“200 VIDAS. PACO RABAL”, el primer actor internacional del cine español

 

“Un rostro de geografía y de historia” (Jean-Claude Seguin, historiador del cine)   -Tengo un recuerdo especial de un niño debajo de un árbol… Esa voz reconocible entre todas es la de Paco Rabal. Francisco Rabal que recuerda: “Era el último año de la guerra. Llegamos a Madrid escondidos en un camión. No he pasado más frío en mi vida (…) Uba a los basureros y recogía papeles, huesos, cristales, y los vendía para ayudar a mi familia…Tenía dieciséis años y, sin saber nada de electricidad, empecé a trabajar en los Estudios de cine Chamartín”   -Mi padre trabajaba por la noche, en la mina. Mi madre no sabía leer y me pedía que le leyera… El 25 de septiembre de 2026, celebrando dos aniversarios, el del centenario del nacimiento de Paco Rabal (1926) y los veinticinco años del fallecimiento del actor (2001), ha tenido lugar el estreno mundial del documental “200 VIDAS. PACO RABAL”, dirigido por la cineasta sevillana Vanesa Benítez (“Rola’n Roll”, “La vida chipén”), película sobre uno de los actores españoles con mayor proyección mundial del siglo XX. También ha sido la película que ha clausurado la sección Made in Spain  del Festival de Cine de San Sebastián. - Hice muchas películas con las que no estaba de acuerdo. Ellos lo sabían, yo era de izquierda y ellos lo sabían. Rafael Gil me convirtió en un galán…Siempre tuvo un papel para mí…A veces aparece en mis sueños A través de la propia voz y la mirada del artista, rescatadas de muchas horas de material inédito, de las casetes de sus memorias y las películas de Super 8 que grababa, tanto en su vida privada como en los rodajes que le llevaron por el mundo entero, “200 VIDAS. PACO RABAL” recupera la trayectoria y la vida de un hombre imprescindible en la historia del cine.  -Pensé hacerme una tarjeta de visita que dijera: “Francisco Paco Rabal. Especialista en toreros, curas y bandidos. No sé inglés”  Fue en Sebastián donde Rabal fue galardonado como Mejor Actor en 1953 y donde recibió el premio Donostia en 2001. La carrera de Paco Rabal es única en el cine español: Con más de doscientos títulos recorre los hitos de una cinematografía internacional que era impensables para un joven salido de la Cuesta de Gos, un paraje minero en el municipio murciano de Águilas. De galán del cine español de los años cincuenta pasó a estrella internacional tras protagonizar para Luis Buñuel “Nazarín” y “Viridiana”. . En San Sebastián, triunfó de la mano de Rafael Gil, Lucas Demare, León Klimovsky, Pedro Olea y Jaime de Armiñán.   Reclamado por los directores más interesantes del momento: Antonioni, Visconti, Chabrol, Rivette, Pontecorvo o Friedkin, entre otros muchos, fue habitual en los festivales de Venecia, Berlín o Cannes, donde años después ganaría la Palma de Oro por su papel de Azarías en Los Santos inocentes (1984).   -La cantante Ornela Vannoni me invitó a una fiesta en casa d Ana Magnani. Italia fue mi refugio durante la dictadura. Me abría el espíritu, una especie de aire fresco que se contaminaba cuando volvía a España…Hice muchas películas en Italia…“Tiro al piccione”, de Giuliano Montado, el pichón era como llamaban los partisanos al águila que llevaban los fascistas en la gorra. Ahí es donde tiraban a matar. Antonioni me llamó para hacer con Monica Viti “L’Avventura”una película sobre la incomunicación entre los amantes. El nombre de Paco Rabal está borrado en la publicidad española Narrado por el propio Rabal, “200 VIDAS. PACO RABAL” (1) alude a lo extenso de su filmografía y cuenta con más de 20 testimonios internacionales, incluyendo a los directores Gonzalo Suárez, Carlos Saura y Arturo Ripstein; y a las actrices Victoria Abril, Ana Belén y Eulalia Ramón, en un rodaje que se ha extendido por París, Roma y Ciudad de México, además de diversas ciudades españolas.   -“Me volví loco..moriré a una hora absurda, como absurda es la tragedia A través de su voz grabada en casetes y las películas super8 de sus viajes, rodajes y festivales, a los que ya acudía pese a su compromiso político como galán del cine franquista, Paco Rabal (Premio a mejor actor en el primer Festival de San Sebastián en 1953 y Premio Donostia en 2001) repasa su vida, anhelos y contradicciones. Una filmografía impresionante que recuerda el momento de morir en Burdeos, como Goya, al que varias veces interpretó.  -“Me han quedado tantas cosas por hacer…Si me hiciera una tarjeta ahora pondría: “No sé inglés, tampoco francés, tengo una cicatriz enorme en la cara y llevo peluquín.     (1) “200 VIDAS. PACO RABAL” se estrena en los cines de Madrid el próximo viernes 23 de octubre 2026.       -

