“El nido”, un thriller dramático con varias capas

 

“El nido”, thriller psicológico dirigido por Hugo Stuven “Anomalous”, “Solo”)  y protagonizado por Michelle  Jenner (“El secreto del orfebre”, “No tengan miedo”, Premio Goya a la Mejor Actriz Revelación), Luisa Gavasa (“El maestro que prometió el mar”, “La novia”, Goya a la Mejor Actriz de Reparto). Pablo Derqui (“Los renglones torcidos de Dios”, “Dos”) y el niño debutante Dylan Radley, narra la historia de una madre tan protectora que raya en la locura, dispuesta a hacer cualquier cosa para mantener si familia a salvo, todo hasta convertir la casa en una pesadilla.   La regla que ha establecido es muy simple: nadie puede salir del  entorno de la casa, el nido, el refugio que ha construido para protegerles. Para Marta, el mundo exterior es aterrador. Por eso mantiene encerrados a su madre y a su hijo pequeño. No es que les guste –de hecho, la madre está atada con una cadena y tiene una especie de guías en el suelo para moverse- pero no les queda otra que resignarse. Y el niño es demasiado pequeño todavía para tener una mirada crítica sobre su madre. Los tres viven gracias a un pequeño huerto y una cabra que les da leche. Hasta que un día aparece en la puerta un excursionista, un hombre que se ha perdido en el bosque, capaz de despertar en Marta el lado más oscuro que esconde. Claustrofóbica y angustiosa a ratos,  drama de género, “El Nido” es, sin duda, la fantasía de una persona enferma (hace tiempo se habría despachado diciendo que no está bien de la cabeza, pero ahora ya sabemos cuán numerosas y diversas son las enfermedades mentales). Marta cree que cerrando puertas y ventanas, y manteniendo atados a los adultos, protege a todos del terrible mundo del exterior e impide que “el mal” pueda entrar en la casa. Aunque la verdad es que también puede encontrarse dentro. Hay que decir que “El nido” (1) – que habla de la maternidad, de la sobreprotección  y de la culpa- es de las que dan miedo. Para su director: “el género engloba muchas cosas y es un vehículo bastante importante para contar otras. Por ejemplo, nosotros en El nido abordamos la maternidad, las herencias familiares, no repetir ciertos patrones que consideramos normales en nuestros padres y, sin darte cuenta, los estás repitiendo… Es una peli que tiene más capas de lo que parece. Yo la trato realmente como si fuera un drama, porque, si la analizas bien al terminar de verla, ves que esto es un drama basado en hechos reales”.   (1) “El Nido” está en los cines de Madrid a partir de este viernes 11 de septiembre de 2026.

El Museo del Arte Narrativo de George Lucas dedicado a “el arte de la gente”

Lucas Museum of Narrative Art

Financiado por el estadounidense George Lucas -creador de los grandes éxitos “La guerra de las Galadias” o “Indiana Jones” entre otros”-, el esperado Lucas Museum of Narrative Art abrirá sus puertas el próximo 22 de septiembre en Los Angeles, ciudad considerada la capital del cine.. En el interior de un impresionante edificio se mezclan objetos relativos a las artes narrativas en el sentido más amplio. Evidentemente no faltan evocaciones  del universo de la saga más famosa de toda la historia del cine.

 

El Museo se ha construido en la meca del cine estadunidense, en lo que antes era un aparcamiento muy cerca de la Universidad del Sur de California, “alma mater del cineasta”. La  realización de este megaproyecto – que era el sueños de uno de sus propietario, la otra es  Mellody Hobson, pareja y socia de George Lucas- ha costado, redondeando, mil millones de dólares, una cantidad que cubre no solo el homenaje a la portentosa imaginación de George  Lucas; es  también un tributo a las artes narrativas en su totalidad y a lo que su promotor llama “el arte de la gente”.

“Para decirlo simplemente –ha explicado a la prensa internacional Ryan Linkof, conservador del Museo- yo diría que quizá es la firma más antigua de arte, el arte que nos rodea, un arte que generalmente no apreciamos porque forma parte de nuestras vidas”.

