Premios Goya: “Los domingos” aclamada mejor película en una Gala que coincide con el inicio de otra guerra

Este sábado 28 de febrero el cine español ha celebrado su fiesta grande en Barcelona al mismo tiempo que la paranoia de “los amos del mundo” iniciaba en Irán una guerra que puede afectar directamente a casi una docena de países, en Oriente Medio y en el Golfo.

La gala de los Premios Goya 2026, galardones que entrega anualmente la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España, han sido casi tres agradables horas en las que la mayoría de los premiados ha respetado el minuto de tiempo que tienen fijado para agradecer desde el escenario -a familiares, amigos y compañeros- “Los domingos”, la película dirigida por Alauda Ruiz de Azúa,  ha ganado en las principales categorías a “Sirat” aunque, con seis “cabezones”, la película del gallego Oliver Laxe (que recordemos, dentro de quince días, aspira en dos categorías al Oscar de Hollywood) ha sido la más premiada.

Además, “Los domingos” vuelve a hacer historia: la realizadora vasca Alauda Ruiz de Azúa se suma a la reducida lista de mujeres –Pilar Miró, Iciar Bollaín e Isabel Coixet (dos veces)- que, en los cuarenta años de historia de los premios, ha conseguido el Goya a la Mejor Dirección.

En mi fuero interno yo había premiado “Maspalomas” o “La cena” –dos relatos “de memoria”, de reivindicación y de justicia- que no se fueron de vacío: José Ramón Soroiz recibió, con 74 años, el Goya al mejor Actor por una interpretación que ha hecho feliz a todo el colectivo LGTBIPlus, y la divertida comedia dramática sobre los caprichos del dictador Franco y su corte de palmeros, ha conseguido los premios al Mejor Guión Adaptado (lo que significa que antes fueron la obra de teatro “La cena de los generales” y el dramaturgo José Luis Alonso de Santos), y al Mejor Diseño de Vestuario.

Nota alta para el debut en la presentación de la gala de la extraña pareja que forman el actor Luis Tosar y la cantante Rigoberta Bandini. Casi cum laude para un comienzo de película musical y una despedida que solo necesitaba de un adiós, y media docena de breves y sobrias apariciones en el patio de butacas, revelando la presencia de varios académicos de esas categorías a las que nunca ponemos cara, como los que desempeñan en el cine “oficios imprescindibles”: por ejemplo, los electricistas o los actores de doblaje

Como es habitual, en el acto se dio un repaso a “los académicos” fallecidos a lo largo del año (lo que proporciona unos segundos de melancolía y recuerdo, siempre conoces a alguno), mientras  la mayoría de  los premiados –incluidos el director Gonzalo Suarez, Goya de Honor, y la actriz estadounidense Susan Sarandon, Goya Internacional- se acordaban de Gaza, de las mujeres afganas e iraníes, de los maltratados habitantes de Ucrania y de los delirios  del presidente de Estados Unidos, capaz de hacer un alto en su partida de golf para acercarse a un micrófono y, sin siquiera quitarse la gorra, confesar la primicia de  que sus aviones, y los de su colega israelí, están bombardeando la capital y los pueblos de Irán, donde han matado a unos cuantos ayatolás, entre ellos al “guía supremo”, además de a varios cientos de iraníes: un primer recuento ya incluía las decenas de niñas asesinadas en una escuela del sur del país.

 Otra que ha hecho historia es “Sorda”, película que, como indica el título es un homenaje y una reivindicación de las personas que no oyen bien, o no oyen nada, que ha recibido los premios a Alvaro Cervantes como Mejor Actor de Reparto, a Miriam Garlo como Mejor Actriz Revelación (que agradeció en dos discursos simultáneos, oral y en lengua de signos: “Ninguna persona sorda es muda. Tenemos una voz propia pero no siempre es oral”) y a Eva Libertad como Mejor Director/a Novell, con el plus de que la actriz y la directora son hermanas.

