“ELEONORA DUSE, LA DIVINA: el arte como salvación y consuel

« Un hermoso film sobre las relaciones entre arte y poder, escrito a medida para  Valeria Bruni Tedeschi ». (L’Humanité)

Coproducción franco-italiana estrenada en la última Mostra di Venezia, dedicada a la diva del teatro famosa en Italia como “la Duse” y bautizada como “la divina” por el poeta Gabriele D’Annunzio, la película “Eleonora Duse, la divina”, cuarto largometraje dirigido por Pietro Marcello (“Martín Eden”, “Bella e perduta”, “For Lucio”),  está  protagonizada por la actriz, guionista y realizadora Valeria Bruni Tedeschi (“La gran juventud”, “L’Attachement”, “Les Amandiers”), quien  borda el personaje de esta figura histórica acompañada por, entre otros,  Noémie Merlant (“Emmanuelle”), Fausto Russo Alesi (“El poeta y el espía”) y Vincenzo Nemolato (“La quimera”) y la actriz húngara Fanni Wrochna (« Tomorrow I Die »).

En 1920, en una Italia que entierra los restos de su soldado desconocido, que han llegado desde el norte hasta  Roma ocultos bajo un manto de medallas y adornos patrióticos en el vagón especial de un tren, cuando todavía está lamiéndose las heridas de la Primera Guerra mundial y tras una década alejada de los escenarios, la legendaria actriz Eleonora Duse tiene, con sesenta años,  la necesidad imperiosa de volver al teatro, el único lugar donde alguna vez fue verdaderamente libre, para culminar una carrera legendaria desarrollada a caballo de los siglos diecinueve y veinte.

Mientras a duras penas gestiona  la compleja relación que tiene con su hija,  el peso de los años y su historia de amor con el poeta Gabriele D’Annunzio, la gran actriz que fue Eleonora Duse asiste al auge del fascismo y la llegada al poder de Benito Mussolini, convirtiendo su regreso a los escenarios en una lucha contra el tiempo, el poder y su propia decadencia frente a un mundo en transformación.

Majestuosa y frágil “la divina”, víctima de la quiebra del banco donde guardaba su dinero se ve afectada por  el desastre económico consecuencia de la guerra en Italia, un país que está cambiando a la par que las aspiraciones de sus ciudadanos, mientras la literatura, lo mismo que el teatro, intentan encontrar su lugar en la reconstrucción nacional.  

“Eleonora Duse, la divina”, una película teatral sobre el teatro,  quiere ser algo más que un biopic, su director Pietro Marcello “confiesa querer auscultar el alma de la diva en os últimos años de su vida. En una sucesión de cuadros con una fotografía cuidada y poética, la película narra admirablemente el encuentro de una actriz con su arte y su siglo” (france televisions). El teatro la convirtió en una mujer “libre y responsable”, dos palabras que se repiten constantemente en la película, a costa de situar en un segundo plano la relación con su hija Henriette, quien siempre se ha sentido abandonada.

“La poesía es más lenta pero llega más lejos que cualquier guerra”

El cine se impone, el teatro lo percibe como una amenaza. El fascismo en el poder intenta seducir a “la Duse”, ofreciéndose para ayudarla económicamente y prometiéndole hasta un teatro “todo para ella”. Melodrama de memoria, “Eleonora Duse, la divina” (1) es una inmersión histórica en la Italia de los años 1920, un repaso a los últimos años de  vida de una gran drama del teatro, una ficción salpicada de auténticas imágenes de archivo que nos devuelven el retrato crepuscular de una actriz con todas las ambigüedades de su país y de su tiempo.

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(1) “Eleonora Duse, la divina” llega a la cartelera madrileña el próximo viernes 12 de junio 2026.

