“Presunción de inocencia” , drama judicial basado en hechos reales

“Presunción de inocencia” (Le fil), dirigida y protagonizada por Daniel Auteil (“Una razón brillante”, “Adiós, señor Haffmann”, “El octavo día”, “El manantial de las colinas”), es un drama judicial con tintes de thriller que adapta una colección de relatos cortos, “Au guet-apens: chroniques de la justice pénale ordinaire”, escrita por el abogado de Lille Jean-Yves Moyart, alias Maître Mô, que se hizo famoso en Internet con su blog “Petite chronique judiciaire, ordinaire et subjective”, fallecido de cáncer en 2021. 

Desde que consiguió que declararan inocente a un asesino reincidente, el abogado Jean Monier ha decidido no defender a más criminales. Sin embargo,  cuando le llaman de oficio para hacerse cargo de  Nicolas Milik, un padre de familia acusado de asesinar a su esposa, Monier se siente conmovido y sus certezas se tambalean. Convencido de la inocencia de su cliente, está dispuesto a hacer todo lo posible para ganar el juicio, con lo que vuelve a encontrarle  sentido a su vocación.

Auteuil interpreta al abogado Jean Monier y los actores Grégory Gadebois (“Golpe de suerte”, “El oficial y el espía”), Alice Belaïdi (“Oficina de infiltrados”) y Sidse Babett Knudsen (“Borgen”, “Inferno”) interpretan al acusado, la abogada de oficio y la fiscal en el caso de Nicolas Milik, padre de cinco hijos, acusado de asesinar a su esposa alcohólica con la ayuda de un amigo camarero.

Para el sexto largometraje como realizador, el actor Daniel Auteil se ha inspirado en una historia real, un proceso judicial que pone en cuestión la búsqueda de la verdad y el complicado trabajo de los abogados defensores. Una película que fue muy aplaudida en su presentación, en sesión especial, en el último Festival de Cannes.

 Nicolas Milik estaba preparando la cena para sus cinco hijos cuando llegaron los gendarmes y se lo llevaron detenido. Acababa de aparecer el cadáver de su mujer, con un corte en la carótida. El abogado Monier va a asistirle de oficio sustituyendo a su mujer, también abogada, que se encuentra muy cansada. Convencido de la inocencia de Milik.  Monier decide seguir con el caso y  se mete de lleno en la preparación de su defensa.

En la película, que tiene como escenarios fundamentales la sala del tribunal, la celda del acusado y la habitación en que tienen lugar los encuentros con el abogado, Daniel Auteuil reflexiona, desde la perspectiva del defensor, sobre la búsqueda de la verdad íntima del acusado, en el transcurso de un juicio. El espectador asiste a las conversaciones entre abogado y cliente, la reconstrucción de los hechos, el desarrollo de las sesiones del juicio y, a lo largo de la historia en la que no existen pruebas ni tampoco confesión del acusado, acaba forjándose la convicción de su inocencia, a pesar de no conseguir saber quién es exactamente Nicolas Milik ni que pasó realmente la noche del crimen.

Sobre el origen del proyecto, Auteil ha confesado: “Sinceramente pensé que nunca haría otra película como director. A menos que tuviera una necesidad irreprimible de contar una historia. Y eso fue lo que ocurrió el día en que mi hija Nelly, que produce esta película con Hugo Gélin, me presentó el blog de un abogado ya fallecido, bajo el seudónimo Maître Mô. (...) Enseguida me impresionó la fuerza de las historias de vida y justicia que contaba pero también la forma en que expresaba la soledad del abogado, la última persona al lado del acusado, con quien tendrá que enfrentarse a todos los demás. La belleza de esta profesión: transmitir lo indecible, más allá del decoro. Mientras leía, me fascinó esta reflexión sobre la noción de verdad que difiere de una persona a otra. La verdad se convierte en una íntima convicción, algo intangible. Descubrir este blog me llevó al corazón de la humanidad, en toda su fuerza y fragilidad combinadas. Así que quise hacer una película sobre esta búsqueda de la verdad.”

