“Nosotros”: Luces y sombras de la vida en pareja

 “Nosotros”, la película que se promociona diciendo que con ella la realizadora  “Helena Taberna desmonta el amor romántico”, está basada en la novela  Feliz final” de Isaac Rosa.

“Nosotros” (1) reconstruye la historia de un amor empezando por el final, que no es otro que la inevitable separación. El amor no dura para siempre y tampoco se puede confundir con el deseo.

Angela (María Vázquez, “Matria”, “Mataharis”) y Antonio (Pablo Molinero, “El verano que vivimos”, “La peste”) son una pareja que se enamoró, vivió una ilusión, tuvo una hija, se esforzó para no rendirse y cayó varias veces.  Cuando el amor termina, surgen las preguntas: ¿dónde se torció todo?, ¿cómo hemos acabado así? En un viaje por las luces y sombras de su relación, Ángela y Antonio luchan contra la precariedad, las interferencias del deseo o la idealización del amor.

Dirigida por la cineasta navarra Helena Taberna (“Yoyes”, “La buena nueva”, “Varados”), quien la ha coescrito con Virginia Yagüe (“Los niños salvajes”), “Nosotros” cuenta con el compositor Pascal Gaigne (“Handia”, “La trinchera infinita”), Txarli Arguiñano (“Intimidad, Urban”. “La vida es nuestra”) como director de fotografía. Y Maite Pérez-Nievas (“Verano en rojo”, “No mires a los ojos”) se encarga de la dirección de arte

"Nosotros – explica su realizadora- es una película sobre el amor y el desamor, pero también sobre lo que queda cuando el amor se apaga. (…) Es sobre todo una historia de personas corrientes y pasiones universales con la que cualquier espectador puede sentirse identificado. La película dibuja cómo dos personas que se han querido tanto pueden llegar a alejarse hasta convertirse prácticamente en desconocidas. (…) Nosotros no renuncia al aliento poético, y pretende arrojar verdad y belleza al reconocimiento de la trascendencia del amor. La película propone un viaje emocional sobre el paso del tiempo, donde la luz del amor se mantiene viva en el recuerdo de los que amaron, a pesar de los inevitables finales infelices."

(1) “Nosotros” se estrena en los cines de Madrid este viernes 28 de febrero de 2025.

"Ghostlight" , el arte como terapia

“Una tierna historia sobre el poder de la conexión humana.” (Indiewire)

 

“Ghostlight” es un emocionante drama estadounidense sobre una familia que lucha para permanecer unida, y también sobre el poder sanador del teatro, dirigido por la pareja Kelly O’Sullivan (“Saint Frances”) y Alex Thompson (“Rounding”, “Saint Frances”). 

“Ghostlight », sobre personas traumatizadas que se curan gracias al arte,  narra la historia de Dan, un trabajador de la construcción de mediana edad quien, tras sufrir una tragedia familiar y alejarse de su abnegada mujer y su problemática hija adolescente, tiene problemas en el trabajo pero no quiere que se entere la familia, y encuentra consuelo y nuevas perspectivas al unirse a un grupo de aficionados que preparan una representación de la obra “Romeo y Julieta” de Shakespeare. A través del teatro, Dan descubre una comunidad que le ayuda a enfrentar sus propios problemas internos y aprende a afrontar sus sentimientos más profundos. .

“Ghistlight” (1), protagonizada por Keith Kupferer, Dolly de León (“El triángilo de la tristeza”), Katherine Mailen Kupferer y Tara Mailen, fue la película qie inauguro el Festival de Cine Independiente de Sundance 2024. Los Mailen Kupferer, que son una familia en la vida real, aportan toda la ternura y la autenticidad que necesita una historia como esta.

El valor terapéutico del teatro está más que demostrado. Un valor que es esencial en esta película cuyo título hace referencia a la única bombilla que permanece iluminada en un teatro cuando todo el resto de las luces se apagan, y que se puede considerar como digna sucesora de las películas británicas, del estilo “Full Monty”, que hace unas cuantas décadas exploraban el poder liberador y transformador del arte en la vida de las personas. También aquí los personajes dan rienda suelta a sus emociones  en lugar de aburrir al espectador con discursos explicativos.

