista.

Muestra lo que el espectador ni siquiera se atreve a pensar que existe”.

 

 

(1) De David Cronenberg  (“La mosca”, “Promesas del Este”, “Una historia de violencia”),  realizador canadiense de 83 años, uno de los maestros del “horror corporal” que elimina la frontera entre lo mecánico y los orgánico, Carroza de Oro en el Festival de Cannes 2006, un premio a toda su trayectoria.

(2) (1) “Nightborn” estará en la cartelera madrileña a partir del próximo viernes 16 de octubre 2026.

 

“Ceniza en la boca”: de nuevo el drama de la migración

"La migración genera heridas por abandono que definen toda una vida" (Diego Luna, entrevista Telva)

 

Tras pasar por las secciones oficiales de los festivales de Cannes (Special Screenings) y San Sebastián (Horizontes Latinos), “Ceniza en la boca”, cuarto largometraje del actor y realizador mexicano Diego Luna (“Abel”, “César Chávez”, “Mr. Pig”) basado en la novela homónima de la escritora, socióloga y economista Brenda Navarro, protagonizado por las actrices mexicanas Anna Díaz (“La cocina”, “Un cuento de pescadores) y Ariana Paz (Mejor Actriz en Cannes por “Emilia Pérez”, junto con sus coprotagonistas Zoe Saldaña, Karla Sofía Gascón y Selena Gomez)..

« Ceniza en la boca » nos habla de una mujer encerrada en una lógica de supervivencia: ha tenido que hacer de madre con su hermano menor, solo puede encontrar trabajos mal pagados y no consigue acceder a una existencia que satisfaga sus deseos y esté de acuerdo con su edad. Su aspiración a ser independiente y libre choca continuamente con una realidad que le recuerda que no puede permitirse hacer planes de futuro.

El duelo, la migración y la identidad femenina son algunos de los problemas con los que se encuentra Lucila, joven mexicana que, en busca de una vida mejor, viaja con su hemano Diego desde México a Madrid donde vive su madre, quien lleva ocho años trabajando ilegalmente para mantenerlos. Los hermanos afrontan de manera distinta su nueva vida: mientras Diego tiene serias dificultades para adaptarse, Lucila intenta sacar el máximo partido de su nueva vida, precaria,  sin arraigo y más dura de lo que imaginaba, en la que tiene que luchar contra el racismo y la misoginia de un sistema social profundamente desigual.

Convencida por una amiga, Lucila se traslada a Barcelona donde, lo mismo que en la capital, encadena distintos trabajos  ”en negro”, que oculta a su novio estadounidense. Lejos de su madre y su hermano, un acontecimiento inesperado la obliga a regresar a México.

 “Nunca ha sido más pertinente que ahora hablar de migración –ha confesado en San Sebastián el director de “Ceniza en la boca” (1), a quien avala el interés por las trayectorias marginales y los relatos contemporáneos con fondo social- Estoy muy emocionado de poder contar esta historia. Hemos trabajado tres años para llegar a este momento, soy muy afortunado al poder colaborar con un equipo de voces diversas y enriquecedoras que están aquí por las razones correctas”.

(1) “Ceniza en la boca” se podrá ver en los cines de Madrid a partir del viernes 9 de octubre 2026.

 

 

 

 

 

“Doraemon: Aventuras en el mundo del arte”

“Un viaje lleno de color, imaginación y amistad”

“Doraemon: Aventuras en el mundo del arte”, una historia animada de ciencia ficción dirigida por la cineasta japonesa Yukiyo Teramoto, primera mujer que dirige episodios de la saga (este es el cuarto que lleva su firma), una de las más longevas y que cuenta con mayor número de seguidores en todo el mundo, tiene a la Europa medieval como escenario y como inspiración. El famoso gato cósmico Doraemon y sus humanos amigos encabezados por Nobita, se introducen en una pintura -que incorpora al grupo el personaje rubio de una niña perdida en un bosque, entre hada y princesa, llamada Claire- que les transporta a un mundo ilustrado.