Los niños están bien: un viaje solo de ida

« Con ternura y lucidez, este drama explora las fracturas familiares y el vértigo del vacío que deja una ausencia inexplicable » (Public).

Nathan Ambrosioni (“Theraphy”, “Les drapeaux de papiers”, “Tony en famille”), el más joven de los realizadores franceses -Premio FIPRESCI que otorga la federación de la prensa especializada,  Mejor Director en el festival de Karlovy Vary y Valois de Diamant en el Festival du Film francophone de Angulema-, con solo 26 años firma su cuarto  largometraje “Lo niños están bien” (Les enfants vont bien), emotivo melodrama familiar sobre el duelo, el abandono y el vacío que deja una desaparición, que comienza en un agosto lluvioso y plantea la “normalidad” de una situación llena de preguntas y dudas, incomprensiones y procedimientos administrativos. Una noche de verano, Suzanne se presenta de improviso, acompañada de sus dos hijos pequeños, en casa de su hermana Jeanne (Camille Cotin, excelente en el papel, lleno de dificultades, de una madre de sustitución), donde pasa la noche y desaparece por la mañana temprano dejando una nota escrita, en la que le deja la responsabilidad parental de los dos niños. La sorpresa inicial de Jeanne, quien vive sola en una casa grande y casi vacía, se convierte en .un enfado mayúsculo cuando, en la comisaría donde quiere presentar una denuncia, le explican que no pueden iniciar ninguna búsqueda porque no se trata de abandono: Suzanne es una persona adulta que ha decidido desaparecer y borrar su rastro. Y eso es legal. En principio, la desaparición  de la madre deja un silencio, un vacío y una tristeza que Jeanne no sabe cómo gestionar. El gesto silencioso de Suzanne  da paso al comienzo de una nueva vida para Jeanne y los dos hijos de su hermana, huérfanos de padre: Gaspard, (Manöä Varvat) de 10 años  y la pequeña Margaux (Nina Birman) de 6, los dos increíblemente espontáneos y naturales en sus papeles. En realidad, el éxito de “Los niños están bien” (1) se debe no solo a la labor de dirección, también a la sensibilidad que muestran todos los actores. “Maternidad, sororidad, filiación, amor, esperanzas, penas y pesares: en la película resuenan sutilmente muchas temáticas que navegan armoniosamente y con un máximo de honestidad (los sentimientos se contienen en el umbral de lo conmovedor) entre el punto de vista de los adultos y el de los niños” (cineuropa) Jeanne no ha querido nunca tener hijos, fundar una familia. Esta es una de las razones de que Nicole (Monia Chokri) terminara con la relación que mantuvieron durante varios años. Pasan los días y Suzanne no da señales de vida. Jeanne y los niños –no sabe nada de ellos, apenas les conoce- esperan que el teléfono suene en cualquier momento y les traiga noticias de la desaparecida. Con el apoyo de Nicole, que le cuida a los niños los fines de semana y cuando da muestras de agotamiento, acaba por resignarse, comprar dos camas individuales  e inscribirles en la escuela, para acabar aceptando la situación  que le ha sido impuesta y reinventando las estructuras de una nueva familia. “Yo quería hacer una película –explica el realizador Ambrosioni- que se pregunte como se puede construir algo a pesar de la ausencia, a pesar de que falta algo. ‘Los niños van bien’ es de alguna manera  un film de fantasma. Una obra habitada por un personaje que no está allí pero que va a impregnarlo todo, habitar la película a pesar de su ausencia (…) La película habla de todas esas maternidades cruzadas, abortadas, deshechas, impuestas”.   (1) « Los niños están bien » llegará a las pantallas madrileñas el viernes 23 de octubre 2026.

