“La semilla de la higuera sagrada” de Mohammad Rasoulof : en Irán con el miedo en los talones

“La semilla de la higuera sagrada”, película rodada en

clandestinidad en Teherán, preseleccionada para competir el

próximo 3 de marzo en los Oscar representando a Alemania, país

dónde se encuentra exiliado desde mayo de 2024 el realizador iraní

Mohammad Rasoulof, ya ha ganado los premios Especial del Jurado,

del Jurado ecuménico y de la Federación Internacional de la Prensa

Cinematográfica (Fipresci) en la pasada edición del Festival de

Cannes, donde recibió una ovación de trece minutos del público

asistente; igualmente ha conseguido el Premio del Público a la mejor

película Europea en los festivales de San Sebastián, Las Palma y

Manresa, y el máximo galardón de la Espiga de Oro de Honor para

su realizador en la última Semana Internacional de Cine de

Valladolid (Seminci).

 

En su recorrido por otros certámenes ha recibido premios al

guión en los festivales de Chicago y de cine asiático de Barcelona, así

como el Premio especial del Jurado en el de Montclair, y ha sido elegida como mejor película en los de Denver, Sidney, Middleburg, Santa Fe y Lisboa.

 

Mohammad Rasoulof, sociólogo y cineasta de 52 años, (“The

Twilight”, “La isla de hierro”, “The White Meadows”, ·Goodbye”,

“Manuscripts Don’t Burn”, “Un hombre íntegro”, “Intentional

Crime”), quien hace cuatro años se alzo con el Oso de Oro en el

Festival de Berlín con “La vida de los demás”, se encuentra exiliado

desde que la justicia iraní le condenó por “colusión contra la seguridad nacional” a ocho años de cárcel además de una tanda de latigazos, una multa y el embargo de sus bienes, tras  haber denunciado “la corrupción y la incompetencia de las autoridades iraníes (1).

Después de  protagonizar una huída precipitada de Irán, y de confesar que la nominación a los premios Oscar le provoca el sentimiento contradictorio dulce-amargo de sentirse honrado y, al mismo  tiempo, tener que hacerlo desde un país que no es el suyo, en “La semilla de la higuera sagrada” -thriller social con un reparto de actores locales - Soheila Golestani, Setareh Maleki, Missagh Zareh, Mahsa Rostami, y coproducción iraní, francesa y alemana-

Mohammad Rasoulof se mete de lleno en la familia que forman el

juez de instrucción Iman y su mujer Najmeh, padres de dos hijas

adolescentes, Rezvan y Sana, quienes en secreto apoyan, sin

participar, las manifestaciones en las que, según distintas ONG, las

distintas policías que operan en el país mataron a cientos de

personas.

Cuando desaparece la pistola que el gobierno le entregó para su seguridad, el miedo de Iman se transforma en paranoia mientras en Teherán se suceden las manifestaciones y los disturbios políticos en repulsa del asesinato, en una comisaría de la capital, de la joven kurda MashaAmini. Sucesos que tensan los lazos familiares a medida que las normas sociales se desmoronan. Una vez más, el conflicto generacional le sirve al cineasta como metáfora de un retrato al natural del país.

Sin poder sacarme de la cabeza los versos de  “Baraye” (“Por… la mujer, por la vida, por la libertad” (https://youtu.be/BKo6DqTU7M8) del cantante iraní Shervin Hajipour, canción compuesta en el otoño de 2022 como un homenaje a las revueltas que en las calles y las escuelas de Teherán denunciaban, al grito de “Mujer, vida, libertad” el asesinato de la joven kurda de 22 años Masha Amini, detenida por la policía de la moral por llevar mal puesto el velo obligatorio, voy siguiendo el largometraje que nos acerca a la vida universitaria en Teherán, sacudida por las revueltas en las calles y las escuelas.

