Irán : el cineasta Jafar Panahi condenado de nuevo

Jafar Panahi

Con fecha del 28 de octubre de 2026, la sala 26 del Tribunal Revolucionario de Teherán ha condenado de nuevo al cineasta disidente Jafar Panahi, de 66 años, a « cinco años y un mes de cárcel y a la confiscación de todos sus bienes mobiliarios e inmobiliarios”, según declaraciones del abogado Mostafa Nili a la agencia de prensa iraní Isna. Según la misma fuente, no se conocen los cargos que se le imputan.

 

A comienzos de este año, Jafar Panahi –cuyo paradero actual se desconoce-, Palma de Oro en el Festival de Cannes 2025 por la película “Un simple accidente”, rodada clandestinamente en Irán sobre la historia de un mecánico atormentado por los recuerdos de su detención y las torturas sufridas en la cárcel,  y Oso de Oro en el Festival de Berlín en 2015 por “Taxi Teherán” (1)- calificó al régimen iraní de « fascista, asesino y brutal”. Esta es la tercera vez que el régimen de los ayatolás condena al cineasta, quien ya pasó por la cárcel en 2010 y 2022, imponiéndole también la prohibición de utilizar las redes sociales durante dos años, así como la de viajar durante el mismo tiempo. (1)  

 

La primera vez, en 2010, estuvo encarcelado durante  86 días por su ”participación en concentraciones y propaganda contra el régimen”, y después cumplió siete meses, entre 2022 y 2023, por “alteración del orden público, propaganda contra el régimen y activismo antirrevolucionario”.  Salió en libertad tras llevar a abo una huelga de hambre.

También en diciembre pasado fue condenado, en ausencia, a un año de cárcel por “propaganda contra el estado”. En enero, el cineasta se declaró contra la represión de las manifestaciones antigubernamentales en el país, que han causado miles de muertos

 Según el abogado Nili, quien es también un conocido defensor de los derechos humanos y representa a muchos presos políticos, nadie notificó la fecha del juicio a Jafar Panahi, quien regresó al país el pasad 30 de marzo, después de que Israel y Estados Unidos declararan en febrero la guerra a Irán, tiene abiertas otras tres causas.  Igualmente, ha manifestado que se enteró de la nueva condena después de que el realizador le comunicara la semana pasada que le han congelado las cuentas bancarias y después de acudir en busca de información a la Unidad de Ejecución de sentencias de la Fiscalía de Cultura y Medios de Comunicación, que el 20 de mayo emitió una orden de detención.   

(1) En 2010, Jafar Panahi, uno de los realizadores iraníes más reconocidos internacionalmente, fue condenado a seis años de cárcel y 20 años de prohibición de realizar películas, escribir guiones y viajar al extranjero.  

En julio de 2022 fue encarcelado en la prisión de Evín para cumplir esa condena y recuperó la libertad en febrero de 2023. En diciembre de 2025, Panahi fue condenado a un año de cárcel por actividades de propaganda contra el sistema".

 

Antes de su reconocimiento internacional, en 1995 Jafar Panahi ganó la Cámara de Oro en el Festival de Cannes con “El globo blanco”; en 2000, consiguió el León de Oro en el de  Venecia con “El círculo”.

 

“Gungo y los Juegos Cavernícolas”: un mundo para el más fuerte

 “Un príncipe cavernícola despistado debe liderar a un grupo de inadaptados para recuperar a su tribu, burlar a un rival hambriento de poder y ganar el enfrentamiento prehistórico definitivo”. (unotv.com)

Dirigida a un público familiar, “Gungo y los Juegos Cavernícolas” es una película de animación española coproducida con México y dirigida por los hermanos mexicanos Rodolfo y Gabriel Riva Palacio. Combina aventura, humor y valores como la amistad, la solidaridad, la compasión el trabajo en equipo y la superación, subrayando que todos tenemos un talento especial y solo hay que descubrirlo.  