Me resultó entrañable saber que “Gilbert”, cortometraje animado que se está paseando por los festivales de todo el planeta, es el resultado del encuentro de sus tres realizadores –Jordi Jiménez, Arturo Lacal y Alex Salu- en un curso de animación  para desempleados; y emocionante escuchar a uno de ellos reivindicando a gritos (sic) la enseñanza pública

Palmarés Prenios Goya 2026

GOYA DE HONOR
Gonzalo Suárez

MEJOR ACTOR DE REPARTO
Álvaro Cervantes, por Sorda

MEJOR CANCIÓN ORIGINAL
«Flores para Antonio», de Alba Flores y Sílvia Pérez Cruz para Flores para Antonio

MEJOR DISEÑO DE VESTUARIO
Helena Sanchis, por La cena

MEJORES EFECTOS ESPECIALES
Paula Gallifa y Ana Rubio, por Los tigres

MEJOR MAQUILLAJE Y PELUQUERÍA
Ana López-Puigcerver, Belén López-Puigcerver y Nacho Díaz, por El cautivo

MEJOR ACTOR REVELACIÓN
Antonio ‘Toni’ Fernández Gabarre, por Ciudad sin sueño

MEJOR MONTAJE
Cristóbal Fernández, por Sirat

MEJOR DIRECCIÓN DE FOTOGRAFÍA
Mauro Herce, por Sirat  

MEJOR SONIDO
Amanda Villavieja, Laia Casanovas y Yasmina Praderas, por Sirat

MEJOR DIRECCIÓN DE ARTE
Laia Ateca Font, por Sirat

MEJOR DIRECCIÓN DE PRODUCCIÓN
Oriol Maymó, por Sirat

MEJOR MÚSICA ORIGINAL
Kangding Ray,por Sirat

MEJOR PELÍCULA DE ANIMACIÓN
Decorado, dirigida por  Alberto Vázquez

MEJOR PELÍCULA DOCUMENTAL
Tardes de soledad, de Albert Serra

MEJOR CORTOMETRAJE DE FICCIÓN
Ángulo muerto, de Cristian Beteta

MEJOR CORTOMETRAJE DOCUMENTAL

El Santo, de Carlo D’Ursi

MEJOR CORTOMETRAJE DE ANIMACIÓN

Gilbert, de Alex Salu, Arturo Lacal y Jordi Jiménez

MEJOR DIRECCIÓN NOVEL
Eva Libertad, por Sorda

GOYA INTERNACIONAL
Susan Sarandon

MEJOR ACTRIZ REVELACIÓN
Miriam Garlo, por Sorda

MEJOR PELÍCULA IBEROAMERICANA
Belén (Argentina), de Dolores Fonzi

MEJOR PELÍCULA EUROPEA
Valor sentimental (Noruega), de Joachim Trier

MEJOR ACTRIZ DE REPARTO
Nagore Aranburu, por Los domingos

MEJOR GUION ADAPTADO
Joaquín Oristrell, Manuel Gómez Pereira y Yolanda García Serrano, por La cena

MEJOR GUION ORIGINAL
Alauda Ruiz de Azúa, por Los domingos

MEJOR ACTOR PROTAGONISTA
José Ramon Soroiz, por Maspalomas

MEJOR ACTRIZ PROTAGONISTA
Patricia López Arnaiz, por Los domingos  

MEJOR DIRECCIÓN
Alauda Ruiz de Azúa, por Los domingos

MEJOR PELÍCULA
Los domingos

 

« Manas », impresionante docu-ficción sobre la infancia abusada en plena selva amazónica

« Entre delicadeza y juego sutil, el largometraje de la brasileña Marianna Brennand sigue los sueños de libertad de una adolescente víctima de abusos y prostitución en el corazón de la selva amazónica » (Libération).

 