Periódicos, imágenes, cubiertas de libros, volúmenes de comics, libros infantiles, novelas gráficas, murales y materiales cinematográficos…. Las más de mil trescientas obras expuestas sin jerarquía ocupan nueve mil trescientos metros cuadrados repartidos en treinta galerías. En ellas, una estatua de un cow-boy, páginas de mangas, un retrato de Frida Kahlo, un traje de Batman, episodios de Asterix y Tin Tin, un fresco de Diego Rivera junto a los dibujos callejeros de Bansky  y obras de Frida Kahlo, Jacob Lawrence, Charles White y Robert Colescott, además de  trabajos de caricaturistas como Winsor McCay, Jack Kirby y Frank Frazetta; e ilustraciones de Norman Rockwell, Jessie Willcox Smith y N.C. Wyeth.

Todo expuesto en un gigantesco estuche con aspecto de nave espacial que el  arquitecto del Museo define como una “nube” o un “edificio flotante”. Para el matrimonio Lucas es “el templo del arte del pueblo”. La mayor parte de los objetos que se exhiben en las cinco plantas del Museo formaban parte de las colecciones privadas del cineasta, y de su esposa.

La visita al Museo arranca en la primera planta que aborda la historia de la narración visual desde las pinturas rupestres hasta las grandes tradiciones religiosas y mitológicas con reproducciones –hechas ex profeso- de la Cueva de Altamira, la Capilla Sixtina – « el primer álbum de cómic de Dios » según George Lucas-, y la Piedra del Sol azteca, en la convicción de que algunas obras no podrán viajar nunca, lo mismo que una parte del público nunca podrá ir a verlas.

 

Una sección dedicada al cine explora el universo visual de “La guerra de las galaxias”. Ilustraciones originales y borradores de croquis junto a ropas y vehículos explican el proceso creativo de una de las sagas más aplaudidas de la cultura popular, y muestran como las ideas se desarrollan gracias a la colaboración  para crear relatos que atraviesan las generaciones.

 

  En el Museo hay también dos salas de cine de 300 plazas que, durante todo el día, estarán dedicadas a proyectar películas y documentales, y un restaurante –el  Skywalker Grill- con vistas a las torres de Downtown. La entrada al Museo costará 25 dólares, mientras que otros museos de los Angeles, financiados por multimillonarios, como el Getty Center o el Broad por mencionar alguno, son de acceso gratuito.  

 

Antes de pensar en Los Angeles, el proyecto del Museo se ofreció a los responsables de las ciudades de Chicago y San Francisco, que lo rechazaron a causa de la enorme inversión que suponía. Según Ma Yanson, el arquitecto del proyecto, diseñador del pabellón de China en la Bienal de Arquitectura de Venecia (que se celebra en estos días), “a menudo la arquitectura moderna es funcional como una caja o una máquina. Pero nosotros hablamos de emociones, de lo que sienten las personas cuando se desplazan en el espacio. George hace películas sobre la emoción de la gente, y piensa que también la arquitectura puede hacer lo mismo”.

 

Para George Lucas ha representado una victoria conseguir que, al final de un largo recorrido burocrático, los responsables de la ciudad de Los Angeles, “la meca del cine”, aprobaran el proyecto: “Ha sido un camino largo. El problema es que soy un anticonformista. No me gusta hacer lo que la gente cree posible. Pero, aunque estoy habituado a lo imposible, este  Museo estuvo a punto de ganarle el pulso  a mi voluntad”.

 

Con 82 años repite que "Una imagen tiene muchísimo poder, y las historias también. Cuando combinas esos dos elementos crean una sociedad .y por eso quería construir el Museo: porque el arte narrativo crea un grupo de personas, con un sistema de creencias común, que les permite trabajar juntos en lugar de matarse entre sí", comentó.

