“Solomamma”: ninguna forma de familia es mejor que otra

 

« La segunda  película de la realizadora noruega nos permite soñar con un mundo diferente, en el que la familia ya no es cuestión de biología o de relaciones de sangre, sino de amor y respeto » (Cineuropa)       “Solomamma”, segundo largometraje de la realizadora noruega residente en París  Janicke Askevold ( “Togheter Alone”, modelo internacional y actriz en varias películas francesas),  estrenado en el Festival de Locarnos 2025, donde consiguió el premio del Jurad Ecuménico, ha logrado tres premios en el Festival Internacional de Cine de Barcelona-Sant Jordi (BCN Film Fest): el de Mejor Guion y Mejor Actriz para Lisa Loven Kongsli de la Sección Oficial, y el Premio de la Crítica otorgado por el jurado de la Associaciò Catalana de Critics i Escriptors Cinematografics (ACCEC).   “Solomamma” aborda un concepto alternativo de la maternidad que transgrede las reglas de las sociedades patriarcales que quieren controlarlo todo. Nos invita a repensar la noción de familia huyendo de los estereotipos. Protagonizada or Lisa Loven Kongsli (“Fuerza mayor”, Snow Therapy”) y Herbet Nordrum (“La peor persona del mundo”, “Julie en doce capítulos”), cuenta la historia de Edith, una periodista en torno a los cuarenta años y madre soltera de Sigrud, un niño de cuatro años, que casualmente se entera de la identidad del donante del esperma que recibió. Decide entrevistarle con la excusa de que lo publicará en el periódico donde trabaja, aunque lo que en realidad persigue es saber lo que su hijo podría heredar en materia de genética.   Edith y el donante establecen una cierta relación que tiene como consecuencia una doble vida para Edith que acabará poniendo en peligro no solo el equilibrio afectivo de su día a día, sino también el de las personas que le rodean.   “Solomamma” es un drama sensible que habla del terreno emocional de la  procreación asistida y la maternidad en solitario, y las complejas relaciones entre los padres, los hijos, y las distintas personas que intervienen en sus vidas. Mezclando la especial sensibilidad del cine de autor escandinavo en lo que se refiere a las relaciones con elementos del cine de género, la directora Janicke Askevold aborda con audacia-teniendo como fondo la encantadora ciudad de Oslo, con hermosos y cómodos apartamentos donde viven personas bien vestidas- una cuestión tan espinosa, a través del retrato de una mujer que ha elegido su propio camino, enfrentándose a las críticas de una sociedad a la que le cuesta aceptar situaciones no convencionales.   En una entrevista, la realizadora  de “Solomamma” (1) aborda las formas actuales de maternidad, los desafíos de la educación monoparental, la ética de la donación de esperma y la manera en que las relaciones familiares van más allá de la biología: “Todo empezó cuando una amiga me contó que en las redes sociales encontró al padre biológico de su hijo, y entabló una relación con él sin decirle la verdad. Sentí que ese podía ser el punto de partida de una historia que merecía ser explorada, mientras reflexionaba sobre las múltiples facetas de la maternidad moderna. Estuve investigando, conocí a madres solteras noruegas y basé mi relato en hechos reales; era muy importante que todo lo que ocurriera en la película pidiera suceder en la realidad. También descubrí que algunas de esas mujeres se conocen, crean grupos de apoyo y hacen que sus hijos conozcan a sus medio hermanos (... )  Decidí ir más allá de saber si se trataba de una buena o mala opción. En Escandinavia, la maternidad monoparental es cada vez más frecuente (…) (La mujer de la película) no es una heroína, es un ser humano con sus defectos, sus fuerzas, sus inseguridades y su curiosidad. La única crítica que me permito es a los bancos de esperma, que operan en un mercado susceptible de explotar a las mujeres en situación de vulnerabilidad, especialmente cuando  les cobran un suplemento por dar informaciones sobre el donante (…) Espero que la película sirva para mostrar que existen muchas formas de familia, y que ninguna es mejor que otra ». (1) “Solomamma” llegará a los cines madrileños el próximo viernes 12 de junio de 2026.