“Manas”, primera película de ficción de la cineasta brasileña Marianna Brennand, es un impactante aguafuerte, difícil de digerir,  sobre la infancia en la isla de Marajó, donde los abusos, que comienzan en el hogar  y se aceptan con la mayor naturalidad, son el punto de partida de unas mujeres que, una vez adultas, la mayoría de las  veces no entienden que las cosas puedan ser de otra manera.   “Manas” cuenta la historia de Marcielle (Tielle), una niña de trece años que vive en la isla de Marajó, en plena silva amazónica en el norte de Brasil,  con sus padres y sus hermanos. Crece soñando con la emancipación, sobre todo a partir del momento en que su hermana mayor se marchó con un hombre, lo que interpreta como el paso a una vida mejor. Su padre se la lleva con él al bosque, donde le enseña a manejar el fusil para cazar. Su amiga Cynthia, con la que va a vender gambas, le resume la situación hablándole de la hipocresía de los hombres que no quieren que sus hijas suban a las barcazas que transportan mercancías por el río Japura, pero se portan “mucho peor” en casa.   A pesar de las amenazas de su padre, la adolescente acaba por subir a una de esas barcazas, donde los hombres nunca preguntan la edad a las chicas, y mantienen relaciones con ellas a cambio de comida y regalos. Las ilusiones de Tielle  empiezan a hundirse cuando comienza a ser víctima  del mundo de abusos y explotación que en su comunidad empieza en el interior de los hogares y se prolonga en las barcazas, donde las chicas mantienen relaciones de abuso y explotación  con todo tipo de hombres, a cambio de comida y regalos.   “Manas”está interpretada por Jamili Correa, una joven seleccionada entre muchas aspirantes, quien representa a la joven Tielle con una intensidad que emociona, la actriz y activista Dina Paes (“Divino Amor”, “The Emerald Forest”), y Rômulo Braga (“Sol”, “Elon Não Acredita na Morte”), premiado como el Mejor Actor en el Festival de Río 2021. Completan el reparto Fátima Macedo, Emilly Pantoja y Samira Eloá. La película  cuenta con destacados productores ejecutivos: los realizadores Walter Salles (“Diarios de motocicleta”, “Estación central de Brasil”), los hermanos Jean-Pierre y Luc Dardenne (“Rosetta”, “El niño de la bicicleta”) y Sean Penn (“Pena de muerte”, “Milk”).

Entre documental y ficción, “Manas” tiene la virtud de conseguir representar la violencia y los abusos sin mostrarlos directamente, las miradas y los silencios son capaces de decir más que las palabras. La realizadora, Marianna Brennan Fortes, conocida documentalista brasileña, primero quiso hacer un documental sobre la explotación sexual de las niñas y adolescentes en la selva amazónica; pero no consiguió los permisos para hacerlo, por lo que finalmente emprendió el trabajo como una ficción documentada, en la que ha encontrado el tono justo para abordar la condición de la mujer en un lugar espléndido, que podría ser un paraíso, y sin embargo es un abismo de violencia y abusos donde la inocencia termina en el infierno del círculo familiar.   (1) “Manas”, que se estrena en Madrid este viernes 27 de febrero de 2026, consiguió el Gran Premio en la Jornada de los Autores de la última Mostra de Venecia.

 

“La Residencia”, inteligencia artificial, control y paranoia

« …el uso de los teléfonos móviles, las fotografías y más globalmente la atmósfera general, dan testimonio de una época que podría ser la nuestra, lo que aumenta el sentimiento de angustia generado por la historia”. (Laurent Cambon, Avoir-alire.com)

 

“La Residencia” (“Dalloway”), del realizador francés Yann Gozlan (“El hombre perfecto”, “Black Box”, “La mécanique de l’ombre”), presentada en el último Festival de Cannes fuera de competición, está  basada en la novela “Les fleurs de l’ombre” de Tatiana de Rosnay. Protagonizada por Cécile de France (“Las ilusiones perdidas”, “La crónica francesa”), es una reflexión, un poco machacona, sobre los límites de la tecnología y la inteligencia artificial.

Completan el reparto de este thriller paranoico Lars Mikkelsen (“Frankenstein”), Anna Mouglalis (“Mickey 17) , Frédéric Pierrot (“Madre”) y Freya Mavor (“La vida sin ti”), además de la cantante Mylène Farmer que es la voz de Dalloway, la insufrible creación de IA, una presencia inexistente, una creación virtual que cada vez vigila y controla más a la escritora protagonista en lo que –mezclando con inteligencia anticipación, fantasía, thriller y drama- pretende ser una profecía sobre ese futuro, tan cercano que es casi presente, en el que  la tecnología promete comodidad y acompañamiento sin advertir de que también va acompañada de  peligros.  

Clarissa, una novelista que quiere escribir una biografía de Virginia Wolf pero no encuentra la inspiración necesaria, vive en la Fundación Lusovico, una residencia para artistas ultramoderna donde dispone de un asistente virtual llamado Dalloway, encargado de organizarle la vida y estimular su creatividad. Cuando, en una entrevista, una joven que trabaja en una tesis le dice que conoció a su hijo, Lucas, que se suicidó el día de su cumpleaños,  el intrusismo de Dalloway se vuelve insoportable queriendo conocer su pasado.  Clarissa se contagia de las dudas y los temores de Mathias, otro pensionista de la Residencia, y decide investigar el funcionamiento de la Fundación y las auténticas intenciones de sus promotores.   