“Blue Heron” , lo complicado que es ser el mayor

“Blue Heron es una película del después, que hace de la memoria y las imágenes los únicos lugares capaces de devolver un atisbo de vida a aquellos que desaparecieron demasiado pronto” (Le Monde)

 

Sasha tiene ocho años cuando la familia recompuesta –padre y madre, dos hermanos menores gemelos y otro mayor, adolescente y difícil, procedente de una relación anterior de la madre- se muda a una casa nueva en la isla de Vancouver, a finales de los años 1990. El comportamiento del mayor de los hijos Jeremy, “psiquicamente indefinible” según los médicos, es cada vez más errático, menos predecible. Sobrepasados, los padres tienen que enfrentarse a una decisión complicada y terminante.

A partir de sus propios recuerdos de infancia y adolescencia, incompletos como son siempre los recuerdos, la cineasta  canadiense de origen húngaro Sophy Romvan traza en “Blue Heron”, su primer largometraje autobiográfico, un retrato profundamente personal de la infancia, las rupturas familiares, la salud mental, la fragilidad de la memoria y todo cuanto sigue acompañándonos a lo largo de nuestra vida: la película siembra dudas y plantea esas preguntas para las que nadie tiene respuesta..

Aplaudida en Estados Unidos como “una de las mejores películas del año” (rogerebert. com), premiada como Mejor Opera Prima en el Festival de Locarno y como Mejor Película canadiense en el de Toronto, “Blue Heron” –una película inteligente y madura- recibió también la Mención especial del jurado Zabaltegui en San Sebastián. “Blue Heron", que juega con la frontera entre ficción y documental, no deja a nadie indemne pues se despliega, con fuerza y emoción, a lo  largo de todas las latitudes sensoriales que permite el cine”.  (Les fiches du cinéma)

La memoria familiar ha sido el terreno explorado por la realizadora Sophy Romvari, de 35 años, en varios de los cortometrajes rodados antes de este primer largo:“Nine Behind” (una estudiante canadiense  llama al abuelo húngaro que no conoce, para hablar de cine); “Remembrance of Jozsef Romvari” (homenaje a su abuelo decorador); “Grandma’s House” (reflexiones en torno a las fotografías de su abuela en la vivienda de Budapest); “It’s Him” (en el cine, una joven descubre que en la película aparece, en segundo plano, una imagen de su hermano muerto;: “Still Processing” ( a partir de unas fotos que su padre nunca reveló, Sophy Romvari vuelve sobre un pasado que duele y los traumas generados por los fallecimientos recordados).

En “Blue Heron”, Sasha –como una doble de la cineasta ahora adulta que rememora, a la velocidad con que van apareciendo las imágenes en el papel mojado de una fotografía revelada- lo que fue su infancia en aquella casa donde pasó todo, donde se decidió el destino trágico del adolescente: recuerda a su padre trabajando en un ordenador rudimentario y grabando escenas caseras: a sus hermanos gemelos que prefieren la playa a la oferta televisiva, a su madre, grabando en cassettes los consejos de una psiquiatra infantil sobre Jeremy, cuyas constantes provocaciones se vuelven agresivas al mismo ritmo con que se va encerrando en sí mismo.

Alternando momentos de felicidad, como los desayunos en la mesa de la cocina, con otros de tensión, como la llegada del adolescente esposado por la policía,  que demuestran su angustia y el progresivo aumento de la distancia que le separa de sus padres, “Blue Heron”  nos mete de lleno en la depresión del chico y por extensión  en el fenómeno de la salud mental,  “ese mal invisible que corroe y consume en el silencio y lo que no se dice (…) que le lleva a optar por la provocación y la desobediencia, la violencia y el mutismo, como un grito sordo de alerta, una demanda de ayuda…” (culturepoing.com)

En palabras de la directora, Sophy Romvari “(…) El hecho de que las películas traten sobre registrar imágenes se conecta con mis problemas con la memoria. Cuestiono mis propios recuerdos todo el tiempo. Dudo de ellos. Así que “Blue Heron” (1) trata sobre intentar recordar, pero también sobre aceptar el hecho de que no es del todo posible, no realmente. Puedes recrear el recuerdo, pero se va desvaneciendo y es difícil aferrarse a él.