 

“Cel meu Infern teu”, un ejercicio de memoria sobre el lesbianismo en el franquismo

Escrita por Ana Piles y Noelia Martínez, “Cel meu Infern teu”  (Mi cielo tu infierno) es un drama romántico con tintes de thriller psicológico dirigido por Alberto Evangelio (“Visitante”), ambientado en la España de los 70, que retrata una historia de amor entre dos mujeres a lo largo del tiempo, su vida clandestina, la represión y su lucha, un tema que sigue de plena actualidad a día de hoy. Una historia impactane y honesta.

 

A lo largo de los años, Adela y Victoria viven una historia de amor imposible y son fuertemente castigadas por la Ley y por la sociedad valenciana de los años 60 y 70. Sin embargo, a pesar de todos los impedimentos, no pueden olvidarse la una de la otra.

 

No seré yo quien dude de que la mejor intención ha guiado  los autores de esta película  (director y guionistas) que pretende denunciar el trato despiadado que algunas mujeres lesbianas recibieron durante los años del tardofranquismo. Digo algunas porque, históricamente, el lesbianismo ha estado menos presente que la homosexualidad (por establecer una comparación) en la sociedad española: a las mujeres les resultaba más fácil esconderse tras una amistad o una relación de trabajo, un trato cercano en ambas situaciones se consideraba “completamente normal”, tanto por las familias como por la sociedad.

 

Que una relación lésbica fuera más difícil de establecer, no significa que, una vez descubierta, se aceptara. La película “Cel meu inferno teu” apunta lo que podía ser el castigo para las mujeres que, como siempre, no era igual según la clase social a la que pertenecieran las implicadas y, en el caso de las mujeres burguesas, el interés de la familia para que no trascendieran los hechos.

 

La película explica el caso muy real de que la mujer que trabajaba en el servicio fue a dar con sus huesos a la cárcel, mientras que la “señorita”, en manos de los psiquiatras partidarios del “método fuerte”, era sometida a sesiones de descargas eléctricas. En ambos casos –y eso no queda claro en el filme- se trataba de “curar” lo que hasta fechas muy recientes la sociedad consideraba una enfermedad, lo mismo que la homosexualidad.

 

“Cel meu inferno teu”, protagonizada por Tania Fortea y Sandra Cervera junto a Víctor Palmero, Vicent Domingo, Rosanna Espinós, Antonio Hortelano y Enric Benavent, rodada en Valencia y en valenciano, ha conseguido el Premio del Público en Marere Film Festival y el Premio Lola Gaos para Víctor Palmero como Mejor Actor de reparto.  

 

 

(1) “Cel meu inferno teu” se estrena en los cines de Madrid este viernes 5 de junio de 2026

“Rebuilding”,una delicada película sobre la reconstrucción

 “Rebuilding’ no es una película que se mira, es una película que se siente. A pesar de su structura previsible y algunos ahogos, es una obra sobria, exigente y de una honestidad excepcional sobre la necesidad de volver a echar raíces” (journaldemontreal.com)

 

Un incendio gigantesco se ha tragado casi toda la vida del granjero Dusty: su rancho, sus tierras en Colorado, convertidos en humo han desaparecido del mapa del Oeste de Estados Unidos. Obligado a subastar su ganado, encuentro refugio en un minúsculo poblado de caravanas donde se agrupan otros refugiados del desastre, en los que encuentra consuelo mientras trabaja como obrero en la construcción de una carretera. Allí conocerá a una joven que acaba de perder a su marido.   El sueño americano ha abandonado a este vaquero que piensa en trasladarse a Montana, donde vive su hermana, para ayudarle con el ganado; pero marcharse significa también abandonar a su hija de nueve años -a la que no ha visto mucho últimamente y con la que intenta recomponer la relación-, quien vive con su exmujer y su exsuegra.  Dusty, quien tendrá que elegir entre  marcharse lejos o mantenerse cerca de la niña, renacerá gracias a una humanidad que resiste y subsiste. « Rebuilding » (reconstrucción), interpretado por el británico Josh O’Connor  -quien se suma a la larga lista de granjeros a los que la fortuna da la espalda, tan apreciados por el séptimo arte- es la  historia de Dusty, un personaje simple y discreto enfrentado a la adversidad, una confrontación del mito del cowboy con nuestra actual crisis medioambiental, un hombre que tras la catástrofe se reconstruye física y psíquicamente. Acostumbrado a la soledad, Dusty acabará encontrando la seguridad que proporcionan la familia y los amigos. Rodada en el impresionante paisaje del Valle de San Luis (Colorado), “Rebuilding”, dirigida por Max Walker-Silverman (“A Love Song”),  es un retrato reflexivo y emotivo de la resiliencia y la conexión humanas tras un momento de pérdida, que cuenta con destacadas interpretaciones de todo el elenco que incluye a Josh O’Connor (“La quimera”, “Challengers”, serie “The Crown”), Meghann Fahy (“Una pareja perfecta”, “Sirenas”), Kali Reis (“Resident Evil”, serie “True Detective”) y la legendaria Amy Madigan (“Desmayados”, “The Hunt”). El realizador Max Walker-Silverman, nacido en esos mismos parajes, es autor del guión y la dirección de esta intensa y melancólica  historia sobre las relaciones humanas estrenada en el Festival de Sundance y galardonada por el Jurado Ecuménico en Karlovy Vary. También ha conseguido recientemente el Premio del Público en el Americana Film Fest de Barcelona y ha participado en el Festival de Cine de Valladolid (Seminci).

