“Old Boy”, el clásico coreano de Parc Chan-wook, regresa a los cines para celebrar su veinte aniversario

 

Para  todos aquellos que se entusiasman con las emociones fuertes, que son capaces de soportar escenas de sadismo y tortura, regresa a las pantallas, en versión restaurada en 4K, el clásico coreano “Old boy”, realizado por Park Chan-wook (“Sympathy for Mr. Vengeance”, “The Handmaiden”, “Decision to Leave”),  estrenado en España en 2005 trtas haber ganado el Gran Premio del Jurado en el Festival de Cannes y el de mejor película en el de Sitges, con Choi Min-sik (“Exhuma”, “New World”) encabezando un reparto en el que figuran Yoo Ji-tae, Kang Hye-jung y Ji Dae-han, entre otros.

Un mistrioso grupo criminal que tiene una cárcel clandestina ha secuestrado a Dae-su, un irresponsable individuo con una cierta adicción al alcohol. Ignorante de los motivos que han podido tener sus secuestradores, Dae pasará 15 encerrado en una habitación con la única compañía de un aparato de televisión, donde se verá sometido a tormentos psicológicos indescriptibles.  Precisamente es en la televisión donde se entera de que su esposa ha sido asesinada, y de que él es el principal sospechoso

Lo mismo que le secuestraron, sorprendentemente un día la devuelven la libertad si explicaciones, dejándole en la calle. Sin familia, sin amigos, perdido en una sociedad que no conoce y le contempla con hostilidad, su único objetivo a partir de entonces será  intentar averiguar los motivos del secuestro y vengarse de quien le robó unos años que, en realidad, son toda su vida.

“Old boy” (1) , dramático thriller alucinante que engancha y mantiene al espectador en vilo durante dos horas pendiente de las andanzas –violentas y no exentas de un cierto humor ácido- de ese hombre que cuando fue secuestrado tenía  todo lo que necesitaba y quince años más tarde carece hasta de lo más indispensable. Choi Min-sik hace una interpretación excelente del  tipo secuestrado  aparentemente sin motivo quien, una vez que finalizado el cautiverio, se convierte en una persona movida únicamente por el odio y la sed de venganza. Un hombre incapaz de reinventarse, hundido bajo el peso del pasado y de la pérdida.

Auténtico cine negro apto para incondicionales y espíritus poco sensibles.

 

(1) “Old Boy” se puede ver en Madrid, a partir de hoy viernes 24 de enero de 2025, en los cines  Verdi, Embajadores Río, Kinépolis Pozuelo y Yelmo Ideal.

 

 

"Como hacerse millonario antes de que muera la abuela": la familia, siempre la familia

Primera producción tailandesa que ha entrado en la preselección de las candidatas a Mejor Película Internacional en los premios Oscar 2025, “Cómo hacerse millonario antes de que muera la abuela”, la cinta más vista en los países asiáticos durante el año pasado, es una emotiva y agridulce historia dirigida por el debutante Pat Boonnitipat –quien ha desarrollado una larga carrera en televisión contando historias sobre adolescentes-  sobre la complejidad de las relaciones familiares, la importancia de la empatía y el poder del amor incondicional.

 

El actor y cantante tailandés Putthipong "Billkin" Assaratanakul (“I told sunset about you”), interpreta al nieto "M", un joven codicioso pero de gran corazón que ha abandonado la universidad para intentar hacerse rico como streamer, mientras que  Usha "Taew" Seamkhum -78 años, antigua modelo publicitaria, también en su primera película- es la encargada de dar vida a Amah, la gruñona pero adorable abuela que quiere ahorrar para comprarse un trozo de terreno donde ser enterrada. Ambos son los auténticos protagonistas de esta historia de familia en la que también aparecen hermanos, cuñados, primos y nietos. La historia se desarrolla en el barrio chino de Bangkok.

 

 Cuando ‘M’ -un joven holgazán y quejica, que vive con su madre- descubre que su abuela Amah sufre una enfermedad terminal, decide dejar a un lado su precaria carrera como probador de juegos de vídeo  para cuidar de ella, con la mirada puesta en la casa y la cuenta corriente de la abuela, que ha amasado una pequeña fortuna vendiendo en el mercado comida tradicional que elabora de madrugada en su pequeña cocina. “M” cuenta con el antecedente de su prima Mui, que acaba de heredar una fortuna del abuelo, al que estado cuidando con dedicación durante su última enfermedad.  