Para los adictos, el plus es que Mikecrack –por lo visto el youtuber número uno en España (58 millones de suscriptores en YouTube y 21.000 millones de visualizaciones; no puedo garantizar nada, no me muevo en ese terreno)- pone voz al protagonista.

Hace treinta mil años, ocho meses, cinco días y dos horas, antes de que inventáramos el calendario Gungo, el primero de todos los influencers, personaje prehistórico de Rocabajo -el único reducto que se salvó de la catástrofe volcánica que asoló el planeta, el lugar “donde todos se refugiaron” situado en un valle oculto entre montañas- es el hijo de Narizok,  el jefe de la tribu de los Narices Duras.

En el mundo de “Gungo y los Juegos Cavernícolas” sobrevive el más fuerte y el débil queda fuera..Gungo es considerado el cavernícola más débil de la tribu, pero como es el hijo del jefe cree que tiene el futuro asegurado, y que de ninguna manera  tiene qué demostrar que vale. Sin embargo, es traicionado por un grupo de rebeldes que quieren usurpar el poder, y es expulsado a tierras inhóspitas donde no hay nada.

Para recuperar el trono y demostrar su valía tras ser desterrado de la tribu Gungo, un heredero consentido y torpe, tiene que liderar al equipo menos prometedor de toda la Prehistoria en los salvajes Juegos Cavernícolas. Para sobrevivir y desenmascarar el complot que han montado contra él, debe encontrar su verdadera fortaleza interna, y competir en los brutales Juegos, reservados para los más fuertes. Porque cuando tocas fondo… solo queda picar piedra para subir poco a poco.

La película combina una estructura clásica de historia de superación y de equipo con un ritmo marcado por el humor físico, la acción y la competición, construyendo una aventura alrededor de un protagonista que está muy lejos del héroe convencional: Gungo no es el más fuerte ni el más preparado, pero tendrá que aprender a liderar precisamente a quienes, como él, nunca parecían destinados a ganar. 

Junto a Mikecrack, el reparto español de doblaje cuenta también con el conocido youtuber y creador de contenido Dagar, muy popular por sus vídeos de entretenimiento y videojuegos, además de los periodistas deportivos Rubén Uría y Nacho Donado. 

Sobre su experiencia en el proyecto, Mikecrack ha dicho que tenía un poco de miedo “por si no le quedaba del todo bien al personaje, pero me siento muy cómodo siendo Gungo. Durante el doblaje, hubo muchos momentos en los que me moría de la risa, así que la recomiendo. Es una película familiar muy buena y el que vaya no se va a arrepentir”. 

En el diario mexicano El Universal, el crítico César Huerta explica un poco el proceso de la película “Gungo y los Juegos Cavernícolas” que empieza hace treinta años, a finales del siglo veinte, cuando Rodolfo Riva Palacio iba a la universidad y dibujaba una tira cómica que tenía como protagonista al cavernícola Gungo, bajito, con mucho pelo y con barba.

Ya entonces, los hermanos Riva Palacio pensaron en hacer algo sobre el mundo de las cavernas, sería divertido que transcurriera en el marco de unos Juegos que podían consistir en “lanzamiento de maridos, persecución de tigres dientes de sable o natación sincronizada en arenas movedizas”,

Pero entretanto, la pareja creó los estudios Huevocartoon, produciendo  historias de unos huevos animados que después de triunfar en Internet fueron protagonistas de “Una película de Huevos” y cuatro largometrajes más: “También hicimos una de marcianos: ‘Marcianos vs Mexicanos”.

 

"Gungo y los juegos cavernícolas" (1), con un diseño que nos recuerda inevitablemente a Los Picapiedra,  es un proyecto especialmente complejo y significativo para los hermanos pues representa el punto máximo de evolución técnica del estudio Huevocartoon, que fusiona la esencia del dibujo tradicional a mano (2D) con la profundidad y realismo de la animación digital en tres dimensiones (CGI).