A medida que los disturbios políticos aumentan, la responsabilidad

profesional del juez Iman –en principio reticente a firmar las

órdenes de ejecución sin pruebas que le ponen delante, aunque poco

a poco va cediendo a las presiones del gobierno- empieza a afectar a

su plácida vida familiar. Cuando su pistola desaparece, sólo le queda

sospechar de las mujeres que lo rodean, imponiéndoles medidas

como las que son habituales en los interrogatorios policiales y

judiciales en Irán. Mientras las normas sociales empiezan a

desmoronarse a su alrededor, lo hace también su familia.

 

“Las semillas de la higuera sagrada”,  mezcla ficción e imágenes de violencia procedentes de documentales,  para contar la historia de una familia asustada, teniendo como fondo el movimiento de contestación desencadenado en septiembre de 2022.

 Cuando empezó la contestación, Rasoulof se encontraba en la cárcel. Una condena más de las que ha cumplido desde  que

en 2009 fue detenido por primera vez junto a otro cineasta, el célebre Jafar Panahi.  Forma parte de los artistas, de distintas especialidades, que hasta ahora se habían negado a abandonar Irán, optando por plantar cara la censura y la represión creciente, lo mismo que entre otros el rapero Toomaj Salehi, recientemente condenado a muerte.

En “Las semillas de la higuera sagrada” Mohammad Rasoulof pasa revista al régimen teocrático  represivo que existe en Irán y al miedo generalizado que muchas veces funciona como autocensdura, lo que evidentemente no ha gustado a las primeras autoridades del país que en los últimos tiempos han perseguido a los profesionales que participaron en el rodaje propiciando más exilios, entre ellos los de varios técnicos así como algunos artistas.

En declaraciones efectuadas en Cannes al diario francés Libération tras la proyección de la película que fue recibida  con unos respetuosos aplausos, Mohammad Rasoulof, quien confiesa “llevar veinte años haciendo cine clandestino”, ha dicho que “en Irán, existe siempre el factor suerte, que puede funcionar, o no, para llegar hasta el final de un proyecto. Las formas de vigilancia son muchas, la policía, los servicios secretos, que usan diferentes métodos de presión (…) Yo he aprendido a desviar su atención y escapar a su vigilancia. Pero este rodaje ha sido el más difícil de toda mi carrera (…) La libertad está por encima de todo y yo acepto pagar el precio de tenerla”.

En declaraciones a FraceInfo.Culure un  Rasoulof esperanzado manifiesta que “tenemos la suerte de vivir en un mundo donde la información circula a toda velocidad gracias a los teléfonos móviles, que están jugando un papel inmenso en la liberación de la generación joven (…) en Irán, las redes sociales representan grandes ventajas para la nueva generación, que puede rápidamente encontrarse y tomar conciencia (…) El régimen iraní invierte mucho en propaganda, creando informaciones falsas para sembrar confusión (…) Necesitamos tiempo, pero yo mantengo la confianza”.

 

 

 (1) Anteriormente, en 2010, Mohammad Rasoulof fue detenido en el

set mientras se encontraba rodando, acusado de filmar sin permiso y

condenado a seis años de cárcel, reducidos a uno en la apelación; en

septiembre de 2017 le confiscaron el pasaporte cuando regresaba a

Irán, tras participar en un certamen internacional, y le prohibieron

volver a salir del país.

Acusado de “reunión y confabulación contra la seguridad nacional y de propaganda contra el sistema, tras el estreno de la película “Unhombre íntegro, el Tribunal Revolucionario Islámico le condenó en junio de 2019 a un año de cárcel y dos de prohibición de viajar fuera del país, así como a no participar en actividades sociales y políticas En aquella ocasión acudió al tribunal acompañado por algunos de los cineastas iraníes más reconocidos como Kianush Ayyari, Majid Barzegar, Reza Dormishian, Asghar Parhadi, Bahman Farmanara, Rakhshan Banietemad, Fatemeh Motamed Arya, Jafar Panahi y Hasan Piurshirazi. Por tres de sus películas, consideradas

“propaganda contra el sistema”, en marzo de 2020 fue condenado a

un año de cárcel y la prohibición de volver a filmar durante dos años.

 

(2) “La semilla de la higuera sagrada” se puede ver en los cines de Madrid a partir del próximo viernes 17 de enero de 2025.