 

La abuela Amah no es una mujer fácil y además resulta que sus dos hijos varones –un agente bolsa y un jugador alcohólico- también deciden hacer méritos con la vista puesta en la herencia. El joven “M”, quien inicialmente parece cínico e interesado únicamente por el dinero, acaba por aficionarse de verdad a vivir con la anciana, por quererla y  por conectar con ella mejor que con cualquier otro miembro de la familia, incluida su propia madre, una mujer muy trabajadora y consciente de los intereses que están en juego.

 

Es una película triste, muy sentimental, durante todo el tiempo está presente el fantasma de la enfermedad. Pero, como casi todas las historias de amor cinematográficas, tiene un final feliz. A pesar de las diferencias culturales que nos separan de la sociedad tailandesa, resulta que también allí, como aquí, “el roce hace el cariño”, y el joven “M” acaba rindiendo a su abuela un homenaje con el que ni siquiera se habría atrevido a soñar.

 

 

(1) “Cómo hacerse millonario antes de que muera la abuela” podrá verse en los cines de Madrid a partir de este viernes 24 de enero de 2025.

“El profesor de esgrima” o el arte de salvar el honor mediante el duelo

“Un trágico fresco sobre la vileza con que algunos hombres ceden a  sus instintos menos nobles” (Xavier Leherpeur, L’Obs).

 

“El profesor de esgrima” (Une affaire d’honneur”), la úlltima película del actor y realizador suizo de origen español  Vincent Perez (“Fanfan la tulipe”, “Indoniche”, “La reina Margot”, “Cartas de Berlín”, “Cyrano de Bergerac”), autor también del guión junto a su mujer  Karine Silla (“Un baiser papilon”), tiene un elenco casi coral encabezado por Roscdy Zem (“Cuenta atrás”), Doria Tillier (“Fumar provoca tos”), Damien Bonnard (“los Miserables”), Guillaaume Gallienne (“Guillaume y los chicos, ¡a la mesa!”) y Doria Tillier (Monsieur et Madame Adelman”, “El origen del mal”) además del  propio director.

“Toda mi esperanza está depositada en la espada” decía Carlos III, Duque de Bourbon.  Como el  famoso duque, en 1887 en un París en ebullición que ha perdido la guerra con Alemania, ha destronado a Napoleón III, ha pasado por la experiencia de la Comuna y está estrenando la República  , cuando los duelos estaban prohibidos por ley pero el imaginario colectivo pensaba que solo un duelo podía “salvar el honor”,  el coronel Berchère (Vincent Perez) –un hombre violento, obsesionado por el honor y dispuesto a sacar la espada por el menor motivo- tiene que batirse en duelo  con Clément Lacaze (Roscdy Zem), un carismático maestro de esgrima taciturno, quien se ve atrapado por la espiral  de violencia que reina en el ambiente.  En realidad, son dos maneras de concebir el mundo las que están en cuestión.  Lacaze conoce a Marie-Rose Astié (Doria Tillier), una feminista adelantada a su tiempo, a la que enseña el arte del duelo. Juntos se enfrentarán a las provocaciones, tendrán que defender su honor y  harán valer la necesidad de igualdad.

 En una vuelta de tuerca más al cine de capa y espada –en este caso sin capas “porque no hay mosqueteros”, con “sobretodos”, que es como llamaban entonces a los abrigos- que tanto disfrutamos en la infancia, Vincent Perez rinde en “El profesor de esgrima” un homenaje al arte del duelo, arcaica manera de solventar las cuestiones “de  honor” que –en sus distintas versiones, con florete, a espada o con pistola- tenía sus propias reglas muy estrictas, como la elección del lugar, la modalidad, o el nombramiento de los padrinos que no solo acompañaban al duelista hasta “el campo del honor” (que podía ser un hermoso paisaje o una cuadra en la que escapar a la presencia vigilante de la policía); también se hacían cargo de él si en la contienda resulta herido, o si moría.