La de Doraemon, una de las series de animación manga más exitosas de la cultura japonesa,  fue creado por Fujiko F. Fujio en 1969, cuando se publicó la primera historieta. Adaptada como serie de anime, se estrenó en 1973 en televisión. En España aterrizó a principios de los años 1990, atravesando las décadas consolidada como un fenómeno de la literatura y el cine infantil (1). A estas alturas son varias las generaciones de niños que han crecido disfrutando en familia con las aventuras de Doraemon, el gato robot que llega del futuro para ayudar a Nobita, un tranquilo niño dotado para el dibujo y la pintura, que siempre anda metido en líos.   

Doraemon saca de su bolsillo mágico inventos increíbles procedentes del futuro, que ayudan a Nobita a enfrentar las dificultades diarias con la didáctica intención de que logre resolver los problemas por sí solo. Gracias a sus inventos, Doraemon, Nobita y sus amigos -Shizuka, Gigante y Suneo- viven toda clase de aventuras y peripecias.

En “Doraemon: Aventuras en el mundo del arte” (2), la pandilla del gato recorre situaciones, lugares y obras de arte buscando la misteriosa piedra que se encuentra en el origen del color azul –que en determinadas ocasiones vira al verde- del lago que rodea Artelia, “el mundo del siglo XIII que no aparece en ningún libro de historia”, “el mundo de los cuadros” donde Claire ejerce de princesa y donde el grupo da vía libre a la imaginación y descubre valores fundamentales, como el trabajo en equipo, la lealtad y la amistad.

 

(1) Actualmente la serie se emite cada día en el canal Boing y se encuentra en las plataformas HBO Max y Movistar Plus+. También puede verse en los canales autonómicos EITB, TVG y À Punt, trasucido a las respectivas lenguas.

La serie Doraemon cuenta con más de 1300 episodios, y cada año se producen en Japón 26 nuevos episodios y una película. En España se han estrenado en cines 9 películas, la última en 2023 (“El Nuevo dinosaurio de Nobita”). El canal oficial de YouTube de Doraemon España, donde cada semana se publica un episodio de la serie, tiene más de 400.000 suscriptores.

(2) “Doraemon: Aventuras en el mundo del arte” estará disponible en los cine madrileños a partir del viernes 9 de octubre 2026. Destinada en principio a un público infantil –sin olvidarse e los adultos fieles a la saga, la publicación digital  Sapos y Princesas la considera una propuesta “especialmente adecuada para niños a partir de 4 o 5 años, gracias a su tono amable, su atractivo visual y una aventura dinámica que transmite valores fácilmente reconocibles para el público infantil”.

 

 