Bicentenario de la fotografía

 La imagen como la mejor manera de conservar la memoria 

 

 

Point de vue du Gras

Dos siglos después de la primera fotografía, “Point de Vue du Gras”, conseguida por el inventor, y también experto en mecánica y en química,  francés Joseph Nicéphore Niépce  desde una ventana de su propiedad en Saint-Loup-de-Varennes, en el Gras, Francia celebra el bicentenario de lo que –al menos hasta ahora, antes de la era digital- se consideraba el octavo arte. En la imagen se adivinan los tejados y el patio de una granja bañados por una luz extraña que ilumina los edificios desde ambos lado.

 

El procedimiento utilizado para conseguirla fue la heliografía, un método que el propio Niépce había inventado hacia 1822, junto con Louis-Jacques Daguerre.  Continúa en discusión la fecha en que se consiguió la primera fotografía de la historia. Las instituciones francesas  la sitúan en 1826, mientras que algunos historiadores se inclinan por 1827. Como he leído en alguna parte “la fórmula prudente es hacia 1826-1827”.

 

El « Point de Vue du Grass » (Vista desde la ventana en Le Gras), la placa de estaño –“tan enigmática como inspiradora…Un Grial para quienes ya la han visto » (Clementine Mercier, Libération)- donde el inventor francés consiguió imprimir un paisaje hace doscientos años  permaneció muchos años desparecida hasta que los historiadores Helmut y Alison Gernsheim  la encontraron en Londres, en 1952, dentro de una maleta depositada en la consigna.

 Desde 1963 se  conserva enmarcada, junto a una biblia que perteneció a Gutenberg,  en el Harry  Ransom Center, instituto dependiente  de la Universidad de Texas en Austin, Estados Unidos, desde donde, tras dos años de negociaciones,  va a viajar hasta la localidad francesa de Chalon-sur-Saône en cuyo Museo Nicéphore Niépce permanecerá expuesta  durante dos meses a partir del 26 de abril de 2027, en el marco de la exposición  “L’empreinte d’Hélios. 1826-1827, Niépce invente la photographie ¡.

 La exposición es el acontecimiento central de  los ciento ochenta y dos proyectos que, entre septiembre de 2026 y el mismo mes de 2027, organiza el Ministerio de Cultura francés, para celebrar el Bicentenario de la invención de la fotografía, en toda Francia, los trece territorios franceses de ultramar –cuatro en el Mar Caribe, cuatro en el Océano Pacífico,  tres en el Océano Indico y uno en Estados Unidos- y una treintena de países extranjeros.

 La exposición « rastreará el proceso de invención de Niépce » y contará con « los artefactos y los archivos del inventor conservados en colecciones públicas francesas », según el comunicado emitido por el ministerio francés de Cultura.  

 

Joseph Nicéphore Niépce

A partir de 1816, Joseph Nicéphore Niépce utilizó cámaras oscuras, cajas con una perforación provista de una lente que proyectaba en el fondo la imagen invertida de lo que había en el exterior, procedimiento que hasta entonces se había utilizado para dibujar.

 

Necesitó ocho años para conseguir fijar esa imagen en un soporte con ayuda de « betún de Judea », un producto que había utilizado en 1807 para sus experimentos con el primer motor de combustión interna para barcos, inventado junto con su hermano Claude, al que bautizaron como pireolóforo. La asociación en 1829 con Louis-Jacques Daguerre les permitió perfeccionar el dispositivo, e inventar el primer proceso fotógrafo con éxito.

 

Los dos hermanos Niépce tuvieron que huir temporalmente de Francia tras el estallido de la Revolución, acusados de “simpatías realistas”. Cuando regresaron para ingresar en los ejércitos napoleónicos, Joseph Nicéphore (1) fue licenciado por problemas de salud. Falleció en 1833, con 68 años, en su estudio a causa de una apoplejía.

