Sombra Nómada, « una historia de todos y de ninguna parte »

'Sombra nómada' nos permite asomarnos a una realidad que muy pocas veces hemos podido ver: la de los territorios ocupados del Sáhara Occidental, objeto de un fuerte bloqueo informativo (...) Una mirada poética que abre preguntas que desafían a la simplificación”. (Laura Casielles, periodista y escritora de “Arena en los ojos. Memoria y silencio de la colonización española de Marruecos y el Sáhara Occidental”).

Una historia de identidad, pertenencia y retorno que parece escrita a propósito para hablar del momento actual, cuando las diásporas de tantos países –algunos sin territorio ni estado- recorren el mapa europeo intentando encontrar un rincón donde asentarse. Tras pasear por  una veintena de festivales –entre ellos Toronto, Tallinm Black Nights, Santa Bárbara o el D’A Festival, “Sombra Nómada” (Nomad Shadow), ópera prima de la cineasta japonesa-estadounidense Eimi Imanishi  - quien acaba de recibir el Premio a Mejor Dirección en el Festival de Tirana- protagonizada por Nasdhira Mohamed.

La realizadora Aimi Imanishi nos habla de la realidad del Sáhara actual a través de una protagonista que ve su identidad dividida y se siente extraña en su tierra. Mariam, una joven treinteañera expulsada de España y forzada a regresar al Sáhara occidental, su país natal. Pero su tierra ya no es su hogar, le cuesta mucho readaptarse,  su mentalidad ha cambiado, sueña con regresar a Barcelona y tiene que enfrentarse a las tensiones familiares que provocó su partida, conciliar el amor a su país y a su familia con los nuevos valores aprendidos lejos de allí. “La posibilidad de regresar a España le acompaña como un Itaca inalcanzable”.  

A través del recorrido de Mariam, la película habla de desarraigo, fronteras, memoria y la dificultad de construir una identidad cuando ningún territorio termina de sentirse propio.

Su estreno coincide además con un momento especialmente significativo en la relación entre España y el pueblo saharaui. El pasado 10 de septiembre, el Congreso de los Diputados aprobó la proposición de ley sobre concesión de nacionalidad española a saharauis nacidos bajo administración española, que ha sido remitida al Senado para continuar su tramitación parlamentaria.

“Sombra nómada” es el debut en la dirección de largometrajes de la japonesa-estadounidense Eimi Imanishi, instalada desde hace unos años en Barcelona. El tema de la diáspora saharaui lo tiene buen estudiado pues en 2016 dirigió “Batallón a mi ritmo”, un cortometraje sobre una adolescente saharaui refugiada que se alista en el  ejército para salvar a su pueblo de la ocupación.

 En cuanto a la protagonista,  Nadhira Mohamed, es una actriz saharaui que pasó gran parte de su infancia en los campamentos de refugiados de Tinduf. Actualmente reside en Madrid y trabaja acompañando a personas solicitantes de protección internacional “Sombra nómada” es la segunda película de Nadhira, en 2011 protagonizó  “Wilaya” de Pedro Pérez Rosado.

La llegada de “Sombra nómada” (1)  a los cines está acompañada de preestrenos, pases especiales y encuentros con el público en distintas ciudades. En Madrid, el 1 de octubre tendrá lugar a las 19,30, en Cines Golen un preestreno solidario, con presentación y coloquio con Nadhira Mohamed y Taleb Alisalem, activista, escritor, periodista y analista político saharaui. El importe recaudado por la distribuidora y la productora será destinado a la asociación sin ánimo de lucro BUBISHER, dedicada a apoyar la expansión cultural en los campos de refugiados del Sáhara.

 

(1) El estreno general de “Sombra nómada” en los cines de Madrid es este viernes 2 de octubre 2026.

 

“La leyenda de la ballena cantora”: Una llamada internacional a salvar los océanos

 