 

“Todo está basado en personajes que existieron realmente –ha explicado el director-,  salvo el maestro de armas que es un compendio de varios personajes: se llama como el profesor de esgrima que tuve en el Conservatorio, pero encarna la imagen del Marvel de la época, los maestros de armas eran héroes (…) Encuentro fascinante ese periodo que habla de un mundo que estaba cambiando, como el de hoy. Encontré muchas similitudes, ecos, resonancias con nuestra época. En aquel momento celebraban la llegada de la electricidad, hoy es la inteligencia artificial (…) A finales del siglo diecinueve estaban en los albores del feminismo que también estaba cambiando el mundo. Todo eso es lo que me fascinó”

De hecho, de todos los personajes, el más sugestivo es el de la mujer, Marie-Rose Astié  de Malseyre (Doria Tillier) luchaba por los derechos de las mujeres, entre ellos el de poder llevar pantalones ya que « los vestidos estorbaban considerablemente los movimientos », recordando que fueron varias las mujeres que perdieron la vida, enredadas en sus faldas,  en el incendio de la Opera Cómica de París, el 25 de mayo de 1887.  

Marie-Rose Astié –ha revelado el realizador- “se había batido realmente en suelo, pero nunca contra un hombre. Se batía con mujeres y la prensa hablaba mucho de ella, considerándola ‘loca’. El ambiente era muy machista (lo mismo que era muy antisemita). Ella  estaba sola contra todos, había algo de heroico en ella que era también poetisa, cantaba y componía música ».  

 

Película espectacular, detallista y bastante pedagógica, « El profesor de esgrima » (1) entronca con la actualidad en el cuestionado asunto del « honor », constantemente objeto de querellas judiciales, sobre todo desde la implantación de las redes sociales: “Hoy –recuerda Vincent Perez- resulta extremadamente difícil defender el honor. Atacan nuestra reputación y parece que no tiene importancia. Lo interesante de la época en que transcurre la película es que, al final del combate, no había perdedor. Se aceptaba la situación y el problema quedaba solventado. La idea de venganza no entraba en los códigos del duelo”.

 

(1) « El profesor de esgrima se podrá ver en las pantallas madrileñas a partir del próximo viernes 24 de enero de 2025.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

“Flow, un mundo que salvar”, el gato que ya no tenía miedo al agua

“La película crea su magia a partir de la observación y la reproducción minucioso de los comportamientos de  cada una de las especies. Como si el uso del dibujo y de la 3D, a la vanguardia del realismo, aportara una nueva  agudeza a nuestra mirada”.  (Le Monde)

 

Película de animación candidata al Oscar por Letonia, estrenada en la sección Un certain Regard de Cannes y triunfadora en el Festival de Sevilla, « Flow , un mundo que salvar», de Gints Zilbalodis (“Rush”, “Aqua”, “Priorities”, “Oasis”, “Away”), realizador, guionista y director artístico –del que he leído que en este momento tiene media docena de películas animadas en cartelera, en diferentes partes del mundo- es la historia de un gato que intenta sobrevivir en medio de una catástrofe ecológica.

Hermosísima y onírica, majestuosa y épica, « Flow, un mundo que salvar » es una joya de película que ha conseguido también el Premio a la mejor película animada en el Festival de Guadalajara (México), y cuatro galardones en el Festival de Annecy : Premio especial del jurado, premio del público, Premio a la mejor música original  y Premio a la distribución.  En el Festival de Melbourne ganó el Premio Especial del Jurado.

Resultado de un desastre ecológica, en un mundo post-apocalíptico y caótico  totalmente cubierto por el agua de un diluvio, del que ha desaparecido todo rastro humano, un gato gris casi negro encuentra refugio en un barco junto a animales de otras especies. Solitario y sospechando de todos, en una aventura hecha de silencios y maullidos, el felino –embarcado en un viaje con acentos mitológicos- tendrá que aprender a vivir en comunidad, superando todas las diferencias, lo mismo que harán el resto de sus compañeros –gato, perros, lémures, aves…-. Los enemigos de ayer se verán obligados a hacer causa común y descubrirán, en la cubierta del velero, el valor de la ayuda mutua.

Epopeya de supervivientes, en “Flow, un mundo que salvar” lo mismo que el gato aprende a pescar y el pájaro comprende la necesidad de gobernar el barco de alguna manera, los animales de este maravilloso cuento dramático se ven obligados a superar su condición y hacerse con una inteligencia de tipo práctico para sobrevivir en su nueva condición de nómadas en un mundo aparentemente sin fronteras. 

El agua parece haber devuelto a la tierra su aspecto original, no existen  barreras espaciales ni temporales, tampoco culturales, lo que hace posible el encuentro de animales domésticos con especies exóticas, en un planteamiento claramente a favor de la diversidad, de la aceptación del otro y del vivir juntos (filosofía que, evidentemente, se ha ausentado en los últimos tiempos del mundo de los humanos).