Como diciéndonos que de la desgracia puede nacer la felicidad más insospechada, el director de este hermoso canto a la esperanza sin sentimentalismos  que estorben, nos recuerda la actualidad de grandes catástrofes naturales, simbolizadas en este caso por un incendio, pero igual habría servido una inundación o el paso de un devastador tornado (como se suceden tantos cada año en Estados Unidos…y en muchos otros rincones del mapa), que en cada ocasión dejan desamparados a muchos ciudadanos, descuidados por las administraciones públicas y por los bancos (y en este sentido “Rebuilding” recuerda la magnífica “Nomadland” de Cloé Zhao (ganadora de un Oscar con sus víctimas de la crisis económica que viven también en un camping de autocaravanas),  al ondear las banderas de la solidaridad y la ayuda mutua.   El protagonista Josh O’Connor es el padre solitario que no quiere molestar, el anti-héroe frágil, reservado y discreto, el hombre de pocas palabras, el “vaquero moderno en plena crisis existencial” que se tapa el rostro con el ala del sombrero. Frente a él, la joven actriz australiana Lily LaTorre –muy lejos de ser una debutante, a sus pocos años ya ha trabajado junto a media docena de realizadores y otras tantas “estrellas”-, estupenda en el papel de la niña que quiere pasar más tiempo con ese padre que vive en una roulotte, proporcionada por una agencia gubernamental, en mitad de ninguna parte.   “Gran parte de la vida en las zonas rurales –explica Max Walker-Silverman, director de “Rebuilding” (1)- está definida por una paradoja sencilla: el mundo natural es un desafío constante y, al mismo tiempo, tan hermoso que uno no puede imaginar vivir en ningún otro lugar. Los personajes de esta película -al igual que las personas en mi vida- se sienten cautivados por la belleza del lugar en el que viven, incluso cuando el precio es perder todo lo que tienen. Es lo que comparten entre ellos, con quienes los precedieron y con quienes vendrán después. Pero el paisaje no es permanente. Es también un registro de las decisiones tomadas por cada generación: la decisión de conservar, de construir, de extraer o de reparar. En ese sentido, hay un legado humano en todo paisaje natural. Sentirse parte de ese legado es algo poderoso y, en el mejor de los casos, una fuente de verdadero significado. Quienes no tienen nada, aún pueden poseer la belleza (…). “El mito fundacional de la autosuficiencia -siempre presente en Estados Unidos, especialmente en el Oeste- es un mito triste. He visto a mucha gente, especialmente hombres, derivar de la autosuficiencia a la soledad, y de la soledad a la desesperanza (…).Y eso no sirve a nadie en ninguno de los lados de cualquier frontera. (1) “Rebuilding” llegará a los cines de Madrid el viernes 5 de junio de 2026. .

“Cada día nace un listo”, excelente comedia negra de Arantxa Echevarria

 

 