 

“A la película le tocó la pandemia, el estudio sufrió muchísimo”. Estuvieron a punto de cerrar, tuvieron que prescindir de animadores, perdieron tecnología y finalmente consiguieron hacer la película con muchos apoyos, de España y Australia.  

 

(1) “Gungo y los Juegos Cavernícolas” se estrena en Madrid el viernes 30 de octubre 2026.

"TIEMPOS DE ILUSIÓN" : para dar marcha atrás al tiempo

 

 

“No le falta nada para hacernos revivir (a los mayores) o descubrir  (a los más jóvenes) la atmósfera, que parecería de otro tiempo, de los años  atrapados entre mayo 68 y el Gen Z ». (Laurence Houot, France Télévisions)

 

La pareja de actores franceses Camille Cottin (“La biblioteca de los libros rechazados”)  y Louis Garrel (“Soñadores”)  interpreta, con inteligencia y humor, en la película « Tiempos de ilusión » (« Juste une illusion ») a los Dayan, unos padres muy parisinos de una generación que en la década de 1980 asistió a profundo cambios sociales.

Otra pareja, la de los realizadores Olivier Nakache y Eric Toledano (autores de éxitos inolvidables como « Intocable », « Samba », « C’est la vie »  o  « Especiales »), ha mezclado ficción y  recuerdos personales de una adolescencia –la última antes de que las continuadas novedades tecnológicas invadieran completamente nuestras vidas, obligándonos a depender del  algoritmo incluso cuando estamos durmiendo-para la película que hace pocas fechas clausuró la sección “Perlas” del Festival de San Sebastián y que ambos han dedicado a sus respectivos padres..

En “Tiempos de ilusión”,  que es un cuento de iniciación, una historia del paso –la zancada, diría yo- de la infancia a la edad adulta encontramos también a Pierre Lottin (“El Extranjero”), otro de los actores que forman parte del cine de nuestra vida, y al joven Simon Boublil en el papel de Vincent, el chico que vive encantando una época de descubrimientos, dudas y primeras experiencias, compartidas con más de una generación sentada en los patios de butacas europeos.

En forma de comedia a la italiana y con la ternura y la nostalgia reconocibles en quienes tuvieron una infancia feliz,  Nakache y Toledano –que saben lo que es crecer en una de esas cités  de las afueras de París, albergues de extranjeros y pieds-noirs- firman con humor la comedia agridulce de una familia de la banlieue  de clase media y origen judío y árabe que, a mediados de la década de los ’80, intenta encontrar su sitio en un mundo que se está transformando.

Mientras el adolescente Vincent, tímido y un poco  patoso,  que está dejando de ser un niño pero todavía no es un adulto, se enfrenta a las incertidumbres propias de sus trece años sobre la familia, la amistad, la religión o la identidad, sus padres descubren que tampoco ser adulto es ninguna  garantía de encontrar respuestas. De hecho, exactamente igual que el alumno que no se atreve a enseñar la prueba de sus malos resultados escolares,  el padre de esta familia oculta a su mujer y a sus hijos  que hace meses que le han despedido del trabajo, por lo que cada mañana se pone la gabardina, coge la cartera y abandona el hogar de camino hacia ninguna parte.

En cuanto a Vincent, al tiempo que reclama a su hermano mayor Arnaud (Alexis Rosenstiehl) espacio en la habitación que comparten, se prepara para la ceremonia iniciática de su Bar Mitzvá y vive su primera experiencia amorosa con Anne-Karine (Jeanne Lamartine), compañera de clase que tiene un padre  racista.  