En “Presunción de inocencia” (1), Daniel Auteuil rinde homenaje al trabajo de los abogados que defienden a sus semejantes, sea cual su delito, y evidencia la relación tan particular que se establece siempre entre ambos. Más allá, la película es también un reconocimiento de la justicia en general, así como de sus límites y las inevitables equivocaciones, teniendo en cuenta que son personas quienes la ejecutan; y no olvida a las víctimas, en este caso los cinco hijos del matrimonio Milik y la hermana de la mujer asesinada, interpretada por Aurore Auteil, la hija del realizador.

(1) “Presunción de inocencia”  se estrena en los cines de Madrid el viernes 9 de mayo de 2025.

 

'Erreplika”, sobre los recuerdos y sus huecos

“Una vieja película con un enorme agujero. Una tumba vacía. Una virgen que es y no es. Un robo sin resolver. Un documental sobre huecos, imágenes y memoria”. ( www.green.film/es).

También se  les puede llamar vacíos, ausencias o incluso desaparecidos, pero Pello Gutiérrez, director del largometraje documental “Erreplika” (Réplica), rodado en euskera con un guión de Iñaki Sagastume, David Aguilar Iñigo y el propio realizador, prefiere llamarles huecos.

 “Erreplika”, que es una película sobre huecos, se presentó en el último Festival de San Sebastián donde recibió una Mención Especial del Jurado del Premio Irizar al Cine Vasco, y posteriormente ha participado  en Zinebi (Festival Internacional de Cine Documental y Cortometrajes de Bilbao), que le concedió el Premio EITB del Foro Profesional, en la 27 edición del Festival de Cine Documental de Tesalónica (Grecia) y en la 34 edición del Cine Español.de Nantes.

 “Erreplika” es una  historia que parte de una ausencia: en 1979 la virgen de Zikuñaga – patrona de Hernani y residente en la hornacina exterior de una ermita- desapareció dejando a los  habitantes de la zona sin su imagen icónica. Un hueco en la hornacina. Un vacío colectivo.

 La virgen negra de Zikuñaga, una de las cincuenta y una imágenes “de color” cuyo culto se inició en el mundo durante el siglo XI como adaptación al cristianismo del culto egipcio a la diosa Isis, es para los hernaniarras  “la madre de las madres, la muy querida en todo el entorno del río Urumea” (https://elizagipuzkoa.org/).

La ermita, construida en 1529, ha atravesado los siglos como lugar de peregrinación  y culto dedicado a la imagen desaparecida en 1979.

Cinco años antes, la industria papelera del mismo nombre compró al Obispado el terreno donde se encontraba, lo que en el pueblo generó una gran controversia y polémica, lo que acabo con la decisión de trasladarla. El 10 de septiembre de 1985 se celebró la última misa en la ermita que finalmente se derribó en 1987, con el compromiso de reconstruirla y reubicarla en otro punto, para lo cual se guardaron las piedras de la fachada. Transcurridos treinta y cinco años, en marzo de 2022, la ermita se volvió a inaugurar. ¿La imagen? Se supone que alguien la escondió.

 De este y muchos otros huecos relacionados con el barrio, el entorno y la familia del realizador trata este documental. El padre del realizador, el cineasta Juanmi Gutiérrez, falleció hace algunos años. Con “Erreplika” (1), desde la distancia, su hijo Pello (“La vía flotante”, “Zain”, “Ozpinaren sindromea”, “Heroínas sem nome”) vuelve a sus películas en un ejercicio de memoria personal a través de la imagen, o más bien, a través de su ausencia.  Y se pregunta: ¿Puede la ausencia de una imagen ser tan fuerte como su presencia? Y en ese caso ¿qué hacemos con ese vacío?

 “Sin imágenes no hay recuerdos. El documental  -explica- surge de las imágenes, pero se desarrolla a través de la voz. Es mi voz la que guía la película y es la voz de los protagonistas la que recuerda los hechos pasados a través de la lectura de los documentos, indicios y textos que se han escrito sobre la desaparición. De lo personal a lo colectivo, esta investigación indaga en la memoria de este pueblo a través de la ausencia de su imagen icónica a la vez que plantea una reflexión sobre la imagen y la memoria ante la pérdida de un ser querido”.