“Juego de ladrones: Pantera”: una segunda parte que no entusiasma

En “Juego de ladrones; Pantera” (Dent of Thieves: Pantera) encontramos un policía que se convierte en gánster, un plan imposible y un botín que vale millones. Acción, suspense y adrenalina en cada una de las secuencias dirigidas por Christian Gudegast (“Diablo”, “Objetivo: Londres”, “Kandahar”).

Big Nick  (Gerard Butler, “El fantasma de la ópera”, “Lara Croft Tomb Raider: La cuna de la vida”, “La isla de Nim”, “Araque a la Casa Blanca”, “Como entrenar a tu dragón”, “Escape bajo fuego”)se traslada a Europa persiguiendo al gran criminal Donnie Wilson (O’Shea Jackson Jr., “Godzilla: Rey de los monstruos”, “Rocky Mountain High”, , “Casi imposible”, “Cuestió de justicia”), quien se ha implicado con unas banda de gansdters balkánicos en el peligroso mundo del robo de diamantes junto a la poderosa organización Pantera, juntos planean llevar a cabo el mayo robo de diamanres jamás visto.

 Mientras Nick, el policía que ya le persiguió en el pasado en la película de 2018 “Juego de ladrones: El atraco perfecto” está arruinado y cansado de ser el cazador así que, contra todo pronóstico,  le propone unirse a su banda y dar juntos el golpe. Los antiguos adversarios se han únicos ahora para robar diamantes en Niza,Francia. Si tienen éxito, habrán conseguido ejecutar el atraco más importante de la historia.

Tras el protagonismo en el film  de 2023 “Mayday”, Gerard Butler –el policía de Los Angeles que tiene alma de gánster, bebe, trata mal a las mujeres, y no sabe pronunciar una frase que no incluya la palabra “fuck” (puede queue decir varias lindezas, de mierda a puta)- regresa para perseguir a Donnie antes de que participe en el proyecto de desvalijar el World Diamond Center, la mayor concentración de diamantes del mundo. De nuevo, Butler comparte cabecera de cartel con O’Shea Jackson Jr. No contento con robar a los matones, Nick va a infiltrarse entre ellos. ¿De verdad ha cambiado de chaqueta o se trata de una apuesta ingeniosa para atrapar a los malos?

La originalidad de la película reside en el hecho de que un policía y un ladrón se hacen amigos, beben juntos, comparten sus historias, hacen bromas sin mucha gracia sobre la cocina francesa y escapan a una brigada de la policía local conocida con el nombre de Pantera. En paralelo, un mafioso sardo –otra joya de los bajos fondos- exige que Donnie devuelva un diamante robado.

En esta película machista como todas sus pares hay especialistas de todo: de entrar en los lugares más vigilados del mundo, de viajar colgados de las ventanillas, de abrir puertas y cerraduras, de hacer escalofriantes carreras de coches a través de las montañas y, naturalmente de disparar.

En algunos países “Juego de ladrones: Pantera” (1) –que tiene todo el aspecto de que sus autores quieren convertirlo en franquicia y sorprendernos  con sucesivas aventuras de sus protagonistas- se ha clasificado como no apto para menores no acompañados debido a la violencia y la vulgaridad del lenguaje empleado.

(1) “Juego de ladrones: Pantera” está en las pantallas madrileñas a partir de hoy, viernes 10 de enero de 2025.

 

 

“Las vidas de Sing Sing”, el arte como redención

“Una convincente historia de redención, humanidad y arte. Impecablemente dirigida por Greg Kwedar, es algo más que una película sobre la vida en prisión. Es una carta de amor al poder transformador de las artes escénicas". (DEADLINE)

« Las vidas de Sing Sing », adaptación del libro ·The Sing Sing Follies », de John H. Richardson, es una interesante película dramática dirigida por Greg Kwedar (“Jockey”, “Transpecos”, interpretada por Colman Domingo  (“Rustin”,  “El color pírpura”, y las series “Euphoria” y “Fear the Walking Dead”), junto a un elenco actoral con Paul Raci (“Sound of metal”) al frente  y un grupo de hombres, actores no profesionales,  que fueron alumnos del programa durante el tiempo en que estuvieron presos en Sing Sing, entre ellos Clarence “Divine Eye” Maclin y Sean San José.