 

(…) Jeremy está basado en mi hermano y, al igual que él, es un misterio. Los mapas que dibuja apuntan a eso: a un mundo interior al que nunca llegamos a acceder del todo. Eso es muy fiel a la experiencia que tuve con mi hermano y a la dificultad de representar el tipo de persona que era. Era único. Lo mejor que sentí que podía hacer era enfatizar el misterio y quitarle la voz en la película. No tiene mucho diálogo; creo que tiene dos líneas en toda la película. Una es ‘Creo que hay muchas cosas que no recuerdas’, que podría ser la tesis de la película”.

 

(1) “Blue Heron” se va a estrenar en Madrid el próximo viernes 23 de octubre 2026.

“La voz quebrada”: queremos tanto a Lorca!

“Más allá del personaje histórico y del mito universal, la película une  memoria, amor y creación artística, para ofrecer una nueva mirada sobre Lorca en el 90 Aniversario de su asesinato”.

 

En tiempos remotos y a punto de caer en el olvido, cuando los hombres tenían prohibido llorar, cuando un padre de Albacete le gritaba a su hijo en pijama que “el color azul es cosa de maricones”, cuando un viaje en tren Madrid-Granada era más una odisea que una aventura, hasta el punto de que se consideraba casi una obligación despedir al viajero en la estación de Atocha,

En los tiempos en que el golpista General Queipo de Llano lanzaba desde Sevilla soflamas incendiarias llamando a los salvapatrias a liberarla “de granujas e invertidos”, Federico del Sagrado Corazón de Jesús García Lorca –poeta, prosista, dramaturgo y director teatral, una de la grandes personalidades de la “Generación del 27”, creador del grupo de teatro universitario La barraca-  con treinta y ocho años, un pié en el andén y el otro en el primer escalón del tren, recordaba a Juan Ramírez de Lucas, su  amante de diecinueve años, que el 18 de julio era su onomástica y no debía olvidarse de escribirle: “No llores. Dos meses pasan pronto”.

Era el 16 de julio de 1936, ni Federico ni Juan tenían la más mínima idea de lo que el destino había reservado para dos días más tarde; a ninguno de los dos les preocupaba en ese momento –tampoco al grupo de amigos que despedía en Atocha al autor de “Yerma”, “Bodas de sangre”, “Poeta en Nueva York”, “Sonetos del amor oscuro”  o “El poema del cante jondo”- la existencia del general Quéipo de Llano, “el carnicero de Andalucía”, que avanzaba desde África al frente de unos soldados  con la sagrada misión de limpiar el mapa de España de masones, anarquistas, comunistas, gitanos y homosexuales.

Entre Salvador Dalí –dicen que el primero- y Ramírez de Lucas -el último- Federico García Lorca mantuvo relación con varios hombres, alguno de los cuales –también el último- acabaron  integrándose en el “régimen franquista”.

Los guardiaciviles que acudieron a casa del poeta Luis Rosales, donde se había refugiado Federico, le secuestraron, le encerraron en la localidad de Viznar, le acusaron de espionaje y traición, de ser masón, homosexual y socialista, y se supone que le fusilaron en la madrugada del día de su santo. Después, se supone que arrojaron su cadáver a una fosa común. A día de hoy, siguen sin encontrar sus restos a pesar de los muchos intentos efectuados, en aplicación de la Ley de Memoria  Democrática, por equipos de investigadores  y grupos más o menos oficiales.

En Septiembre, un periódico de Albacete desveló el posible asesinato de Federico García Lorca. Inmediatamente, reprodujeron la noticia el resto de diarios nacionales y llegó a la prensa internacional. En octubre, un intelectual como H.G. Wells pedía noticias de Lorca  a los mandos del ejército franquista. Le respondió un oficial que no tenía ninguna noticia. La única vez que el dictador Franco se refirió al poeta fue en declaraciones a un diario argentino, reconoció que le habían matado y dijo que eran cosas que pasan en las guerras. 

Juan Ramírez de Lucas se unió al ejército republicano, junto a su hermano Otoniel, médico. Hay constancia de que una vez recitó para los “camaradas” el poema de Antoñito el Camborio, “el que murió de perfil”. Después en Albacete, donde le conocían  como “el rubio”, y en Madrid hasta 2010 cuando falleció, ejerció de periodista en el diario ABC al tiempo que guardaba celosamente el secreto de aquel amor que mantuvo vivo en los papeles, en los folios, hojas de cuadernos y revés de anuncios  que Federico había llenado con dibujos surrealistas,  poemas y cartas de apretada y torcida escritura.