«En nuestros días es fácil dejarse intimidar, replegarse en uno mismo, permanecer silencioso. Lo que yo quiero es que el público encuentre su voz, colabore y “cante” por la libertad y la paz”  (Reza Memari, realizador) Hace más de quince años, mirando un documental sobre las ballenas jorobadas, el cineasta Reza Memari descubrió que algunos de  esos mamíferos gigantes eran auténticos cantantes. « Ignoro por qué cantan y que significan sus cantos, pero me quedé completamente fascinado. No sé por qué, pero imaginé la historia de una de esas ballenas que no podía cantar. Hay algo universal en el hecho de que alguien encuentre su voz en un mundo donde a veces es difícil hacerse entender ».   Innovación tecnológica y concienciación ecológica se dan la mano en“La leyenda de la ballena cantora” (“The Last Whale Singer), un ambicioso proyecto de animación ecológica del cineasta germano-iraní Reza Memari. (“Richard la cigüeña”) Una aventura en el fondo del océano, una película de animación que recrea de forma pionera el universo marino y el complejo canto de las ballenas jorobadas, para alzar la voz alertando sobre la necesidad de proteger los océanos, y los seres que los habitan. Una película innovadora que ha conseguido el Premio al Director del Año en Cartoon Movie y el Premio del Jurado en el Blue Water Film Festival de San Diego (que anima a reflexionar sobre el cambio climático). Además, ha recibido calurosos aplausos en prestigiosos festivales del Cine de Animación, como Annecy, Zürich y Anifilm, por su mensaje de eco-concienciación marina.     Durante más de cinco años, el equipo de Reza Memari ha recreado el fondo marino con minuciosidad hiperrealista, tanto en el aspecto visual como en el auditivo, dando vida a un universo que posteriormente va a servir para crear una serie y un vídeojuego. La banda sonora y el canto de las ballenas es obra de dos artistas islandeses, el compositor Daniel Bjamason y Asgeir, autores de un sonido que es también un homenaje a todo el medio submarino, y muy particularmente a las fascinantes criaturas que son las ballenas cantoras.  Vincent, una joven ballena jorobada, es el huérfano del último Cantor de los Mares, cuya garganta mágica emitía unas canciones que protegían los océanos. Cuando el deshielo permite al monstruo Leviatán escapar del iceberg que le tenía prisionero, y con su tinta envenenada amenaza con la extinción de todo tipo de vida marina, Vincent debe encontrar su propio canto para conseguir pararle, y para ello inicia un peligroso viaje hacia la profundidad de los mares –acompañado por su guardián Walter, un pez rémora, y su nueva amiga Darya, una valiente orca sorda- con la esperanza de sacar a sus padres de la mítica Fosa de las Estrellas para que su padre pueda vencer al Leviatán. Vincent tendrá que ser capaz de vencer todos sus temores y encontrar su voz para salvar los océanos.   La historia de Vincent, la ballena adolescente que no encuentra su canto, con el que podría salvar a muchos habitantes oceánicos, es un relato de superación, un coming-of-age que, en palabras del realizador, recuerda que “el valor puede vencer al miedo”, y también que “juntos podemos crear algo hermoso” (un pensamiento que parece dedicado ex profeso a momentos como el actual, cuando la sociedad recupera lo mejor de sí misma y acampa en las plazas de las ciudades demandando justicia). “En un mundo donde es fácil guardar silencio, ‘La leyenda de la ballena cantora’ es una invitación a elevar la voz, colaborar y cantar por lo que más importa: la libertad, la paz y la protección de nuestros insustituibles océanos”.   La leyenda de la ballena cantora” (1) es una odisea ecológica, una película sobre la amistad y la confianza en uno mismo, pero también una llamada de atención sobre la conservación de la naturaleza y la destrucción del medio ambiente.   (1) “La leyenda a ballena cantora” se estrena en Madrid este viernes 2 de octubre 2026.

“Lucky Strike”, otro episodio de la Segunda Guerra Mundial

“Una historia de supervivencia en plena Segunda Guerra Mundial que apuesta por la tensión, el heroísmo individual y la resistencia humana frente a circunstancias imposibles”.

 

En el final de la Segunda Guerra Mundial, durante el invierno 1944-1945 los alemanes lanzaron una gran ofensiva para frenar el avance aliado en Europa, que fracasó por la superioridad numérica de los aliados y la falta de combustible. El fracaso costó a Hitler 15.000 muertos y la pérdida de 600 carros de combate, de forma que cuano los aliados volvieron a avnazar no encontraron nada que les detuviera. En marzo cruzaron el Rin y tras la caída de Berlín y el suicidio del dictado nazi, Alemania se rindió el 8 de mayo.

 Situado en esos momentos de lo que se conoce como   la Batalla de las Ardenas, “Lucky Strike” es un thriller de acción que narra la historia de Jon Castle, un soldado que, durante la última Gran Ofensiva alemana de la Segunda Guerra Mundial, la conocida como Batalla de las Ardenas, quedó atrapado tras las líneas enemigas. Armado únicamente con su radio Motorola SCR-300 –una tecnología novedosa que estuvo operativa al final de la guerra- deberá recurrir a su ingenio, y a sus habilidades de espionaje, para frustrar el avance del ejército nazi y encontrar el camino de vuelta a casa.