“La Residencia” es una reflexión seria y documentada sobre la fragilidad humana enfrentada al imparable avance de las llamadas nuevas tecnologías, que hace ya mucho tiempo que dejaron de ser nuevas. Aunque, en contra de lo que a veces nos atrevemos a pensar, son capaces de seguir sorprendiéndonos.

“La Residencia” (1) es un thriller inquietante que dice mucho sobre la soledad del artista (y también del género humano restante) en este mundo en transformación permanente, donde ya es imposible resistirse a integrar “lo digital”, con las “desastrosas consecuencias que tiene sobre el medio ambiente y la mano de obra que explota de forma inhumana” (Manon Dumais, La Presse).

Con la tecnología ocupando todo el centro de la historia –realidad aumentada en el apartamento de la protagonista, espejo inteligente en grado de facilitar cualquier información, incluido el tiempo y  capaz de convertirse en despertador con la imagen y el sonido de las olas que llegan a la playa,  test de salud en el baño…- y su impacto en la vida de todos nosotros, en la película planea también el interrogante acerca de la salud mental en un ambiente paranoico y, por supuesto, la pregunta del millón: ¿llegará un día que la IA reemplace a los artistas…y a todo el género humano?

(1) “La Residencia” se estrena en Madrid mañana, viernes 27 de febrero de 2026.

“Hasta la montaña”, afinada sinfonía pastoril

 

Estamos ante una de esas veces en que usar el término naïf no es peyorativo, todo lo contrario. “Hasta la montaña”  (“Bergers”), elegida Mejor película canadiense en el Festival de Cine de Toronto (1), quinto largometraje de ficción de la realizadora canadiense Sophie Deraspe (“A Gay Girl in Damascus”, “Antígona”, “Le profil Amina”), es naïf en la dosis justa: una oda sincera, una declaración de amor a la vida rural que reivindica el imprescindible trabajo de los pastores -“invisibles” en la majestuosidad de las montañas y los prados- que siguen ejerciendo un oficio secular “maltratado por la política (los políticos), las alteraciones climáticas y el lobo”, el peor de todos los posibles enemigos de un rebaño de idílicas ovejitas.

 

“Hasta la montaña” , película naturalista está basada en “D’ou viens tu, berger?”, novela autobiográfica del escritor canadiense Mathyas Lefebure, sobre sus vivencias en la montaña francesa.   Más allá del relato individual,  conecta con prácticas tradicionales aún vivas en muchas regiones de Europa. La trashumancia, reconocida como patrimonio cultural inmaterial, se convierte aquí en símbolo de resistencia, belleza y compromiso con la tierra. Félix-Antoine Duval (« Saint-Narcisse”) y Solène Rigot (« La confession », « Lulu femme nue ») interpretan al pastor idealista y su compañera en la aventura.
 

Rodada en los Alpes franceses, “Hasta la montaña” (2)  habla del regreso a la naturaleza y la búsqueda del sentido de la existencia, narrando el viaje de transformación de dos jóvenes que abandonan la ciudad para entregarse a la vida en el campo y al rito milenario de la trashumancia, aprendiendo el oficio de pastor, con enormes rebaños de ovejas. Un retrato íntimo del esfuerzo, la conexión con los animales y el redescubrimiento del tiempo, la naturaleza y el silencio, lo mismo que una llamada de atención sobre las dificultades que tienen que enfrentar cada día los pequeños y medianos ganaderos, siempre a merced de la fatalidad del clima y de las enfermedades de los rebaños.

Mathyas, canadiense de Montreal, ha dejado atrás su familia y su trabajo de publicista para realizar el sueño de convertirse en pastor. Instalado en un hotel de Arles, tras comprarse unos cuantos libros que hablan del oficio, y también una navaja de pastor, se presenta ante un grupo de ganaderos locales diciendo que busca un trabajo “de pastor” consiguiendo, con su entusiasmo, que uno de ellos decida darle su primera oportunidad. Trasladado a una cabaña, va aprendiendo el oficio mientras se prepara para poder escribir un día su propio “manual del pastor”.