« Cuando « Flow » subyuga más es en este terror existencial, constantemente sugerido por la naturaleza superpotente y las ruinas de nuestras civilizaciones, es (soberbio el paso por lo que parece una ciudad antigua). Contrariamente a las fábulas de La Fontaine, esta fábula  centrada en la convivencia, la solidaridad y la bondad” no necesita características humanas para existir. Es incluso lo contrario. Quizá es mejor sin nosotros” ( www.ecranlarge.com).

Lo único que, en mi opinión,  le sobra a esta soberbia película es el subtítulo –“Un mundo que salvar”- que le han adjudicado en la versión española. No le hacía falta ninguno pero, en todo caso, es mucho más adecuado “El gato que no tenía miedo del agua” que le han puesto en otros países.

 

(1) “Flow, un mundo que salvar” se podrá en los cines de Madrid a partir del próximo viernes 24 de enero de 2025.

 

”Eres tu: de Mocedades a El consorcio”, cincuenta años de un grupo de amigos que cantan

 

El largometraje documental “Eres tu: de Mocedades a El consorcio”, dirigido por Lorea Pérez de Albéniz (“Itsasoari Begira”), que –antes de llegar a las pantallas de las salas de cine- el pasado 1 de enero pudieron ver los espectadores de la televisión vasca EITB, y el próximo domingo, 19 de enero, está programado en La 2 de TVE,- es algo sobre la historia del grupo musical vasco con mayor proyección del siglo veinte y mucho sobre la banda sonora de la vida de una generación que ya se encuentra en la plataforma de salida.   En la trayectoria de los grupos corales, siempre con excelentes voces, que son parte importante de la música en el País Vasco, tras conseguir un segundo puesto en el Festival de Eurovisión de 1973 con la canción “Eres tu” que significó su despegue internacional, “Mocedades” primero y “El consorcio” más tarde –formado por los hermanos Iñaki, Amais y Estibaliz Uranga, junto a sus amigos Carlos Zubiaga y José Ipiña- cuentan ahora su historia  de cinco décadas cantando, a base de anécdotas y detalles personales, que incluyen desavenencias, llegadas, despedidas, separaciones y creación de nuevos grupos. En un momento en que nada definía mejor el ambiente en el mundo occidental que la llegada de una juventud brillante y rompedora de esquemas que había llegado para quedarse y  se abría camino imponiendo una espléndida moda, una poderosa música y una forma de vida que funcionó como una catarsis colectiva, el grupo vasco “Mocedades”  -unos jóvenes que cantaban como los ángeles (Victor Manuel dixit)  y parecían recién llegados de la catequesis del Opus Dei- fue la excepción que confirma regla.   El documental “Eres tu: de Mocedades a El Consorcio” (1)  –grabado principalmente en Bilbao, ciudad natal de sus protagonistas-, es un relato en el que también participan músicos y profesionales que han trabajado con ellos; familiares y amigos; seguidores españoles y latinoamericanos; y artistas como Leire Martínez, Víctor Manuel, Rosa León, las presentadoras Anne Igartiburu y Mayra Gómez Kemp, el periodista Jon Aramendi, los productores Oscar Gómez y Emilio Santamaría, o Allende y Maria Blanco, hijas de Sergio y Estíbaliz:  nombre artístico, y real, que adoptó el matrimonio en 1972  cuando inició carrera en solitario y volvió a participar en Eurovisión con la canción “Tu volverás” (1975). ,

Las declaraciones de todos ellos se completan con imágenes de archivo procedentes de los fondos de RTVE y ETB y de los archivos personales de los miembros del grupo. El montaje incluye actuaciones musicales y también escenas del ámbito familiar de “unos jóvenes que, en principio lo único que queríamos era divertirnos con la música”. . Una historia de recuerdos y nostalgias que comenzó cuando los hermanos Uranga eran unos niños:- “Igual que hay familias de médicos o de arquitectos, hay familias de músicos”, explica Estibaliz, “nuestro padre montaba todos los saraos cantando. Y nosotros afinábamos desde el principio. Era una casa muy musical, todos los que iban naciendo también cantaban”, añade Amaia. Nacieron hasta nueve- y que repasa en primera persona los momentos decisivos de la carrera musical de “Mocedades”: el paso por Eurovisión, las actuaciones memorables, el accidente de tráfico que pudo poner fin a su carrera, o la escisión que  muchos años más tarde, ya en la década de 1990,  dio lugar al regreso de los que se habían ido y  al nacimiento de “El Consorcio”.   (1)- La 2 de TVE  emitirá el documental “De Mocedades a El Consorcio” el próximo domingo 19 de enero de 2025, a las 21h15, dentro de la serie “Los imprescindibles”. .