“Un talento único” un thriller con el sonido como protagonista

“Una escenografía ágil y frenética, junto con su travieso montaje musical, dan un buen impulso a este estereotipo del género” (L’Obs)   El cineasta canadiense Daniel Roher (“Once Were Brothers: Robbie Robertson and the Band », documental sobre el guitarrista Robbie Robertson, Oscar 2023 al Mejor Documental por “Navalny”, sobre el activista y líder opositor político ruso) debuta como director de ficción con la sorprendente y encantadora película “Un talento único” (“Tuner”) , una comedia dramática (algunos críticos han descubierto la palabra dramedia para calificar este tipo de películas) singular teñida de romanticismo, un hermoso cuentocon un excelente reparto que encabezan Dustin Hoffman (ganador de dos Oscar por “Rain Man” y “Kramer contra Kramer”) en un personaje hecho a su medida,  y el joven actor británico  Leo Woodall ( serie “The White Lotus 2”, Bridget Jones; Loca por él”, “Nuremberg”). Ambos comparten una gran química en pantalla y derrochan ternura en sus papeles de Harry Horowitz y Niki White, un veterano afinador de pianos que se está quedando sordo y su leal y inteligente aprendiz Niki,  quien padece hiperacusia, un oído excepcional que hace que perciba  los sonidos a un volumen exageradamente alto, lo que le obliga a usar constantemente tapones en los oídos y a auslarse cada vez más. El huérfano Niki –que Harry y su mujer, Marla consideran como un hijo- fue un niño prodigio pianista, hasta que su enfermedad le obligó a renunciar a lo que prometía ser una brillante carrera.   Acompañan a esta pareja de actores de talla la modelo y actriz estadounidense Havana Rose Liu (conocida por sus papeles en “The Sky is Everywhere” y “Bottoms”) y el actor franco-español  Jean Reno (“El último combate”, “Los visitantes”, “El código Da Vinci”).   El talento de Niki, que le permite también abrir cajas fuertes, llama la atención de una banda de delincuentes con la que participa en atracos cada vez más comprometidos (a cambio de un dinero con el que podrá pagar las deudas de Harry hospitalizado tras un infarto) que acaban por llevarle a una peligrosa espiral que  podría costarle mucho más que su libertad.     Cuando acude solo a afinar los pianos de una escuela de música (Harry continúa en el hospital),  conoce a Ruthie, una joven pianista y compositora que promete, con la que inicia una relación que, de alguna manera, significa recuperar el sueño de una carrera musical, no exenta de tensiones acentuadas por las oilícitas actividades secretas del joven.   En su primera película de ficción, Daniel Roher sobrevuela sin perder el equilibrio  varios géneros, desde la comedia inicial hasta el romance, pasado por el thriller psicológico –“en el que cohabitan precisión y amenaza” (pianoweb.fr)- que le permite navegar por los sentimientos de sus personajes, y muy especialmente los de Niki, quien se implica en una experiencia terrible que acaba sobrepasándole.   « Imaginé esta película –confiesa Daniel Roher- en función del sonido (…) Me gustaría que los efectos sonoros nos permitan adoptar el punto de vista de Niki. Yo quiero oír lo que él oye ».

(1) “Un talento único” se estrena en los cines de Madrid el viernes 12 de junio 2026.

 

“Solomamma”: ninguna forma de familia es mejor que otra

 