https://youtu.be/zLCISSEt8dw “El árbol muy muy lejano”, unas cuantas dosis de fantasía en vena “Encantadoramente anacrónica” (Página 12) Dedicado especialmente a adultos que, en vista de cómo van las cosas en todo el mundo, han decidido anclarse en la infancia y dotarse de cuantas herramientas sean necesarias para no abandonarla ni en broma, el largometraje “El árbol muy muy lejano” (mucho más acertado el título original: “The Magic faraway Tree”) es una vuelta atrás ideada por el cineasta británico Ben Gregor (“Streetdance Kids”, “No Heorics”), más recordado como autor de series y apreciado actor en las películas “Fatherdhood”, “Brassic” y “The Midnight Beast”. “El árbo muy muy lejano” es la adaptación de la novela “El árbol mágico”, de la escritora británica Enid Blyton (1), especialista en bestsellers de literatura para niños y adolescentes, como los divertidos episodios de “Los cinco”, “Torres de Maliry”. O “Stories of Spells and Enchantments”. Aventura familiar y para toda la familia, que confiesa sin escrúpulos su cercanía con la siempre bienvenida Alicia, dentro y fuera de su país de las maravillas, “El árbol muy muy lejano” trata de la dimensión mágica de la existencia comcretada en un bosque encantado, donde existe un árbol que llega hasta las nubes. Aunque lo mejor es que en el árbol reside, o se deja ver con frecuencia, una legión de personajes extraordinarios y excéntricos que no tiene nada que envidiar a los cortesanos de “la Reina”, interpretados por un reparto de prestigio muy coral, que cuenta entre otros con los actores Andrew Garfield, Claire Foy, Nonso Anozie, Nicola Coughlan, Jessica Gunning, Jennifer Saunders, Simon Russell Beale, Michael Palin y Rebecca Ferguson. Una familia supermoderna, donde la madre trabajaba pero acaba de ser despedida y el padre cuida de los niños, y donde tanto la pareja –Polly (Claire Foy) y Tim (Andrew Garfield)- como los tres hijos –en esa edad indefinida que va de la niñez a la adolescencia- hacen un uso continuado de su libre albedrío para comer, dormir, jugar, dibujar, cuidar los tomates del huerto, escuchar música e incluso interpretarla a varias voces; o sea, prácticamente todo menos ir a la escuela. En el umbral de la pobreza, la familia se ve obligada a abandonar la ciudad y refugiarse en un destartalado caserón de la envidiable campiña inglesa, donde el cabeza de familia piensa dedicarse a la venta de “salsa para pasta” aprovechando los tomates del pequeño huerto anexo. Si un bosque es siempre una posibilidad inagotable de sensaciones y ocurrencias mágicas, no son menos las que puede ofrecer el árbol más frondoso de todos, con una copa en la que cabe todo el mapamundi, una espesa copa que se prolonga en el espacio hasta ser una ciudad, un país y hasta un mundo poblado por hadas madrinas y sueños realizados. Nada más llegar a la casa, y después de soplar un poco para remover el polvo que se ha ido acumulando durante décadas, los tres niños -y especialmente Fran la que no habla (no es diferente de sus hermanos, solo es no quiere hablar)-, deciden explorar lo que esconde ese árbol enormes que tienen enfrente, y que resulta ser mágico y hogar de personajes fabulosos con nombres tan sugerentes como Cara de Luna, Seditas, el Señor Comosellame, el Señor Cazuelas o Doña Lavamucho. Según la literatura promocional de la película, los pequeños “desde la copa del árbol son transportados a mundos desconocidos y fantásticos, y, a través de los desafíos de sus aventuras, la familia aprende a reconectar y a valorarse mutuamente por primera vez en años”. Si la publicidad lo dice….Lo cierto es que esos niños llegaban a la nueva morada con los deberes hechos, no necesitaban ni un empujón para considerar “mágica” cualquiera de las muchas bellezas naturales que les rodean. Simpática, emotiva, fantástica y entretenida, la película “El árbol muy muy lejano” (2) es la versión imaginada por el guionista Simon Farnaby (también “actor secundario con frase”, aunque no se le entienda una palabra, intérprete de uno de los habitantes de la zona), quien se ha esforzado en llevar la contraria a la escritora Blyton, mejorando e incluso alterando en la película lo que hace un siglo pudo ser acusado de conservador, clasista, antifeminista o racista –no hay ni una sola prueba que avale esta afirmación, no es más que una suposición que comparto con André Didyme-Dôme (crítico en publicaciones de prestigio, como Rolling Stone o Hollywood Reporter, y jurado en los premios Golden Globe)- por una versión “progre” y hasta libertaria de la familia en un momento –precisamente este- en que los niños disfrutan de ordenadores y teléfonos móviles que les alejan un poco más cada día del universo de los sueños y las fantasías. (1) Enid Blyton es una autora británica de libros infantiles, muchos de ellos agrupados en sagas o series. Una de estas son los volúmenes de “The Faraway Tree”, cuatro obras publicadas entre 1939 y 1951 que siguen la historia de tres niños y su encuentro con un árbol gigante, que en realidad es la entrada a un mundo de fantasía. En Inglaterra Blyton fue tremendamente popular y sus libros fenómenos de ventas. Varias de sus obras fueron adaptadas a la pantalla, sobre todo en formato serie. “El árbol mágico” adapta el segundo libro de la serie «The Magic Faraway Tree», que en español se llamó «El árbol lejano» o «El árbol muy muy lejano», depende de la edición. Hasta su muerte en 1968, Enid Blyton disfrutó de una enorme celebridad en su país pero también fue bastante criticada y ninguneada por la crítica, y blanco de unas cuantas acusaciones (racismo, machismo, clasismo…) que hicieron que las nuevas versiones de su obra hayan sido bastante retocadas para acomodarse a los tiempos y, sobre todo, para evitar la controversia. 2) “El árbol muy muy lejano” estará en los cines madrileños a partir del viernes 9 de octubre 2026.