“A los trece años –explicó el realizador Eric Toledano en una entrevista- todavía se piensa en cambiar el mundo. Estamos atrapados entre la infancia y la edad adulta. Luego llega un día en el que uno pierde su inocencia (…)Todos nuestros recuerdos reaparecieron faculmente: las primeras sensaciones amorosas, l olor de la casa, las ilusiones de la infancia (…)Al principio pensamos llamar a la película ‘la nostalgia del futuro’. Porque es el período de la existencia en que empezamos a perder nuestras ilusiones. Y también porque la película rinde homenaje a la mayor de todas las ilusiones, la magia del cine”. El cine –dice- es sin duda la más bella de las máquinas para viajar en el tiempo.  

Con una “mezcla de benevolencia y crítica social, de ingenuidad y lucidez”, “Tiempos de ilusión” (1) reflexiona -al ritmo de música  de la época y con el apoyo de decorados y objetos emblemáticos, como cintas de vídeo, cassettes de audio, viejos ordenadores y modelos familiares de Renault y Citroen-  sobre temas políticos y algunos de los retos de aquellos años ’80 que hoy están  recobrando actualidad, como los avances de la ultraderecha, los problemas de la droga, el futuro incierto  o la preocupación por el Sida.

 

(1) “Tiempos de ilusión” se estrena en los cines de Madrid el viernes 30 de octubre 2026.

“BENIGNO” o el inventario de una vida

Si estuviéramos hablando de porcentajes comprobaríamos que es muy alto el que corresponde a películas cuyo personaje central es una persona mayor que -dejando a un lado las estimaciones tradicionales y recordando que la esperanza de vida, como la estatura, son variables y han aumentado de manera considerable a todo lo largo del siglo veinte- no podríamos precisar si es anciana, se encuentra en la tercera edad o la ha rebasado y ahora inicia otro período de vida, que aún no hemos tenido tiempo de definir.

 

“Benigno”, largometraje del cineasta canario David Baute (“Mariposas negras”, premios Goya, Gaudí y Platino a la Mejor Película de Animación de 2025 ), rodado íntegramente en Garachico, el pueblo de su director y en Super8,  participa en la sección Alquimias de la Seminci (Festival Internacional de Cine de Valladolid que se inaugura este viernes, 23 de octubre), donde se presentan historia locales con espíritu universal, historias arraigadas en latitudes diversas que fotografían un momento y un lugar determinados, al tiempo que componen un elocuente fresco de la condición humana.  “Benigno”,  que cuenta la “historia de un hombre mayor” que ha decidido acabar su vida en soledad, en la casa donde nació, fronteriza de las montañas y el mar, tuvo su estreno mundial en el Shanhai International Film Festival

 

David Baute, que estudió en Madrid y en la Escuela Internacional de Cine de La Habana, es autor de “Ella(s)”, “Milagros” y “Ëxodo Climático”, película que obtuvo la Espiga Verde en la Seminci de 2020. Su anterior trabajo, el largometraje de animación “Mariposas negras”, ha recorrido el mapa de los festivales que inició en el de Annecy y ha cosechado el Premio Platino a la Mejor Película de Animación Iberoamericana, el Goya a la mejor animación española, y distintos galardones en los premios Forqué, Gaudí y Quirino. El año pasado, la Asociación de Directores y Directoras del cine español le consideró el mejor director de animación.

 

Además, dirige el Festival Internacional de Cine DOCanarias y el Festival Internacional de Cine Medioambiental de Canarias y ha sudo jurado y analista de proyectos en los festivales de Valladolid, Guadalaja (México) y Cali, así como en las competiciones de documentales que se celebran en Buenos Aires, México, Colombia (Proimágenes) Atlántidoc (Uruguay) y Filma Afro, también Colombia, y ha producido las películas “Sugar Island” de la cineasta dominicana Johanné Gómez Terrero –premiada en los festivales de Málaga, Santo Domingo, Cartagena de Indias, Beijing, Puerto Rico, Filadelfia y Ginebra, y reconocida como Mejor film Latinoamericano de 2025 por la Sociedad Nacional de Críticos de Cine de Estados Unidos; “Lejos Cerca” ópera prima de la directora canaria María Abenia, y unos cuantos cortometrajes.