Noventa años después del asesinato de Federico García Lorca,  “La voz quebrada”, el documental de Manuel Menchón (“Palabras para un fin del mundo”)que revela su último amor, presentada en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián, reconstruye la historia de amor entre Lorca y Juan Ramírez de Lucas y se adentra  en la dimensión íntima de Federico García Lorca, documentada a través de materiales excepcionales, invitando  al espectador a un viaje emocional al corazón de una historia que permaneció silenciada durante más de siete décadas.

El asesinato de Federico García Lorca en 1936 convirtió al poeta y dramaturgo en un mito universal. Pero durante décadas permanecieron ocultos un nombre, una relación de amor y un plan de huida a México que podrían haber cambiado el destino del poeta. “La voz quebrada” reconstruye la relación entre Lorca y Juan Ramírez de Lucas, considerado por los investigadores su último amor, a partir de un extraordinario conjunto de materiales inéditos conservados durante décadas:  cartas, poemas y recuerdos. Juan dejó escrito que, tras su muerte, todo debía saberse.

En “La voz quebrada” (1), l actor y dramaturgo Álvaro Morte  (“La casa de papel”) interpreta con su voz a  Federico García Lorca,  junto a Francesco Carril, Joaquín Notario, Pedro Casablanc, Verónica Sánchez, Víctor Clavijo, María Galiana y Alberto San Juan que también participan con sus voces en la película. 

 

(1) “La voz quebrada” llega a los cines de Madrid este viernes 16 de

 octubre 2026.

“La invitación”, el amor en tiempos de impostura sentimental

“Deberíamos estar siempre enamorados”  (Oscar Wilde)

“Esa es la razón por la que no deberíamos casarnos nunca” (Olivia Wilde).

 

 

Algunos apellidos parecen tener un peso decisivo en la peripecia vital de quienes los llevan. Si pensamos que durante el rodaje de la película “La invitación” su directora, Olivia Wilde, acababa de pasar por una ruptura sentimental, quizá podamos entender mejor el estado de ánimo -preconizado- con que pudo enfrentarse al tercer largometraje de su trayectoria profesional.   Vista recientemente en el Festival de San Sebastián, tras su exhibición en los de Sundance y Locarno, “La invitación” (“The invite”), dirigida e interpretada por Olivia Wilde (“Super empollonas”, “No te preocupes, querida”) es una comedia dramática negra que aborda algunos problemas de pareja “aparentemente superficiales”, una historia íntima bastante incómoda que ocurre a lo largo de una noche durante una cena entre vecinos, situación propicia para que afloren secretos celosamente guardados.   Una comedia “cínica, sexy y… divertida » (Kevin Laforest, cinoche.com) con el que la realizadora estadounidense regresa al festival donostiarra, una situación dramática incómoda y muy teatral, para la que ha contado con los actores Seth Rogen (“The Stdio”, “Virgen a los 40”), Penélope Cruz (“Volver”, “Vicky, Cristina, Barcelona”), Edward Norton (El club de la lucha”, “American History X”) y la propia Olivia Wilde.  Cuatro intérpretes que han puesto a prueba su registro para la comedia dramática (algo que parece imposible para casi todo, pero no para el cine, en las películas no hay nada imposible).   En San Francisco, el matrimonio de Joe y Angela atraviesa una situación muy delicada. Cuando invitan a cenar a Pina y Hawk, los enigmáticos vecinos del piso de arriba a los que escuchan hacer el amor con frecuencia, la noche se transforma en algo inesperado, completamente distinto de lo habitual en situaciones parecidas.   El profesor de música Joe  -un tipo depresivo que en otro tiempo tocaba en un grupo de rock-  regresa del trabajo y se entera de que su hija duerme esa noche en casa de una amiga. Ángela, su esposa –una mujer con poca confianza en sí misma y siempre pendiente de “caer bien”- está preparando una cena especial para agasajar a los vecinos, a quienes no conocen. Ninguno de los dos se siente cómodo durante la velada.   Oficialmente, la cena es una manera de excusarse por los ruidos que han podido molestarles,  causados por  las obras de renovación efectuadas en el apartamento recién heredado. En este punto, Joe menciona que los vecinos – Pina y Hawk, una psicoterapeuta y sexóloga y un bombero jubilado- también hacen mucho ruido, sobre todo por la noche, cuando copulan  “como monstruos”.   Mientras que los anfitriones son una pareja snob siempre  incómoda y manteniendo la distancia de las apariencias, los vecinos en cambio son dos personas relajadas, libres, bastante excéntricas y naturales.   Escrita por los guionistas Will McCormack y Rashida Jones, adaptación en inglés de la película española “Sentimental” de Cesc Gay  -adaptación a su vez de la obra teatral “Los vecinos de arriba”-,  en “La invitación” manda una pareja moderna, muy cínica y también divertida. Toda la historia transcurre prácticamente en un único lugar, el apartamento de Joe y Angela, y en el transcurso de una noche. El rodaje se hizo casi en tiempo real. Los cuatro personajes, todos presionados cada cual a su manera, podrían perfectamente encontrar acomodo en una de las historias clásicas de Woody Allen.    La tensión entre las dos parejas oscila de la competición a la admiración. Desde el principio intuimos que la cena saldrá mal, que la reunión va a adquirir un carácter forzado y que los cuatro personajes pasarán por diferentes momentos, muchos de los cuales acusarán esa misma incomodidad que siente el espectador en su butaca.   “La invitación” es una refrescante historia, a veces una pesadilla,  sobre personas y personajes, sobre las frustraciones de pareja y las divergencias,  sobre el afecto  y el sexo, el paso del tiempo y lo que dura el amor.