 

“EEncantadoramente anacrónica” (Página 12)

D Dedicado especialmente a adultos que, en vista de cómo van las cosas en todo el mundo, han decidido anclarse en la infancia y dotarse de cuantas herramientas sean necesarias para no abandonarla ni en broma, el largometraje “El árbol muy muy lejano” (mucho más acertado el título original: “The Magic faraway Tree”) es una vuelta atrás ideada por el cineasta británico Ben Gregor (“Streetdance Kids”, “No Heorics”), más recordado como autor de series y apreciado actor en las películas “Fatherdhood”, “Brassic” y “The Midnight Beast”.   “El árbo muy muy lejano” es la adaptación de la novela “El árbol mágico”, de la escritora británica Enid Blyton (1), especialista en bestsellers de literatura  para niños y adolescentes, como los divertidos episodios de “Los cinco”,  “Torres de Maliry”. O “Stories of Spells and Enchantments”.   Aventura familiar y para toda la familia, que confiesa sin escrúpulos su cercanía con  la siempre bienvenida Alicia, dentro y fuera de su país de las maravillas,  “El árbol muy muy lejano” trata de la dimensión mágica de la existencia comcretada en un bosque encantado, donde existe un árbol que llega hasta las nubes. Aunque lo mejor es que en el árbol reside, o se deja ver con frecuencia, una legión de personajes extraordinarios y excéntricos que no tiene nada que envidiar a los cortesanos de “la Reina”,  interpretados por un reparto de prestigio muy coral, que cuenta entre otros con los actores Andrew Garfield, Claire Foy, Nonso Anozie, Nicola Coughlan, Jessica Gunning, Jennifer Saunders, Simon Russell Beale, Michael Palin y Rebecca Ferguson.   Una familia supermoderna, donde la madre trabajaba pero acaba de ser despedida y el padre cuida de los niños, y donde tanto la pareja –Polly (Claire Foy) y Tim (Andrew Garfield)- como los tres hijos –en esa edad indefinida que va de la niñez a la adolescencia- hacen un uso continuado de su libre albedrío para comer, dormir, jugar, dibujar, cuidar los tomates del huerto, escuchar música e incluso interpretarla a varias voces; o sea, prácticamente todo menos ir a la escuela. En el umbral de la pobreza, la familia se ve obligada a abandonar la ciudad y refugiarse en un destartalado caserón de la envidiable campiña inglesa, donde el cabeza de familia piensa dedicarse a la venta de “salsa para pasta” aprovechando los tomates del pequeño huerto anexo.   Si  un bosque es siempre una posibilidad inagotable de sensaciones y ocurrencias mágicas, no son menos las que puede ofrecer el árbol más frondoso de todos, con una copa en la que cabe todo el mapamundi, una espesa copa que se prolonga en el espacio hasta ser una ciudad, un país y hasta un mundo poblado por hadas madrinas y sueños realizados. Nada más llegar a la casa, y después de soplar un poco para remover el polvo que se ha ido acumulando durante décadas, los tres niños -y especialmente Fran la que no habla (no es diferente de sus hermanos, solo es no quiere hablar)-, deciden explorar lo que esconde ese árbol enormes que tienen enfrente, y que resulta ser mágico y hogar de personajes fabulosos con nombres tan sugerentes como Cara de Luna, Seditas, el Señor Comosellame, el Señor Cazuelas o Doña Lavamucho.   Según la literatura promocional de la película, los pequeños “desde la copa del árbol son transportados a mundos desconocidos y fantásticos, y, a través de los desafíos de sus aventuras, la familia aprende a reconectar y a valorarse mutuamente por primera vez en años”. Si la publicidad lo dice….Lo cierto es que esos niños llegaban a la nueva morada con los deberes hechos, no necesitaban ni un empujón para considerar “mágica” cualquiera de las muchas bellezas naturales que les rodean.   Simpática, emotiva, fantástica y entretenida, la película “El árbol muy muy lejano” (2) es la versión imaginada por el guionista Simon Farnaby (también “actor secundario con frase”, aunque no se le entienda una palabra, intérprete de uno de los habitantes de la zona),  quien se ha esforzado en llevar la contraria a la escritora Blyton, mejorando e incluso alterando en la película lo que hace un siglo pudo ser acusado de conservador, clasista, antifeminista o racista –no hay ni una sola prueba que avale esta afirmación, no es más que una suposición que comparto con André Didyme-Dôme (crítico en publicaciones de prestigio, como Rolling Stone o Hollywood Reporter, y jurado en los premios Golden Globe)- por una versión “progre” y hasta libertaria de la familia en un momento –precisamente este- en que los niños disfrutan de ordenadores y teléfonos móviles que les alejan un poco más cada día del universo de los sueños y las fantasías.     (1) Enid Blyton es una autora británica de libros infantiles, muchos de ellos agrupados en sagas o series. Una de estas son los volúmenes de “The Faraway Tree”, cuatro obras publicadas entre 1939 y 1951 que siguen la historia de tres niños y su encuentro con un árbol gigante, que en realidad es la entrada a un mundo de fantasía. En Inglaterra Blyton fue tremendamente popular y sus libros fenómenos de ventas. Varias de sus obras fueron adaptadas a la pantalla, sobre todo en formato serie. “El árbol mágico” adapta el segundo libro de la serie «The Magic Faraway Tree», que en español se llamó «El árbol lejano» o «El árbol muy muy lejano», depende de la edición. Hasta su muerte en 1968, Enid Blyton disfrutó de una enorme celebridad en su país pero también fue bastante criticada y ninguneada por la crítica, y blanco de unas cuantas acusaciones (racismo, machismo, clasismo…) que hicieron que las nuevas versiones de su obra hayan sido bastante retocadas para acomodarse a los tiempos y, sobre todo, para evitar la controversia. 2) “El árbol muy muy lejano” estará en los cines madrileños a partir del viernes 9 de octubre 2026.