 

Hay personas que pasan toda la vida en la misma casa en que nacieron. Benigno, con ochenta y ocho años, aún duerme, come y sueña en el lugar donde nació, el hogar que se enraíza a la tierra para elevarse al cielo, junto a su tortuga Totó, entre el limbo de los recuerdos, el ritual de lo cotidiano y la espera del final. También comparte geografía con un gato que se despereza y una mariposa de color caramelo con pintas rosa. Junto a la casa el huerto, al que Benigno acude diariamente para acompañar a las gallinas y trajinar la tierra con las semillas heredadas de sus antepasados, unas semillas que cataloga y conserva ceremoniosamente.

 

Benigno disfruta y sufre en soledad, pero está perdiendo vista y se apresura para inventariar todos sus bienes y registrar los recuerdos familiares. En un diálogo consigo mismo medita su testamento, le angustia el previsible final de su casa. Frente a este escenario, Benigno se da a la música como a un talismán que le transporta a un estado de conciencia y preparación ante lo que será el mayor de sus silencios.

 

“Benigno” (1) es cine-verdad, una obra delicada, inteligente y honesta que se inclina ante la madre naturaleza, incluyendo todos sus vegetales, del más ínfimo al mayor de los animales y el hombre como sujeto antropológico: el hombre que nace, crece, ignoramos si se reprodujo, y sabe que el futuro es la muerte.

 

La del realizador José Luis Guerín (“Historias del buen valle”) es la autorizada opinión de un colega y crítico sobre “Benigno”: “Pocas veces la belleza emerge tan profundamente arraigada en un enfoque de producción como la película “Benigno”, fruto de una ética artesanal y eco-responsable. La belleza formal y el estilo de producción conforman un todo unificado, transmitiendo una alegría singular (similar a la que experimenté en los años 80 con los Retratos de Alain Cavalier)”.

 

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(1) “Benigno”  se puede ver en los cines de Madrid a partir de este viernes 23 de octubre 2026.

“200 VIDAS. PACO RABAL”, el primer actor internacional del cine español

 