(1) “Ghostlight” se estrena en la cartelera madrileña el viernes 28 de febrero de 2025

 

 

“Los indeseados”de Erlingur Thoroddsen: intriga y terror en un thriller nórdico algo diferente

“Los indeseados” (“Kuldi”, “Cold”, “Frío” en islandés), la nueva película escrita y dirigida por el realizador islandés Erlingur Thoroddsen (“Rift”), basada en el éxito editorial  “The Undesired”  de Yrsa Sigurðardóttir, es un thriller psicológico nórdico, un intenso largometraje de intriga que entrelaza dos historias subvirtiendo los códigos convencionales del cine negro escandinavo, el drama psicológico y el fantástico. ¿Drama policiaco o film de terror? Un poco de ambas cosas. Nada me intranquiliza más que las historias “de miedo” protagonizadas por menores.

El reparto de “Los indeseados” está encabezado por Jóhannes Haukur (“Los hermanos Sisters”, “Dónde estás, Bernadette?”,  “La gran mentira”) junto a Sara Dögg (“Un blanco, blanco día”, “I Remember You”), Elín Hall (“When The Light Breaks”, “Déjame cae”), Vala Kristin (“La mujer de la montaña”, “Prisioneras”) y Halldóra Geirharðsdóttir (“Grand Marin”). 

La historia sigue a Odinn, una especie de funcionario quien, tras la misteriosa muerte de su exmujer, inicia la investigación de un hogar infantil clausurado. Oddin vive solo con su hija Run, una adolescente con un comportamiento extraño.Run iene problemas en la escuela y su padre no consigue encontrar el equilibrio entre protección y disciplina. Lo que en principio parecía un caso rutinario, pronto revela un oscuro entramado de secretos, muertes inexplicables y un pasado que se niega a permanecer enterrado. En este juego de sombras, nada es lo que parece. 

Aunque no es estrictamente escandinava, la modesta cinematografía Islandesa, como por otra parte el grueso de las manifestaciones culturales del país, está estrechamente relacionada con la que se hace en los países nórdicos. Una coincidencia que también afecta al thriller, en este caso una crítica psicológica y social de la enfermedad mental relacionada con el sistema de los centros de acogida para niños, muy cuestionado en los últimos años.

Pasado y presente se mezclan en esta intriga con una pizca de fantasía que la convierte también en “una historia de fantasmas” con pasillos oscuros, objetos que parecen moverse inesperadamente, ruidos  inexplicables y una música que acompaña los sobresaltos del espectador en un relato que habla de pérdida, de duelo, de dependencia y de trauma generacional.

Aunque puede pensarse que el título –“Kuldi”, frío- hace referencia a la meteorología, ya que al principio aparece un aparato de radio que anuncia la llegad de los típicos días del verano nórdico, cuando el sol sale y se pone con escasos minutos de diferencia, también puede referirse al frío, la ausencia de “calor familiar” que siente la adolescente protagonista de la historia.

En paralelo con la trama principal, otros elementos van añadiendo grados al misterio que la rodea: ¿por qué la abuela teme lo que pueda pasarle a la niña? ¿qué es esa “sombra” que parece acechar a todas las mujeres de la familia?

 

“Yo no diría –confiesa el realizador – que ‘Los indeados’es un drama policial, sino más bien un thriller psicológico con algunos elementos de terror (…) crecí viendo muchas películas. En lugar de hacer deporte, mi tiempo estaba dedicado a ver la televisión”. En la adolescencia realizaca cortometrajes con una cámara VHS: “Al crecer, se fue convirtiendo en algo más serio, hasta que llegó el momento en que pensé que podía hacer carrera (…)  Al escribir el guión de ‘Los indeseados’, me interesó especialmente utilizar las convenciones del género para subvertir las expectativas del público tanto como fuese posible. La novela original ya juega con la idea de sorprender al lector constantemente, y quería mantener este espíritu vivo en la adaptación. La película entrelaza dos historias separadas que eventualmente se conectan, ambas influenciadas por subgéneros del thriller. Es una película que celebra sus giros inesperados y busca asustar a la audiencia de una forma entretenida. Aunque los temas de ‘Los indeseados’ (1) son oscuros y retorcidos, mi objetivo es crear una experiencia donde los sustos y las emociones lleguen rápido y dejen al público encantado y vibrando”. 