 

 

(1) “La participación de Niépce en el invento de la fotografía, que se hizo pública en 1839 con el solo protagonismo de Daguerre, fue resultado del desinterés inicial de su hijo Isidore Niépce,  quien heredó y negoció con Daguerre  los beneficios. No se sabe muy bien de donde proviene el contrato, pero el caso es que el invento se vendió al estado francés sin que Isidire  Niépce   reclamara el reconocimiento de la participación de su padre. Sin embargo, en 1841 publicó la obra Historia del descubrimiento del invento denominado daguerrotipo, en la que aclaró su papel en la historia del invento de la fotografía, ante las maniobras realizadas por Daguerre para ocultar sus trabajos”. (France Télévisions)

Cinco segundos: la paternidad en cuestión

 “Un algo de comedia a la francesa, en la que a veces el protagonista parece un hombre destrozado que hace de abogado” (Davide Turrini, Ilfattoquitidiano.ir).

 

El conflicto entre generaciones, la paternidad, las relaciones humanas y las segundas oportunidades se encuentran en la película dramática Cinco Segundos (Cinque secondi), del director y guionista Paolo Virzì (La bella vita (premios Ciak de Oro, Nastro de Argento y David de Donatello en la categoría de Mejor realizador debutante, Locas de alegría, El capital humano, Un altro ferragosto). 

Con una banda sonora compuesta e interpretada por su hermano, Carlo Vinzi, y protagonizada por Valerio Mastandrea (Siempre nos quedará mañana), Valeria Bruni Tedeschi (Locas de alegría) y Galatea Bellugi (Tres adioses), Cinco segundos cuenta la historia de Adriano Sereni, un hombre que vive apartado del mundo en una antigua finca toscana casi en ruinas. Su tranquila rutina se altera cuando, en el  terreno de enfrente, se instala una comunidad de jóvenes –todos destacados estudiantes - dispuesta a devolver, con sus guitarras, sus pendientes y sin abonos químicos,  la vida a los árboles abandonados durante años.

Entre los recién llegados está Matilde, la nieta del último propietario, que pronto siente curiosidad por ese hombre solitario y reservado que parece esconder algo de su pasado. Lo que comienza como un conflicto entre dos mundos opuestos, y más explícitamente entre antiguos y modernos, acabará convirtiéndose en un encuentro capaz de cambiar sus vidas.

“Es una película que comienza misteriosamente –explica su director- revelando gradualmente su dolorosa trama para desatar después un conflicto vibrante y cómico, y terminar con una sensación de confianza. Una película sobre la muerte y la vida, sobre cómo incluso el dolor puede generar ternura y protección. Adriano parece buscar obstinadamente la soledad, que se ve interrumpida por la llegada de una comunidad de jóvenes. Entre ellos está Matilde, embarazada pero indiferente a la idea de que el hijo por nacer tenga padre. El tema de la paternidad —sea útil o no— anima el duelo entre Adriano y Matilde. Su mutua irritación se transforma en una alianza, una protección para ella, quizás un renacimiento para él. A su alrededor está la Naturaleza, que se asemeja a nosotros: un viñedo salvaje que, si se cuida, produce un vino que inspira euforia”.

Entre comedia social y drama familiar, reflexionando sobre la culpa, el perdón y la muerte, los cinco segundos del título son aquellos en los que Adriano estaba en otra cosa, son los suficientes para perderlo todo, son el secreto del relato. “¿Cuando nos distrajimos? ¿Cuando dejamos de mirar a los hijos, de escucharles, de preocuparnos por su presente sin cargarnos con un futuro prefabricado?” (cinematógrafo.it). La distracción es una de las  enfermedades de nuestro tiempo. “Cinco segundos basta caer, toda una vida podría no bastar para levantarse” (Iodonna. It)

Las partes más interesantes del largometraje que transcurre en la Toscana –ese espléndido marco disfrutado hasta la saciedad por la gran mayoría de los realizadores italianos- son las que, en una marcha atrás, recuerdan la muerte de otra joven. Mucho más previsible es, en cambio, lo que sucede a los jóvenes, capitaneados por una chica rebelde, que acaban de instalarse en el terreno abandonado que hay delante de la casa de Adriano, obligándole poco a poco a salir de su silencioso aislamiento.