 

 

“¡GLORIA!”, drama, historia y música en un marco incomparable

 

  « El primer largometraje de la compositora italiana Margherita Vicario interpreta una atractiva  melodía sobre dos notas esenciales: la sororidad y la libertad de la voz femenina » (Le  dauphine libéré).

 

La compositora, cantante, actriz y  ya realizadora italiana Margherita Vicario, hasta ahora presente en películas y series para televisión, debuta en el largometraje con “¡Gloria!”, una historia voluntariamente anacrónica que llega a los cines tras pasar por el Festival de Berlín 2024, el de Gijón –que incluyó un concierto de la directora- y conseguir el Premio del Público en el reciente Festival del Cine italiano de Madrid.

 

Comedia dramática, histórica y musical interpretada por : Anita Kravos (“Nombre de mujer”, “Lo mejor de ti”), Galatea Bellugi (“Ella & El y el resto del mundo”, “Una juventud dorada”, “La aparición”), Carlota Gamba (“Dante”, “Vermiglio”), Veronica Lucchesi (“El cazador”) y Maria Vittoria Dallasta (“Leopardi. El poeta del infinito”,  “Estaba en guerra y no lo sabía”), “¡Gloria!” está dedicada a la memoria de las mujeres compositoras que la historia ha ignorado hasta muy recientemente y cuenta cómo, en la Venecia de los albores del siglo XIX, una joven criada del orfanato y conservatorio de San Ignacio lleva a cabo un descubrimiento que supondrá una gran revolución vital y artística.

 

Con una puesta en escena de enorme belleza plástica, en el Instituto San Ignacio de la Venecia ocupada por las tropas napoleónicas,  orfelinato y conservatorio de música para jóvenes S en situación bastante precaria, hay una gran agitación ante la inminente visita del recién elegido Papa  Pío VII y la preparación del concierto que piensan ofrecer en su honor. Teresa (Galatea Bellugi),  una joven doméstica solitaria y muda, hace un descubrimiento excepcional: cuando va a limpiar una habitación donde no entra nadie más que el cura Perlina, compositor y homosexual que enseña música a las internas (Paolo Rossi, “Ultima noche en Milán”, “La mia banda suona el pop”),  descubre la existencia de un piano.

 

Junto a un grupo de talentosas músicas, Teresa recuperará el uso de la palabra y, desafiando las normas del Antiguo Régimen italiano, creará una música rebelde y moderna. "¡Gloria!" narra su inspiradora lucha por la libertad artística y la innovación musical.
 

Una vez más estamos ante  una película histórica que viene a recordar –y nunca es suficiente- la triste condición de nuestras tatarabuelas, en una sociedad en la que los hombres no dejan que salgan a la luz sus talentos. Evidentemente, imaginar que hace doscientos años un grupo de estudiantes de música se lanza a hacer improvisaciones de jazz, o a componer canciones pop, es una licencia anacrónica que se puede salvar si pensamos que esas jóvenes están buscando una salida honrosa a sus desgraciadas vidas, y si no podemos resistirnos a  la belleza de las imágenes, de los colores, de los paseos junto a la laguna…  que nos devuelven el ambiente captado por los mejores pintores italianos de la época .  

En resumen: en una mezcla donde se difuminan épocas y acontecimientos, con sus jóvenes desamparadas, su huérfana abandonada por su amante sometido a las exigencias de sus padres, su cura al que explota sentimental y económicamente un joven del que está “colgado”, y un puñado  de mujeres  jóvenes decididas a convertir su arte musical en instrumento de lucha a favor de una sociedad fraternal y libre de iguales, “¡Gloria!” es una película militante sobre las mujeres músicas ignoradas por la sociedad que les ha tocado en suerte, que buscan la emancipación y el reconocimiento que les faltan, que se unen para hacer frente a la brutalidad del totalitarismo y la dominación masculina.

