“NINO” sobre el impacto emocional del cáncer en personas jóvenes

 

Tras el estreno mundial en la Semana de la Crítica de Cannes, donde fue calificada como “uno de los grandes descubrimientos” del festival, la película “Nino”, primer largometraje de la cineasta francesa Pauline Loquès sobre un tema de rabiosa actualidad –por lo menos hasta el día en que se descubra el medicamento milagroso- : ese tiempo que parece suspendido  en que a un joven le comunican que padece cáncer. La película  se llevó dos galardones del Festival: el Premio Fondation Louise Roederer para Théodore Pellerin, como actor revelación; y el Premio del Público de Valbonne, que confirma el fuerte impacto emocional que causó entre los espectadores.   “Nino” tendrá su estreno en España en la 69ª edición de la Semana Internacional de Cine de Valladolid (SEMINCI) –a celebrar entre el 23 y el 31 de octubre de 2026- donde competirá en la Sección Punto de Encuentro, consagrada a ficciones que ofrecen un diálogo abierto con los espectadores, narrativas fluidas y miradas personales que componen una cartografía urgente del cine y el mundo contemporáneos. “Nino” – que también ha recibido el Premio Ornano-Valenti a la mejor ópera prima francesa del año- son los tres días que le quedan al protagonista para enfrentarse al combate contra el cáncer, es el tiempo de que dispone antes de pasar la primera gran prueba. Es, sobre todo, una película que recorre París acompañando al joven Nino en el carrusel de emociones, trampas y obstáculos    que la vida  le va  poniendo cuando tiene que enfrentarse a la realidad del cáncer, una enfermedad que cada vez afecta a un mayor número de jóvenes,  según el estudio publicado en el pasado mes de marzo por el British Medical Journal Oncology, reproducido por el digital francetelevisions.fr, una de cuyas conclusiones es que en treinta años habrá aumentado en un 79%  la incidencia de cáncer precoz en adultos de menos de 50 años. Nino es jóven y acaban de diagnosticarle un cáncer de laringe . La doctora que se lo comunica le anuncia también que en tres días deberá comenzar el tratamiento y le explica un par de cosas que debe hacer para prepararse antes de la primera sesión de quimioterapia. Una serie de acontecimientos que, de manera caótica, se suceden en esos tres días le colocan, como en un sueño,  frente a la realidad de su existencia   En esas pocas horas en que se mezclan la noche y el día de forma que parece que el tiempo se suspende, Nino celebra su cumpleaños con su madre, a la que al final no le habla del cáncer, pero sí de su padre, pierde una vez más las llaves de su casa, visitará a su expareja, intentará, sin conseguirlo, hablar de su problema con las personas más cercanas y, finalmente, se encontrará con un antiguo compañero de colegio, al que no recuerda pero que le ayudará a hacer aquellas dos cosas que le había recomendado la médico.     La historia de este Nino está inspirada en la de Romain, un conocido de la directora, Pauline Loqués, fallecido de cáncer a los 37 años. Para escribirla, la realizadora estuvo investigando sobre la enfermedad y sus protocolos, se entrevistó con oncólogos y enfermos. El resultado es un relato dramático, tierno, delicado, y no exento de algunas gotas de humor, del momento crítico en que la verdad sobre su estado de salud afecta al  equilibrio emocional de “Nino” (1), un personaje que borda el joven actor canadiense Théodore Pellerin.   (1) « Nino » llegará a la cartelera madrileña el próximo viernes 26 de junio de 2026.

“Viaje al país de los blancos”, una historia de dignidad sobre el drama de la migración

«Necesito contar mi historia hasta que no haya más historias como la mía por contar»

(Ousman Umar)

 

“Viaje al país de los blancos”, primer largometraje de ficción del director Dani Sancho, es la adaptación  cinematográfica  del libro de Ousman Umar, quien se interpreta a sí mismo en la película en la edad adulta. Le acompañan. en las etapas de adolescencia y niñez, los debutantes Benjamin Kakraba y Victor Sey,

La historia, que conmueve e inspira, basada en la vida del ugandés Ousman Umar,  cuenta también con Emma Vilarasau en el papel de Montse, que es la persona buena, la mano tendida a la que Ousman se agarró para llevar a cabo la transformación que acabó convirtiéndole en el divulgador y activista por los derechos humanos que es hoy.