(1) “La invitación” se estrena en los cines de Madrid el viernes 16 de septiembre de 2026.

 

 

 

“Nightborn”: la maternidad vivida como una pesadilla

"Una eficaz mezcla de mitología finlandesa y terror cronenbergiano (1). Una historia tensa y accesible en la que los bebés pueden realmente ser pequeños monstruos”. (Catherie Bray, Variety)

 

 

Premiada como Mejor Película en el Fantasía Festival de Montreal, Canadá, “Nightborn”, dirigida por la finlandesa Hannah Bergholm (“Ego”), es una fábula visceral sobre la maternidad y el amor incondicional. Una provocadora combinación de terror folclórico y humor negro, “tan perturbadora como visualmente deslumbrante”, ha pasado por el Festival Internacional de Cine de Berlín (Berlinale) 2025, y estos días compite en el Festival de Sitges, primera muestra de cine fantástico y de terror del mundo, que se celebra del 8 al 18 de octubre en esa localidad catalana. .

 

En 2022, Hanna Bergholm cosechó unos cuantos premios en festivales por su primer largometraje, “Ego”,  pesadilla finlandesa sobre el paso de la niñez a la adolescencia,  y sobre la relación de una adolescente de doce años con una criatura extraña salida de un huevo.  En “Nightborn”,  sin salirse del horror fantástico que parece ser su marca de fábrica, “sobre el telón de fondo de los bosques y los mitos finlandeses, explora los meandros del post parto” (Lison Chambe, France Televisions).

Interpretada por Seidi Haarla (“Compartiment nº 6”) y Rupert Grint (“El gabinete de curiosidades de Guillermo del Toro”, “Knock at the Cabin”),  el Ron Wesley de la saga de Harry Potter, “Nightborn” cuenta que Jon y Saga son un matrimonio que se traslada de Londres a Finlandia con intención de, una vez acondicionada, llevar una vida tranquila  en la casa donde ella pasó gran parte de su infancia, una antigua edificación en madera que cruje en pleno corazón de un espeso bosque, donde esperan la llegada del primer hijo de la pareja.

El nacimiento del niño no convence a Saga, que lo encuentra inexplicable y repulsivo, que parece gruñir en lugar de llorar, tiene la espalda cubierta de pelos y, en lugar de mamar, le muerde los pezones hasta que sangran. Mientras Jon no parece notar  nada raro, Saga -para quien está claro que no se trata de un bebé normal- cree que pudiera ser un ente maléfico (quizá enviado por los espíritus del bosque), que le produce sensaciones alternas de amor, fascinación y miedo.

La infancia, la pareja, y la maternidad, son temas que se repiten en las modernas películas de horror, seguramente porque forman parte de  las cuestiones que angustian hoy al hombre, y a la mujer, contemporáneos.