La realizadora se ha burlado, con un tono audaz y provocador, de las convenciones, ha denunciado el conservadurismo religioso oculto tras las normas de otros tiempos, algunas de cuyas manifestaciones más evidentes pugnan por resurgir en nuestras actuales sociedades (desde el machista millonario que está a punto de instalarse en la Casa Blanca a los neonazis que conquistan terreno en Alemania, en Países Bajos, en España…), cuestionando sobre todo el derecho a la diferencia, tanto si se trata de discrepancias ideológicas como culturales.

La directora de “¡Gloria!” (1), Margherita Vicario, ha explicado sus intenciones: "A través de mi trabajo como autora y compositora, me he enfrentado durante años a la misma pregunta: ¿qué opino del papel de las mujeres en la música hoy en día? Para responder me lancé a investigar. Eso me llevó a escribir ¡Gloria! Al rastrear la historia de las compositoras italianas y europeas, lo que más me intrigó fue el fascinante mundo de los cuatro Ospedali (orfanatos) de Venecia”.

 

(1) “¡Gloria!” estará en las pantallas de Madrid a partir del próximo vienes 17 de enero de 2025.

“Babygirl”, thriller erótico sobre el complicado deseo femenino

Ganadora de la Copa Volpi a la Mejor Actriz para Nicole Kidman en La Biennale de Venecia de 2024., “Babygirl”  es la historia de Romy (Nicole Kidman, “La vida de los otros”, “Moulin Rouge”, “Eyes Wide Shut”), alta ejecutiva en una empresa de hightech, casada con el director de teatro Jacob (Antonio Banderas, “La piel que habito”, “La máscara del zorro”), que inicia una aventura de sexo con el joven becario Samuel (Harris Dickinson, “Sin fultro”, “El triángulo de la tristeza”, “Beach Rats”).

 Romy, que en los negocios ha conseguido todo pero tiene una deficiente vida sexual con su marido,  pasará de ser quien da las órdenes en la oficina a disfrutar siendo sometida en los juegos sado-maso con su amante, lo que le genera una profunda crisis existencial y le lleva a poner en peligro su carrera y su familia, cuando el becario amenaza con contarlo todo. Dirigida por la holandesa Halina Reijna (“Instinto”, “Walkyria”, “Bodies, bodies, bodies), completa el reparto Sophie Wilde (“Háblame”, La puerta mágica”).

Con 57 años y un cuerpo espectacular, Nicole Kidman se expone como nunca lo había hecho anteriormente, totalmente desnuda en la pantalla o inyectándose botox en una clínica. La directora de esta historia que define como “drama erótico” y despierta sentimientos encontrados, ha dicho que  decidió explorar la vulnerabilidad, la vergüenza y la libertad de una mujer, que se enfrenta a los tabúes y fantasías que también componen su personalidad, y hablar del placer desde el punto de vista femenino: “Quería representar –ha dicho- la idea de que la sexualidad se construye principalmente en nuestro espíritu: es una historia que alimenta nuestro deseo”

La película rompe algunos esquemas sobre las relaciones entre mujeres y hombres y sobre las diferencias entre generaciones. La propia Nicole Kidman resumió el largometraje cuando su presentación en Venecia: “Es  una película sobre el deseo, el placer, los fallos internos, el secreto, el matrimonio, la verdad, el poder y el consentimiento. Es la historia de una mujer (…) contada por una mujer y a través de la mirada femenina, lo que la hace única para mí”.

Este género de thriller erótico que cosechó grandes éxitos de taquilla en los años 1980-1990 -de “Instinto básico” a “Relación fatal”  o “9 semanas y media”- siempre estuvo dirigido por hombres. Desde hace unos años, y probablemente con el auge del movimiento #Me Too, han empezado a aparecer historias sobre el deseo femenino –ignorado por la historia- como “Retrato de una mujer en llamas” de la realizadora francesa Céline Sciamma.

He empezado diciendo que “Babygirl” va a despertar reacciones controvertidas y tengo obligación de retratarme: no me ha gustado, detesto las relaciones de poder de cualquier tipo,  odio ver a una mujer dominada y humillada durante hora y media. Entiendo que muchas veces los maridos no son capaces de satisfacer a sus mujeres y entiendo que la solución puede ser una aventura o un amante; pero nunca una mujer a cuatro patas lamiendo la leche de un plato.

(1) “Babygirl” se estrena en los cines madrileños el próximo viernes 17 de enero de 2025.