“Un rostro de geografía y de historia” (Jean-Claude Seguin, historiador del cine)   -Tengo un recuerdo especial de un niño debajo de un árbol… Esa voz reconocible entre todas es la de Paco Rabal. Francisco Rabal que recuerda: “Era el último año de la guerra. Llegamos a Madrid escondidos en un camión. No he pasado más frío en mi vida (…) Uba a los basureros y recogía papeles, huesos, cristales, y los vendía para ayudar a mi familia…Tenía dieciséis años y, sin saber nada de electricidad, empecé a trabajar en los Estudios de cine Chamartín”   -Mi padre trabajaba por la noche, en la mina. Mi madre no sabía leer y me pedía que le leyera… El 25 de septiembre de 2026, celebrando dos aniversarios, el del centenario del nacimiento de Paco Rabal (1926) y los veinticinco años del fallecimiento del actor (2001), ha tenido lugar el estreno mundial del documental “200 VIDAS. PACO RABAL”, dirigido por la cineasta sevillana Vanesa Benítez (“Rola’n Roll”, “La vida chipén”), película sobre uno de los actores españoles con mayor proyección mundial del siglo XX. También ha sido la película que ha clausurado la sección Made in Spain  del Festival de Cine de San Sebastián. - Hice muchas películas con las que no estaba de acuerdo. Ellos lo sabían, yo era de izquierda y ellos lo sabían. Rafael Gil me convirtió en un galán…Siempre tuvo un papel para mí…A veces aparece en mis sueños A través de la propia voz y la mirada del artista, rescatadas de muchas horas de material inédito, de las casetes de sus memorias y las películas de Super 8 que grababa, tanto en su vida privada como en los rodajes que le llevaron por el mundo entero, “200 VIDAS. PACO RABAL” recupera la trayectoria y la vida de un hombre imprescindible en la historia del cine.  -Pensé hacerme una tarjeta de visita que dijera: “Francisco Paco Rabal. Especialista en toreros, curas y bandidos. No sé inglés”  Fue en Sebastián donde Rabal fue galardonado como Mejor Actor en 1953 y donde recibió el premio Donostia en 2001. La carrera de Paco Rabal es única en el cine español: Con más de doscientos títulos recorre los hitos de una cinematografía internacional que era impensables para un joven salido de la Cuesta de Gos, un paraje minero en el municipio murciano de Águilas. De galán del cine español de los años cincuenta pasó a estrella internacional tras protagonizar para Luis Buñuel “Nazarín” y “Viridiana”. . En San Sebastián, triunfó de la mano de Rafael Gil, Lucas Demare, León Klimovsky, Pedro Olea y Jaime de Armiñán.   Reclamado por los directores más interesantes del momento: Antonioni, Visconti, Chabrol, Rivette, Pontecorvo o Friedkin, entre otros muchos, fue habitual en los festivales de Venecia, Berlín o Cannes, donde años después ganaría la Palma de Oro por su papel de Azarías en Los Santos inocentes (1984).   -La cantante Ornela Vannoni me invitó a una fiesta en casa d Ana Magnani. Italia fue mi refugio durante la dictadura. Me abría el espíritu, una especie de aire fresco que se contaminaba cuando volvía a España…Hice muchas películas en Italia…“Tiro al piccione”, de Giuliano Montado, el pichón era como llamaban los partisanos al águila que llevaban los fascistas en la gorra. Ahí es donde tiraban a matar. Antonioni me llamó para hacer con Monica Viti “L’Avventura”una película sobre la incomunicación entre los amantes. El nombre de Paco Rabal está borrado en la publicidad española Narrado por el propio Rabal, “200 VIDAS. PACO RABAL” (1) alude a lo extenso de su filmografía y cuenta con más de 20 testimonios internacionales, incluyendo a los directores Gonzalo Suárez, Carlos Saura y Arturo Ripstein; y a las actrices Victoria Abril, Ana Belén y Eulalia Ramón, en un rodaje que se ha extendido por París, Roma y Ciudad de México, además de diversas ciudades españolas.   -“Me volví loco..moriré a una hora absurda, como absurda es la tragedia A través de su voz grabada en casetes y las películas super8 de sus viajes, rodajes y festivales, a los que ya acudía pese a su compromiso político como galán del cine franquista, Paco Rabal (Premio a mejor actor en el primer Festival de San Sebastián en 1953 y Premio Donostia en 2001) repasa su vida, anhelos y contradicciones. Una filmografía impresionante que recuerda el momento de morir en Burdeos, como Goya, al que varias veces interpretó.  -“Me han quedado tantas cosas por hacer…Si me hiciera una tarjeta ahora pondría: “No sé inglés, tampoco francés, tengo una cicatriz enorme en la cara y llevo peluquín.     (1) “200 VIDAS. PACO RABAL” se estrena en los cines de Madrid el próximo viernes 23 de octubre 2026.       -

Los niños están bien: un viaje solo de ida

« Con ternura y lucidez, este drama explora las fracturas familiares y el vértigo del vacío que deja una ausencia inexplicable » (Public).