Dirigida por Rod Lurie (“The Outpost”, “Perros de paja”, “Asediados”), “Lucky Strike” tiene el morbo de que está interpretada por los hijos de dos estrellas de Hollywood: Scott Eastwood, hijo de Clint Eastwood, a quien recuerda constantemente tanto en el físico como en la viz (“Tin Soldier”, “Escuadrón suicida”, “Gran Torino”), y Colin Hanks, hijo de Tom Hanks (“Nurenberg”, “Band of Brothers”), además de Aunjanue Ellis Taylor (“King Richard”, “Exhibiting Forgiveness”) y Taylor John Smith (“Donde cantan los cangrejos”).

Gravemente herido, un soldado estadounidense lucha por sobrevivir durante la Segunda Guerra mundial, detrás de las líneas enemigas en la Bélgica devastada tras la brutal Batalla de las Ardenas. Aislado, herido en una pierna  y obligado a recorrer treinta kilómetros de un terreno invernal, enfrentado a condiciones extremas, cuenta con su ingenio,  el entrenamiento militar y la radio medio dañada a la que llama “Lassie”, como  única esperanza para conseguir evadir a las tropas enemigas que lo buscan y restablecer contacto con su unidad antes de que sea demasiado tarde.

Escasamente novedosa y parecida a otras películas “de guerra” vistas en los últimos años, “Lucky Strike” ofrece al espectador exactamente lo que espera ver: la historia de un soldado estadounidense que sobrevivió a la Segunda guerra Mundial después de “ganar” a los nazis.

Y para quienes se pregunten por el significado del título recordar que –aunque solo lo dicen una vez y apenas se escucha- “Lucky Strike” hace referencia a los cigarrillos de ese nombre y al hecho de que el protagonista dice que hay que encenderlos al revés, por la parte que lleva el nombre escrito.

 

(1) “Lucky Strike” se estrena en los cines de Madrid el próximo viernes 2 de octubre 2026.

“Narciso”: una víctima de la dictadura paraguaya

 “Mientras amenazas reales emergen alrededor del mundo, proyectos políticos testarudamente intentan arrastrarnos hacia atrás; necesitamos más películas y, sobre todo, necesitamos más coraje”.(Marcelo Martinessi)

 

A fines de los años cincuenta el rock and roll irrumpía en la tranquila ciudad de Asunción, Paraguay, al mismo tiempo que se gestaba en el país la dictadura más larga de América del Sur

 “Narciso” la nueva película del  cineasta paraguayo Marcelo Martinessi (“Las herederas”, ganadora de dos Osos de Plata en el Festival Internacional de Cine de Berlín, la Berlinale), que revisita un episodio siniestro  de la historia de Paraguay, tuvo su estreno mundial en la sección Panorama de ese mismo festival, donde recibió el Premio FIPRESCI de la crítica internacional.  

Martinessi viene de Paraguay, un país “en el que una larga historia de autoritarismo obligó a generaciones  a permanecer en silencio. Nuestra película ‘Narciso’ habita en ese tiempo oscuro y difícil, respira su miedo”. Juan Carlos Lemus,  representante del jurado de Fipresci señaló entonces que “Narciso” es una película “que no explica el autoritarismo, pero que lo hace escuchable y respirable a través de la radio, en los interiores de una ciudad alterna. La gramática de este paranoico thriller convierte a la cultura, a lo que se transmite, a lo que se escucha, en un campo de batalla donde el deseo, el prestigio y el miedo silenciosamente reorganizan la vida pública”.

Efectivamente, la palabra es miedo, también nosotros sabemos bastante del miedo. "Narciso" es una coproducción entre Paraguay, España, Brasil, Portugal, Alemania, Framcia y Uriguay : “seis monedas, siete países y cinco años de preparación…. Esta película es paraguaya, es memoria, es arte, pero sobre todo es política””, explicó Martinessi en Berlín.

Es también un relato histórico, un  sofocante thriller político sobre la modernización de una sociedad, la visibilidad queer y el autoritarismo, que  llega a las pantallas españolas tras su paso por el Festival de San Sebastián protagonizada por el debutante Diro Romero y con un reparto encabezado por Manuel Cuenca, Nahuel Pérez Biscayart (20 pulsaciones por minuto, Persépolis), Mona Martínez (Adiós, La novia gitana), Margarita Irún (Las herederas) y Arturo Fleitas.