Drama basado en hechos reales, en el que un pequeño grupo de personas encarceladas en el Centro Correccional Sing Sing, una de las prisiones de máxima seguridad más famosas del mundo, intenta montar su propia producción original como parte de un taller de teatro.  A través de las artes escénicas, estos hombres consiguen ver el mundo como un lugar por el que luchar

Divine G (Colman Domingo), encarcelado por un crimen que no cometió,  es un escritor apasionado del teatro de Shakespeare que encuentra la manera de hacer algo más que mirar por la ventana y salir al pario, trabajando en un grupo de teatro junto a otros encarcelados, entre ellos uno recién llegado que no se fía de nadie.  

Cuando le vemos por primera vez está declamando los versos de “El sueño de una noche de verano”. El escenario no forma parte de ningún festival al uso, es una especie de gimnasio en Sing Sing, el penal neoyorquino famoso por haber albergado a mafiosos como Lucky Luciano, y donde fue ejecutado en la silla eléctrica, en 1953, el matrimonio formado por Ethel y Julius Rosenberg, acusado de alta traición.  

Divine G. participa en el programa de “Rehabilitación por las Artes”, creado en 1996, un programa que ayuda a los presos a reintegrarse en la sociedad a través de diversas manifestaciones artísticas “dando origen a una manera de entender el sistema judicial basado en la dignidad humana más que en el castigo” y en el que, bajo la dirección voluntaria de Brent Buell (Paul Raci), un grupo de presos están montando una obra. Divine G. decide incorporar al grupo a Clarence Maclin (que se interpreta a sí mismo), un hombre nervioso y desconfiado, siempre airado, que vende drogas en la cárcel, y que propone escenificar una comedia sobre la historia del grupo. Una experiencia que resulta ser tan significativa como transformadora

“Conocí esa iniciativa –ha declarado el realizador en la prensa canadiense- en un artículo de la revista ‘Esquire’, que hablaba de una comedia musical sobre un viaje en el tiempo, titulada “Breakin’ the Mimmy’s Code”, representada solo en dos ocasiones. Me impresionó especialmente la diferencia entre el ambiente lúdico de la función y el aspecto sombrío de la prisión. Parecía tan atractivo que era como una invitación a intentar convertirlo en historia”.  De ese sentimiento nació el largometraje “Las vidas de Sing Sing”

Auténtica y sincera, toda la película, rodada en prisiones que hoy permanecen cerradas, tiene un aire natural y realista muy humano, considerando a los detenidos como seres humanos iguales a tantos de nosotros y capaces de dar lo mejor cuando se lo proponen. Tanto el realizador como su colaborador en el guión, Clint Bentley, han recogido testimonios de antiguos detenidos, algunos de los cuales aparecen en la historia, junto a Colman Domingo, el único actor profesional con formación clásica -que ha representado probablemente el mejor papel de su carrera, una mezcla de fuerza de carácter, vulnerabilidad y generosidad- y que tiene la virtud de hacerse a un lado siempre que existe la posibilidad de que brille alguno de sus compañeros.

Colman Domingo confiesa que vio en el proyecto “todo lo que el teatro representa para mi, un arte que tiene el poder de cambiar vidas, de darnos herramientas que nos permiten expresarnos y curarnos (…) Creo que lo hemos conseguido, esta película representa todo lo que yo deseaba conseguir como artista”

Sobre la inclusión de actores no profesionales, Greg Kwedar comenta: “Sabíamos que queríamos contar con algunos profesionales, pero la mayoría del conjunto tenía que estar formado por antiguos alumnos del programa. Y confiábamos en ello, porque sabíamos que el talento estaba ahí". Aunque los hombres no tenían experiencia en cine y televisión, contaban con décadas de experiencia sobre el escenario, en Sing Sing y en otros lugares; algunos llevaban fuera 10 años, otros sólo unos meses. 