 

(1) “Los indeseados” se estrenará en los cines de Madrid el próximo viernes 28 de febrero de 2025.

 

“Con el agua al cuello”, relaciones familiares de última generación

 

 

Con el agua al cuello” (“Goodrich”), segunda película escrita y dirigida por la cineasta estadounidense Hallie Meyers Shyer (“De vuelta a casa”), es una comedia dramática protagonizada por Michael Keaton (“Birdman”, “Bitelchús”) y Mila Kunis (“Con derecho a roce”, “Cisne negro”) apoyados en un variado reparto: Andie MacDowell (“Cuatro bodas y un funeral”), Michael Uri (“Maestro”), Kevin Pollak (“Casino”), Dani Deferrari (“Shiva Baby”), Laura Benanti (“Sin malos rollos”), Nico Hiraga (“Súper empollonas”), Vivien Lyra Blair (“The boogeyman”) y Carmen Ejogo (“Animales fantásticos y dónde encontrarlos”).  

 

Intrascendente pero positiva, definición que debo a uno de mis colegas,  “Con el agua al cuello” (1) cuenta un momento trascendental en la vida de Andy Goodrich (Michael Keaton), un galerista de Los Angeles cuyo negocio  está al borde de la quiebra mientras su familia se pone patas arriba cuando su mujer Naomi (Laura Benanti) ingresa en un centro de desintoxicación para curar una adicción a toda suerte de medicamentos –dependencia que Goodrich no había notado-  y le deja al cargo de los dos hijos mellizos, preadolescentes de 9 años (Vivien Lyra Blair,  estupenda y, pese a solo tener doce años, con una apreciable carrera en el cine y la televisión, y el debutante Jacob Kopera, un rostro expresivo que desaparece tras la personalidad de la niña).

 

Incapaz de atender a todo al mismo tiempo, Goodrich acude a su hija mayor Grace (Mila Kunis), producto de un matrimonio de juventud con Annie (Andy Mc Dowell), casada y en la recta final de un embarazo, para que le ayude a convertirse en el padre que ella nunca tuvo.

 

Explicando el origen de la historia, la realizadora " Hallie Meyers Shyer, de 37 años - hija de la guionista y directora Nancy Myers (“En qué piensan las mujeres”, “Tu a Londres y yo a California”) y del guionista, productor y realizador recientemente fallecido Charles Shyer  (”La recluta Benjamín”, “El padre de la novia”)-  asegura que “el concepto de familia  ha cambiado mucho de un tiempo a esta parte. De ahí que haya querido hablar de los vínculos que se crean entre los hijos de diferentes matrimonios y sobre cómo las distintas generaciones se alían para formar una familia moderna [···] Las dinámicas familiares complejas siempre han estado en el centro del tipo de historias que más me gustan y que más me interesa contar". 

 

Existía la posibilidad de contar muchas cosas acerca de las familias y la forma en que todos sus miembros –padres e hijos, incluso amigos y compañeros de trabajo- reaccionan cuando una relación se rompe, pero a esta comedia dramática  le falta “chicha”: todo cuanto ocurre  en ella, que por cierto parece que igual se podría haber escrito hace un siglo,  carece de relieve, los sentimientos apenas se exploran, a los intérpretes no parece haberles llegado la inspiración necesaria. .. en resumen, una película intrascendente que se deja ver si no hay nada mejor pero que, según algunos críticos estadounidenses, seguramente nunca se había realizado si su directora no exhibiera un pedigree de pertenencia a “la aristocracia de Hollywood” avalado por unos padres muy conocidos.

 

(1) “Con el agua al cuello” se estrena en las pantallas madrileñas este viernes 21 de febrero de 2025.