Nathan Ambrosioni (“Theraphy”, “Les drapeaux de papiers”, “Tony en famille”), el más joven de los realizadores franceses -Premio FIPRESCI que otorga la federación de la prensa especializada,  Mejor Director en el festival de Karlovy Vary y Valois de Diamant en el Festival du Film francophone de Angulema-, con solo 26 años firma su cuarto  largometraje “Lo niños están bien” (Les enfants vont bien), emotivo melodrama familiar sobre el duelo, el abandono y el vacío que deja una desaparición, que comienza en un agosto lluvioso y plantea la “normalidad” de una situación llena de preguntas y dudas, incomprensiones y procedimientos administrativos. Una noche de verano, Suzanne se presenta de improviso, acompañada de sus dos hijos pequeños, en casa de su hermana Jeanne (Camille Cotin, excelente en el papel, lleno de dificultades, de una madre de sustitución), donde pasa la noche y desaparece por la mañana temprano dejando una nota escrita, en la que le deja la responsabilidad parental de los dos niños. La sorpresa inicial de Jeanne, quien vive sola en una casa grande y casi vacía, se convierte en .un enfado mayúsculo cuando, en la comisaría donde quiere presentar una denuncia, le explican que no pueden iniciar ninguna búsqueda porque no se trata de abandono: Suzanne es una persona adulta que ha decidido desaparecer y borrar su rastro. Y eso es legal. En principio, la desaparición  de la madre deja un silencio, un vacío y una tristeza que Jeanne no sabe cómo gestionar. El gesto silencioso de Suzanne  da paso al comienzo de una nueva vida para Jeanne y los dos hijos de su hermana, huérfanos de padre: Gaspard, (Manöä Varvat) de 10 años  y la pequeña Margaux (Nina Birman) de 6, los dos increíblemente espontáneos y naturales en sus papeles. En realidad, el éxito de “Los niños están bien” (1) se debe no solo a la labor de dirección, también a la sensibilidad que muestran todos los actores. “Maternidad, sororidad, filiación, amor, esperanzas, penas y pesares: en la película resuenan sutilmente muchas temáticas que navegan armoniosamente y con un máximo de honestidad (los sentimientos se contienen en el umbral de lo conmovedor) entre el punto de vista de los adultos y el de los niños” (cineuropa) Jeanne no ha querido nunca tener hijos, fundar una familia. Esta es una de las razones de que Nicole (Monia Chokri) terminara con la relación que mantuvieron durante varios años. Pasan los días y Suzanne no da señales de vida. Jeanne y los niños –no sabe nada de ellos, apenas les conoce- esperan que el teléfono suene en cualquier momento y les traiga noticias de la desaparecida. Con el apoyo de Nicole, que le cuida a los niños los fines de semana y cuando da muestras de agotamiento, acaba por resignarse, comprar dos camas individuales  e inscribirles en la escuela, para acabar aceptando la situación  que le ha sido impuesta y reinventando las estructuras de una nueva familia. “Yo quería hacer una película –explica el realizador Ambrosioni- que se pregunte como se puede construir algo a pesar de la ausencia, a pesar de que falta algo. ‘Los niños van bien’ es de alguna manera  un film de fantasma. Una obra habitada por un personaje que no está allí pero que va a impregnarlo todo, habitar la película a pesar de su ausencia (…) La película habla de todas esas maternidades cruzadas, abortadas, deshechas, impuestas”.   (1) « Los niños están bien » llegará a las pantallas madrileñas el viernes 23 de octubre 2026.

“Blue Heron” , lo complicado que es ser el mayor

“Blue Heron es una película del después, que hace de la memoria y las imágenes los únicos lugares capaces de devolver un atisbo de vida a aquellos que desaparecieron demasiado pronto” (Le Monde)

 

Sasha tiene ocho años cuando la familia recompuesta –padre y madre, dos hermanos menores gemelos y otro mayor, adolescente y difícil, procedente de una relación anterior de la madre- se muda a una casa nueva en la isla de Vancouver, a finales de los años 1990. El comportamiento del mayor de los hijos Jeremy, “psiquicamente indefinible” según los médicos, es cada vez más errático, menos predecible. Sobrepasados, los padres tienen que enfrentarse a una decisión complicada y terminante.

A partir de sus propios recuerdos de infancia y adolescencia, incompletos como son siempre los recuerdos, la cineasta  canadiense de origen húngaro Sophy Romvan traza en “Blue Heron”, su primer largometraje autobiográfico, un retrato profundamente personal de la infancia, las rupturas familiares, la salud mental, la fragilidad de la memoria y todo cuanto sigue acompañándonos a lo largo de nuestra vida: la película siembra dudas y plantea esas preguntas para las que nadie tiene respuesta..