 

 

« Septiembre dice », una dramática historia de familia sobre el amor y la emancipación

“Una balada irlandesa funesta y depresiva” (ecrannoir.fr)

 

Primer trabajo como realizadora de la actriz greco-francesa y militante feminista Ariane Labed (“Alps”, “Attenberg”, Copa Volpi a la Mejor Actriz en el Festival de Venecia 2010, “Assassin’s Creed” ), esposa del realizador Yorgos Lanthimos,  “Septiembre dice” (“September says”)  es una adaptación de “Hermanas”, la novela de suspense psicológico escrita por  la británica Daisy Johnson, sobre el paso a la edad adulta siguiendo a dos hermanas: la dócil Julio (Mia Tharia), de 15 años, y la dominante Septiembre (Pascale Kann), algo mayor, y a su madre Sheela (Rakhee Thakrar), una artistafotógrasfa soltera.  

“Septiembre dice” es un drama inquietante que tuvo su estreno mundial en la sección Un certain regard del último Festival de Cannes y posteriormente se presentó a competición en la Semana Internacional de Cine de Valladolid (Seminci).

Las hermanas Septiembre y Julio, nacidas con diez meses de diferencia, a las que su madre ha estado fotografiando siempre, desde que eran muy pequeñas como si fueran muñecas. Son inseparables –comen lo mismo, van a la escuela montadas en una única bicicleta y comparten un teléfono móvil- a pesar de lo opuesto de sus caracteres: una es protectora y la otra impulsiva. Cuando expulsan a Septiembre del colegio, Julio empieza a distanciarse.

Tras un misterioso incidente, las hermanas se refugian con su madre en una casa de vacaciones en Irlanda, la tensión entre las tres aumenta mientras algunos sucesos comienzan a alterar la realidad de Julio, lo que le lleva a cuestionar la relación que mantiene con su hermana.

El aislamiento hace que sus amistades las consideren marginales .Lo que iba a ser el comienzo de una nueva vida se transforma rápidamente en un siniestro y extraño complot, que pone a prueba la relación fraternal: Julio está decidida a emanciparse y escapar de la influencia de su hermana mientras que Septiembre sfre al ver cómo se aleja cada día más. Una relación que acaba convirtiéndose en un juego de poderes, en una tensión que confiere a la película un clima de thriller psicológico, una sensación claustrofóbica.

“Septiembre dice” es una película incómoda de mujeres extrañas, de un trío cuyo comportamiento pasa de  una relación de amor a una relación tóxica siempre en busca de un amor incondicional.

 

(1) A causa de las festividades de la semana, “Septiembre dice” se estrena en las pantallas madrileñas el miércoles 30 de abril de 2025.

"Todo lo que no sé": los errores también forman parte de la vida

“Sin moralismo alguno, pone sobre la mesa cuestiones como la dignidad, la soledad o el mismo sentido de la vida” (cinemanet.info)

 

“Todo lo que no sé” (1), primer largometraje escrito y dirigido por la cineasta vasca Ana Lambarri Tellaeche, está protagonizada por la actriz Susana Abaitua (“Loco por ella”, “4 Latas”, “El valle de las sombras”), quien da vida a Laura, una treintañera que tras una situación en la que perdió todo a nivel laboral, decide dedicar su vida a algo menos exigente. Le acompañan en el reparto entre otros  Francesco Carril (“Eva en agosto”, “Los años nuevos”), Natalia Huarte (“Las cartas perdidas”, “Qierer”, “Heridas”), Andrés Lima, Ane Gabarain, Stephanie Magnin, Iñaki Ardanaz, Fran Carlos y Mark Schardan.

Aunque ésta – “la película que habla de la ansiedad de los milenials” (Sara Heredia, SensaCine)- es historia de una sola protagonista, Laura, una mujer de 35 años que lleva una vida monótona y repetitiva, ayuda a su padre enfermo, trabaja en una tienda después de abandonar una vocación frustrada, comparte piso con una amiga y tiene un medio novio desesperado porque no consigue entenderla.