Cuando la televisión solo era un objeto que decoraba los salones del sueño americano, en el resto de los países la radio era el catalizador de las aspiraciones populares: la mayoría de los programas se realizaban cara al público y el público asistente participaba coreando y bailando en la liturgia de los musicales (entre nosotros, personajes como Ana Belén, Miguel Ríos o Ramoncín pueden recordar sus comienzos en los concursos de “voces nuevas” de Radio Madrid).

Paraguay 1959. Bajo un régimen militar sofocante, Narciso regresa de Buenos Aires fascinado por el rock and Roll. Carismático, enigmático y deseado por hombres y mujeres, pronto se convierte en una estrella de la radio y en un símbolo de libertad. Pero tras un último show apareció sin vida. En un país donde el silencio domina y el miedo asfixia la verdad… ¿quién mató a Narciso?

Basada en la novela homónima de Guido Rodriguez Alcalá, cuenta la historia de un joven cantante convertido en locutor de radio paraguayo que, en los años de 1950 introdujo el Rock’n’Roll en su programa, causando gran conmoción en una audiencia no solo joven, lo que el asfixiante régimen imperante interpretó como un desafío a los convencionalismos de la época, y muy especialmente a la temible dictadura de Alfredo Stroessner, que había acabado con todos los derechos  fundamentales. Como ocurre siempre en este tipo de situaciones, Narciso pagó su rebeldía con la vida.

“Más que concentrarse en los posibles culpables del crimen, Martinessi sitúa la historia en un momento crucial en el que el pop extranjero vino a chocar con el folclore local, y donde una generación joven entreveía la perspectiva de una movilidad social y un cambio cultural » (Cineuropa). Entre los personajes que destacan en “Narciso” (1) figuran Lulú, el director de la radio (Manuel Cuenca) que acepta la introducción de la música nueva alternando con el folklore local (y la retransmisión novelada de un “Drácula” que muy bien puede ser una síntesis de ese miedo ambiental), y el embajador estadounidense Mister Wesson (Nahuel Pérez Buscayat), cuya implicación en la historia real fue, al parecer,  más allá de la importación de discos y otros elementos culturales.

 

(1) “Narciso” estará en los cines madrileños a partir del viernes 2 de octubre 2026.

 

“Sunny Dancer”: enfermos y rebeldes, cuando la amistad es la mejor de las terapias

“Sunny Sancer” es una historia juvenil que transforma el drama de la enfermedad en una celebración de la amistad, el amor y las ganas de vivir cada momento intensamente.

Del joven actor y director británico George Jaques ( “Black Dog”), “Sunny Dancer” es un relato iniciático del paso a la edad adulta con Bella Ramsey (“The Last of  Us”, “Juego de tronos”), Daniel Quinn Toye, Patrick Harris, James Norton, Jessica Gunning y Ruby Stokes. Es la historia de Ivy (Bella Ramsey), una joven de 17 años convaleciente de leucemia, enfermedad que poco a poco la estaba convirtiendo en una persona solitaria, retraída y resentida,  cada vez más encerrado en ella misma. En un intento de sus padres por ayudarla, la envían a un campamento especial para jóvenes convalecientes, en situación parecida a la suya. Una idea que en principio la joven acoge con muchas reservas.

 

En “Sunny Dancer” la adolescente Ivy se enfrenta a un verano diferente, con retazos de humor, esperanza y tristeza, hasta que finalmente encuentra un grupo de compañeros, tan frágiles como encantadores, con los que compartirá un tiempo inolvidable bajo la orientación de Patrick (Neil Patrick Harris, “Dad’s”, “Group Therapy”), un padre que perdió a un hijo con cáncer y dedica su vida a facilitar la de otras familias que luchan contra la enfermedad.

 

En lo que llama despectivamente “campamento de quimioterapia”, Ivy conocerá personas estupendas –obsesionadas, tímidas, rebeldes y soñadoras, todo el abanico de posibilidades de un grupo-, descubrirá la manera de ser ella misma y no solo una adolescente enferma, y sabrá lo que son los primeros escarceos amorosos. Junto a Harris, completan el casting de adultos Jessica Gunning (La escandalosa Lady W”, “The Christophers”) y James Norton (“La apariencia de las cosas”, “Joy”, “Ex maridos”), intérpretes de los padres de Ivy.