Es casi un tópico decir que nos sorprendería comprobar que, en caso de preguntar, cada uno de los espectadores contaría una película distinta. Esta es la explicación de que, en mi caso, creo que el relato falla desde la primera parte  de la película, cuando no se molesta en explicar el proceso del repentino cambio tan radical que se produce en el padre. Más que un resignarse a lo irremediable parece un milagro inexplicable.  Y eso no obedece solo al hecho de que el cine es capaz de explicarlo todo.

También es preocupante que la condesita siga embarazada mientras pasan los meses y la pandilla de jóvenes universitarios es capaz de convertir en vino las uvas, y en aceite  las aceitunas,  de unas viñas y  unos olivos abandonados durante años en  un pedazo de páramo.

(1) “Cinco segundos” se estrena en los cines de Madrid este viernes 4 de septiembre de 2026.

 

“Dulce sabor a muerte”: niños sádicos, zombis y el carrito del helado

“La misma broma sangrienta en bucle » (lapresse.ca)

 

El otoño, esa estación que la naturaleza colocó entre el verano y el invierno, más que nada para que fuéramos pasando dulcemente del calor al frío -aunque ahora haya perdido una gran parte de su estrategia- es propicio a los thriller.

Esa manera que tiene la oscuridad de ir ganando minutos sirve de apropiada introducción a las historias de miedo, los cuentos de terror junto a una chimenea encendida…Pero eso era antes, ahora las chimeneas con sus falsos carbones, siempre encendidos por un fuego también falso, son solo un decorado que nos saca de casa y nos dirige a los cines que son el refugio de los auténticos relatos de horror y miedo.

Todo un idílico pueblo veraniego se vuelve loco cuando un misterioso vendedor de helados que llegaba en un atractivo vehículo azul y blanco  sirve a los niños azucarados cornetes desatando una maldición que les convierte en sádicos asesinos, por lo que recomiendo vivamente que no se le ocurra a nadie compartir la experiencia con un niño, preadolescente o adolescente propiamente dicho. Tres amigos que logran escapar a la condena, se proponen descubrir el origen del horror y detenerlo antes de que el verano que se prometían se transforme en una pesadilla y todo el vecindario sucumba al caos.

“Dulce sabor a muerte” (“Ice Cream Man”), la propuestas del guionista, productor y director Eli Roth (“La cabaña sangrienta”, Hostel”, “Black Friday”), mezcla humor negro y violencia extrema cuando los niños empiezan a mostrar sádicos instintos asesinos y  deseos de acabar con todos los adultos, una situación de la que es culpable el señor que conduce la caravana de los helados.

 

No hay nada que me aterrorice más que una historia de asesinos protagonizada por niños. En “Dulce sabor a muerte” son Ari Millen, Charlie Zeltzer, Shiloh O'Reilly, Kiori Mirza Waldman, Sarah Abbott y Benjamin Byron Davis, entre otros, quienes interpretan esta decepcionante historia para amantes del horror gore, en la que se suceden las escenas de matanzas sangrientas y los inocentes niños se divierten con los cadáveres como si fueran juguetes que se pueden romper, torturar o tirar.

Los lectores disculparán  que mi escaso sentido del humor me impida ser más precisa, estoy segura de que les bastará saber que en « Dulce sabor a muerte » (1) no hay nada prohibido para los pequeños zombis con la barbilla cubierta de helado que van a acabar con la vida de padres, profesores y vecinos, llenando la pantalla de sangre gratuita.

 

(1) Los irreductibles pueden ver  “Dulce sabor a muerte” en los cines de Madrid a partir del viernes 4 de septiembre de 2026.

Mostra de Venezia: el primer festival de cine del calendario escolar

 

En el Festival de Venecia hay películas pero también hay estrellas. Desde hoy, 2 de septiembre, y hasta el próximo día 12, la 83 edición de la Mostra del Cinema di Venezia va a reunir generaciones y diversas forma de celebridad, empezando por George Clooney, último representante del divismo clásico de Hollywood, al que seguiran Penélope Cruz y Javier Bardem, una de las escasas parejas que duran en el variopinto panorama cinematográfico del “universo occidental”.