 

Con solo 14 años, Ousman Umar abandonó su aldea en Ghana para emprender un largo y peligroso viaje hacia Europa, atraído por la idea del “país de los blancos”, un lugar lejano que alimentaba su curiosidad. A diferencia de los miles que se quedan por el camino, tras un interminable viaje por tierra y mar, logró llegar a Barcelona, donde descubrió que la vida no se parecía en nada a la que había imaginado. Tras vivir en la calle, y pasar el día huyendo de la policía vendiendo en el top-manta, un buen día conoce a Montse, quien le acoge en su casa y le ofrece la posibilidad de labrarse un futuro.

 

 Ousman aprovecha la oportunidad y la convierte en algo realmente importante. Actualmente, es un famoso activista por los Derechos Humanos, divulgador, escritor y empresario. Autor de dos libros (“Viaje al País de los Blancos” y “Desde el País de los Blancos”),se ha convertido en una figura pública al asistir a medios de comunicación y eventos internacionales para dar a conocer su impactante historia, dar a conocer Nasco Foundation y concienciar a la sociedad actual sobre lo que, para él, es una de las grandes problemáticas del tercer mundo: la falta de información.

 

 Nasco Foundation, fundada en 2012 por Ouman Umar, es una ONG que busca cambiar el paradigma de la ayuda humanitaria tradicional, apostando por la educación digital y el emprendimiento, como motores para frenar la migración forzada, permitiendo que el talento local genere sus propias oportunidades de negocio y empleo. La fundación consolida un modelo de cooperación horizontal, a partir del empoderamiento tecnológico y la libertad de elegir el propio camino.  

 

Para el afortunado protagonista de esta historia, verla convertida en película “es un sueño que trasciende lo personal: es la voz de miles de jóvenes que, como yo, emprenden viajes imposibles en busca de oportunidades. Este proyecto no solo visibiliza nuestra resiliencia, sino que invita al mundo a mirarse en el espejo de las migraciones con humanidad y esperanza. Es un llamamiento al mundo entero a acompañarnos en nuestra misión de alimentar mentes en origen, mediante la educación digital. La solución de la migración forzada pasa por crear  oportunidades de trabajo en  origen, tal como lo hacemos a través de los proyectos de “Nasco Foundation”.  

En palabras del director, Daniel Sancho dirigir “Viaje al País de los Blancos” (1) ha sido mucho más que hacer una película, ha sido sumergirme en una historia real que interpela, conmueve y emociona. Un viaje físico y emocional entre Ghana y España.
Durante años he acompañado a Ousman Umar para entender no solo sus orígenes y  recorrido migratorio, sino también la culpa, la esperanza y la fuerza incansable que lo impulsa a ayudar a los demás. Esta película nace del deseo profundo de contar con verdad una realidad que a menudo no conocemos —o no queremos ver."

(1) “Viaje al país de los blancos” estará en los cines madrileños a partir del viernes 26 de junio de 2026.

Bajo el mismo sol"

 « Cuestiona las relaciones de poder en una dimensión eminentemente política de explotación del otro(…) en este sentido podría ser considerado como una reflexión filosófica, económica y política a partir de la lectura de “Las venas abiertas de América Latina, de Eduardo Galeano” (Alfonso Rivera, Cineuropa).

“Bajo el mismo sol”, película escrita y dirigida por el cineasta catalán Ulises Porra (“Tigre”, Carajita”, Mención Especial dl Jurado en el Festival de San Sebastián,  es un drama histórico sobre la supervivencia, el choque cultural y la dignidad humana en el Caribe colonial protagonizado por David Castillo (“Aida”, “Qie nadie duerma”, “Los favoritos d Midas”), junto a la debutante Valentina Shen Wu (Premio a la Mejor Actriz en el Havana Film Festival in Dew York) y l actor dominicano Jean Jean (“Carpinteros”). .