 

Vigilar a los animales, cuidar de ellos, acompañarles en su transhumancia, son cosas que pueden parecernos bucólicas. Pero la primera experiencia de Mathyas no es tan romántica como imaginaba. Ni tampoco la segunda, con un tal Ahmed que en realidad odia a las ovejas. La dureza y la complejidad del trabajo se encargan de terminar con algunos de los ideales. Sin embargo, la llegada de Elise, una joven funcionaria francesa a la que conoció cuando fue a solicitar el permiso de trabajo,  que también ha decidido abandonar su trabajo en la ciudad, da un nuevo giro a su existencia y juntos emprenden un viaje a través de las montañas, custodiando un rebaño de ovejas, iniciando una nueva forma de vida incorporándose a “la tradición milenaria de los desplazamientos nómadas con los rebaños” (de una entrevista con la realizadora en la que explica que ha querido dar “al material del libro el tratamiento de un cuento”).

 

Para el rodaje de este emotivo drama pastoril  la directora ha contado con la participación de muchos habitantes locales, pastores y agricultores que ven reflejados con sumo respeto sus miedos y reivindicaciones.  “Rodar esta película fue -confiesa Deraspe- una forma de respirar hondo. De reconectar con lo esencial. Y quise que la cámara también respirara al ritmo de la montaña y del rebaño”.

 

(1) Aprovecho para decir que en Canadá se hace un buen cine, a veces incluso excelente, y que –huyendo de generalizaciones porque también lo hay malo y regular- es una pena que nuestros distribuidores solo nos den oportunidad de ver el “buen  cine canadiense” una vez avalado por el aplauso de la crítica de otros países europeos (francesa y británica especialmente). 

 

 

"Los miserables. El origen" de Eric Besnard: enésima vuelta de tuerca al clásico francés más versionado

 

 

« No funciona nada en este ejercicio teatral que raya en lo minimalista, al estilo del cine de autor radical. Las escenas de la colonia penal, excesivamente estilizadas, rozan el ridículo. Pero sobre todo, el excelente grupo de actores que siempre hemos conocido por su moderación, se encuentra completamente desordenado». (Paris Match)    “Los miserables. El origen” ("Jean Valjean"), película escrita y dirigida por Éric Besnard ("La Primera Escuela", "Delicioso", "Pastel de Pera con Lavanda") narra la historia de Jean Valjean antes de convertirse en el héroe de la célebre novela de Víctor Hugo, protagonizada por Grégory Gadebois ("Delicioso", La Primera Escuela", "Las cosas sencillas") como Jean Valjean, y Bernard Campan ("Mentes maravillosas", "Una bolsa de canicas"); Alexandra Lamy ("La Primera Escuela", "Sobre ruedas"), e Isabelle Carré ("Delicioso").   “Antes de que hubiera un héroe hubo un hombre…Un miserable”. Recreando las 150 primeras páginas de la novela “Los miserables”, en una adaptación que muchos críticos  han   calificado de “demasiado escolar” (Télérama), “Los miserables. El origen”  (1) recrea el momento en que Jean Valjean abandona el presidio tras cumplir una larga condena por el robo de un pan –un Jean Valjean roto, rechazado por todos, consumido por el odio, errante sin objetivo que encuentra todas las puertas cerradas- y tiene que enfrentarse a una sociedad que le rechaza y le empuja a seguir siendo lo que parece destinado a ser: un hombre miserable.     Solo y sin rumbo, en su camino aparecen el obispo Myriel, su hermana y su fiel sirvienta, quienes le ofrecen confianza y buenos sentimientos,  algo que nadie más le ha ofrecido  hasta entonces, y que le cuesta comprender. Valjean tendrá que decidir si acepta la  oportunidad  que se le ofrece y utiliza el dinero de la venta de los objetos robados al obispo para convertirse en un “hombre bueno”, o si continúa viviendo marcado por el resentimiento y la exclusión. El encuentro entre los dos personajes es toda una lección de ética que destaca “la importancia de los arquetipos y los dilemas morales, un apasionado discurso sociopolítico, la denuncia de la injusticia y la celebración de una mano tendida para revertir un destino (...)Aferrándose al arco narrativo de la redención, el director se inspira en los códigos de las películas del oeste para poner de relieve la dualidad que habita en el héroe” (ledevoir.com)   El destino quiere que en cada generación de cineastas al menos un realizador (2)  sienta la necesidad de contarnos todas, o alguna de la peripecias que jalonan la vida de Jean Valjean (3), mítico personaje con un pie en la ficción y otro en la realidad que, nacido en el lado equivocado de la historia,  arrastra los estragos que le ha causado la vida en la novela “Los miserables”, obra-cumbre de la literatura gala escrita por Victor Hugo, poeta, dramaturgo, novelista y dibujante-romántico francés, que la literatura universal considera el más importante de los escritores en lengua francesa.   Ahora, cuando el realizador francés Fred Cavayé anuncia que prepara otra adaptación para este mismo 2026, la versión de Eric Besnard, voluntariamente austera y centrada en una única noche, la que Valjean disfruta de la hospitalidad del obispo y da comienzo a la redención del personaje, peca de lentitud, de didactismo y de falta de tensión dramática, con el resultado de “rozar la caricatura en cada segundo con su voz en off omnipresente, su gama de colores voluntariamente grisácea y sus flashback intempestivos, dando al conjunto el mal sabor de una película de televisión en la hora de la siesta” (abusde cine.com).