Robert Pattison, más interesante a medida que cumple años, y los hermanos irlandeses Liam y Noel Gallager, músicos que tienen poco de estrellas de Hollywood y acudirán para presentar unel documental “Oasis. Son’t look back in anger”, sobre su reconciliación al cabo de quince años y la gira mundial que realizaron en 2025.  Liam Gallagher, de 53 años, el menor de los hermanos, es un reconocido hooligan del Machestter City Football Club que  en 2019 se dedicó a dar, en las redes sociales, consejos sanitarios durante la pandemia de covid-19. La veterana y prestigiosa revista inglesa NME (abreviatura de New Musical Express) se refiere a él como “el mejor cantante británico del primer cuarto del siglo veintiuno”.

La Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica, , a la que van a acudir también Pamela Anderson, Dakota Johnson y lo más representativo del cine italiano. Este año, sin embargo, no contará con grandes producciones de Hollywood, la edición de 2026 parece construida con otras intenciones, la de distribuir las estrellas por el mapa de la ciudad: un gran divo aquí, una pareja allá, dos rockeros donde menos te lo esperas  sin excluir que “por lo demás, basta una lancha que se detiene frente al Excelsior, alguien que baja con gafas oscuras, un vestido que minutos más tarde ya está en todas partes” (Stefania Saltalamacchia. Vanity Fair).

Durante la ceremonia inaugural de este 2 de septiembre 2026, la actriz Laura Dern   entregará a George Clooney –que representa a los divos más tradicionales- el León de Oro a toda una carrera. Un premio a su trayectoria que en realidad podría ser también un premio a la fidelidad. Clooney y el Lido se frecuentan desde hace años: allí ha presentado película tras película, allí hizo campaña para los Oscar, posó con Brad Pitt y eligió Venecia para casarse con Amal Alamuddin en 2014. El año pasado presentó la película  “Jay Kelly”.

Para el día 5, el Festival prepara algo totalmente distinto, el documental “Son’t Look Back ub Anger”, sobre el reencuentro de los hermanos Liam y Noel Gallagher –“Oasis” en los escenarios y las rave- tras más de veinticinco años de desencuentros,   la gira que efectuaron el año pasado y las primeras entrevistas otra vez juntos.

A  los 93 años y después de haber aparecido en más de ciento cincuenta películas, la actriz estadounidense Ellen Busrtyn, una de las últimas representantes de lo que ya consideramos “cine clásico” (en este caso sinónimo de antiguo),  recibirá también otro León de Honor por el conjunto de una  carrera  que abarca más de cincuenta años.

Ellen Burstyn, ganadora de un Oscar en 1975, es, según el director de la Mostra Alberto Barbera “intérprete de una rara intensidad y una gran exactitud que ha insuflado profundidad y complejidad a personajes femeninos inolvidables, capaces de encarnar las contradicciones y las transformaciones de las mujeres contemporáneas”.

Desde “La última sesión” de Peter Bogdanovich, retrato crepuscular de un Estados Unidos provincianos, consagrada por el éxito mundial en 1973 de “El exorcista” de William Friedkin, Ellen Burstyn ganó el Oscar de Mejor Actriz en 1975 por su papel de madre soltera que lucha por su independencia en “Alicia ya no está aquí”, de Martin Scorsese,  un Globo de Oro un premio Tony por “ El año que viene a la misma hora” de Robert Mulligan, y un Independent Spirit en 2000 por “Requiem por un sueño”, de Darren Aronofsky.

Sin grandes producciones hollywoodienses, la 83 edición de la Mostra presenta a una mayoría de realizadores italianos y franceses: “El programa de este año –según la dirección del festival- refuerza la idea de que el cine es una extraordinaria herramienta para conocer la realidad. Todos los grandes problemas de nuestra época encuentran un eco, o se han visto reflejados en las películas”. Problemas como “las guerras, el cambio climático, las migraciones, las fracturas y los conflictos familiares, así como las esperanzas y los miedos de los adolescentes.