“Padres”, todos mienten

 

“Padres”, película, escrita y dirigida por José Angel Bohollo y protagonizada por Natalia Verbeke (“Todos mienten”), Fernando Cayo (“La casa de papel”), Carlos Fuentes (“Invasión”) y Angelina Stoian, se estrenó en el último Festival de Cine Europeo de Sevilla. .   En esta historia de intriga en la que todos tienen algo que ocultar, una adolescente de 15 años desaparece cuando no regresa a casa tras haber acudido a un festival de música con su mejor amiga. Sus padres, Jaime y Victoria, recientemente divorciados, se reúnen en el antiguo chalet familiar para buscarla. Todo resulta más misterioso cuando descubren que la ubicación del móvil de la joven se encuentra fuera de España, en una ciudad del interior de Marruecos.  Victoria le explica a Jaime que Carlos, su nueva pareja, ha salido en coche hacia Málaga para encontrarla. Comienza así la búsqueda desesperada de unos padres que ya no tienen nada en común aunque sí mucho que esconder.     Película sobre los lazos familiares, por diferentes que sean, y sobre su inagotable dosis de  amor, en “Padres” (1) mienten todos porque parece ser la única manera de no molestarse y crear una cotidianidad soportable.  A medida que avanza el relato, que en la práctica transcurre íntegramente en el interior de la vivienda y la mayor parte del tiempo en el espacio del salón,  lo que convierte la película en un espectáculo bastante teatral,  van apareciendo fragmentos del pasado de la pareja que originan los inevitables   reproches,  así como la explicación de lo mucho que ambos  personajes le deben a sus conocimientos de informática, imprescindible para la localización de las distintas personas mencionadas, que se encuentran fuera de la pantalla.   .(1) “Padres” se estrenará en los cines de Madrid el próximo viernes 21 de febrero

 

 

“La última reina”, sola contra todos en una corte de hombres

 

Ambientada en la sangrienta  corte inglesa de los Tudor, cuando Enrique VIII se deshacía de sus mujeres repudiándolas o decapitándolas, “La última reina” (Firebrand”) narra la historia poco conocida de Catalina Parr, la última de las seis esposas del monarca y la única que evitó el destierro o la muerte, en una película de terror psicológico dirigida por el brasileño Karim Ainouz (“La vida invisible de Euridice Gusmao”, Gran Premio Un Certain Regard en Cannes 2019), protagonizada por Alicia Vikander (“Tomb RYder”, Anna Karenina”) y Jude Law (“Sherlock Holmes” ,“Animales fantásticos”, “El Gran Hotel Budapest”), en los papeles de la pareja real. Les acompañan , Simon Russell Beale (« El rey Lear », « Los carnets de Siegfried), Erin Dohert (“Chloè”m “The Crown”), Ruby Bentall (“La Ruse”, “Interludio en Praga”) y Bryony Hannah.

Drama histórico sobre el patriarcado, la dominación masculina y la rebelión y la venganza de la reina,  basado en la novela “Queen’s Gambit” de Elizabeth Fremantle,  “La última reina” es una película de factura clásica sobre algunos episodios del obscurantista y tiránico siglo dieciséis británico: una época confusa en la que se mezclan una peste devastadora en el reino, las guerras con Francia y España y un soberano imprevisible en conflicto con el Papa, debido a los repudios y asesinatos de sus mujeres y los siguientes matrimonios, que acabarían con la implantación en Inglaterra de la nueva religión, el anglicanismo, con el monarca como máxima autoridad eclesiástica, cuando no el mismo dios.  

 

En ese contexto, Catalina Parr, sexta mujer del rey Enrique VIII, con ayuda de sus damas de compañía intenta burlar las múltiples trampas que le tienden el obispo, los cortesanos y el propio rey. Engaños, complots  y crueldades recorren la corte de Inglaterra cuando Catalina se demuestra una eficaz regente en ausencia del rey. Ella querría conseguir para su pueblo la libertad y el derecho a practicar una religión abierta y tolerante, actitud que provoca el comportamiento violento de su marido. Enrique es un hombre cruel, colérico, que quiere implantar un clima de terror a base de conservadurismo religioso y paranoia. El monarca ha regresado de la guerra muy enfermo, la nefasta influencia del obispo le llevará a desconfiar de la  reina. Hasta el final luchará por mantener el poder.

 

Irreconocible bajo el maquillaje y la descomunal barriga de un Enrique VIII envejecido y disminuido por la gangrena, Jude Law da vida a un personaje bárbaro y grosero que tiene a la corte amedrentada. Por su parte, Alicia Vikander, es una convincente reina Catalina que lleva adelante el doble juego de obedecer al monarca y salvar su cabeza, fiel a sus convicciones reformistas contrarias al dogma vigente.