“Bajo el mismo sol”, estrenada en la sección Centerpiece del Festival Internacional de Cine de Toronto (TIFF), y exhibida en el Festival Biarritz Amérique Latine —donde se alzó con el Premio del Jurado, el Premio de los Biarritz y el Premio del Sindicato Francés de la Crítica de Cine –, ambientada a principios del siglo diecinueve, es un relato de gran sutileza e intensidad que explora las complejidades del mestizaje, el arraigo y la ambición humana a través del cruce de tres identidades despojadas de su tierra natal que se ven obligadas a construir un espacio común para sobrevivir.  

1819. La película cuenta la historia de Lázaro, un joven heredero español, que viaja a La Española (actual república Dominicana) con el objetivo de culminar el proyecto fallido de su padre: establecer una fábrica de seda en el Caribe, para lo que cuenta con la ayuda de Mei,  una experta tejedora china y de Baptiste, un desertor del ejército haitiano. Los tres luchan por encontrar su lugar y su humanidad en el tenso cruce de culturas del Caribe colonial.

Para su director, “Bajo el mismo sol” se despliega como una contemplación del drama y la belleza de la hibridez cultural en tiempos del colonialismo caribeño, al mismo tiempo que cuestiona el papel de los colonos de segunda generación. En el fondo, sin embargo, es una historia de personajes que, a mi parecer, nos devuelve la mirada desde el presente. La película cuenta la historia de tres figuras anónimas que luchan por sobrevivir y ser tenidas en cuenta. Un relato sobre el deseo de progresar, de amar, de ser mejores. Es también el retrato de un mundo que, por primera vez, se vuelve pequeño: un mundo marcado por la desigualdad y la codicia, al filo de un cambio radical. Un mundo que, de muchas formas, se parece al nuestro."

 

(1) “Bajo el mismo sol” se puede ver en los cines de Madrid a partir de este viernes 19 de junio de 2026.

 

 

 

"15 pruebas de amor"

“Una crónica de la maternidad tan impecable como conmovedora”

 

El cine, como el resto de manifestaciones artísticas, y como muchas otras actividades y comportamientos humanos, está sometido, en mayor o menor medida a la tiranía de la moda, a los vaivenes de “lo último”, “lo que se lleva”. A medida que la sociedad va consiguiendo ampliar el espectro de sus libertades, el cine lo incorpora dándole carta de naturaleza.

En este sentido, lo que lleva en los últimos meses son películas con protagonistas lesbianas. Nada sorprendente, tampoco nada peyorativo. A la sociedad le está costando más reconocer que puede existir, y de hecho existe, amor entre dos mujeres, una vez que ya ha aceptado plenamente la existencia del amor entre dos hombres. Sobre todo porque ellos salieron –o les sacaron- del armario antes que ellas;  porque la relación sentimental, amorosa y sexual entre dos mujeres se ha mantenido durante siglos en el terreno de la ambigüedad, cuando no de la negación, camuflada en forma de amistad. Desde siempre las mujeres han podido  amarse, acariciarse, besarse, compartir vivienda y cama, sin que el juicio de su comportamiento llegara más allá de la excentricidad.

Volviendo al comienzo de este comentario, la película “15 pruebas de amor (“Des preuves d’amour” en Francia y “Love Letters” en el universo anglosajón), ópera prima de la cineasta francesa Alice Douard, es “un relato profundamente íntimo, romántico y cercano –asegura la propia realizadora- una crónica de la maternidad tan impecable como conmovedora” (1), sobre la relación de dos mujeres que se quieren, comparten sueños y planes de vida, y están esperando el nacimiento de su primera hija. Evidentemente, lo esperan ambas pero solo una de ellas está embarazada. Además, para llevar a cabo la inseminación, se trasladaron a un país nórdico, donde es posible conocer la identidad del donante, “por si algún día, la niña pregunta por su padre”.