Entre las películas que compiten por el León de Oro, cinco largometrajes de realizadores italianos como “Sucederá esta noche” de Nanni Moretti o “Il fuoco che ti porta dentro” de Edoardo De Angelis  y “Ritorno a Buenos Aires” de Marco Bechis.

En cuanto al cine francés está representado por “Un bon petit soldat” de Stéphane Vrizé, “15/18” de Cédric Kahn y “Un peu avant minuit” de Nicolas Pariser,  mientras que Javier Bardem y Penélope Cruz figuran en el reparto de “Bunker”, de Florian Zeller.

La Mostra de Venecia,  decana de los festivales de cine, cuya programación incluye todo tipo de géneros, del drama coreano a la comedia francesa, se inaugura esta noche con la proyección de “Ink”de Danny Boyle, realizador de éxitos como “Trainspotting” y “Slumdog Millionaire”, que cuenta la historia de la compra, en 1969, del diario “The Sun” por el magnate de la prensa Rupert Murdoch y el actor Larry Lamb. Para la sesión de clausura se ha elegido “Dio ride” (Dios se rie) de Giovanni Favino, que habla de un fraile, interpretado por Pierfrancesco Favino, que en la Toscana del siglo diecisiete cuestiona la fe desafiando el poder de la iglesia.

Entre los veinte largometrajes que compiten por el León de Oro solo figura uno dirigido por una mujer: “Woman Unknown” dirigido por la danesa May el-Toukhy. También es una mujer, la guionista estadounidense Maggie Gyllenhaal, quien preside un jurado de siete miembros  encargado de entregar los premios León de Oro y León de Plata, y la Coppa Volpi.

Y un par de curiosidades para terminar: la única ópera prima presente en la sección oficial de la 83 edición de la Mostra di Venezia es la película “Primetime” del realizador estadounidense Lance Oppenheim, interpretada por Robert Pattinson; mientras que la Agencia Ejecutiva para la educación, el audiovisual y la cultura (EACEA) de la Unión Europea ha retirado la subvención de dos millones de euros, que habitualmente destinaba a la Biennale de Venecia –en cuyo marco se celebra el festival de cine- a causa de  la participación de Rusia.

Siguiendo una recomendación de la Comisión Europea los responsables estiman que "Los acontecimientos culturales financiados por el dinero de los contribuyentes europeos tiene que preservar los valores democráticos y favorecer el diálogo, la diversidad y la libertad de expresión, principios que actualmente no se respetan en Rusia”.   

“Enjambre”: Quién pone en peligro a la comunidad lo paga

“En la oscuridad de la colmena, las normas que rigen la sociedad de las abejas son inflexibles. Todas trabajan para todas, todas tienen una labor asignada, todas se ayudan entre sí. Juntas forman el enjambre, un ente superior que las protege. ¿Cuánto vale la vida de una abeja obrera? Quien pone en peligro a la Comunidad, lo paga” (RTVE.es).

 

Lluc lo ha perdido todo cuando llega a Malpàs, una aldea aislada donde un grupo de desheredados convive en una comunidad utópica. Lluc aún puede perder más: su libertad. Esto, muy esquemático, es la sinopsis-resumen del thriller rural  “Enjambre” (Eixam), primer largometraje de ficción del realizador –también guionista y productor-  mallorquín Óscar Bernàcer. Los cinéfilos le conocen por la dirección de algunas series y los documentales “La receta del equilibrio”, estrenado en Culinary Zinema en el Festival de San Sebastián, “Los que buscamos” y  “El hombre que embotelló el sol”, presentado en la Seminci, Valladolid.