Estrenada mundialmente en el pasado Festival de Toronto, “Las vidas de Sing Sing” (1) consiguió el Premio del Público en el Festival  SXSW de Estados Unidos y los de Mejor película y Mejor actor de reparto para Colman Domingo en el Festival Internacional de Cine de Seattle.

(1) ·Las vidas de Sing Sing” llega a los cines de Madrid este viernes 10 de enero de 2025.

 

"Bambi, una vida en el bosque", revisitando la infancia

“Un bosque en primavera es como el vientre de una madre, en el que laten miles de corazones”.

 

Recordando una película emblemática que significó el descubrimiento del Cine –ese invento magnífico que “es grande en pantalla grande” (Pilar Miró) y habría que escribir siempre con mayúscula- para al menos un par de generaciones de niños que llegaban traumatizados por las consecuencias de las guerras (la civil española y la Segunda mundial), y representó también una sensación desdoblada: de felicidad ante las aventuras del cervatillo y sus amigos del bosque, y de incertidumbre ante la inesperada muerte de la madre, metáfora también del final de la infancia y el ingreso, impensado y brutal para Bambi, en el conflictivo mundo de los adultos. Los niños que fuimos entendimos que era una injusticia salir del cine llorando.

 

“Bambi”, el cuento clásico del escritor austriaco de origen judío húngaro Felix Salten (1), fue, y seguramente sigue siendo, uno de los grandes aciertos de la fábrica de sueños infantiles de Walt Disney. “Bambi. Una vida en el bosque” (Bambi. L’histoire d’une vie dans les bois), documental y ficción a la vez dirigido por el conocido guionista francés Michel Fessier (autor del increíblemente maravilloso “El viaje del emperador, ganador de un Oscar al mejor documental, “El pequeño Nicolás” escrito en colaboración con Anne Goscunny, “Farinelli il castrato”), adapta en imágenes reales el cuento clásico de Salten y nos lo sirve en un relato casi mágico que cobra vida en la voz poética y pausada de Mylène Farmer (2): Michelle Jenner en las versiones locales en castellano y catalán .

 

“Bambi, una vida en el bosque” es una historia de iniciación, descubrimiento y aventura protagonizada por el entrañable cervatillo junto a los demás habitantes del bosque (todos filmados en su realidad):  hay ciervos, águilas, perros y lobos, ardillas, ratones, búhos, libélulas, ranas, abejas…el conseguido montaje hace que nos reencontremos también con Tambor y Flor, el conejo y el mapache (que yo siempre confundí con un zorrillo) que eran los mejores amigos de Bambi, junto al más leal de todos, el encantador cuervo que, a su manera, siempre estuvo al quite para alejar al cervatillo de los peligros.

La historia la conocemos todos: un pequeño cervatillo llamado Bambi acaba de llegar al mundo. Siguiendo a su madre primero, y después de la mano de sus amigos, el conejo, el cuervo, el mapache y el resto de los animales que habitan en ese espacio natural, Bambi vivirá todo tipo de aventuras con las que se preparará para sustituir a su padre cuando sea necesario, asumiendo el papel de príncipe del bosque.

 

“Bambi, una vida en el bosque” (3) tiene el mérito de conseguir filmar a los animales en su ambiente con un ritmo delicado. Fiel a la obra de Salten, respeta los códigos del cuento iniciático y ofrece una historia con una universalidad aún actual” (Fiches du cinéma)

 

 (1) Felix Salten, pseudónimo de Siegmund Salzmann, es un autor austriaco de cultura húngara. Con una dcena de alias firmó más de medio centenar de trabajos como dramaturgo, guionista y novelista, además de muchas colaboraciones periodísticas. Escribió varios cuentos con los animales como protagonistas pero entre todos fue « Bambi, historia de una vida en los bosques” (Bambi. Eine Lebensgeschichte aus dem Walde)  el que se convirtió en un gran éxito, gracias tambien a la versión cinematográfica que estrenó Disney en 1942: Salten vendió por mil dólares los derechos al realizador Sidney Franklin, quien durante varios años negoció la venta de sus derechos con Disney.  Disney adaptó también otros dos  cuentos de Salten: “Perri, la ardilla” (estrenada como “Las aventuras de Perri”) y “El perro de Florence· (“Qué vida de perro!”).