Hanna Bergholm incorpora la fantasía a esta película de terror, cuyo argumento gira de  principio a fin, en torno a ese bebé que la pareja entiende de manera diversa, y que parece ser casi una consecuencia lógica del ambiente que existe en la vieja mansión que el bosque parece tragarse, completamente alejada del mundo exterior y sin más conexión con ese mundo que el viaje en coche que cada día efectúa Jon hacia  su trabajo, del que no sabemos nada: ni de qué se trata, ni donde tiene lugar.

Mientras, la joven madre permanece aislada sin conseguir establecer ningún tipo de relación afectiva con el niño, cuyo desarrollo contempla y  estudia con la misma perplejidad que le causaría tener delante un animalito recién llegado a la vida, al tiempo que intenta no someterse a  la presión social que en la actualidad soportan las madres jóvenes, en este caso ejercida por la familia –madre, hermana, sobrina- y algunas antiguas amistades recuperadas.

Según el productor Daniel Kuitunen  “Nightborn” (2) ofrece un marco fascinante para abordar las complejas emociones y experiencias de la maternidad.. Hanna Bergholm (…) realiza un trabajo magnífico narrando la metamorfosis psicológica a través del cambio físico y, al hacerlo, permite que el espectador se sumerja profundamente en el inconsciente de la protagonista.

Muestra lo que el espectador ni siquiera se atreve a pensar que existe”.

 

 

(1) De David Cronenberg  (“La mosca”, “Promesas del Este”, “Una historia de violencia”),  realizador canadiense de 83 años, uno de los maestros del “horror corporal” que elimina la frontera entre lo mecánico y los orgánico, Carroza de Oro en el Festival de Cannes 2006, un premio a toda su trayectoria.

(2) (1) “Nightborn” estará en la cartelera madrileña a partir del próximo viernes 16 de octubre 2026.

 

“Ceniza en la boca”: de nuevo el drama de la migración

"La migración genera heridas por abandono que definen toda una vida" (Diego Luna, entrevista Telva)

 

Tras pasar por las secciones oficiales de los festivales de Cannes (Special Screenings) y San Sebastián (Horizontes Latinos), “Ceniza en la boca”, cuarto largometraje del actor y realizador mexicano Diego Luna (“Abel”, “César Chávez”, “Mr. Pig”) basado en la novela homónima de la escritora, socióloga y economista Brenda Navarro, protagonizado por las actrices mexicanas Anna Díaz (“La cocina”, “Un cuento de pescadores) y Ariana Paz (Mejor Actriz en Cannes por “Emilia Pérez”, junto con sus coprotagonistas Zoe Saldaña, Karla Sofía Gascón y Selena Gomez)..

« Ceniza en la boca » nos habla de una mujer encerrada en una lógica de supervivencia: ha tenido que hacer de madre con su hermano menor, solo puede encontrar trabajos mal pagados y no consigue acceder a una existencia que satisfaga sus deseos y esté de acuerdo con su edad. Su aspiración a ser independiente y libre choca continuamente con una realidad que le recuerda que no puede permitirse hacer planes de futuro.

El duelo, la migración y la identidad femenina son algunos de los problemas con los que se encuentra Lucila, joven mexicana que, en busca de una vida mejor, viaja con su hemano Diego desde México a Madrid donde vive su madre, quien lleva ocho años trabajando ilegalmente para mantenerlos. Los hermanos afrontan de manera distinta su nueva vida: mientras Diego tiene serias dificultades para adaptarse, Lucila intenta sacar el máximo partido de su nueva vida, precaria,  sin arraigo y más dura de lo que imaginaba, en la que tiene que luchar contra el racismo y la misoginia de un sistema social profundamente desigual.

Convencida por una amiga, Lucila se traslada a Barcelona donde, lo mismo que en la capital, encadena distintos trabajos  ”en negro”, que oculta a su novio estadounidense. Lejos de su madre y su hermano, un acontecimiento inesperado la obliga a regresar a México.

 “Nunca ha sido más pertinente que ahora hablar de migración –ha confesado en San Sebastián el director de “Ceniza en la boca” (1), a quien avala el interés por las trayectorias marginales y los relatos contemporáneos con fondo social- Estoy muy emocionado de poder contar esta historia. Hemos trabajado tres años para llegar a este momento, soy muy afortunado al poder colaborar con un equipo de voces diversas y enriquecedoras que están aquí por las razones correctas”.

(1) “Ceniza en la boca” se podrá ver en los cines de Madrid a partir del viernes 9 de octubre 2026.