En tiempos convulsos de incertidumbre y miedo al futuro, “Enjambre”, película que según su director pretende reflejar las luces y sombras de nuestra sociedad –que, en realidad, es lo que persiguen la mayor parte de los trabajos artísticos, aunque el resultado dependa mucho del enfoque ideológico que hayan elegido sus autores-  nos traslada hasta el pequeño universo de Malpàs, una utopía con la que todos hemos soñado alguna vez. En palabras de su guionista Joana M. Ortueta (que lo ha escrito a cuatro manos con Jorge Juan Martínez) es: "un paraíso tentador en el que vivir de espaldas al mundo, pero que poco a poco va mostrando su reverso oscuro. La historia se va oscureciendo imperceptiblemente hasta que la necesidad de huir lo impregna todo".

Fanatismo, poder y libertad forman parte del mensaje de “Enjambre” –rodada en distintas localizaciones de la Comunidad Valenciana, principalmente en Bejis, pueblo de la provincia de Castellón, que acaba de festejar su estreno mundial en  Atlántida Mallorca Film Fest-, protagonizada por Pablo Molinero (“Chinas”, “Nosotros”, “La viuda negra”), que es Lluc, el perdedor dispuesto a apostar su vida para conseguir libertad, y Cristina Fernández (“Kepler”, “Sexto B”, “La promesa”), Alba, quien le engaña con la promesa de que la encontrará en una especie de comuna redentora, que no es tal.

 

Les acompañan en esta fábula coral sobre una sociedad alternativa los actores María Maroto (“Los años nuevos”, “La boda de Rosa”), Pablo Derqui (“Los sin nombre”, “Su majestad”), Marta Belenguer (“La casa”, “Camera Café la película”), Jordi Aguilar (“La casa”, “El bar”), Gloria March (“Después de Kim”, La boda de Rosa”), Angel Figols (“Coses a fer abans de morir”, “La forastera”), Abdelatif Hwidar (“Raqa”, “Bird box: Barcelona”), Elías Hwidar (“Cuéntame cómo pasó”) Y June Barnàcer en su primer trabajo cinematográfico, además de las colaboraciones especiales de Nuria Herrero (“4 estrellas”, “Eva & Nicole”), Neus Asensi (Campanas de bosa”, “Los del túnel”) y Sergio Caballero (“Després de tu”,  serie “La promesa”), y el “valor añadido” de la compositora y cantante valenciana La María.

 

En “Enjambre” (1) las cosas no son lo que parecen ni tampoco lo que fingen ser. La comunidad de Malpás –-Mal paso en román paladino- donde Alba promete a Lluc que encontrará seguridad y  libertad al entrar en contacto con la naturaleza y un puñado de seres privilegiados,  alejada del ruido que hacen la competitividad y  las frustraciones de las ciudades  del neocapitalismo oculta, en el aparente “orden” regulador que predica, un férreo sistema de control físico y psicológico; sus amables y sonrientes pobladores, un grupo de desheredados que conviven en aparente armonía arrastran  secretos de una vida anterior, que a veces les vuelve violentos. En realidad, dice el director Oscar Bernàcer- se trata de “seguridad a cambio de libertad”.

 

Mientras intenta “adaptarse”, Lluc se enamora de Silvia, lo que desequilibra los códigos que mandan en la comunidad autogestionada de Malpás,  y cuestiona la posibilidad de establecer formas alternativas de vida.

“En la oscuridad de la colmena, las normas que rigen la sociedad de las abejas son inflexibles. Todas trabajan para todas, todas tienen una labor asignada, todas se ayudan entre sí. Juntas forman el enjambre, un ente superior que las protege. ¿Cuánto vale la vida de una abeja obrera? Quien pone en peligro a la Comunidad, lo paga” (RTVE.es).

 

 Según el realizador  Barnácer, a los habitantes de Malpàs les une la necesidad de volver a empezar y cuentan, aparentemente, con todo lo necesario para ser felices. Pero el precio a pagar por vivir en un espacio más justo, equitativo y seguro es demasiado elevado. Esta es una historia universal sobre el poder y la libertad.

 

(1) “Enjambre” llega a los cines de la Comunidad de Madrid el viernes 4 de septiembre 2026.