Aplaudida en Estados Unidos como “una de las mejores películas del año” (rogerebert. com), premiada como Mejor Opera Prima en el Festival de Locarno y como Mejor Película canadiense en el de Toronto, “Blue Heron” –una película inteligente y madura- recibió también la Mención especial del jurado Zabaltegui en San Sebastián. “Blue Heron", que juega con la frontera entre ficción y documental, no deja a nadie indemne pues se despliega, con fuerza y emoción, a lo  largo de todas las latitudes sensoriales que permite el cine”.  (Les fiches du cinéma)

La memoria familiar ha sido el terreno explorado por la realizadora Sophy Romvari, de 35 años, en varios de los cortometrajes rodados antes de este primer largo:“Nine Behind” (una estudiante canadiense  llama al abuelo húngaro que no conoce, para hablar de cine); “Remembrance of Jozsef Romvari” (homenaje a su abuelo decorador); “Grandma’s House” (reflexiones en torno a las fotografías de su abuela en la vivienda de Budapest); “It’s Him” (en el cine, una joven descubre que en la película aparece, en segundo plano, una imagen de su hermano muerto;: “Still Processing” ( a partir de unas fotos que su padre nunca reveló, Sophy Romvari vuelve sobre un pasado que duele y los traumas generados por los fallecimientos recordados).

En “Blue Heron”, Sasha –como una doble de la cineasta ahora adulta que rememora, a la velocidad con que van apareciendo las imágenes en el papel mojado de una fotografía revelada- lo que fue su infancia en aquella casa donde pasó todo, donde se decidió el destino trágico del adolescente: recuerda a su padre trabajando en un ordenador rudimentario y grabando escenas caseras: a sus hermanos gemelos que prefieren la playa a la oferta televisiva, a su madre, grabando en cassettes los consejos de una psiquiatra infantil sobre Jeremy, cuyas constantes provocaciones se vuelven agresivas al mismo ritmo con que se va encerrando en sí mismo.

Alternando momentos de felicidad, como los desayunos en la mesa de la cocina, con otros de tensión, como la llegada del adolescente esposado por la policía,  que demuestran su angustia y el progresivo aumento de la distancia que le separa de sus padres, “Blue Heron”  nos mete de lleno en la depresión del chico y por extensión  en el fenómeno de la salud mental,  “ese mal invisible que corroe y consume en el silencio y lo que no se dice (…) que le lleva a optar por la provocación y la desobediencia, la violencia y el mutismo, como un grito sordo de alerta, una demanda de ayuda…” (culturepoing.com)

En palabras de la directora, Sophy Romvari “(…) El hecho de que las películas traten sobre registrar imágenes se conecta con mis problemas con la memoria. Cuestiono mis propios recuerdos todo el tiempo. Dudo de ellos. Así que “Blue Heron” (1) trata sobre intentar recordar, pero también sobre aceptar el hecho de que no es del todo posible, no realmente. Puedes recrear el recuerdo, pero se va desvaneciendo y es difícil aferrarse a él.

 

(…) Jeremy está basado en mi hermano y, al igual que él, es un misterio. Los mapas que dibuja apuntan a eso: a un mundo interior al que nunca llegamos a acceder del todo. Eso es muy fiel a la experiencia que tuve con mi hermano y a la dificultad de representar el tipo de persona que era. Era único. Lo mejor que sentí que podía hacer era enfatizar el misterio y quitarle la voz en la película. No tiene mucho diálogo; creo que tiene dos líneas en toda la película. Una es ‘Creo que hay muchas cosas que no recuerdas’, que podría ser la tesis de la película”.

 

(1) “Blue Heron” se va a estrenar en Madrid el próximo viernes 23 de octubre 2026.