“Cada día nace un listo” es una  divertidísima y muy recomendable  comedia negra de estafadores, buscavidas y vividores, en la mejor tradición de la picaresca nacional. Un aplauso para las interpretaciones de la pareja Hugo Silva / Susi Sánchez, y un sobresaliente para el puñado de gags originales que pueden competir con  las buenas producciones internacionales del género. El conseguido guión de “Cada día nace un listo” es obra de la realizadora Etxevarria y Patricia Campo (autora de “La isla interior” y “Los años desnudos”).   Estrenada en el Festival de Málaga, fuera de concurso, con un reparto coral encabezado por Hugo Silva (“Las brujas de Zugarramundi”, Los hombres de Paco”), Susi Sánchez (“Reinas”, “Stormy Lola”), Dafne Fernández (“Gota”, serie “Tierra de lobos”), Jaime Olías (“Angel o demonio”), Ginés García Millán (“La catedral del mar”) y Diego Anido (“La infiltrada”, “As bestas”); y la colaboración especial de Belén Rueda (“Mar adentro”, “La familia perfecta”), Pedro Casablanc (“El talento”, “Querer”) y Gonzalo de Castro (“Políticamente incorrectos”), La película “Cada día nace un listo”, de Arantxa Echevarria (“La infiltrada”, Goya a la Mejor Película, “Carmen y Lola”, “Chinas”), es una ácida sátira de la sociedad actual que denuncia la picaresca, la ambición, las falsas apariencias y el postureo: “el explosivo choque entre aquellos que amasan fortunas mientras la mayoría lucha por llegar a fin de mes”. Una puesta al día de la tradicional picaresca nacional.   Toni Lomax, un personaje que vive en la frontera entre ser y aparentar,  alcanzó la fama cuando participó como cantante en un exitoso talent show, aunque ahora ya no tiene donde caerse muerto. Su situación parece cambiar cuando Malena, un amor del pasado, le pone en contacto con Junior, el rico heredero de un empresario  que se ha forrado a base de corrupciones, para llevar a cabo el robo de un cuadro de la casa familiar, que en teoría vale millones. El plan no parece complicado, aparentemente va a ser una manera de conseguir dinero fácil.  Toni se busca dos aliados muy especiales: la Mari, una abuela experta en negocios sucios, y el Gallego, un anticuario que vende muebles falsificados. Todos juntos formarán un equipo en el que cada cual perseguirá sus propias ambiciones. La realizadora de “Cada día nace un listo” (1), Arantxa Echevarria, asegura que ella no gana mucho dinero “porque trabaja”. Trabajando es imposible hacerse millonario: “La mayoría de la sociedad nunca llegará a tener una vida de lujo y excesos. Los poderosos, en cambio, han llegado a esa vida por un camino que se nos antoja imposible para los que tenemos que trabajar para pagar las facturas. Pero todos, ricos y pobres, queremos la felicidad. Y sí, el dinero nos acerca a ella. A partir del robo de un Caravaggio, muertos de hambre, una estafa, cuernos, drogas, música, poder y astucia, proponemos el retrato de unos buscavidas que quieren dar el gran golpe pasando por todos los estratos de la sociedad … La película es un análisis de la picaresca humana contado entre robos de cuadros, sexo, avestruces, drogas, humor y dinero… mucho dinero. ‘Cada día nace un listo’ aspira a mostrar un reflejo ácido y feroz de la realidad de este país y este tiempo. “..    (1) “Cada día nace un listo estará en los cines de Madrid a partir del próximo viernes 5 de junio de 2026.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

“A LA CARA”: la alargada sombra del odio en Internet

Mejor Largometraje Español y Mejor Director de Película Española en el Festival Internacional de Cine de Gijón, “A la cara” (“Face to face”), la segunda película de Javier Marco (“Josefina”), basada en su cortometraje homónimo ganador del Goya, está protagonizada por Manolo Solo (“Cerrar los ojos”, “El buen patrón”, “Tarde para la ira”) y Sonia Almarcha (“El buen patrón”), es una historia de confrontación, culpa y redención, “una película que toma como punto de partida el acoso en internet y pretende profundizar en cuestiones sociales como la muerte digna, la maternidad, la masculinidad y su vulnerabilidad, todo atravesado por la clase social” (Cine con ñ).

Completan el reparto Daniel Pérez Prada (“Els encantats”, “Como Dios manda”), Roberto Álamo (“Josefina”, “Que Dios nos perdone”) y la actriz emergente Helena Zumel. Javier Marco firma la dirección y coescribe el guion junto a Belén Sánchez-Arévalo.

La gente cree que insultar en las redes sociales sale gratis, que no tiene consecuencias, que estás protegido por el anonimato de la pantalla. En esta película, a la que en mi opinión le falta naturalidad, Pedro, que trabaja en el mantenimiento de un campo de golf y ha perdido a su madre, anuncia que quiere alquilar una habitación de su vivienda. Cuando abre la puerta esperando encontrar a un posible compañero se encuentra con Lina, una famosa presentadora de televisión, que le exige que repita en voz alta el mensaje de odio que le escribió en redes.