« La segunda  película de la realizadora noruega nos permite soñar con un mundo diferente, en el que la familia ya no es cuestión de biología o de relaciones de sangre, sino de amor y respeto » (Cineuropa)       “Solomamma”, segundo largometraje de la realizadora noruega residente en París  Janicke Askevold ( “Togheter Alone”, modelo internacional y actriz en varias películas francesas),  estrenado en el Festival de Locarnos 2025, donde consiguió el premio del Jurad Ecuménico, ha logrado tres premios en el Festival Internacional de Cine de Barcelona-Sant Jordi (BCN Film Fest): el de Mejor Guion y Mejor Actriz para Lisa Loven Kongsli de la Sección Oficial, y el Premio de la Crítica otorgado por el jurado de la Associaciò Catalana de Critics i Escriptors Cinematografics (ACCEC).   “Solomamma” aborda un concepto alternativo de la maternidad que transgrede las reglas de las sociedades patriarcales que quieren controlarlo todo. Nos invita a repensar la noción de familia huyendo de los estereotipos. Protagonizada or Lisa Loven Kongsli (“Fuerza mayor”, Snow Therapy”) y Herbet Nordrum (“La peor persona del mundo”, “Julie en doce capítulos”), cuenta la historia de Edith, una periodista en torno a los cuarenta años y madre soltera de Sigrud, un niño de cuatro años, que casualmente se entera de la identidad del donante del esperma que recibió. Decide entrevistarle con la excusa de que lo publicará en el periódico donde trabaja, aunque lo que en realidad persigue es saber lo que su hijo podría heredar en materia de genética.   Edith y el donante establecen una cierta relación que tiene como consecuencia una doble vida para Edith que acabará poniendo en peligro no solo el equilibrio afectivo de su día a día, sino también el de las personas que le rodean.   “Solomamma” es un drama sensible que habla del terreno emocional de la  procreación asistida y la maternidad en solitario, y las complejas relaciones entre los padres, los hijos, y las distintas personas que intervienen en sus vidas. Mezclando la especial sensibilidad del cine de autor escandinavo en lo que se refiere a las relaciones con elementos del cine de género, la directora Janicke Askevold aborda con audacia-teniendo como fondo la encantadora ciudad de Oslo, con hermosos y cómodos apartamentos donde viven personas bien vestidas- una cuestión tan espinosa, a través del retrato de una mujer que ha elegido su propio camino, enfrentándose a las críticas de una sociedad a la que le cuesta aceptar situaciones no convencionales.   En una entrevista, la realizadora  de “Solomamma” (1) aborda las formas actuales de maternidad, los desafíos de la educación monoparental, la ética de la donación de esperma y la manera en que las relaciones familiares van más allá de la biología: “Todo empezó cuando una amiga me contó que en las redes sociales encontró al padre biológico de su hijo, y entabló una relación con él sin decirle la verdad. Sentí que ese podía ser el punto de partida de una historia que merecía ser explorada, mientras reflexionaba sobre las múltiples facetas de la maternidad moderna. Estuve investigando, conocí a madres solteras noruegas y basé mi relato en hechos reales; era muy importante que todo lo que ocurriera en la película pidiera suceder en la realidad. También descubrí que algunas de esas mujeres se conocen, crean grupos de apoyo y hacen que sus hijos conozcan a sus medio hermanos (... )  Decidí ir más allá de saber si se trataba de una buena o mala opción. En Escandinavia, la maternidad monoparental es cada vez más frecuente (…) (La mujer de la película) no es una heroína, es un ser humano con sus defectos, sus fuerzas, sus inseguridades y su curiosidad. La única crítica que me permito es a los bancos de esperma, que operan en un mercado susceptible de explotar a las mujeres en situación de vulnerabilidad, especialmente cuando  les cobran un suplemento por dar informaciones sobre el donante (…) Espero que la película sirva para mostrar que existen muchas formas de familia, y que ninguna es mejor que otra ». (1) “Solomamma” llegará a los cines madrileños el próximo viernes 12 de junio de 2026.

 

“Cel meu Infern teu”, un ejercicio de memoria sobre el lesbianismo en el franquismo

Escrita por Ana Piles y Noelia Martínez, “Cel meu Infern teu”  (Mi cielo tu infierno) es un drama romántico con tintes de thriller psicológico dirigido por Alberto Evangelio (“Visitante”), ambientado en la España de los 70, que retrata una historia de amor entre dos mujeres a lo largo del tiempo, su vida clandestina, la represión y su lucha, un tema que sigue de plena actualidad a día de hoy. Una historia impactane y honesta.

 

A lo largo de los años, Adela y Victoria viven una historia de amor imposible y son fuertemente castigadas por la Ley y por la sociedad valenciana de los años 60 y 70. Sin embargo, a pesar de todos los impedimentos, no pueden olvidarse la una de la otra.

 

No seré yo quien dude de que la mejor intención ha guiado  los autores de esta película  (director y guionistas) que pretende denunciar el trato despiadado que algunas mujeres lesbianas recibieron durante los años del tardofranquismo. Digo algunas porque, históricamente, el lesbianismo ha estado menos presente que la homosexualidad (por establecer una comparación) en la sociedad española: a las mujeres les resultaba más fácil esconderse tras una amistad o una relación de trabajo, un trato cercano en ambas situaciones se consideraba “completamente normal”, tanto por las familias como por la sociedad.

 

Que una relación lésbica fuera más difícil de establecer, no significa que, una vez descubierta, se aceptara. La película “Cel meu inferno teu” apunta lo que podía ser el castigo para las mujeres que, como siempre, no era igual según la clase social a la que pertenecieran las implicadas y, en el caso de las mujeres burguesas, el interés de la familia para que no trascendieran los hechos.