 

Del italiano "bambino", Salten se inspiró para escribir este cuento durante una estancia en los Alpes. El autor imaginó una continuación de la historia de Bambi que tituló “Los hijos de Bambi, una familia en el bosque” (Bambis Kinder, Eine Familie im Walde), que los estudios Disney rechazaron para la realización de “Bambi 2”, película estrenada en 2006.

 (2) Mylène Farmer, es una autora-compositora-intérprete, productora y actriz franco-canadiense, conocida por la canción de 1984  “Maman a tort” (Mamá está equivocada)

(3) « Bambi, una vida en el bosque » se estrena en los cines de Madrid este viernes 10 de enero de 2025.

"Ciento volando"; Eduardo Chilida, el hombre que peinó el mar

“Moderno como las olas

Antiguo como la mar…”

Este 10 de enero de 2025, como cierre del año del centenario del escultor donostiarra Eduardo Chillida, llega a las pantallas de los cines españoles el espléndido documental “Ciento volando”, dirigido por Arantxa Aguirre, que tuvo su estreno en la sección Zinemira del Festival de San Sebastián: “Un monumento fílmico sobre el autor y su trabajo”. (Zenda).

 

 

El documental cuenta con la voz de la actriz Jone Laspiur (“Ane”, premio Goya a la mejor actriz, “Akelarre”) y con intervenciones del arquitecto Joaquín Montero, el artista Fernando Mikelarena, los escultores Koldobika Jaúregui (fallecido recientemente) y Andrés Nagel, la directora del museo al aire libre Chillida Leku Mireia Massagué, el director del Museo de Bellas Artes de Bilbao Miguel Zugaza, Ixiar Iturzaeta, Jexuxmari Ormaetxea, Nausica Sánchez Kosme de Barañano, Iñigo Irureta y la artista Elena Cajaraville, así como Ignacio, hijo de Chillida, y  Mikel, un nieto.

 

Eduardo Chillida fue un gran artista que dejó una huella imborrable en el arte contemporáneo. Con una vida dedicada a forjar, tallar, esculpir y modelar la materia para resolver cuestiones fundamentales que le surgían durante su proceso creativo relacionadas con el espacio, el tiempo, la materia o el espíritu. También fue un defensor de los derechos humanos y la justicia social. Sus ideas son un testimonio eterno de la capacidad de las personas para cuestionar, descubrir y asombrarse ante el mundo que nos rodea y luchar por la libertad y respeto de todas las culturas. El título del documental hace referencia a una frase del artista, popularizada en el tempo jugando con el refrán popular. Para Chillida son más importantes cien pájaros volando.

 

El documental, producido por A Contracorriente Films y Bixagu Entertainment, asume el reto de llevar al lenguaje audiovisual la experiencia única de visitar, sentir y vivir el museo Chillida Leku, el espacio que Eduardo Chillida pensó y que, con su mujer Pilar Belzunce, buscó, halló y modeló, concebido como un lugar de paso en el que cada obra podría asentarse, terminar de hacerse y de encontrar su sitio en el mundo. Con el tiempo ha pasado a ser, mucho más allá de un museo único, el lugar en el que más íntimamente se conecta con el espíritu y la forma en la que habita el legado de Chillida para la eternidad.

 

Bajo el lema “Eduardo Chillida 100 años. Lugar de encuentro”, el centenario pone en valor la obra pública del artista, representada en 45 esculturas que han convertido el espacio público de ciudades como Donostia-San Sebastián, Madrid, Valladolid, Palma de Mallorca, Barcelona, Berlín, Frankfurt, Helsinki, Dallas o Washington en lugares de encuentro para la sociedad poniendo de manifiesto que Chillida era un “creador de lugares” y ejemplificando los valores de su obra. Como proyecto vivo el centenario ha ido incorporando nuevas propuestas, actividades y programas que tendrán la obra y el pensamiento de Chillida en el centro, dos aspectos que tienen un importante impacto social gracias a sus valores universales y su capacidad para generar cohesión social a través del arte y el pensamiento.