Nadia y Céline viven en pareja desde hace más de diez años, ahora se han casado porque van a tener una niña. Céline (la actriz franco-suiza Ella Rumpf, « Grave », « Couture »), disc-jockey, y Nadia (Monia Chokri, actriz y realizadora canadiense, “Laurence Anyways””, “Love Me Tender”), dentista, esperan el feliz acontecimiento. Nadia está embarazada, Céline tendrá que adoptar a la pequeña una vez que nazca, para que se le reconozca como un segundo padre/madre. Para llevar a cabo el laborioso trámite burocrático, que en Francia dura entre 8 y 18 meses, Céline tiene que presentar los testimonios escritos de quince personas que atestigüen que realmente está presente en la vida de Nadia, y de la niña que va a nacer. Testimonios que, como le dirá la funcionaria que le pide 2.500 euros para el papeleo, “no sean solamente de vuestras amigas lesbianas”.

Céline va a convencer a su madre, Marguerite (Noémie Lvovosky, “La grande Magie”, “L’envol”, una pianista famosa, intensa y torturada), con la que mantiene una relación complicada,  para que le escriba uno de los testimonios. Cuando se cumplen los seis meses de embarazo, Nadia está muy cansada mientras Céline reflexiona sobre el lugar que ocupará en la familia que están creando.

 

Conocedora del asunto gracias a la experiencia que ha vivido durante el embarazo de su mujer,  la realizadora Alice Douard quiere, en “15 pruebas de amor”, explicar las diferentes etapas que tiene que superar una pareja homosexual cuando quiere adoptar en Francia (supongo que la norma será más o menos parecida en el resto de países occidentales).  Porque ser madre biológica es algo evidente, pero no resulta fácil ser reconocida como madre de un niño que no se ha llevado dentro.

Estrenada en la Semana de la Crítica del Festival de Cannes, Mención especial en el Festival de Cine de Zurich, Premio del Público en el Festival de Cine de Hamburgo y en el Festival Cinemania de Montreal, y elegida Mejor Película y ganadora del Premio Europa Film Festivals en la muestra de Gijón, “15 pruebas de amor” (2) es una comedia romántica que explora “las relaciones personales, la maternidad y los desafíos emocionales contemporáneos” (mundiario.com)

 

 

(1) La legislación francesa, y más concretamente la « ley Taubira » (bautizada con el  apellido de quien era  Ministra de Justicia en 2013,  Christiane Taubira, que fue quien la presentó y defendió ante el Parlamento, compuesto por el Senado y la Asamblea Nacional), más conocida como la “ley del matrimonio para todos”, modificó el código civil que ahora reconoce que dos personas del mismo sexo pueden contraer matrimonio, así como adoptar

 

(2) “15 pruebas de amor” estará en los cines de Madrid a partir del próximo viernes 19 de junio de 2026.

“Una pistola, una bala y un oso panda”, una película diferente sobre la segunda oportunidad

El cineasta catalán Oriol Cardús ('Entre Mareas') estrena 'Una pistola, una bala y un oso panda', su primer largometraje de ficción. Se trata de una película diferente, una comedia que mezcla humor y drama existencial con una fuerte carga simbólica. Es, en el fondo, una invitación a dejar atrás el victimismo y lanzarse sin red hacia lo que uno desea, con la convicción de que siempre hay una segunda oportunidad. 

La película está protagonizada por Alain Hernández ("Las hijas de la criada", "Sueños de Libertad"), José Troncoso ("En los márgenes", "Gym Tony") y Teresa Ferrer ( "Los miserables: el musical", "Tengamos la fiesta en paz"). Además, cuenta con la participación de Petra Martínez ("La vida era eso", "La que se avecina"), Emma Ozores ("Aquí no hay quien viva"), Patricia Conde ("Machos Alfa 4", "Velvet colección"), Mar Ulldemolins ("El Ministerio del Tiempo"), Carles Martínez ("Mi amiga Eva"), Francesc Ferrer ('Saben aquell", "El 47",) y Dafnis Balduz ("Los renglones torcidos de Dios"). 