 

La película explica el caso muy real de que la mujer que trabajaba en el servicio fue a dar con sus huesos a la cárcel, mientras que la “señorita”, en manos de los psiquiatras partidarios del “método fuerte”, era sometida a sesiones de descargas eléctricas. En ambos casos –y eso no queda claro en el filme- se trataba de “curar” lo que hasta fechas muy recientes la sociedad consideraba una enfermedad, lo mismo que la homosexualidad.

 

“Cel meu inferno teu”, protagonizada por Tania Fortea y Sandra Cervera junto a Víctor Palmero, Vicent Domingo, Rosanna Espinós, Antonio Hortelano y Enric Benavent, rodada en Valencia y en valenciano, ha conseguido el Premio del Público en Marere Film Festival y el Premio Lola Gaos para Víctor Palmero como Mejor Actor de reparto.  

 

 

(1) “Cel meu inferno teu” se estrena en los cines de Madrid este viernes 5 de junio de 2026

“Rebuilding”,una delicada película sobre la reconstrucción

 “Rebuilding’ no es una película que se mira, es una película que se siente. A pesar de su structura previsible y algunos ahogos, es una obra sobria, exigente y de una honestidad excepcional sobre la necesidad de volver a echar raíces” (journaldemontreal.com)

 

Un incendio gigantesco se ha tragado casi toda la vida del granjero Dusty: su rancho, sus tierras en Colorado, convertidos en humo han desaparecido del mapa del Oeste de Estados Unidos. Obligado a subastar su ganado, encuentro refugio en un minúsculo poblado de caravanas donde se agrupan otros refugiados del desastre, en los que encuentra consuelo mientras trabaja como obrero en la construcción de una carretera. Allí conocerá a una joven que acaba de perder a su marido.   El sueño americano ha abandonado a este vaquero que piensa en trasladarse a Montana, donde vive su hermana, para ayudarle con el ganado; pero marcharse significa también abandonar a su hija de nueve años -a la que no ha visto mucho últimamente y con la que intenta recomponer la relación-, quien vive con su exmujer y su exsuegra.  Dusty, quien tendrá que elegir entre  marcharse lejos o mantenerse cerca de la niña, renacerá gracias a una humanidad que resiste y subsiste. « Rebuilding » (reconstrucción), interpretado por el británico Josh O’Connor  -quien se suma a la larga lista de granjeros a los que la fortuna da la espalda, tan apreciados por el séptimo arte- es la  historia de Dusty, un personaje simple y discreto enfrentado a la adversidad, una confrontación del mito del cowboy con nuestra actual crisis medioambiental, un hombre que tras la catástrofe se reconstruye física y psíquicamente. Acostumbrado a la soledad, Dusty acabará encontrando la seguridad que proporcionan la familia y los amigos. Rodada en el impresionante paisaje del Valle de San Luis (Colorado), “Rebuilding”, dirigida por Max Walker-Silverman (“A Love Song”),  es un retrato reflexivo y emotivo de la resiliencia y la conexión humanas tras un momento de pérdida, que cuenta con destacadas interpretaciones de todo el elenco que incluye a Josh O’Connor (“La quimera”, “Challengers”, serie “The Crown”), Meghann Fahy (“Una pareja perfecta”, “Sirenas”), Kali Reis (“Resident Evil”, serie “True Detective”) y la legendaria Amy Madigan (“Desmayados”, “The Hunt”). El realizador Max Walker-Silverman, nacido en esos mismos parajes, es autor del guión y la dirección de esta intensa y melancólica  historia sobre las relaciones humanas estrenada en el Festival de Sundance y galardonada por el Jurado Ecuménico en Karlovy Vary. También ha conseguido recientemente el Premio del Público en el Americana Film Fest de Barcelona y ha participado en el Festival de Cine de Valladolid (Seminci).