 

Ejemplo de cine independiente británico, aplaudido con entusiasmo por el público asistente al último Festival de Berlín en febrero 2026, “Sunny Dancer”, comedia dramática que evita caer en el drama lacrimógeno y el miserabilismo, revela a un realizador sensible y un inteligente director de actores en un largometraje que encuentra el equilibrio necesario entre la emoción sincera y la forma de abordar un tema sensible, optando  deliberadamente por tratar la situación que enfrenta a una adolescente con un futuro más que incierto como un relato ligero lleno de humor, en el que la enfermedad no es el centro de todo sino el decorado de una historia sobre la adolescencia, el temor a exponerse a la mirada de los demás y la consistencia de  las amistades con las que se comparte la adversidad.

“Sunny Dancer” se apoya en una cuidada dirección de actores, muchos de ellos debutantes,  a la que el director George Jacques ha conseguido imprimir la química necesaria para que pueda hablarse de ellos como de un grupo de “jóvenes talentos”, cuya espontaneidad proporciona a la película una energía poco común, una complicidad que se siente y que seguramente ha ido más allá del trabajo que podemos ver en la pantalla.

Desde una perspectiva optimista, positiva, emocional  y todo lo alejada del cinismo que es posible, “Sunny Dancer”  es una manera refrescante de enfocar la terapia, la educación y la forma de encontrar las herramientas necesarias para salir del miedo y el aislamiento. Habla sobre todo de gente sugestiva, de emociones y de amistad

 El director George Jacques ha explicado la génesis de “Sunny Dancer”(1): “Mi madre tuvo cáncer cuando yo era pequeño. Fue una vivencia que marcó mi desarrollo como escritor. Su enfermedad ha definido mi forma de ver el mundo. Sabía que quería contar una historia sobre lo que supone vivir con esta enfermedad”.

 

(1) “Sunny Dancer” se puede ver en los cines de Madrid a partir del viernes 2 de octubre 2026.

“Femení, singular”: ser mujer, pobre y migrante en esta sociedad

Decir femenino singular es, en este caso, lo mismo que decir mujer y pobre. Estrenado en el Festival de Málaga fuera de concurso y Premio a la Mejor película en los festivales de Cine Independiente de Girona y Cerdanya Film Festival, “Femení. singular, cuarto largometraje de ficción del realizador catalán Xavi Puebla (“A puerta fría”, “Noche de fiesta”, “Bienvenido a Farewell-Gutmann”), es un drama social de ayer, de hoy y probablemente también de mañana.

Protagonizado por la joven mexicana Vico Escorcia (“¡Que viva México!”) y Nora Navas (dos Premios Goya a mejor actriz, por “Pa negre” y por “Libertad”) es. en palabras de su director, “la historia de tantas mujeres anónimas que cargan con el peso de sacar adelante los sueños de los demás”. Junto a las ya citadas, completan el reparto Kasia Kapcia (“Frontera”, “Una quinta portuguesa”), Mònica Almirall (“Polvo serán2), Sergi Caballero (“Coses a fer abans de morir”), Carles Sanjaime (“Modelo 77”, “La última cena”) y el pequeño  debutante Miquel Robusté.

Femenino porque se trata de una historia de mujeres, y singular porque podría pasarle a cualquiera pero le pasa a ella. Esta película, casi más real que la vida misma, es un momento de rabiosa intensidad en la vida de Nayeli, una joven mexicana que trabaja como empleada doméstica en Barcelona. En una costumbre que se viene repitiendo, la peripecia de Nayeli es la de una mujer que ha cruzado el océano para ganar dinero y enviarlo a la otra orilla, a una pareja que lo espera para poner en marcha un futuro compartido.

Sucede con frecuencia que las adversidades se presentan en cadena, trastornando y transformando lo que hasta entonces era una rutina, con altibajos pero cómoda en fin de cuentas.  Mientras Nayeli lucha por recuperar el control de su alterada existencia, se da de bruces con una sociedad que la juzga y limita.

Como muchas otras mujeres, sigue explicando su director, “Nayeli se ha convertido en la servidora de los otros, limitándose a ejercer un papel secundario en su propia vida. Pero una experiencia límite pondrá a prueba su resistencia y la empujará a tomar una decisión vital para su destino. Esta es la historia de una mujer subyugada por el sistema que por primera vez se atreve a ser libre”.