Por extraño que resulte de creer, lo que empieza como un choque violento se transforma en una convivencia inverosímil, en la que ambos acaban aceptando que, a pesar de lo incómodos que se sienten,  les unen más cosas de las que pensaban.

“Esta historia –explica su realizador, Javier Marco- comienza con unas palabras lanzadas sin pensar, desde la comodidad y la distancia que te da una pantalla. Pero esta vez, alguien las lee y decide responder. “A la cara” es el choque entre dos mundos que nunca deberían haberse cruzado. Quería explorar qué sucede cuando desaparecen los filtros, cuando ya no hay teclados ni pantallas de por medio. Solo dos personas enfrentadas en un mismo espacio. Ese enfrentamiento se convierte en un viaje no solo de venganza, sino también de redención y de encuentro. Porque, más allá de sus diferencias, ambos protagonistas comparten una misma culpa: sienten que han fallado como padres. Y desde ahí pueden mirarse sin máscaras.” 

(1) “A la cara” se estrena en Madrid este viernes 29 de mayo de 2026.

“Petrus”, la belleza de lo cotidiano

 

“Las piedras son como las personas, no hay dos iguales” En “Petrus”, largometraje documental realizado por Helena Bengoetxea (“Matrioskas, las niñas de la guerra”) se entrelazan las historias del cantero y artista Joseba Lekuona, el profesor jubilado Simeón Hidalgo y la alcaldesa Elsa Plano, comprometida con la supervivencia de su valle. Desde tres miradas distintas, la película ahonda en cómo la resistencia también puede ejercerse desde la belleza de lo cotidiano que, como aseguran  “es una forma de vida” . Estrenado en la última edición del Festival Internacional de Cine Documental y Cortometraje de Bilbao- ZINEBI, “Petrus” es un interesante trabajo documental sobre la despoblación, los oficios en vías de extinción y la confusa línea que separa el arte de la artesanía. Un proyecto multidisciplinar en el que confluyen cine, artes audiovisuales y patrimonio como vehículo para la difusión del arte local en los valles navarros de Izagaondoa, Ibargoiti, Valdorba, Unciti, Ezcabarte y Aezkoa. Una iniciativa que aborda las líneas de unión entre el arte románico y la cantería creativa del siglo XXI; también la divergencia entre el proceso creativo museístico y el lujoso negocio del mercado del arte. La película “Petrus” es también un ejercicio de memoria al rememorar la figura del maestro cantero del mismo nombre que -en el tiempo remoto de los siglos doce y trece, cuando cada valle y cada pueblo contaban con su propia cantera y sus artesanos que decoraban las fachadas de las casas, las entradas de los templos y las lápidas de los cementerios- grabó su firma en uno de los capiteles del interior de la iglesia de San Martín de Guerguitiáin. Joseba Lekuona esculpe piezas originales en piedra para un mercado de arte, muy  exclusivo y para muy pocos, al tiempo que estudia y reproduce la increíble belleza de los sencillos capiteles románicos que abundan en la zona.  El profesor jubilado Simeón Hidalgo mantiene a duras penas el museo dedicado al maestro cantero medieval Petrus, un minúsculo y apasionante proyecto cultural en medio de la nada.  La alcaldesa de Izagaondoa Elsa Plano hace de la supervivencia del valle su cruzada vital. Los caminos de Joseba, Simeón y Elsa, en los que, cada cual a su manera, hacen de lo cotidiano una forma de resistencia, se entrecruzan. Para llevar a cabo el proyecto de “Petrus”, la cineasta navarra Helena Bengoetxea ha partido de su cortometraje “Petrus, historia de un capitel”, realizado en 2021, que narraba el encuentro entre el profesor Simeón Hidalgo y el escultor Joseba Lekuona, que desde hace una década trabajan juntos en el intento de “unir el arte románico con la escultura actual” (cineconn.es). El documental que se estrena ahora ha ampliado los protagonistas: desde la actual alcaldesa de Izagaondoa a los “artesanos, vecinos, cocineros y un largo etcétera de habitantes del valle —que no llegan a 190, con el censo en la mano—, unidos por el hilo invisible del autor románico”. La directora Helena Bengoetxea confiesa: «Me fascina especialmente el contraste de los personajes que, al mismo tiempo, conectan desde la resistencia: Joseba en su empeño por mantener un oficio desde su forma de entender el arte, Simeón promocionando un pequeño museo que atesora parte de la cultura medieval en un lugar cuya vida se desvanece, al igual que las tallas de Petrus, y Elsa, la alcaldesa empeñada en mantener vivo un entorno cada vez más despoblado». Además, añade que “Petrus” (1) «tiene una profunda mirada social, poniendo el foco en el despoblamiento de las zonas rurales y proponiendo soluciones creativas en forma de alternativas culturales para el desarrollo local».   (1) “Petrus” se estrena en Madrid el viernes 29 de mayo de 2026.