Como diciéndonos que de la desgracia puede nacer la felicidad más insospechada, el director de este hermoso canto a la esperanza sin sentimentalismos  que estorben, nos recuerda la actualidad de grandes catástrofes naturales, simbolizadas en este caso por un incendio, pero igual habría servido una inundación o el paso de un devastador tornado (como se suceden tantos cada año en Estados Unidos…y en muchos otros rincones del mapa), que en cada ocasión dejan desamparados a muchos ciudadanos, descuidados por las administraciones públicas y por los bancos (y en este sentido “Rebuilding” recuerda la magnífica “Nomadland” de Cloé Zhao (ganadora de un Oscar con sus víctimas de la crisis económica que viven también en un camping de autocaravanas),  al ondear las banderas de la solidaridad y la ayuda mutua.   El protagonista Josh O’Connor es el padre solitario que no quiere molestar, el anti-héroe frágil, reservado y discreto, el hombre de pocas palabras, el “vaquero moderno en plena crisis existencial” que se tapa el rostro con el ala del sombrero. Frente a él, la joven actriz australiana Lily LaTorre –muy lejos de ser una debutante, a sus pocos años ya ha trabajado junto a media docena de realizadores y otras tantas “estrellas”-, estupenda en el papel de la niña que quiere pasar más tiempo con ese padre que vive en una roulotte, proporcionada por una agencia gubernamental, en mitad de ninguna parte.   “Gran parte de la vida en las zonas rurales –explica Max Walker-Silverman, director de “Rebuilding” (1)- está definida por una paradoja sencilla: el mundo natural es un desafío constante y, al mismo tiempo, tan hermoso que uno no puede imaginar vivir en ningún otro lugar. Los personajes de esta película -al igual que las personas en mi vida- se sienten cautivados por la belleza del lugar en el que viven, incluso cuando el precio es perder todo lo que tienen. Es lo que comparten entre ellos, con quienes los precedieron y con quienes vendrán después. Pero el paisaje no es permanente. Es también un registro de las decisiones tomadas por cada generación: la decisión de conservar, de construir, de extraer o de reparar. En ese sentido, hay un legado humano en todo paisaje natural. Sentirse parte de ese legado es algo poderoso y, en el mejor de los casos, una fuente de verdadero significado. Quienes no tienen nada, aún pueden poseer la belleza (…). “El mito fundacional de la autosuficiencia -siempre presente en Estados Unidos, especialmente en el Oeste- es un mito triste. He visto a mucha gente, especialmente hombres, derivar de la autosuficiencia a la soledad, y de la soledad a la desesperanza (…).Y eso no sirve a nadie en ninguno de los lados de cualquier frontera. (1) “Rebuilding” llegará a los cines de Madrid el viernes 5 de junio de 2026. .

“Cada día nace un listo”, excelente comedia negra de Arantxa Echevarria

 

 

“Cada día nace un listo” es una  divertidísima y muy recomendable  comedia negra de estafadores, buscavidas y vividores, en la mejor tradición de la picaresca nacional. Un aplauso para las interpretaciones de la pareja Hugo Silva / Susi Sánchez, y un sobresaliente para el puñado de gags originales que pueden competir con  las buenas producciones internacionales del género. El conseguido guión de “Cada día nace un listo” es obra de la realizadora Etxevarria y Patricia Campo (autora de “La isla interior” y “Los años desnudos”).   Estrenada en el Festival de Málaga, fuera de concurso, con un reparto coral encabezado por Hugo Silva (“Las brujas de Zugarramundi”, Los hombres de Paco”), Susi Sánchez (“Reinas”, “Stormy Lola”), Dafne Fernández (“Gota”, serie “Tierra de lobos”), Jaime Olías (“Angel o demonio”), Ginés García Millán (“La catedral del mar”) y Diego Anido (“La infiltrada”, “As bestas”); y la colaboración especial de Belén Rueda (“Mar adentro”, “La familia perfecta”), Pedro Casablanc (“El talento”, “Querer”) y Gonzalo de Castro (“Políticamente incorrectos”), La película “Cada día nace un listo”, de Arantxa Echevarria (“La infiltrada”, Goya a la Mejor Película, “Carmen y Lola”, “Chinas”), es una ácida sátira de la sociedad actual que denuncia la picaresca, la ambición, las falsas apariencias y el postureo: “el explosivo choque entre aquellos que amasan fortunas mientras la mayoría lucha por llegar a fin de mes”. Una puesta al día de la tradicional picaresca nacional.   Toni Lomax, un personaje que vive en la frontera entre ser y aparentar,  alcanzó la fama cuando participó como cantante en un exitoso talent show, aunque ahora ya no tiene donde caerse muerto. Su situación parece cambiar cuando Malena, un amor del pasado, le pone en contacto con Junior, el rico heredero de un empresario  que se ha forrado a base de corrupciones, para llevar a cabo el robo de un cuadro de la casa familiar, que en teoría vale millones. El plan no parece complicado, aparentemente va a ser una manera de conseguir dinero fácil.  Toni se busca dos aliados muy especiales: la Mari, una abuela experta en negocios sucios, y el Gallego, un anticuario que vende muebles falsificados. Todos juntos formarán un equipo en el que cada cual perseguirá sus propias ambiciones. La realizadora de “Cada día nace un listo” (1), Arantxa Echevarria, asegura que ella no gana mucho dinero “porque trabaja”. Trabajando es imposible hacerse millonario: “La mayoría de la sociedad nunca llegará a tener una vida de lujo y excesos. Los poderosos, en cambio, han llegado a esa vida por un camino que se nos antoja imposible para los que tenemos que trabajar para pagar las facturas. Pero todos, ricos y pobres, queremos la felicidad. Y sí, el dinero nos acerca a ella. A partir del robo de un Caravaggio, muertos de hambre, una estafa, cuernos, drogas, música, poder y astucia, proponemos el retrato de unos buscavidas que quieren dar el gran golpe pasando por todos los estratos de la sociedad … La película es un análisis de la picaresca humana contado entre robos de cuadros, sexo, avestruces, drogas, humor y dinero… mucho dinero. ‘Cada día nace un listo’ aspira a mostrar un reflejo ácido y feroz de la realidad de este país y este tiempo. “..    (1) “Cada día nace un listo estará en los cines de Madrid a partir del próximo viernes 5 de junio de 2026.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