 

Con el objetivo de dar a conocer la obra de Chillida en los escenarios nacionales e internacionales y dirigiéndose particularmente a las nuevas generaciones, la Fundación Eduardo Chillida - Pilar Belzunce ha creado un completo y multidisciplinar programa compuesto por exposiciones, publicaciones, proyectos audiovisuales, educativos y académicos entre otros, además de este documental, convirtiéndose  en una oportunidad para poner de manifiesto el legado de la obra de Chillida. 

 

(1) “Ciento volando”, el documental sobre la vida y obra del más importante de los escultores españoles del siglo XX, se estrena en las pantallas madrileñas el viernes 10 de enero de 2025.

 

 

 

“Desmontando un elefante”, sobre la reconstrucción de una vida alterada por una adición

“Desmontando un elefante”, debut en el largometraje de Aitor Echeverría, protagonizada por Emma Suarez y Natalia de Molina, a las que acompañan Darío Grandinetti y Alba Guilera entre otros, es el relato íntimo y emotivo de una familia atrapada en una cotidianidad enfermiza, con el tabú de la adición alcohólica como leit motiv: ese “elefante en la habitación” que nadie quiere ver y del que nadie habla.

En la ficción, Emma Duarez y Natalia de Molina son madre e hija, con un fuerte vínculo que las une y al mismo tiempo las separa. El realizador de este largometraje fue distinguido en el útimo Festival de Sevilla 2024 con el Premio AC/E a la Mejor Dirección de película española, galardón que concede Acción Cultural Española Por “una película conmovedora, con una dirección intimista y una aguda mirada fotográfica”, según el jurado.  

“Desmontando un elefante” es una película valienta, que enfrenta un problema más extendido de lo que reconocen las estadísticas y  profundiza en las relaciones de codependencia y responsabilidad dentro del núcleo familiar, en un emotivo relato de reconstrucción, tanto personal como del entorno. Pero sobre todo es el retrato de dos mujeres –una madre y su hija adulta- que deben aprender a conocerse, redescubriéndose y reconociéndose en una desafiante nueva etapa de sus vidas.  

Los pasajes de danza contemporánea funcionan como hilo conductor de la historia y como provocador de catarsis en el personaje de la hija.  

Marga (Emma Suarez),  una arquitecta reconocida, regresa a su casa tras haber pasado dos meses en una clínica de rehabilitación por un problema de adicción al alcohol, con el que su familia convivió en silencio durante años. Su marido es un médico un tanto despreocupado de la vida familiar, que solo pretende ver el lado positivo de las cosas. A su regreso, Marga intenta rehacer su vida anterior mientras su hija Blanca (Natalia de Molina) verá como la extremada atención con que sigue todos los pasos de su madre afecta tanto a sus relaciones como a su carrera como bailarina  profesional. Un año más tarde, “el elefante” sigue estorbando en la casa como siempre, aunque ahora ya nadie se atreve a decir que no lo ve.

El director y guionista Aitor Echeverría debuta en el  largometraje de ficción tras una amplia trayectoria como Director de Fotografía en largometrajes (“La voluntaria", “María (y los demás)", "Sense sostre"), documentales ("La cláusula Balcells", "La vida bajo las bombas", "Una cullera a la butxaca") y series de TV (“El Inocente”, “Galgos”, "Nit i dia"), y una carrera como director de cortometrajes premiados en festivales nacionales e internacionales ("Aprop" y “Morir cada día”, entre otros).

 El director reconoce que: “Desde que empecé a imaginar este guion hasta ahora ha pasado una década. Al mirar hacia atrás, agradezco que haya sido así. Es un relato que merecía ser pensado, macerado con el paso de los años (…) es una película de reconstrucción. De cómo la vida sigue su curso con, sin y a pesar de nosotros”.

(1) “Desmontando un elefante” se estrena en los cines de Madrid el viernes 10 de enero de 2025.