 

La reina, sometida a intimidaciones y humillaciones constantes, y sobre todo a violencia sexual con uso de la fuerza, tiene algunos aliados que la protegen pero la corte es tan cruel como su rey feminicida, siempre dispuesta a lo que sea para tenerle contento.  Tanto el combate de Catalina contra todos, como las cuestiones religiosas que se imponen mediante el terror y la dominación, tienen mucho que ver con las luchas de muchas mujeres de hoy por su libertad y su integridad, física y psicológica.

 

En este sentido, “La última reina” (1) es una película moderna y estimulante sobre un pedazo de historia aterradora y turbulenta, convertido en auténtico espectáculo. La ropa, los decorados, la fotografía y la música acompañan un relato que tiene suficiente ritmo y dosis de suspense para impedir que el espectador se aburra

 

 

(1) “La última reina” tendrá su estreno en los cines de Madrid el viernes 21 de febrero de 2025.

 

“Tu color” de Naoko Yamada: dime tu color y te diré quién eres

Una estudiante interna en un colegio católico -lo que debe ser una excentricidad en Japón donde, he leído, a pesar de una mayoría poblacional de no creyentes mantiene desde hace siglos algunas escuelas confesionales-, que puede ver los colores de las personas, forma un grupo de rock con otros dos adolescentes.

Película de animación clásica, « Tu color » (Kimi no Iro), quinto largometraje animado de la japonesa Naoko Yamada (« A Silent Voice », “Liz and the Blu Bird”)) y  Mejor película Animada en el Festival de Shangai, es un poético relato sobre la adolescencia que llega a las pantallas madrileñas tras pasar por los festivales de Annecy y Sitges.  

 Totsuko es una estudiante de secundaria con “sinestesia”, un fenómeno neurológico que le permite asociar a las personas con diferentes “colores”; colores de felicidad, emoción y serenidad, Un día forma una banda con Kimi, una compañera de clase que emite el color más hermoso de todos, y Rui, un chico que colecciona instrumentos musicales y tiene un theremín (instrumento que permite emitir sonidos, mediante vibraciones, sin tocarlo),  a quien conocen en la librería de segunda mano donde trabaja Kimi. Los tres esconden secretos: Kimi no ha explicado a su familia que ha abandonado las clases, Rui toca a espaldas de su madre, quien quiere que sea médico, y Totsuko no puede ver su propio color. Mientras ensayan en una antigua iglesia en la isla donde vive Rui, la música les acaba uniendo. La película cuenta su historia, desde los ensayos hasta si participación en el festival escolar, su primera actuación en vivo.

Con una animación que recuerda las pinturas a la acuarela, la película “Tu color” (1) que comienza con la “Oración de la Serenidad” –“serenidad para aceptar las cosas que no puedo cambiar”-  popularizada por los grupos de Alcohólicos Anónimos,  se apoya también en las canciones creadas por la banda de adolescentes, cada uno de ellos representado por una paleta de colores distinta, que sirve de metáfora a la forma en que cada uno de ellos se enfrenta a su futuro. El verde de Rui, el azul de Kimi y el rosa de Totsuko dan sentido a la historia de tres amigos cuyo deseo de hacer música se mezcla con las esperanzas y los deseos del paso a la edad adulta, en busca de una identidad propia en medio de un mundo de adultos, que les abruma con sus exigencias.

En una entrevista, la realizadora Naoko Yamada explica su trayectoria: “He aprendido a pintar las emociones humanas y lo que pasa en el corazón y el espíritu de los personajes. No se trata solamente de animación, sino sobre todo de representar la manera en que viven, como si se tratara de personajes de la vida real”. En una nota, Yamada ha explicado que pese a no considerarse religiosa “el aspecto religioso de la película permite exacerbar el dualismo que se vive en el momento de la adolescencia, la heroína se encuentra atrapada entre la fe en que ha crecido y sus nuevos impulsos”.