“Fleak”: de domingo con niños

 “Fleak”, película de animación coproducida por Finlandia, Francia y Polonia, es una entrañable historia comprometida con la salud y la protección de la infancia que trata un tema peliagudo, el tratamiento y la aceptación de las secuelas físicas y psíquicas de un accidente: en este caso el protagonista, Thomas, un niño de 11 años, sufre un accidente que le obliga a depender de una silla de ruedas.

Dirigida por el danés Jens Moller (De Fabeltjeskrant: Los grandes juegos de los animales del bosque », “Smelliville”), producida y escrita por Antti Haikala (“Niko: el pequeño reno”, “The last Knit”) y contada a través de los ojos de un niño, “Fleak” propone una hermosa alegoría sobre la resiliencia, el amor y la importancia de la red de seguridad de tus seres queridos, y la valentía necesaria para afrontar los propios miedos. 

“Fleak” es un ser extraño y extraordinario nacido de la imaginación del productor. "Era una criatura de otra dimensión -explica Haikala- que aparecía en casa para calmar la situación de forma divertida cada vez que discutíamos, o teníamos algún momento difícil. Fleak vivió con nuestra familia hasta que los chicos se acercaban a la adolescencia, y llegó el momento de que el personaje imaginario tuvo que marcharse".

Teemu Auersalo, uno de los guionistas de la película, entrevistó a niños que han sufrido una discapacidad tras un accidente y les contó la historia de Fleak: muchos de ellos dijeron que les hubiera gustado haber tenido una referencia así cuando atravesaban momentos difíciles. La experiencia fue fundamental para llevar a cabo la película: “Queríamos asegurarnos –dicen los responsables- de que nuestra historia resultara inspiradora para personas con experiencias similares a las de Thomas".

Thomas es un travieso niño de 11 años que lleva dos calcetines diferentes, le gusta jugar al baloncesto y seguir a sus hermanos, dos mellizos mayores. Thomas ve cómo su vida cambia para siempre cuando sufre una caída que le deja paralizado. Desanimado, todo parece perdido cuando la aparición de Fleak, una pequeña, traviesa y peluda criatura violeta llegada de otra dimensión, abre ante él la puerta a un universo extraordinario y mágico. Junto a su nuevo amigo, Thomas se adentra en un mundo fantástico donde redescubre su fuerza, su valentía y todo aquello de lo que todavía es capaz. Pero la aventura se complica cuando su sombra, separada de él, se convierte en un temible monstruo dispuesto a sembrar el caos en ambos mundos. Thomas deberá enfrentarse a sus miedos, reconstruir el vínculo con sus hermanos y descubrir que la verdadera fuerza nace de la amistad, el amor y la aceptación.

Mezcla de película de aventuras y cine familiar, “Fleak”, presentada en el último Festival Internacional del Cine de Animación De Annecy, es una historia de amistad escrita pensando en un público joven –lo que no  impide que las originales aventuras que propone puedan interesar también a un público adulto. Habla de un chico parapléjico al que saca de la depresión una criatura, “Fleak” (en otros países se ha llamado Wishy), llegada de otro universo, que le invita a vivir en un mundo paralelo, haciendo cosas que no pensaba poder hacer nunca más, aventuras fantásticas con las que conseguirá ser él mismo.  

“Fleak” (1) es una película sensible y conmovedora. La animación está muy conseguida, Fleak es un personaje adorable y su mundo lleno de colores es muy imaginativo. Y, lo más importante, el relato demuestra que la discapacidad, cuando se acepta y se hace lo posible por superarla, no impide tener una vida absolutamente normal.

 

(1) “Fleak” estará en la cartelera madrileña a partir del viernes 29 de mayo de 2026.