 

(1) “Los miserables. El origen” estará en la cartelera madrileña a partir del viernes 27 de febrero de 2026.

(2) Los actores que, en el cine y en la televisión,  se han metido en la piel de Jean Valjean superan las dos decenas: desde el primero, Maurice Costello, protagonista en 1909 de la versión muda firmada por el productor y director anglo-estadounidense James Stuart Blackton, hasta este último que ha versionado Eric Besnard e interpreta Grégory Gaudebois, a los que hay que agregar los actores Henry Krauss (1912), William Farnum (1917), Gabriel Gabrio (1925), Harry Baur (1934), Freduich March (1935), Gino Cervi (1948), Michael Rennie (1952), Jean Gabin (1958), Jean Chrevrier (1961), Georges Gèret (1972), Richard Jordan (1978), Lino Ventura (1982), Bernard Würinger (solo voz, versión animada1992), Jean-Paul Belmondo (1995, verión de Claude Lelouch que trasladó la acción a la Segunda Guerra mundial), Liam Neeson (1998), Gérard Depardieu (2000), Hugh Jackman (2012 y Dominic West (2018)

(3) Jean Valjean es el personaje central de las diferentes historias del fresco social de « Los miserables » de Victoir Hugo. Su perfil psicológico cambia con el paso del tiempo y las personas que conoce, lo que constituye “la prueba de la bondad universal y de la capacidad de mejorar que poseen los seres humanos” (Wikipedia). Nació en 1769 en una familia de campesinos pobres en la que todos  llevaban el mismo nombre:  Su padre, Jean,  era podador y murió al caerse de un árbol. Su madre, Jeanne, murió de las consecuencias de una “fiebre de leche” mal curada. De su educación se ocupó su hermana Jeanne.  A la muerte de su cuñado, fue él quien tuvo que encargarse de alimentar a una familia que contaba con los siete hijos de su hermana (entre uno y ocho años). Sin saber leer ni escribir, ganaba 18 francos diarios en la temporada de la poda; el resto del año se empleaba como sirviente o encargado de los bueyes en las granjas

Cuando tenía 26 años y la familia Valjean estaba pasando hambre a causa de la falta de trabajo en invierno, Jean  rompió el escaparate de una panadería y cogió una hogaza de pan. El panadero le persiguió y consiguió detenerle, a pesar de que había tirado el pan. Le condenaron a cinco años de presidio que cumplió con el número 24601. Diferentes intentos de fuga prolongaron la condena hasta diecinueve años.

El último capítulo de “Los miserables” de Victor Hugo relata la inhumación de Jean Valjean en el cementerio parisino del Père-Lachaise, en una tumba sin nombre y apartada de las demás, “cerca de la fosa común, lejos del barrio elegante de esta ciudad de sepulcros, lejos de todas esas tumbas de fantasía que exponían ante la eternidad las horribles modas de la muerte, en un ángulo desierto, a lo largo de un viejo muro, hay una piedra completamente desnuda..En ella no figura ningún nombre …” (Los miserables, Parte V, Libro IX, Capítulo 6: La hierba esconde y la lluvia borra).Tan solo, hace ya muchos años, una mano escribió con lápiz estos cuatro versos que poco a poco se fueron volviendo ilegibles, a causa de la lluvia y el polvo, y que probablemente hoy se han borrado totalmente:

“Duerme. Aunque el destino le fue muy extraño,

Vivió. Murió cuando ya no tenía a su ángel;

La cosa simplemente sucedió por sí misma,

Como la noche se hace cuando el día pasa »

 

En 1840, Victor Hugo asistió a la detención de un hombre que había robado un pan. Le conmovió profundamente ver a aquel pobre hombre que iba descalzo en invierno.