 

(1) “Tu color” llegará a los cines de Madrid el viernes 21 de febrero de 2025

"Conclave" y "The Brutalist", con cuatro premio cada una, comparten honores en la ceremonia británica de los Bafta

El thriller vaticanista « Cónclave » y « The Brutalista », la historia de un arquitecto superviviente del Holocausto, ambas películas estrenadas en Madrid en el pasado mes de enero y todavía en cartelera, se han repartido los principales premios en la ceremonia de los Bafta (equivalentes británicos a nuestros Premios Goya), celebrada en el famoso teatro Royal Albert Hall en la noche del domingo 16 de febrero de 2025.   

 

Realizada por el cineasta alemán Edward Berger, « Conclave » ha conseguido el galardón de la mejor Película mientras que « The Brutalist » se ha impuesto en la categorías de Mejor Realizador, para Brady Corbet, y Mejor Actor para su protagonista Adriem Brody: “Mi personaje –ha dicho el actor, quien hace veinte años ganó el Oscar por otro personaje superviviente con “El pianista”- me ha permitido redir homenaje a mis ancestros, que huyeron de Hungría y estuvieron refugiados en Estados Unidos”  

 

La estadounidense de 25 años Mikey Madison fue la sorpresa de la noche al conseguir el Bafta a la Mejor Actriz, compitiendo con Demi Moore, clara favorita en las encuestas por su papel de una bailarina de striptease en “Anora” . Y el también estadounidense Kieran Culkin se ha alzó con el premio al Mejor Actor Secundario por su papel en « A Real Pain », de Jesse Eisenberg, ganadot del mejor guión por su historia de dos primos judíos que viajan a Polonia para seguir el rastro del Holocausto.

 

“Emilia Përez”, la comedia musical del francés Jacques Audiard sobre el cambio de género de un narcotraficante mexicano, ha conseguido el Bafta para la mejor Película en lengua no inglesa, y el de Mejor Actriz secundaria para Zoe Saldaña, quien dedicó el premio a su sobrino trans.

 

Vencedora en Cannes y en los Golden Globes, “Emilia Pérez” estaba seleccionada en once categorías, pero el descubrimiento en plena campaña promocional de algunos comentarios racistas e islamófobos de su protagonista, Karla Sofía Gascón, han rebajado las expectativas tanto en los Bafta como en los próximos Oscar.  Pese a todo, su realizador, Jacques Audiard, tuvo unas palabras de cariñoso recuerdo para la ausente al recoger su premio.

 

“Amenaza en el aire” de Mel Gibson, suspense en el espacio reducido de la cabina de un avión

 « Toda la película da la impresión de durar veinte minutos y se ve sin gran esfuerzo, incluso con una cierta diversión, debida esencialmente a la interpretación que hace  Mark Wahlberg de su personaje de piloto psicópata…” (Libération)

Tras ocho años sin dirigir una película, el director, actor y productor australiano-estadounidense Mel Gibson (“Mad Max”, “La pasión de Cristo”, “Braveheart”, “Apocalyoto”) a los 69 año vuelve a la gran pantalla con “Amenaza en el aire”, una película claustrofóbica protagonizada por Mark Wahlberg (“Ted”, “Infiltrados”) acompañado de Michelle Dockery (“Downton Abbey”, “The Gentlemen: Los señores de la mafia”) y de Topher Grace (“Spider-Man 3”, “Traffic”).

“Amenaza en el aire » es un triller menor, una película de acción artesanal, eficaz y sin pretensiones con tres personajes encerrados en un destartalado avión que sobrevuela las montañas de Alaska.

Un piloto (Mark Wahlberg) transporta en su avioneta a una agente federal general (Michelle Dockery) que custodia a un testigo (Topher Grace) que debe testificar en un juicio contra la mafia. A medida que atraviesan las montañas de Alaska, las tensiones se disparan, ya que no todo el mundo a bordo es quien parece ser. Y a 3.000 metros de altura quedan pocas opciones de conseguir escapar a lo inevitable.