Rodada en diferentes localizaciones catalanas con un presupuesto de cinco millones de euros aportados íntegramente a través de financiación privada, mediante la fórmula “Agrupación de interés económico”,  'Una pistola, una bala y un oso panda' cuenta la historia de Saúl, un director de cine abandonado por su pareja, en paro y con la cuenta bancaria al límite, que atraviesa una depresión profunda que le tiene recluido en casa desde hace más de un mes. La aparición de un misterioso  paquete en su rellano —que contiene un revólver, una bala y una enigmática nota—  desencadena una cadena de acontecimientos que cambiará su vida por completo. Acompañado de Raúl y Maite, sus dos mejores amigos, Saúl emprende una aventura alocada y cargada de giros inesperados, donde nada es lo que parece y donde la realidad se mezcla a menudo con los sueños. 

El director Oriol Cardús y Jordi Carbonell son la cabeza visible de Sin Parpadear (“Sal & Dean”, “Entre mareas”, “Prou Bé”, “Adrià. Un amor genui o un deure?”, “El productor”),  productora con un enfoque innovador y personal en proyectos audiovisuales definidos como  “cine de género de autor”,  en la que intentan hacer películas singulares, de la comedia al musical, con el foco puesto en tener una “personalidad propia” con producciones que “rompan con lo que la gente puede esperar al entrar en la sala”

Oriol Cardús lleva años trabajando como cortometrajista y en 2025 estrenó el documental “Entre mareas”. En una entrevista reciente, Cardús afirma que entre las comedias familiares y las comedias adultas de tono social presentes en la cartelera española, “Una pistola, una bala y un oso panda’ busca huir de la sensación de déjà vu, desde el título, la imagen, el guion... Una comedia que sin ser autobiográfica navega también por temas que tocan de forma directa a cualquier director o directora de cine: el protagonista es un director en crisis al que le cuesta sacar adelante su película”. 

 

(1) “Una pistola, una bala y un oso panda” estará en los cines de Madrid a partir de este viernes 12 de junio de 2026.

 

 

“Un hombre de verdad”, de las dificultades de aprender otra forma de vida

 

 

“Un hombre de verdad”, ópera prima de Liteo Pedregal, comedia dramática luminosa y corrosiva sobre la masculinidad contemporánea, y la dificultad de cambiar patrones aprendidos,  protagonizada por Carlos Olalla (“El mundo es suyo”, “Olvido”), Olivia Molina (“Un burka por amor”, “Memoria de mis putas tristes”) y Rosario Pardo (“Cuéntame”). Tras su presentación en festivales, el film inicia ahora su recorrido con vocación de conectar con un público que se verá reflejado en la crisis vital de su protagonista.   “Un hombre de verdad” narra la historia de Guillermo quien, tras la repentina muerte de su esposa, debe replantearse sus rígidos valores machistas y aprender a ser independiente. Rodada en Madrid y Tenerife, con guión del director y Roberto Alfaro (“Ni pies ni cabeza”, “El secreto de Amila”), completan el reparto Laura de la Uz y Aroa Núñez, con la colaboración especial de Natalia Dicenta, Imma Sancho y Máximo Valverde.     Guillermo es un neurocirujano de setenta años acostumbrado a que su mujer, María , le atienda como espera todo hombre “que se viste por los pies”. Su única hija, Nuria , vive en otra ciudad y no mantiene una buena relación con él. Sin embargo, la repentina muerte de su esposa hará que se vea obligado a replantearse los valores machistas, fruto de su educación, y que empiece a valerse por sí mismo, algo que no ha hecho en toda su vida.   Cuatro mujeres –su vecina Ángela , una amante llamada Bárbara , una asistenta cubana de nombre Magali y, sobre todo, su hija Nuria, serán claves para acompañarle en el camino de transformación hasta llegar a convertirse en un hombre más coherente, justo e igualitario, “un hombre “de verdad”.    El director, Liteo Pedregal, subraya  que el verdadero centro de la película son las mujeres que rodean al protagonista, cuya empatía y determinación empujan a Guillermo hacia un proceso de descubrimiento personal.   “Un hombre de verdad” propone una reflexión, entre la risa y la incomodidad, sobre cómo se comporta hoy “un hombre de verdad”, en un contexto social que ya no tolera determinadas actitudes, pero que tampoco ofrece modelos claros de masculinidad alternativa.