Berlinale 2026 : Oso de Oro para « Yellow Letters » de Ilker Catak, un manifiesto contra el autoritarismo

En una sesión de clausura particularmente agitada a cuenta de la invasión israelí de la franja de Gaza, el jurado presidido por el realizador alemán Wim Wenders (1) ha entregado este 22 de febrero de 2026 el Oso de Oro, máximo galardón de la 76 edición del Festival Internacional de Cine de Berlín (la Berlinale), al realizador alemán Ilker Catak, hijo de inmigrantes turcos, por su película “Yellow Letters”, un manifiesto contra el autoritarismo y la censura de los artistas.

 

La Berlinale, que ya empezó muy criticada a cuenta de  las declaraciones “brutalmente apolíticas” (Libération) de Wim Wenders,  su presidente del jurado: “nosotros tenemos que estar al margen de la política”, dijo en el discurso de bienvenida el pasado 12 de febrero poniendo una vez más de manifiesto “la repugnancia del festival a hacerse eco de la cuestión palestina, en un contexto alemán por definición pro-israelí” (id.), ha mantenido la tensión inicial hasta el último día.

 

« La Berlinale ha estado emocionalmente muy cargada –ha reconocido Tricia Tuttle, la directora del festival, en la ceremonia de clausura, haciéndose eco de las polémicas y acusaciones de censura que se han producido a lo largo de todo el festival “tradicionalmente muy político”, lo que han recordado algunos de los cineastas presentes acusando a los organizadores de censurar “a quienes se oponen al genocidio, actualmente en curso, perpetrado por Israel contra los palestinos de Gaza.

Quién sabe si arrepentido de sus palabras, o para evitar llegar más lejos, el propio Wim Wenders intentó quitar hierro : « El lenguaje del cine es empático. El lenguaje de las redes sociales es eficaz", dijo para después aplaudir el ardor militante de los contestatarios: "Hacéis un trabajo valiente y necesario”.  

Abundando en la protesta, una carta abierta del martes 17 de febrero, impulsada por el colectivo Film Workers for Palestine y firmada por más de ochenta realizadores y actores –entre otros Javier Bardem, Tilda Swinton y Adam McKay- denunciaba « el silencio » de la Berlinale sobre « el genocidio de los palestinos » y acusaba al festival de implicación en “la censura de srtistas que se oponen al genocidio perpetrado por Israel contra los palestinos de Gaza”. Unas acusaciones contestadas por la directora Tricia Turttle en varias entrevistas como « inexactas que no se basan en ninguna prueba », y ratificadas en un comunicado donde hacía un llamamiento a “mantener la cabeza fría” en un momento “que no es bueno para el festival”, y aseguraba que la polémica iba a impedir apreciar los valores de las 22 películas seleccionadas para competir oficialmente.

 

En este ambiente enrarecido, el realizador alemán de origen turco Ilker Catac ha recibido el Oso de Oro por la película “Yellow Letters”, rodada en lengua turca en Alemania, que cuenta los problemas de un director turco y su mujer, actriz, a quienes prohíben trabajar a causa de sus opiniones políticas. Las calles de Berlín y Hamburgo han simulado, en el rodaje, ser las de Ankara y Estambul.

 

Poco antes, el realizador sirio-palestino Abdullah Al-Khatib, recompensado con el premio de la sección Perspectivas por la película « Crónicas de los años del asedio », acusó al gobierno alemán de “complicidad” con el genocidio cometido por Israel en Gaza, unas palabras acogidas con gritos simultáneos  de apoyo y reprobación, reflejo de las tensiones que han marcado la Berlinale de 2026.

Ganador del Gran Premio del Jurado -equivalente al segundo premio- por la película « Salvation », el realizador turco Emir Alper ha leído un mensaje de solidaridad con los palestinos de Gaza , firmado por « el pueblo de Irán que sufre bajo la tiranía y los kurdos de Rojava » : « No estáis solos », ha dicho recordando a los opositores turcos encarcelados, entre ellos Ekrem Imamoglu, alcalde de Estambul. “Salvation”, inspirada en hechos reales, cuenta la historia de la caída en la violencia de un pueblo remoto de Turquía.