Retrato íntimo de una mujer joven que podría ser casi cualquier otra, “Femení, singular” (1) es un drama incómodo  de superación y de libertad en una sociedad que castiga a Nayeli por ser, sucesivamente, mujer, pobre,  migrante, y por enredarse  en la maraña de una burocracia que no entiende nada de matices. .

 

(1) “Femení, singular” llega a los cines madrileños mañana, viernes 18 de septiembre 2026.

“Sus hijos (& Sons)”: una historia “so british” contada por un latino

Ganadora del Premio al Mejor Guion en el Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, tras su paso por los festivales de Toronto y Londres, “Sus hijos” (& Sons) es la primera película rodada en Lodres, íntegramente en inglés, del reconocido cineasta argentino Pablo Trapero (“El clan”, “El bonaerense”, “Elefante blanco”) con un reparto internacional que encabeza el excepcional actor Bill Nighy (“Love Acrually”, “Piratas del Caribe”), y con él cuatro  intérpretes habituales del cine y la televisión británicos –Imelda Staunton (“Vera Drake”, “The Crown”), Dominic West (“The Wire”), Johnny Flynn (“Emma”) y George MacKay (“1917”), junto a Noah Jupe (“Un lugar tranquilo”, “Hamnet”), a quien la crítica local augura una brillante trayectoria en la pantalla grande.

“Sus hijos”, lo que el propio director explica como “una instantánea de vidas ordinarias repentinamente trastocadas por algo que parece sacado de una novela surrealista”, al que ha añadido un toque del siempre reconocible y aplaudido “humor británico”, oscila entre el drama familiar y el humor negro, explorando la “marca de fábrica de la casa”, “la tensión inherente a nuestras relaciones personales  -sean amigos, familia, compañeros- y cómo, en tal que individuos, todos luchamos por encontrar nuestro propio camino”.

 

A partir de la novela estadounidense “El extravante señor Dyer”, best-seller de 2013 escrito por David Gilbert, el director Trapero ha colaborado con Sarah Polley (“Ellas hablan”) -actriz, guionista y destacado miembro del izquierdista Ontario New Democratic Party- en la escritura de una historia que se ha alzado con el prestigioso Premio Astor Piazzolla al Mejor Guión, en el Festival Internacional de Cine de Mar del Plata (el más cualificado certamen de los que tienen lugar en Latinoamérica).

Andrew Dyer es un autor de fama mundial y también un personaje muy complicado. “Alcohólico, egoísta siempre ausente y responsable de haber destrozado buena parte de sus relaciones familiares”,  lleva casi veinte años sin escribir, sin salir de casa y sin dirigir la palabra a su exmujer y a sus dos hijos mayores, Richard y Jamie. El motivo es Andy, el pequeño, una “sorpresa” extramatrimonial.

Muy afectado por la muerte de un viejo amigo, y con su habitual alcoholismo aumentado, Andrew siente que se acaba su tiempo, lo que le impulsa a llamar a sus hijos mayores, pidiéndoles que acudan al viejo hogar donde se encuentra recluido. Los dos hombres acuden pensando que por fin van a vivir la siempre esperada  reconciliación pero, muy lejos de ello, se encuentra con que el padre les revela algo tan increíble e insospechado que, de ser cierto, cambiaría completamente el sentido de su vida.
 
“Sus hijos” (1) explora el significado de la paternidad, la culpa, el tiempo perdido, las diferentes opciones que se presentan cuando una familia salta por el aire hecha añicos, y el valor siempre relativo de los secretos, los silencios y los reproches. ¿Qué es más importante, toda la bilis vomitada en un momento de arrebato o lo que nunca tuvimos el valor de decir?

“Sus hijos” –explica el realizador Trapero- a simple vista narra la historia de un escritor al final de su vida, lidiando con las grandes decisiones que ha tomado y las consecuencias que éstas han tenido. Pero en esencia, es una exploración profundamente conmovedora del legado, la familia, la identidad, la vanidad, la explotación y, por supuesto, el amor. Está contada de una manera sumamente íntima y personal, con un toque de ironía: una instantánea de vidas ordinarias repentinamente trastocadas por algo que parece sacado de una novela surrealista. “Sus hijos” aborda temas que he explorado desde que me convertí en cineasta: la tensión inherente a nuestras relaciones -ya sean con amigos, en el trabajo o en la familia- y cómo, como individuos, luchamos por encontrar nuestro propio camino. Cómo el amor, el deber y los sueños a menudo entran en conflicto”.

(1) “Sus hijos (& Sons)” se puede ver en los cines de Madrid a partir del viernes 18 de septiembre de 2026.