Esta aparente calma se ve alterada cuando decide retomar un antiguo proyecto tecnológico –confieso que, como la protagonista, es muchísimo lo que no sé y no haber entendido una sola palabra de lo que se trae entre manos- trabajando en una especie de factoría de nuevos talentos en la que periódicamente eligen patrocinar a alguien, facilitándole contactos y dinero para que haga realidad su propósito. En el camino para recuperar una parte de ella que creía perdida, toma una serie de decisiones que tambalean su entorno, enfrentándola con todas las personas que quiere y forman parte de su vida, y aceptando pagar el precio de  equivocarse el intentar encontrar su lugar en una sociedad “atormentada por la incertidumbre y la precariedad emocional”.

Si el cine es la posibilidad de vivir todas esas otras vidas que nos han sido negadas, la de Laura es una de las que no quiero para mí. En palabras de la directora “esta es la historia sobre una mujer buscando su sitio, aprendiendo a ser egoísta, para defender su derecho a descubrir quién es. Una historia sobre aprender a darse permiso a uno mismo para fallar, levantarse e intentarlo de nuevo”.

 

(1) “Todo lo que no sé” se va a estrenar en los cines de Madrid este viernes 25 de abril de 2025.

“Sujo”, el trayecto hacia la edad adulta del hijo de un sicario mexicano

“Esquemáticamente (lo que no dice la película) es que  las mujeres abren puertas allí donde los hombres bloquean el horizonte” (Thomas Pouteau, movierama.fr)

 

Ganadora del Gran Premio del Jurado en la categoría de cine dramático en el festival de Sundance y premiada en  San Sebastián y  Morelia, y en los Premios Gotham, “Sujo”, película dirigida por las mexicanas Astrid Rondero y Fernanda Valadez (“Sin señas particulares”) es el retrato sincero del paso a la adolescencia y la primera juventud, en un pueblecito mexicano de la Tierra Caliente de Michoacán, del hijo de un sicario que a los cuatro años asistió, desde el interior de un vehículo aparcado, al asesinato de su padre, traidor al cartel para el que trabajaba. Huérfano y desamparado Sujo crecerá en el campo tras ser encontrado por un pastor y  acogido por su tía Nemesia (Yadira Pérez, “Mujeres del alba”) a quien otros campesinos consideran una bruja, sorteando la adversidad y la pobreza y completamente al margen de la sociedad mexicana.

Como si fuera imposible escapar a su destino, llegado a la adolescencia Sujo (Kevin Aguilar en el papel del niño, Juan Jesús Varela de mayor, “Sin señas particulares”) termina integrándose en el mafioso cartel local –decidido a triunfar donde su padre fracasó-,  del que logrará salir para continuar una nueva vida alejada de la violencia. Instalado en la ciudad, Sujo aceptará trabajos descargando camiones para pagar el reducido espacio donde duerme, hasta el día en que se siente atraído por la clase de una facultad donde conocerá a Susan (Sandra Lorenzano, escritora y poeta argentina en su primer trabajo de actriz) una profesora argentina que da su nombre al cuarto capítulo de la película (los tres anteriores llevan los títulos de “El ocho”-nombre que lleva el padre de Sujo en la organización delictiva-, “Nemesia” –la tía que acoge al niño y que la opinión generaliza considera mitad bruja mitad lesbiana- y “Jay y Jeremy”, los nombres de los primos de Sujo que le visitan en su refugio).

Hay algo de imprevisible y de salvaje en esta película plagada de paisajes sombríos, horizontes lejanos  y cielos estrellados que, tras abordar el cuestionado tema del determinismo social se resuelve adoptando el optimismo de la libertad arrancada al fatalismo de una prisión a cielo descubierto.

Entre luces y sombras, realismo, un punto místico y unas gotas de realismo mágico, “Sujo” (1) –que en algunos países se ha estrenado con el título “Hijo de sicario” y cuyas primeras imágenes corresponden a un caballo de nombre Sujo que, igual que el niño del relato rompe las ataduras de su dueño y se pierde al galope por los inmensos páramos mexicanos- es un lento drama iniciático que dura unos minutos más de dos horas, un melodrama  que aborda las cicatrices que deja la violencia de los carteles de la droga en la vida de personas ordinarias y los traumas de la pérdida que se resisten a desaparecer y en ocasiones forman parte de la herencia: la figura del padre asesinado es una sombra que va a perseguir al protagonista durante el resto de su vida instándole a decidirse por el camino de la delincuencia.