“A LA CARA”: la alargada sombra del odio en Internet

Mejor Largometraje Español y Mejor Director de Película Española en el Festival Internacional de Cine de Gijón, “A la cara” (“Face to face”), la segunda película de Javier Marco (“Josefina”), basada en su cortometraje homónimo ganador del Goya, está protagonizada por Manolo Solo (“Cerrar los ojos”, “El buen patrón”, “Tarde para la ira”) y Sonia Almarcha (“El buen patrón”), es una historia de confrontación, culpa y redención, “una película que toma como punto de partida el acoso en internet y pretende profundizar en cuestiones sociales como la muerte digna, la maternidad, la masculinidad y su vulnerabilidad, todo atravesado por la clase social” (Cine con ñ).

Completan el reparto Daniel Pérez Prada (“Els encantats”, “Como Dios manda”), Roberto Álamo (“Josefina”, “Que Dios nos perdone”) y la actriz emergente Helena Zumel. Javier Marco firma la dirección y coescribe el guion junto a Belén Sánchez-Arévalo.

La gente cree que insultar en las redes sociales sale gratis, que no tiene consecuencias, que estás protegido por el anonimato de la pantalla. En esta película, a la que en mi opinión le falta naturalidad, Pedro, que trabaja en el mantenimiento de un campo de golf y ha perdido a su madre, anuncia que quiere alquilar una habitación de su vivienda. Cuando abre la puerta esperando encontrar a un posible compañero se encuentra con Lina, una famosa presentadora de televisión, que le exige que repita en voz alta el mensaje de odio que le escribió en redes.

Por extraño que resulte de creer, lo que empieza como un choque violento se transforma en una convivencia inverosímil, en la que ambos acaban aceptando que, a pesar de lo incómodos que se sienten,  les unen más cosas de las que pensaban.

“Esta historia –explica su realizador, Javier Marco- comienza con unas palabras lanzadas sin pensar, desde la comodidad y la distancia que te da una pantalla. Pero esta vez, alguien las lee y decide responder. “A la cara” es el choque entre dos mundos que nunca deberían haberse cruzado. Quería explorar qué sucede cuando desaparecen los filtros, cuando ya no hay teclados ni pantallas de por medio. Solo dos personas enfrentadas en un mismo espacio. Ese enfrentamiento se convierte en un viaje no solo de venganza, sino también de redención y de encuentro. Porque, más allá de sus diferencias, ambos protagonistas comparten una misma culpa: sienten que han fallado como padres. Y desde ahí pueden mirarse sin máscaras.” 

(1) “A la cara” se estrena en Madrid este viernes 29 de mayo de 2026.