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“Las culpables”: El documental que rompe el tabú sobre el aborto en adolescentes.

El aborto no es algo que entre en los planes de ninguna mujer. Pasar por la experiencia de abortar es –tanto para adolescentes como para adultas- una experiencia desagradable que se presenta de improviso y que exige solucionarla cuanto antes mejor. Y eso que abortar actualmente –en un ambiente clínico y efectuado por un especialista- no tiene nada que ver con lo que era durante la dictadura, cuando la alternativa consistía en ponerse en manos de alguien que, en el mejor de los casos, lo único que fallaba era la asepsia, o coger un avión hasta Londres, donde la operación se efectuaba con todas las garantías, pero costaba una cantidad importante. (Esta película no la ha hecho nadie todavía)

“Las culpables” (Les culpables), el documental que ha realizado Marta Durán Lozano con seis adolescentes es un testimonio importante, explica las distintas maneras en que ese grupo de chicas se enfrentan con la decisión  de abortar, a veces en soledad, a veces contando con el acompañamiento de familiares o amigos.

 En todo caso, lo que no se plantea es seguir adelante con un embarazo –por mucho que a veces sea una tentación- que, dada la edad de sus protagonistas, lo único que haría es borrar de un plumazo cualquier proyecto de vida que tuvieran planteado.

 “Las culpables” parte de una experiencia personal de su directora y aborda cómo viven las mujeres el aborto durante la adolescencia, así como la vergüenza y el trauma social que soportan posteriormente. Tras pasar por un aborto durante la adolescencia y enterrarlo en el silencio durante años, la cineasta Marta Durán Lozano recopila testimonios anónimos de mujeres que han vivido la misma experiencia que ella.

Dispuesta a romper el silencio y el tabú de su entorno, se embarca en un proceso creativo con seis chicas adolescentes para llevar todas estas historias a la pantalla e iniciar una conversación más empática sobre el aborto.