 

 

(1) “Sujo” se estrena en Madrid el próximo viernes 25 de abril de 2025

Fundación Jiménez Díaz: Un abuso de poder o la excepción que confirma la regla

Durante la última década he tenido que efectuar, en tres ocasiones, estancias de distinta longitud en el hospital que durante muchos años conocimos como Clínica de La Concepción (un homenaje implícito a la esposa de su fundador), que el tiempo ha devuelto a su nombre original:  el del médico  Carlos Jiménez Díaz que lo creó en 1935 como Instituto de Investigaciones Médicas, por más que ahora apenas quedemos unas cuantas docenas de personas  que sepamos quien fue aquel  ilustre,  y respetado entre sus pares, doctor madrileño fallecido en 1967, y a pesar de que la obra de su vida –que ahora se conoce como Fundación Jiménez Díaz- haya pasado a engrosar ese emporio de la sanidad española llamado Quirón que cuenta con 57 hospitales y 127 centros sanitarios, según consta en la web corporativa (quironsalud.com).

Mencionaba al comienzo mis diferentes estadías en la Fundación con el firme propósito  de dedicarle todos los adjetivos  de carácter laudatorio que conozco, a pesar de lo cual no sé si conseguiré celebrar como se merece el trabajo de todo el personal sanitario –desde los especialistas que dirigen equipos numerosos, donde se forman las siguientes generaciones  de médicos, hasta los trabajadores de limpieza y mantenimiento- que se mueve por sus interminables pasillos, despachos, consultas y salas de espera. Estoy hablando de cientos, quizá miles, de profesionales amables, respetuosos, empáticos y capaces de una última sonrisa (si fuera necesario) a pesar de estar cumpliendo un exhaustivo horario, siempre “a bout de soufflé”, durante el cual se han enfrentado a todo tipo de situaciones límite, incluida la muerte.

Es justamente el carácter ejemplar del comportamiento de todos los trabajadores de la Fundación Jiménez Díaz lo que me impulsa a sacar del cajón de los recuerdos penosos el caso de la enfermera Laura, una prepotente y desagradable profesional quien, de servicio en la noche del 21 al 22 de marzo de 2025, quiso que quedara claro quién mandaba en la habitación 21 de Neumología donde una paciente de más de ochenta años, enferma, asustada y vulnerable, que llevaba una larga semana internada, lo que  esperaba en aquel momento era que alguien pudiera acompañarla al baño. No descarto que a la enfermera Laura le hubiera ocurrido algún percance desagradable en su casa o en la calle, pero en ningún caso puede ser una coartada que justifique tratar mal -maltratar- a un paciente.

Estábamos en que cuando la enferma esperaba que alguien le  ayudara a levantarse lo que irrumpió en la habitación, al grito de “Vengo a comprobar sus constantes”,  fue una mujer de larga melena rubia que arrastraba  un tinglado con los instrumentos para leerlas (presión arterial, saturación de oxígeno y temperatura). Con evidente enfado la paciente pidió que primero le llevaran al baño y, para su sorpresa, la enfermera Laura se echó sobre la barandilla de la cama gritándole (textual): “Lo primero son buenas noches, lo primero son buenas noches…Yo acabo de llegar y vengo de otra habitación con otro paciente”. A continuación se puso a comprobar las “constantes” y solo después, y después de decir en voz alta que la enferma se había enfadado, ordenó a alguien que le acompañara al baño.

¿Verdad o fake?

Los dos últimos párrafos de este escrito pueden ser una pesadilla, un cuento de terror inspirado por el cóctel de medicamentos que consumía diariamente o, por el contrario, una denuncia en toda regla del comportamiento prepotente y nefasto de una enfermera de la Fundación Jiménez Díaz con una paciente que se sintió como si hubiera vuelto a la infancia del colegio de monjas, cuando los castigos eran corporales. Que sea una u otra cosa depende únicamente de la enfermera Laura, ella sabe cómo encontrar mis coordenadas y pedirme disculpas.