Antes de seguir recordemos que el nuevo presidente de Estados Unidos, el millonario ultraconservador Donald Trump que tiene al mundo en vilo esperando la siguiente ocurrencia , acaba de nombrar a Mel Gibson, junto a Jon Voight y Sylvester Stallone, sus “embajadores especiales en Hollywood”, con el encargo de ser sus ojos y sus orejas en la meca del cine y la misión de “recuperar la edad de oro de Hollywood”. O sea que lo que pueda venir después de esta película, y teniendo en cuenta los antecedentes,  puede ser una sorpresa mayor aunque, según sus declaraciones en los últimos tiempos, Mel Gibson acaricia la idea de poder hacer un día la continuación de “La pasión de Cristo”, su obra fundamentalista dividida entre cristianismo y alucinación . Veremos…

 

« Amenaza en el aire » (1) resulta ser un largometraje de un género que creíamos desaparecido, con una trama mínima, que se desarrolla íntegramente en el exiguo espacio de una avioneta y con tres únicos personajes; Madelyn es una agente federal valiente, que regresa a la acción tras permanecer “castigada” en una oficina por los errores cometidos en una misión anterior. Winston, el miembro de la mafia dispuesto a hablar, es un personaje siniestro y cobarde, dispuesto a venderse lo mismo que a comprar voluntades. Y Daryl, el piloto, no tarda en demostrar sus cualidades de psicópata sádico, dejando en el espectador la sensación de que imposible adivinar hasta donde piensa llegar.

 

El resto, lo que sucede fuera del avión, los antagonistas de la historia se resumen en las voces que llegan desde unos cuantos teléfonos, y que hablan de traiciones, criptomonedas y redes ocultas. Lo mejor, el aterrizaje en las pistas del aeropuerto de  Anchorage con su escenografía de vehículos, sirenas,  alarmas y luces.

 

(1) “Amenaza en el aire” se estrenará en Madrid el próximo viernes 21 de febrero de 2025.

 

Premios Goya 2025: confusión, errores y fallos técnicos en una ceremonia larguísima y languideciente

 

“El 47” de Marcel Barrena (“100 metros”, “Mediterráneo”) y “La infiltrada” de Arantxa Echevarría (“Carmen y Lola”, “Chinas”, “Políticamente incorrectos”),  se repartieron el Premio a la mejor película española de 2024, entregado en una ceremonia llena de fallos, que parecía no acabarse nunca. Dejo sentado que afortunadamente no tuve que soportarla en vivo y en directo y que mis críticas se refieren a la retransmisión televisiva efectuada por el canal público TVE 1.

“La infiltrada”, película que también ganó el Premio a la Mejor Actriz para su protagonista, Carolina Yuste, está basada en la historia real de Aranzazu Berradre Marín, pseudónimo con el que una agente de la Policía Nacional permaneció durante ocho años infiltrada en la organización abertzale ETA - donde llegó a compartir piso con dirigentes de la organización- con el objetivo de desarticular el comando Donosti, para lo cual tuvo que cortar totalmente los lazos familiares.

“El 47”, mi favorita no solo de la gala sino de los estrenos del año que acaba de terminar, es una emocionante historia de resistencia y solidaridad, protagonizada por Eduard Fernández, inmenso en el papel (supongo que los académicos que deciden estos premios tuvieron que esforzarse para decidir finalmente que el Premio de Mejor Actor se lo concedían por “Marco”, de Aitor Arregi y Jon Garaño, historia de un farsante que vivió haciéndose pasar por superviviente de los campos de la muerte nazis).

“El 47” habla de inmigración extremeña en la Cataluña de los ’70, de disidencia pacífica y del movimiento vecinal de base que en 1978 transformó Barcelona y cambió la imagen de sus suburbios para siempre gracias, entre todos los habitantes del barrio, a la persistencia en la protesta  de Manolo Vital, un conductor de autobús que se adueñó del bus de la línea 47 para desmontar la mentira que el Ayuntamiento de Barcelona se empeñaba en repetir: que los autobuses no podían subir las cuestas del distrito de Torre Baró.

La gala, que presentaron con escasa fortuna las actrices Maribel Verdí y Leonor Watling, seguramente en los peores papeles de sus vidas, empezó con un confuso homenaje a la generación del  rock’n’roll -más o menos los padres, si no los abuelos de la mitad de los asistentes- con la excusa de que Miguel Ríos -que es de Granada, privilegiado escenario este año de “los Goya”- es el autor de “Bienvenidos”, la canción que nos recuerda que un día también nosotros fuimos jóvenes y guapos, y que inició el afinado vozarrón de Luis Tosar quien, a pesar de haber participado como siempre en más películas que ninguno de sus colegas, en esta ocasión no formaba parte de ninguna de las listas de  “nominados”.