“Las culpables”  ha sido reconocido con el Premio Doc Around Europe del Docs Barcelona y el Premio Laya que otorga el departamento de Igualtat i Feminisme de la Generalitat de Catalunya,. Los Premios Laya reconocen la especial incidencia de los proyectos cinematográficos y audiovisuales en el fomento, el conocimiento y la reflexión sobre los derechos humanos mediante su selección, exhibición y emisión.

 

(1) “Las culpables” puede verse en los cines Renoir de Madrid a partir de este viernes 2 de octubre 2026

Sombra Nómada, « una historia de todos y de ninguna parte »

'Sombra nómada' nos permite asomarnos a una realidad que muy pocas veces hemos podido ver: la de los territorios ocupados del Sáhara Occidental, objeto de un fuerte bloqueo informativo (...) Una mirada poética que abre preguntas que desafían a la simplificación”. (Laura Casielles, periodista y escritora de “Arena en los ojos. Memoria y silencio de la colonización española de Marruecos y el Sáhara Occidental”).

Una historia de identidad, pertenencia y retorno que parece escrita a propósito para hablar del momento actual, cuando las diásporas de tantos países –algunos sin territorio ni estado- recorren el mapa europeo intentando encontrar un rincón donde asentarse. Tras pasear por  una veintena de festivales –entre ellos Toronto, Tallinm Black Nights, Santa Bárbara o el D’A Festival, “Sombra Nómada” (Nomad Shadow), ópera prima de la cineasta japonesa-estadounidense Eimi Imanishi  - quien acaba de recibir el Premio a Mejor Dirección en el Festival de Tirana- protagonizada por Nasdhira Mohamed.

La realizadora Aimi Imanishi nos habla de la realidad del Sáhara actual a través de una protagonista que ve su identidad dividida y se siente extraña en su tierra. Mariam, una joven treinteañera expulsada de España y forzada a regresar al Sáhara occidental, su país natal. Pero su tierra ya no es su hogar, le cuesta mucho readaptarse,  su mentalidad ha cambiado, sueña con regresar a Barcelona y tiene que enfrentarse a las tensiones familiares que provocó su partida, conciliar el amor a su país y a su familia con los nuevos valores aprendidos lejos de allí. “La posibilidad de regresar a España le acompaña como un Itaca inalcanzable”.  

A través del recorrido de Mariam, la película habla de desarraigo, fronteras, memoria y la dificultad de construir una identidad cuando ningún territorio termina de sentirse propio.

Su estreno coincide además con un momento especialmente significativo en la relación entre España y el pueblo saharaui. El pasado 10 de septiembre, el Congreso de los Diputados aprobó la proposición de ley sobre concesión de nacionalidad española a saharauis nacidos bajo administración española, que ha sido remitida al Senado para continuar su tramitación parlamentaria.

“Sombra nómada” es el debut en la dirección de largometrajes de la japonesa-estadounidense Eimi Imanishi, instalada desde hace unos años en Barcelona. El tema de la diáspora saharaui lo tiene buen estudiado pues en 2016 dirigió “Batallón a mi ritmo”, un cortometraje sobre una adolescente saharaui refugiada que se alista en el  ejército para salvar a su pueblo de la ocupación.

 En cuanto a la protagonista,  Nadhira Mohamed, es una actriz saharaui que pasó gran parte de su infancia en los campamentos de refugiados de Tinduf. Actualmente reside en Madrid y trabaja acompañando a personas solicitantes de protección internacional “Sombra nómada” es la segunda película de Nadhira, en 2011 protagonizó  “Wilaya” de Pedro Pérez Rosado.

La llegada de “Sombra nómada” (1)  a los cines está acompañada de preestrenos, pases especiales y encuentros con el público en distintas ciudades. En Madrid, el 1 de octubre tendrá lugar a las 19,30, en Cines Golen un preestreno solidario, con presentación y coloquio con Nadhira Mohamed y Taleb Alisalem, activista, escritor, periodista y analista político saharaui. El importe recaudado por la distribuidora y la productora será destinado a la asociación sin ánimo de lucro BUBISHER, dedicada a apoyar la expansión cultural en los campos de refugiados del Sáhara.

 

(1) El estreno general de “Sombra nómada” en los cines de Madrid es este viernes 2 de octubre 2026.