La actriz alemana Sandra Huller ha recibido el Oso de Plata a la mejor interpretación (galardón que pueden ganar hombres o mujeres indistintamente) por su papel en la película “Rose”, dirigida por el actor y director de castings austriaco Markus Schleinzer. Se trata de un drama, filmado en blanco y negro, en  el que interpreta a una mujer que se hace pasar por un hombre para escapar al patriarcado de una pequeña comunidad rural alemana del siglo XVII.  

La 76 edición de la Berlinale, que se ha celebrado del 12 al 22 de febrero 2026, se inauguró con la proyección del drama afgano “No Good Men”, tercer largometraje de la realizadora Shahrbanoo Sadat, que sucede la víspera de la ofensiva talibán de 2021 y cuenta la historia de una camarógrafa de televisión desilusionada porque no encuentra novios interesantes en la sociedad “profundamente patriarcal” de su país.

La Berlinale –considerado uno de los tres festivales internacionales “más políticos”, con Cannes y Venecia- no ha permanecido ajena a lo que está ocurriendo en Irán, en plena represión de las  revueltas populares –donde según observadores internacionales se han producido miles de muertes mayoritariamente de civiles- y bajo las constantes  amenazas de intervencionismo estadounidense. La represión estatal es el hilo conductor de la película « Roya » de la realizadora  Mahnaz Mohammadi, que sondea el traumatismo de una presa política tras su estancia en la tristemente célebre cárcel de Evin, en Teherán: “No es algo que pertenezca al pasado, es algo que cambia tu vida y tu percepción, que lo cambia todo”

En el cortometraje documental “Los frutos de la desesperación » el cineasta  Nima Nassaj reporoduce su experiencia de la “guerra de los doce días de junio”, entre Israel e Irán en 2025. Como muchos habitantes de Teherán, se refugió con su familia en un pueblo cercano a la capital; su película refleja la impotencia de las gentes ordinarias ante los “momentos de crisis”, en un mundo cada vez más imprevisible.

Con « Week-end cesariano », de Mohammad Shirvani, una descripción « intensa, salvaje y filosófica » de la sociedad iraní contemporánea, su realizador quiere escapar a la tendencia occidental de ofrecer « una imagen orientalista y exótica de Irán (…) En el transcurso de los cuarenta y siete años de República Islámica todos los iraníes han aprendido a llevar una doble vida ». Su película habla de « la vida subterránea de la juventud iraní de clase media ».

En Berlín también se ha escuchado la voz del realizador Jafar Panahi, -Palma de Oro en Cannes por « Un simple accidente » que también compite en los próximos Oscar- denunciando la represión de la contestación de enero de 2026 que, según organizaciones internacionales de defensa de los derechos humanos, ha causado al menos siete mil muertos: “Se ha cometió un crimen inimaginable. Ha tenido lugar una masacre. Ni siquiera dejan que las personas puedan pasar el duelo de sus familiares”. Jafar Panahi continua la promoción de su película en Europa y América, sin regresar a su país donde le espera “un año de cárcel por actividades de propaganda”.

Berlinale palmarés:

Oso de Oro :Yellow Letters de İlker Çatak

Gran Premio del Jurado: Emin Alper por Kurtuluş (Salvation)

Premio del Jurado : Queen at sea de Lance Hammer

Oso de plata de la mejor realización: Grant Gee por Everybody Digs Bill Evans

Odo de Plata de la mejor actuación : Sandra Hüller en Rose de Markus Schleinzer

Oso de Plata al mejor secundario: Anna Calder-Marshall y Tom Courtenay en Queen at sea de Lance Hammer

Odo de Plata al mejor guión: Nina Roza de Geneviève Dulude-De Celles

Oso de Plata a la mejor contribución artística: Yo (Love Is a Rebellious Bird) de Anna Fitch y Banker White

 

Perspectivas

Mejor primer largometraje (premio de 50.0000 €): Chroniques de los años de asedio de Abdallah Alkhatib

 

(1) Wim Wenders presidió el jurado del Festival de Cannes en 1989 y en 2008 la Mostra Internazionale del cinema di Venezia, el veterano de los festivales de cine creado en 1932.