“Ciudad de asfalto”, el día a día de dos sanitarios de urgencia en Brooklyn

« Un film nihilista y sensitivo (…) recomendable para quienes disfrutan con la incomodidad de un viaje alucinado. Y para quienes se preguntan si realmente conviene salvar esta ciudad (este mundo) que parece un cadáver pútrido”.  (La voix du Nord)

 

Como todos los capítulos seguidos de una serie sobre el más que esforzado trabajo de un equipo de no se sabe bien si son el 112, paramédicos, bomberos, o todo en uno., “Ciudad de asfalto” (Black Flies),  un viaje por un Brooklyn nocturno y pegajoso, tercer largometraje del director Jean-Stéphane Sauvaire (“Una oración antes del amanecer”, “Johnny Mad Dog”), está protagonizado por el veterano actor, productor, guionista, realizador y activo defensor de los derechos fundamentales  Sean Penn (“El árbol de la vida”, “Mystic River”, “21 gramos”) y el joven Tye Sheridan (“El bar de las grandes esperanzas”, “Ready Player One”), que interpretan a dos sanitarios de los servicios de urgencia que recorren de noche las complicadas calles de uno de los más famoso barrios de Nueva York. 

Completan el reparto Michael Pitt (“Criminal Activities, “Siete psicópatas”), el exboxeador Myke Tyson (“Resacín en Las Vegas”), Katherone Waterston (“Perry Mason”, “Animales fantásticos”) y la boxeadora profesional Kita Reis en su debut cinematográfico, en una historia basada en “911” (el número de emergencias), la novela casi autobiográfica del conocido autor de serie negra Shannon Burke.  Mike Tyson -ganador en dos ocasiones del título mundial de los pesos pesados, condenado en 1992 por la violación de la modelo de 18 años Desirée Wahington- interpreta al oficial superior de los sanitarios.

 

Después de dirigir “Johnny Mad Dog”, una impactante historia sobre los niños-soldados en Liberia, el realizador Jean-Stéphane Sauvaire `presenta en “Ciudad de asfalto” una historia casi documental sobre las intervenciones de este equipo de sanitarios, basada en testimonios reales y actores no profesionales

En un Nueva York apocalíptico, como una Sodoma y Gomorra moderna, “Ciudad de asfalto” va más allá de mostrar el desastroso estado del sistema de salud  (que asusta a los pacientes, carentes de seguridad social, y no apoya a quienes cada día presencian lo peor), así como el caos de la sociedad estadounidense, carcomida por esa violencia que es sinónimo de la desesperación política de una época.

 

Ollie Cross (Tye Sheridan) es el joven conductor de una ambulancia que, mientras prepara el examen de ingreso a la Facultad de Medicina,  recorre las calles de Brooklyn  junto a Gene Rutkovsky (Sean Penn), uno de los más veteranos paramédicos  de los servicios de urgencias de la ciudad. Junto a él, el joven aprenderá un oficio que no deja respiro y diariamente cuestiona sus convicciones y sus certezas y, sobre todo, aprenderá a sobrevivir en unas calles que muchas veces son feudo de una violencia extrema.

 

“Ciudad de asfalto” es un descenso brutal a los infiernos de los bajos fondos de Nueva York, con un montaje frenético que va mostrando los reflejos de las calles a través del parabrisas de la ambulancia, animados por el estridente sonido de la sirena, lo  que provoca una sensación de pánico permanente

 

Envueltos en las luces y la cacofonía de la jungla urbana, los dos sanitarios no son solo los « ángeles » de la megalopolis cosmopolita que han aprendido que salvar vidas significa estar en permanente contacto con la muerte;  sino también la metáfora de un sistema que puede explotar en cualquier momento y del que son, a la vez, actores y espectadores obligados a atender heridos de bala, un cadáver abandonado durante días en una bañera, el alumbramiento de una toxicómana…finalmente, en una intervención dramática se darán de bruces con la tragedia y el joven Ollie conocerá lo que son las famosas “black flies” del título original, las moscas negras que anidan en los cadáveres en descomposición.

 

(1) “Ciudad de asfalto” estará en los cines de Madrid a partir del viernes 10 de enero de 2025.