 

(1) “Un hombre de verdad” llegará a los cines de Madrid el próximo viernes 12 de junio 2026.

“ELEONORA DUSE, LA DIVINA: el arte como salvación y consuel

« Un hermoso film sobre las relaciones entre arte y poder, escrito a medida para  Valeria Bruni Tedeschi ». (L’Humanité)

Coproducción franco-italiana estrenada en la última Mostra di Venezia, dedicada a la diva del teatro famosa en Italia como “la Duse” y bautizada como “la divina” por el poeta Gabriele D’Annunzio, la película “Eleonora Duse, la divina”, cuarto largometraje dirigido por Pietro Marcello (“Martín Eden”, “Bella e perduta”, “For Lucio”),  está  protagonizada por la actriz, guionista y realizadora Valeria Bruni Tedeschi (“La gran juventud”, “L’Attachement”, “Les Amandiers”), quien  borda el personaje de esta figura histórica acompañada por, entre otros,  Noémie Merlant (“Emmanuelle”), Fausto Russo Alesi (“El poeta y el espía”) y Vincenzo Nemolato (“La quimera”) y la actriz húngara Fanni Wrochna (« Tomorrow I Die »).

En 1920, en una Italia que entierra los restos de su soldado desconocido, que han llegado desde el norte hasta  Roma ocultos bajo un manto de medallas y adornos patrióticos en el vagón especial de un tren, cuando todavía está lamiéndose las heridas de la Primera Guerra mundial y tras una década alejada de los escenarios, la legendaria actriz Eleonora Duse tiene, con sesenta años,  la necesidad imperiosa de volver al teatro, el único lugar donde alguna vez fue verdaderamente libre, para culminar una carrera legendaria desarrollada a caballo de los siglos diecinueve y veinte.

Mientras a duras penas gestiona  la compleja relación que tiene con su hija,  el peso de los años y su historia de amor con el poeta Gabriele D’Annunzio, la gran actriz que fue Eleonora Duse asiste al auge del fascismo y la llegada al poder de Benito Mussolini, convirtiendo su regreso a los escenarios en una lucha contra el tiempo, el poder y su propia decadencia frente a un mundo en transformación.

Majestuosa y frágil “la divina”, víctima de la quiebra del banco donde guardaba su dinero se ve afectada por  el desastre económico consecuencia de la guerra en Italia, un país que está cambiando a la par que las aspiraciones de sus ciudadanos, mientras la literatura, lo mismo que el teatro, intentan encontrar su lugar en la reconstrucción nacional.  

“Eleonora Duse, la divina”, una película teatral sobre el teatro,  quiere ser algo más que un biopic, su director Pietro Marcello “confiesa querer auscultar el alma de la diva en os últimos años de su vida. En una sucesión de cuadros con una fotografía cuidada y poética, la película narra admirablemente el encuentro de una actriz con su arte y su siglo” (france televisions). El teatro la convirtió en una mujer “libre y responsable”, dos palabras que se repiten constantemente en la película, a costa de situar en un segundo plano la relación con su hija Henriette, quien siempre se ha sentido abandonada.

“La poesía es más lenta pero llega más lejos que cualquier guerra”

El cine se impone, el teatro lo percibe como una amenaza. El fascismo en el poder intenta seducir a “la Duse”, ofreciéndose para ayudarla económicamente y prometiéndole hasta un teatro “todo para ella”. Melodrama de memoria, “Eleonora Duse, la divina” (1) es una inmersión histórica en la Italia de los años 1920, un repaso a los últimos años de  vida de una gran drama del teatro, una ficción salpicada de auténticas imágenes de archivo que nos devuelven el retrato crepuscular de una actriz con todas las ambigüedades de su país y de su tiempo.

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(1) “Eleonora Duse, la divina” llega a la cartelera madrileña el próximo viernes 12 de junio 2026.