En el capítulo de homenajes, casi todos los que subieron al escenario a recoger su premio tuvieron palabras de elogio y cariño para la actriz Marisa Paredes, recientemente fallecida. Pero el homenaje grande fue para Aitana Sánchez-Gijón, un valor seguro del arte de la interpretación: no es que no lo merezca, es que me parece un poco prematuro que este tipo de galardones “a la carrera de toda una vida” se conceda a una actriz de 57 años, a la que sin duda esperan todavía interesantes personajes, tanto en teatro como en cine y televisión. Le entregó el Goya una emocionada Maribel Verdú (ambas comenzaron sus trayectorias muy pequeñas); la emoción se contagió al público asistente con el largo y estrecho abrazo en que se fundieron las dos actrices.

El otro homenaje –Goya Internacional, ¿qué quiere decir?-fue para el actor estadounidense Richard Gere  (entre otras “Oficial y caballero”, “Pretty Woman”, “American Gigoló”, y “Hatchi”, una preciosa película en la que compartía protagonismo con un perro),  quien últimamente anda viviendo por aquí, feliz y orgullosamente casado con una española y  que en un discurso en inglés advirtió de la existencia de “lugares oscuros” en todas partes. La traducción tampoco fue cum laude, pero al menos entendimos que al ciudadano Gere no el gusta nada lo que está pasando en su país.

Aparte de esto, los hijos del cantaor Enrique Morente protagonizaron un poco lucido homenaje a Federico García Lorca (también granadino) y los premiados se alargaron hasta el infinito en sus agradecimientos y dedicatorias, crítica de la que salvo al Mejor Director Novel, Javier Macipe, aragonés realizador de “La estrella azul” (sobre un cantante de rock llamado Mauricio Aznar, líder del gripo Más Birras, cuya carrera de frustró por la adicción a la heroína), cuyo agradecimiento llegó en forma de “letra de milonga”.

Premios Goya 2025, Palmarés:

Mejor película

La infiltrada

Mejor dirección

Isaki Lacuesta, Pol Rodríguez (“Segundo premio”)

Mejor dirección novel

Javier Macipe (“La estrella azul”)

Mejor actor protagonista

Eduard Fernández (“Marco”)

Mejor actriz protagonista

Carolina Yuste (“La infiltrada”)

Mejor guion original

Eduard Sola (“Casa en llamas”)

Mejor guion adaptado

Pedro Almodóvar (“La habitación de al lado”)

Mejor música original

Alberto Iglesias (“La habitación de al lado”)

 

Mejor canción original

“Los almendros”, compositores: Antón Álvarez, Yerai Cortés, La Tania (“La guitarra flamenca de Yerai Cortés”)

Mejor actor de reparto

Salva Reina (“El 47”)

Mejor actriz de reparto

Clara Segura (“El 47”)

Mejor actor revelación

Pepe Lorente (“La estrella azul”)

Mejor actriz relevación

Laura Weissmahr (“Salve Maria”)

Mejor dirección de producción

Carlos Apolinario (“El 47”)

Mejor dirección de fotografía

Edu Grau (“La habitación de al lado”)

Mejor montaje

Javi Frutos (“Segundo premio”)

Mejor dirección de arte

Javier Alvariño (“La Virgen Roja”)

Mejor diseño de vestuario

Arantxa Ezquerro (“La Virgen Roja”)

Mejor maquillaje y peluquería

Karmele Soler, Sergio Pérez Berbel, Nacho Díaz (“Marco”)

Mejor sonido

Diana Sagrista, Eva Valiño, Alejandro Castillo, Antonin Dalmasso (“Segundo premio”)

Mejores efectos especiales

Laura Canals, Iván López Hernández (“El 47”)

Mejor película de animación

“Mariposas Negras”

Mejor película documental

“La guitarra flamenca de Yerai Cortés”

Mejor película Iberoamericana

“Ainda estou aquí” (Aún estoy aquí) (Brasil)

Mejor película europea

“Emilia Pérez” (Francia)

Mejor cortometraje de ficción

“La gran obra”

Mejor cortometraje documental

“Semillas de Kivu”

Mejor cortometraje de animación

“Cafunè”