La periodista Fatima Hassouna, muerta en un ataque israelí en Gaza, protagonista de un documental programado en el próximo Festival de Cannes.

Un bombardeo israelí sobre la casa de su familia, en el barrio de Al Tuffah, en el norte de Gaza, acabó el pasado miércoles 16 de abril de 2025, con la vida de la periodista gráfica Fatima Hassouna, de 25 años, así como con la de una decena más de miembros del clan familiar, que sobrevivieron a otro dos bombardeos israelíes el 7 de octubre de 2023 y el 13 de enero de 2024

 

El azar ha querido que, pocas horas antes de su muerte, la organización del setenta y ocho Festival de Cannes, que se va a celebrar del 13 al 24 de mayo próximos, anunciara que va a proyectar, en la selección “Acid”, el documental “Put Your Soul on Your Hand and Walk” (“Pon tu alma en tu mano y camina”), de la realizadora iraní Sepideh Farsi, cuya protagonista es precisamente la periodista fallecida, convertida en portavoz de los gazatíes, víctimas de la guerra genocida que lleva a cabo el ejército israelí a las órdenes de su presidente Benjamín Netanyahu.

 

Sepideh Farsi, autora del documental que tiene una duración de casi dos horas y está construido a base de conversaciones “on line” entre las dos mujeres, habla de Fatima Hassouna como de una joven valiente que acudía a los lugares de las masacres “para poder hacer fotos, a pesar del riesgo frecuente de un segundo ataque en el mismo lugar”, y define la película como “una ventana abierta gracias al milagro de haber conocido a Fatem (apodo de Fátima), quien me permitió ver fragmentos de la masacre que se está llevando a cabo con los palestinos  (…) Fatem se convirtió en mis ojos en Gaza y yo  en un enlace entre ella y el mundo exterior. Mantuvimos esta línea vital durante casi un año.. Los fragmentos de pixels y de sonidos que intercambiamos se han convertido en esta película que vamos a presentar en el Festival ».

 

Fatma Hassouna, hija de un taxista, no había saludo nunca del enclave palestino y esencialmente fotografiaba su barrio y su entorno.  La realizadora no olvida las confidencias de la joven asesinada, reproducidas en el diario “L’Orient-Le Jour”: « La ocupación israelí quiere eliminarnos, hacerse con nuestras tierras. Quieren que nos vayamos y nosotros queremos quedarnos. Yo no pienso marcharme nunca de Gaza ».

 

La periodista Marianne Leroux, de la redacción de Cultura del canal público  France Télévisions, se hace eco del homenaje que han querido rendir a la periodista fallecida los organizadores de la sección “Acid” (Asociación del Cine Independiente para su Difusión), donde se va a estrenar el documental: “Pudimos ver, y programamos, una película en la que la fuerza vital de esa joven era casi milagrosa. Ya no es la misma película que llevaremos, apoyaremos y presentaremos en todas las salas de cine, empezando por Cannes. Todos nosotros y nosotras, cineastas y espectadores, debemos ser dignos de su luz”.

 

 Desde que en octubre de 2023 comenzara la guerra entre Israel y Hamas, en Gaza han muerto 157 periodistas y trabajadores de medios de comunicación, según los datos proporcionados por la Federación Internacional de Periodistas (FIJ). En un comunicado, Amande Bazerolle, coordinadora de Urgencia de Médicos sin Fronteras (MSF) en Gaza, asegura que la franja « se ha convertido en una fosa común para los palestinos y quienes vienen a ayudarles. Estamos asistiendo en tiempo real a la destrucción y al desplazamiento forzoso de toda la poblacoón de Gaza ».  

 

Según la publicación digital “AJ+”, perteneciente al grupo mediático de Al Jazeera, Fatima Hassouna había dejado escrito: “Si muero, quiero que sea una muerte atronadora (…) Quiero que el mundo entero oiga hablar de mi muerte. Quiero que tenga un impacto que no se destiña en el tiempo. Quiero que se publiquen unas imágenes que no puedan ser enterradas ni en el espacio, ni en el tiempo”.